Lucas Macías dirige a la OSG, con obras de Mozart y A. Dvorák

 Auditorio de Vilagarcía de Arousa

Palacio de la Ópera, A Coruña 

Conciertos de la OSG dirigida por Lucas Macías, en el Auditorio Municipal de Vilagarcía de Arousa, día 20, a las 20´30 h., y en el Palacio de la Ópera de A Coruña-día 21 a las 20´00 h.- , ofreciendo el programa dos obras de W.A. Mozart, la obertura del singspiel El rapto en el serallo (Die Entführung aus dem Serail); la Sinfonía concertante para flauta, oboe, trompa y fagot K297 b, de la que serán solistas la flautista Claudia Walker, la oboísta Carolina Canosa y el fagotista Steve Harriswangler completando sesión con la Sinfonía en M b M, Op 88, de Antonin Dvorák. Lucas Macías oboísta y director, fue miembro de la Jugend Orchester Gustav Mahler, siendo dirigido por Claudio Abbado, Seiji Ozawa y Pierre Boulez, para continuar con la Camerata Bern, la Rundfuck Hessischer Frankfurt, la O. C. de Lausana, la Ac. Sta Cecilia, el Budapest Festival, con Ivan Fischer; pasando a la dirección con la Filarmónica de Oviedo, la O. Ciudad de Granada, la O. S.de Sevilla. Una carrera de experiencias con orquestas y certámenes como Le Roque d´Anteron, los BBC Proms, Berliner Festwachen, ARD Kammermusikfest (Munich); Davos o Friburgo, en donde estuvo un largo período con Heinz Holliger y en Zurich, con Thomas Indermühle.

Mozart, con la obertura de Die Entührung aus dem Serail K. 384  (El rapto en el serallo), obertura en Do M. claramente revolucionaria por su disposición inhabitual, con el intermedio en Do m., que no es una sección larga ni un mero episodio, ni tampoco por la relación poética de este andante intercalado con el aria de Belmonte, con que  se inicia la ópera, sino más bien porque, debido a su estructura musical y a las diversas formaciones precipitadas al torbellino propio de la comedia, el acto creador de una obra  de suprema movilidad, superioridad y plasticidad se realiza de un modo irresistible y como si nunca jamás hubiese habido teatro, es decir, de un modo inauditamente originario.  Antes incluso de alzarse- en una puesta escénica o en versión de concierto del singspiel-, el oyente se encuentra trasladado al plano que le induce y le condiciona a concebir las acciones  posteriores desde la perspectiva pertinente. La obertura es establecimiento y objetivación desde ese punto de partida y por tanto, independiente desde sus relaciones con la acción posterior, es más que un comienzo típico. La búsqueda de relaciones motívicas, o del contenido entre la obertura y la ópera, desvía la mirada respecto de lo genuino. La obertura- programa, o no, era en aquellas fechas- por ejemplo en Gluck. Una alternativa relevante, pero no para Mozart. El rapto no tiene antecedentes en la primera música de Mozart y nuestro músico no mostró interés por las tentativas de su época, especialmente por las inspiradas por Gluck, de unir programáticamente la obertura con el drama.

La Sinfonía concertante para instrumentos de viento K. 297b en Mi b M., obra parisina sería uno de los homenajes a los Concert Spirituels de Le Gros, junto a la Parisien K. 297, conservando los vínculos con el estilo de Mannheim, mediando la relación de incondicionales como Wending (flauta) Ramm (oboe), Ritter (fagot) y Punto (trompa), una indicación del salzburgués a través de un escrito, quienes decidieron estrenarla en fecha especial, una composición apresurada por su demanda a consecuencia de un desplante por parte del propio Le Gros. La partitura no fue ejecutada en París y la autenticidad en ausencia del manuscrito original, en la que oboe y la flauta quedarán sustituidos, arrastrando todas sus dudas. Obra esplendente, brillante  y grandiosa, un manifiesto para los cuatro intérpretes (Einstein) y que para Dal Fabbro, el timbre de los mismos, con la tonalidad de la obra, determinan analogías con las que graves composiciones masónicas e incluso con ciertas atmósferas de Die Zauberflöte.  Un joven de 22 años que motivará una carta de la madre remitida a Leopold que confirmará que la obra merecía ser considerada como una pieza curiosa - ¡un hurto a la agencia del joven-¡: Si me quedara espacio, escribiría mil homenajes a parte de nosotros dos a todos los queridos amigos y amigas, especialmente a los  A:  Adlagesser, Andretter y Arco; a los Srs B: Bullinger Barsani,  Beratnizi, C: Cerni, Cussetti y a los tres Calcante, D: Srs Daser, Deibl y Dommser, E: a Mme Eberling Waberl, Sr. Estingler y a todos los Eser (asnos), de Salzburgo. F: Firmian (conde y condesa pimpollo)…un largo etc, que culmina el Sr., Zaubesnig, y el Sr Zezzi (detrás de la rejas). Adios. Si tuviera espacio, escribiría aún algo más, al menos mis respetos a mis queridos amigos; pero es casi imposible; no sabría dónde.

Antonin Dvorák-Sinfonía nº 8, en Sol M. Op. 88-, estrenada en Praga bajo su dirección y compuesta meses antes, en 1889, tras la densa e intensa precedente, en un momento que cobraban forma el oratorio Santa Ludmilla y la cantata La novia del espectro. El Allegro con brio parte de una cantinela a cargo de las cuerdas que alterna entre tonalidades de Sol m. y Si b M., Mi b M. y La b M., sin llegar a ser la parte principal de la exposición, esa melodía tendrá un rol decisivo en el desarrollo, dividiéndose en dos partes, cargado en especial en la segunda. Rápido crescendo, aporta toques de metales en medio de motivos graves en las cuerdas, auspiciando un pronunciado desarrollo. El Adagio, resulta una página profusamente romántica con un fervor casi místico, remarcado por diálogos de cuerdas y maderas, con importantes cambios de armadura hasta alcanzar un clima de plácida dulzura y un episodio de pinceladas sonoridades caballerescas, en el centro del movimiento con repeticiones de diálogo entre instrumentos de la orquesta.

El Allegretto grazzioso, un scherzo sin más, se reparte en tres partes ABA,  todas ellas con un lenguaje cercano a Johannes Brahms, dejando importancia a pasajes secundarios, que no disimilan su querencia hacia el estilo del ländler y las danzas húngaras brahmsianas, aires populares a carta cabal, sencillas y ligeras con ciertas improntas schubertianas, destacando la coda por su ritmo diferente e intenso.  El Allegro ma non troppo, se anuncia con una llamada de trompeta, especie de reclamo patriótico que recuperaremos en pasajes de las óperas de Smetana, hasta llevarnos a una forma de bacanal orgiástica a través de su forma de variaciones, encadenadas gracias a una serie de episodios centrales, para alcanzar una recuperación sonora de pretensiones elegíacas , optimistas y plenamente rapsódicas.

Ramón García Balado

Bryce Dressner, por Ben Voce, para Cineuropa

 Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

Ben Voce, dirigirá la banda sonora de Greg Kwidar, en el filme Sing-Sing, con la RFG, en Cineuropa- Auditorio de Galicia, día 20, a las 20´30 h., con una segunda sesión al día siguiente en el ciclo (En), foco, a la misma hora. Ben Voce, participó en Glyndebourne, para un programa que incluía El sueño de una noche de verano, de Benjamin Britten, director próximo a Adès, del que es asistente, a Stravinski y a Britten, colaboró con formaciones como la Berlin Philharmonik O.; el Concertgebouw; la London P.O. o la O. de La Halle. Estudió en el Royal College of Music, con Mark Heron y Clark Rundell, para ampliar en  masters con D. Baremboin, Sir Mark Elder, Ed Gardner, John Storgards, Ludovic Morlot, Anthony Hermus, Martyn Brabbins y Nicolas Pasquet.

Sing-Sing, el mundo carcelario de Greg Kwedar, sobre un guión de Clint Bently, nos lleva a una historial real sustentada en las vivencias en la prisión de Sing-Sing- una de las más seguras-, describiendo un proceso de rehabilitación en la que quedan incursos un grupo de reclusos, implicados en la creación de espectáculos teatrales a través de un programa protagonizado por los actores Colman Domingo y Paul Raci, David Dap Giraudy, John Adrian, junto a otros excarcelados de la vida real y que padecieron situaciones similares, incluidos Clarence Divine Eye Maclin y Sean San José (Mike Mike), película estrenada en un programa de especiales presentaciones, dentro del Festival Internacional de Cine de Toronto (2023).

Bryce Dessner, destaca por sus labores independientes, en las que caben obras ajenas al medio escénico, respondiendo a encargos de formaciones como la Philharmonic O. de Los Ángeles, el Met neoyorquino, el  BAM Next Wave Festival, el Kronos Quartet, el Carnegie Hall, el Safe Harbour Fest. (Cork, de Irlanda), el Sô Percussion, la New York Philharmonic, el New York City Ballet, logrando un Grammy (2016), por Filament. Artista que colaboró con músicos de vanguardia entre los que encontramos a Philip Glass, especialista en las pequeñas secuencias que varían gradualmente  por medio de un sistema aditivo, que por veces remite a las músicas orientales. Steve Reich, quien siempre supo reemplazar el silencio que separa los sonidos de las obras compuestas  según el determinismo y el azar de un Cage, por un proceso continuo, autónomo, lo que le acercará a influencias de procedencia africana. Ruyichi Sakamoto, caso complejo y curioso, por trabajos como El cielo protector, El último emperador, El pequeño Buda, con obras propicias como Cinemage o Forbidden Colours, el hipnotismo de Glass, que se acerca al pathos de los impresionistas y al cool jazz o las influencias de temáticas de procedencias folklóricas.

Llegarán trabajos como el concierto para chelo y ensemble, para la Foundation Louis Vuiton y Gautier Capuçon Clases d´Excelence; estrenado en junio de 2019; el Concierto para dos pianos, escrito para las hermanas Katia y Marielle Labeque, con la London Philharmonic Orchestra, en abril de 2018; Voy a dormir, para la mezzosoprano Kelley O´Connor y la Saint Luke´s Orchestra, encargo del Carnegie Hall; Skrik Trio, encomienda de Steve Reich y el Carnegie Hall, para la serie de Three Generations y presentada por Pekka Kuusisto, Nadia Sirota y Nicolas Alstaedt, en el Carnegie Hall; No Tomorrow (ballet de Ragnar Kjartansson, Margrét Bjarnadóttir y el propio compositor), puesto en escena en el Sacrifice Festival (2017) y premiado en el Iceland´s Griman Award; la banda para la película Death of Marsha P. Johnson, documental Netflix sobre el tema LGBT Rights activits (2017); Wires, un proyecto para el Ensemble Intercontemporain, que divulgaría la Philharmonie de París.

 The Most Incredible Thing, para el New York City Ballet, sobre coreografía  de Justin Peck, con atrezzo de Marcel Dzama, conocería su estreno en el Lincoln Center; Quilting, con Los Ángeles P.O.  y que tuvo buena acogida en el Walt Disney Concert Hall, bajo la dirección de Gustavo Dudamel; Wave Movements, obra orquestal escrita junto a Richard Reed Parry, se apoyaría en recursos visuales y fotográficos de Hiroshi Sugimoto, destinado al Barbican Concert Hall (Londres); 40 canons, para el Grammy Award- winning Kronos Quartet; Reponse Lutoslawski, un trabajo para el National Audivisual Institute  of Poland; Black Mountain Songs, una atención para The Brooklyn Youth Chorus; Music  For Wood and Strings, con el Sô Percussion, nueva obra para el Carnegie Hall; Murder Ballads, una inspiración en tradiciones folklórica americanas, con un triple Grammy. También tres cuartetos de cuerda para el Kronos Quartet: Aheym, Tenebre y Little Blue Something; Tour Eiffel, obra que comparte con el Brooklyn Youth Chorus; O Shut Your Eyes Against the Wind, para grupo instrumental; Lachrimae, pensada para The Amsterdam Sinfonietta, el Scottish Ensemble y la  Norwegian Chamber O.; el extenso oratorio  Triptych (Eyes of One on Another), sobre un poema de Korde Arrington Tuttle, destacando la soprano Alicia Hall Moran, el tenor Isaiah Thomas y las coreografías de  Martell Ruffin, en combinación con piezas madrigalísticas del s. XVI y aportaciones de recursos contemporáneos, una producción de ArKtype, con dirección de Kaneza Schaal, un trabajo en el que participaría la Robert Mapplethorpe Foundation; El Chan, para cuarteto de piano o dúo de piano, será un trabajo para las hermanas Labeque. The Yale Schwarzman Center, le integró como compositor el residencia (2022) en colaboración para ArKtype en un proyecto dedicado a creadoras actuales como Julia Bullock o Carolyn Yarnell, mientras prepara para la próxima temporada iniciativas para el Music NOW, fundado por él mismo en 2006, una muestra de trabajos contemporáneos en colaboración con artistas de su entorno  con arraigo en distintos países y con sede en Cincinnati (Ohio).

Dentro de sus experiencias con el mundo del cine, su primera aventura había sido The Two Popes (2019), para Netflix, dirigida por Fernando Meirelles y tratado musicalmente por la London Contempory Orchestra y que para su registro, se recurrió al Abbey Road Studios. En compañía de Ryuichi Sakamoto y Alva Noto, compondrá el registro que le valdrá un Oscar Award, conseguido por The Ravenant, de Alejandro González Iñarritu (2015); llegará otro Grammy Awards por el Best Score Soundtrack, en la modalidad For Visual Media Category. Tour Eiffel, recibió la Palme d´Or, un filme dirigido por Jacques Audiard y que musicalmente sería abordado por el Kronos Quartet junto al Brooklyn Youth Chorus. Con su hermano Aaron, se hizo cargo de la banda para Transpecos, con la que conseguiría el Audience Award, ambos repetirán en la película Big Sur, una adaptación del relato de 1962, de Jack Keruac, y que tuvo buena acogida en el Sundace Film Festival.

Ramón García Balado

AZRAQ: Obras de Sánchez- Verdú, Gubaidulina y C.Debussy en Bonaval

 San Domingos de Bonaval, Santiago de Compostela

Concierto de Vertixe 13, por el Zahir Ensemble, trío formado por Alfonso Rubio (flauta), Jean Sautereau (viola) y Bleuenne Le Friec (arpa) en San Domingos de Bonaval- día 16, a las 12´00 h-, bajo el reclamo de AZRAQ (Azul), para ofrecernos obras de José Mª Sánchez- Verdú- Azraq- estreno en Galicia; Garden Joy and Sorrow, de Sofía Gubaidulia, también en estreno en Galicia y la Sonata en trío, de Claude Debussy, para flauta, viola y arpa. Continuidad con respecto al de la jornada de ayer, entre dos compositores de irrenunciable reconocimiento en la actualidad y un maestro del impresionismo como es Claude Debussy, a través de su Sonata en trío, obra tildada de visionaria y primordial integrada en el ciclo de otras seis composiciones de género camerístico de las que solo llegaría a completar tres de ellas, eligiendo para este caso una formación poco frecuente pero que permitiría probar en un mundo sonoro de peculiares evocaciones, en reparto logrado por la búsqueda de un equilibrio entre esos tres instrumentos, constatable en su fresco lirismo de peculiares perfiles. Esta segunda sonata, fue completada a finales de 1915, al mismo tiempo de lo hacía con sus Estudios para piano. Destinada para flauta, oboe y arpa, conocerá la sustitución del oboe por una viola. Para el autor, quedaban dudas en su resolución: No sé si hay que reír o llorar ¿quizás ambas cosas? Ciertamente, esos instrumentos casan sus timbres admirablemente en una sutil alianza de libertad de intenciones y de estructura. La Pastoral, primer tiempo, crea una entrada que ofrece una atmósfera común entre todas las partes; la flauta apunta a un desenvolvimiento fluido gracias a un elemento temático propuesto por el tono principal en Fa M., para divagar entre distintas transformaciones que nos llevan a un pasaje central  vivo y gozoso, en un orden completamente modificado en forma de una interrogación de sorpresa un tanto chocante.  El Interludio (Tempo di minueto), efectivamente un ., se anima por la libertad de melodismo, con un tema lánguido. El  arpa retoma en su momento ideas que fueron pasando, alcanzando un episodio de gran colorido antes de ceder a la coda propuesta por el tema del minuetto, que queda definitivamente en suspendo antes de dar el salto al Final, un Allegro moderato ma risoluto, vigoroso en su contexto expresivo, en el que la flauta cobra una notable dimensión. El apunte Un poco più mosso en Re m. modal, alcanza una superposición de armonías politonales que se completará en un Finale hacia un Reprise de una alegría dionisíaca en modo mayor, interrumpido por tres compases de nostálgica actitud que evoca la Pastoral

José Mª Sánchez- Verdú- Azraq (2002), para flauta, viola y arpa-,  obra que proviene del árabe que significa azul, plena de significados simbólicos y marcada por un horizonte profundamente esquivo, un ejemplo más de su trayectoria por esa tentación de aproximación a las tradiciones islámicas en una idea que conserva los referentes de una actitud ante las fuentes de investigación, un compositor ya familiar entre nosotros por la frecuencia con la que asistimos a estrenos suyos, tanto en certámenes de propuestas contemporáneas como en programaciones de temporada. Azraq  aprecia las transformaciones de las materias cromáticas y el significado de los silencios que con clara precisión toman protagonismo en las notas, realzando especialmente el valor de las microtonalidades sutiles, que se entrelazan dentro de unas texturas densas.  Se acepta en su evolución, una proximidad a compositores como Salvatore Sciarrino o a G. Scelsi y en lo posible, hasta Luigi Nono, merced al uso del empleo de bloques sonoros monolíticos que insuflan el mundo de su obra, fuertemente asentada en una obsesión por la mediterraneidad, presente de forma continua, que contribuyen a la amplitud de su lenguaje afortunadamente refrescante. Obras referenciales como Paisajes del placer y de la culpa y en gran medida en la rotunda Quabiyyat, auténtico manifiesto estético, que recurre a la incorporación de un canto basado en las ricas ornamentaciones de ancestrales liturgias hispanas Maqbara o el ritmos y timbres procedentes del árabe Quasid 7, también en las obras de pequeño formato, se conserva esa tendencia creativa, es el caso de Arquitecturas de la ausencia, para ocho violonchelos, en dos coros; Arquitecturas del silencio, para acordeón solo, idea del carácter primigenio del autor, que forja su propio horizonte en un lenguaje de vanguardia, con evidentes influencias de las tradiciones de Al- Andalus; Alquibla, puente irrenunciable en su escalada a lo sublime; Qabryyat Taqsim, hasta llegar a la ópera Aura, escrita a partir de un texto de Carlos Fuentes y que le acerca a Luigi Nono, en su Prometeo.

Sofia Gubaidulina (1935/2025)- Garden Joy of Sorrow (1980), para flauta, viola y arpa-por pura pertinencia, un modelo de solemne espiritualidad, que hace referencia a la obra poética del escritor austríaco Francisco Tanzer y que encarna de forma magistral un lenguaje profundamente austero a la par que meditativo, con un simbolismo que descubrimos a partir de las insinuaciones aportadas por el propio texto. El jardín, al que alude el título, se consuma en una dimensión interiorizada, en la que la propia música se ofrece como una reflexión sobre la dualidad de la vida: la alegría y el dolor; lo efímero y lo eterno, y toda la serie de contrastes imaginables. Los sonidos se suceden con casi imperceptibles delicadezas, como si cada gesto instrumental estuviese investido de un sentido transcendental.  Sofía Gubaidulina, había ganado el BBVA Fronteras del Conocimiento  de 2017, ante un jurado que destacaría sus extraordinarias cualidades musicales y humanas a la par que espirituales  aceptando que según su trayectoria, se sentía como una creadora que era de un lugar en el que se encuentran enfrentados Oriente y Occidente. Su familia era también un cruce, por su padre, tártaro en sus orígenes. Ella estudió en la Academia del Conservatorio de Kazan, hasta 1954, mientras soportaba las presiones del llamado realismo socialista, influencias de aquellos años de juventud, recibiendo con fortuna el apoyo de Dmtri Shostakovich, período en el que además, recibiría noticias de las vanguardias emergentes en los países europeos. A partir de los setenta, comenzaría a  ser conocida a nivel internacional.

Ramón García Balado

Voces líricas: Arias y romanzas, con Julia Portela y Gabriel Alonso, con la Banda Municipal

 Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

Concierto de colaboración entre la Banda Municipal, dirigida por su titular Casiano Mouriño Maquieira, con el Coro Liceo de Vilagarcía de Arousa y Amigos de la Ópera de Santiago, con el especial protagonismo de la mezzo Julia Portela y el barítono Gabriel Alonso, bajo el reclamo:¡ Escoita, sinte e disfruta! en el Auditorio de Galicia- día 16, a las 12´00 h-, destacando arias operísticas y una  obertura de encabezamiento, para entregarnos a conocidas romanzas de zarzuela con el Preludio de El tambor de granaderos, de Ruperto Chapí.  Giuseppe Verdi, con la obertura de Un giorno di regno ossia Il finto Stanislao- transcripción de M. Tamanini, especie de melodrama giocoso sobre libreto de Felice Romani, una peculiar ópera- bufa al uso, que no tendría buena acogida en su estreno en el Teatro alla Scala, pero que recibirá mejor trato en Venecia y en Roma, permitiendo a Ricordi publicar la partitura en versión para canto y piano. Ópera que tendrá mayor acogida por su recuperación a  través de la RAI, en 1951, con motivo del centenario de su muerte.  Giacomo Puccini, con una ópera primeriza Edgar, y el aria del primer acto para barítono Questo amor, amor vergogna mia, ópera estrenada también en el Teatro alla Scala, milanés sobre libreto de Ferdinando Fontana, y que en su libreto recurre a un relato de Alfred Musset La coupe de levres, cuyo estilo musical apunta al verismo por su acentuación en el sentimentalismo y a la desesperación de actitudes encontradas. De esta ópera, el asunto del tercer acto, del que surgirá la marcha fúnebre que se pondrá en atriles en su sepelio, bajo la dirección de Arturo Toscanini. La transcripción, pertenece a Casiano Mouriño Maquieira.  Nueva transcripción para la tan popular Habanera, de la Carmen bizetiana, ópera que disfrutamos en la temporada del LXXIII Festival de Amigos de la Ópera, de A Coruña, destacando entre sus roles, Sofija Petrovic, Brian Michael Moor, Jean- Ferninand Setti; Mª J. Moreno, Irene Zas, el propio Gabriel Alonso o Jacobo Rubianes, bajo la dirección de Gianluca Martineninghi.   Gioacchino Rossini-Il Barbiere di Siviglia,ossia l´unitele precauzione-el dúo embelesador de Rosina y Figaro- Transcripción de Mouriño Maquieira- comedia bufa a lo grande, gracias al ingenioso libreto de P.A. C. Beaumarchais, cuadro segundo del Primer acto, en ese momento sublime del dúo: Dunque Io son…Pasando de inmediato a las piezas zarzuelísticas, en un perfecto equilibrio de componendas.

Otro preludio, esta vez de Ruperto Chapín, en El tambor de granaderos, zarzuela cómica con libreto de Emilio Sánchez Pastor, destinada al Teatro Eslava para su estreno el 16 de noviembre de 1894, en la que se aporta un efectivo preludio y que para expertos dejaría ejemplo de sus méritos artísticos, confirmados por la implicación de los cantantes, desde Isabel Brú, a Daniel Banquels y Bonifacio Pineda o Valentín García, un trabajo que en lo relativo al libreto nos lleva al período de la ocupación francesa, el autor, pasaba entonces por una etapa de enfrentamientos con los magnates del Teatro Apolo en sus pretensiones de ampliar repertorios con ejemplos como la ópera La serenata, que se convertirá en zarzuela, pasando parte de ella a este Tambor de granaderos.  Pablo Sorozábal, estará por Don Manolito, en arreglo de J.L. Represas, un sainete lírico que se dio a conocer en el Teatro Reina Victoria madrileño, y que para esta sesión, nos situamos en la escena de Emilio y el coro, del segundo acto, en el que el compositor halaga a los aficionados con un típico popurrí castizo a través del uso de material de procedencia popular, interpretado por el tenor cómico Emilio y el coro que le secunda en respuesta, buena madera de dar entidad al comienzo de este segundo acto con una especie de ensalada madrileña.

Francisco Asenjo Barbieri- El barberillo de Lavapiés- con la Canción de Paloma, en arreglo de Casiano Mouriño Maquieira, un libreto de Luís Mariano de Larra, del que nuestro compositor sacará buen partido, refrendado en números musicales como el de Paloma con coro, en Como nací en la Calle de La Paloma o su dúo con Lamparilla, expresado con un gracejo popular, además del propio solo de nuestra dama interpretado en su estreno por la tiple Dolores Franco de Salas, romanza que se apoya en un resultón ritmo de seguidillas, un aire de zapateado, según la partitura autógrafa, dejándonos para mayor disfrute, realzada por un revuelo de castañuelas,  una de las piezas más apreciadas de esta apreciada zarzuela.

Pablo Sorozábal, el viejo cascarrabias, con Katiuska, también con otra romanza estimable, ¡Calor de nido!, en arreglo de J.L. Represas, cercanos estamos a una opereta que se estrenará en el Teatro Victoria de Barcelona, a comienzos de 1931, la romanza de Pedro Stakov se confió a Marcos Redondo, a efectos reales, el primer gran éxito del compositor en el panorama lírico español, modelo de un estilo que aportaría ideas nuevas y refrescantes, distanciándose de pesadas dependencias academicistas. La acción, se mueve en paisajes ucranianos después de la Revolución de Octubre, encontrándonos en este caso con la aparición repentina de Pedro. Sorozábal  había pasado una larga estancia en Alemania, volviendo a su país con un prestigio reconocido.

José Serrano-Los claveles-, sainete en un acto y tres cuadros, estrenado en el Teatro Fontalba (Madrid) y del que elegimos una de las romanzas tan comunes en recitales líricos Qué te importa que no venga- también arreglo de J.L. Represas, rol que ofreció en su estreno Matilde Vázquez, con una intención de burla frente a Fernando, papel que se confió al tenor Tino Folgar, disputa entre ambos acentuado por la aportación a medias entre el fagot y el oboe.  José Fernández Vide  (1893/1981), compositor en recuperación por obras como su zarzuela Miñatos de vran, zarzuela galega ofrecida por nuestra banda, en asociación con Amigos de la Ópera de Santiago, en el Auditorio de Galicia, con el Coro Liceo de Vilagarcía de Arousa y solistas como Patricia Rodríguez,  Diego Neira, Gabriel Alonso, Tamara Casás, José L. Prado, Julio Cores , Chus Sánchez o Carlos Nogueira, bajo la dirección de David Fiuza Souto.

 Reveriano Soutullo y J. Vert, con La del Soto del Parral, escena de mozos y mozas- arreglo de Casiano Mouriño Maquieira-zarzuela en la que destaca la ronda de enamorados,  uno de los pasajes más afortunados de esta zarzuela que se presentó en el Teatro La Latina, un perfecto trabajo escénico en este género, conseguido por estos dos artistas, que para muchos curiosos, supone uno de sus mejores trabajos.  Ruperto Chapí, con la inmarcesible especie de sainete lírico La Revoltosa, a través del dúo por excelencia entre Felipe y Mari Pepa- arreglo de J. Ll. Moraleda, eterno dúo en diálogo embaucador ¿Porqué de mis ojos los tuyos retiras?, zarzuela peculiar en lo relativo a la identificación tímbrica de los cantantes, en su estreno Isabel Brú y Emilio Mesejo. Para redondear, un irrenunciable como La verbena de La Paloma o el boticario y las chulaponas y celos mal reprimidos- arreglo de J.L. Represas-, de Tomás Bretón, tomando las pintorescas seguidillas secundadas por el coro, de este sainete lírico sobre un ingenioso libreto de Ricardo de la Vega, que como bien sabemos, no ha perdido un ápice de vigencia.

Ramón García Balado

Plural Ensemble de Fabián Panisello: Reflexos 20-21, en Vertixe 13

 San Domingos de Bonaval, Santiago de Compostela

Actividad de Plural Ensemble de Fabián Panisello, dentro de Reflexos 20-21  Vertixe 13- San Domingos de Bonaval- día 15, a las 18´00h-, en un especial conmemorativo con motivo del 125 aniversario del nacimiento de Rodolfo Halffter y el 150 del de Antonio Machado, agrupación que tuvimos en la edición de las Xornadas de Música Contemporánea 2022 Poñer o foco, en colaboración con el pianista Alberto Rosado. Para esta sesión, Helga Arias , con obra de encargo del Plural Ensemble, destinada a clarinete, flauta, violín, chelo y piano, compositora bilbaína de la que tenemos referencias no tan distantes en la programación de las Xornadas de Música Contemporánea del pasado curso- Caleidoscopio-, por su obra Traces of the Blast (In Aftermatch of Explision), encargo de la JONDE,  para esta compositora que fue alumna de Mario Garuti, en el Conservatorio Verdi de Milán y de Beat Furrer, en la Kunt Universität Graz, especializándose en electroacústica con Javier Torres Maldonado, en el Conservatorio A. Boito (Parma) y Karlheinz Essl (Universität für Musik und darstellende Kunst Wien, contando con un catálogo de obras que avala la editorial Babel Scores. Su doctorado lo realiza en la Universidad Anton Bruckner de Linz, y es profesora de composición en la HfM de Würburg. En aquella convocatoria de esta compositora, también habíamos disfrutado de un obra de George Benjamin Three inventions, escrita para un ensemble de 24 intérpretes, un encargo de la filántropa y fotógrafa Betty Freemann, para el Festival de Salzburgo (1995), pieza en tres espacios de planteamientos contrastados.

George Benjamin, pianista y alumno de Olivier Messiaen, es compositor prolífico que dominada el ámbito de las propuestas vanguardistas del entorno parisino, merced a su relación con las propuestas del IRCAM, cuyo resultado serán trabajos como Antara, para 16 intérpretes y electrónica (1987 y revisada en 1990, que revelaba un trabajo curioso y refrescante. At First Light, para orquesta de cámara de 14 músicos, que supuso su primer éxito reconocido; Ringed by Flat Horizon (1979/80); A Mind of Winter, para soprano y orquesta (1981); Jubilation, para orquesta y coro de niños; Upon Silence, para mezzosoprano y cinco violas; también para mezzo, y grupo de cuerdas, dos trabajos sobre poemas de William Butler Yeats; Sudden Time, para gran orquesta; Palimpsest II, para orquesta, en una declaración por parte del autor, por sus pretensiones de alcanzar la pura abstracción, con ciertas similitudes con Maurice Ravel, al que admira profundamente atendiendo a verificables contrastes que se expresan con evidencia en los recursos tímbricos y en la idea de sus estructuras, procurando conseguir los mejores resultados en la esencialidad para alcanzar un equilibrado desarrollo.

Ethel Smyth- Allegro moderato (de la Sonata para violín y piano en La m. (1887)-, la generación de compositoras británicas entre las que destacan Elisabeth Stirling; Ann Sheppard Mounsey o Caroline Orgen. Ethel Smyth (1858/1944), compuso en especial trabajos para el medio escénico, en el que acabaría obteniendo una considerable aceptación internacional, compartida con otras labores literarias dentro de una actitud feminista reivindicativa dentro del movimiento sufragista. Sus estudios se habían iniciado interesándose por la obra de Richard Wagner, por sus estudios en el Conservatorio de Leipzig, uno de los más prestigiados en la Europa de su tiempo, aunque llegó a tener problemas con sus profesores y decidió apuntarse a la docencia del maestro austríaco Henrich von Herzogenberg, director del Bach Verein (Leipzig), amigo de Johannes Brahms y Clara Schumann, entrando así en el círculo de músicos como Grieg, Dvorak y Tchaikovski. Pronto comenzaría a componer obras camerísticas y orquestales, con perceptible influencia brahmsiana, gracias a sus recursos y que dejarán resultados en la editora Breitkoft & Härtel. En su etapa final, tendría relación con el Grupo de Bloomsbury, por su relación con Virginia Wolf, de la que conservamos un epistolario.

Rodolfo Halffter (1900/87)- Homenaje a Antonio Machado (1944), para piano-obra que sigue a Danza de Ávila Op. 9, escrita en 1936, y que venía de un largo silencio de trabajos para el piano, un homenaje a Antonio Machado Op. 13, que dará a conocer en 1944, en la Sala Schiefer (México), el 29 de noviembre de aquel año, por el pianista Miguel García Mora, sin llegar a conseguir entre los especialistas un detenido estudio de la obra. Su preferencia o tendencia hacia la miniforma, que entre otras cosas, caracterizó al Grupo de Madrid, parece tener una excepción en el primer tiempo de esta página. Para el compositor, su opinión le lleva a recordar que en vida del poeta, había pensado en escribir unas canciones sobre versos suyos. Posteriormente se decidió por una serie de páginas pianísticas. En conjunto y en varios detalles, quizás sea esta obra la más lograda de Halffter en el domino del teclado, como afirmaría Adolfo Salazar. Un tributo en estos pentagramas, en los que se respira la identidad y delicadeza del mensaje artístico en la lírica de Antonio Machado, por su fuerza interior, hacia un neoclasismo soleriano y escurialense.

Benjamin Britten- tema Sacher, para violonchelo (1976)- el autor en el último año de su vida, para una obra que se confiará a Mstislav Rostropovich y que tendría en mente a Paul Sacher, fundador de la Schola Cantorum Basiliensis asociada con el mundo de la investigación musicológica, que nos lleva hasta los fundamentos de la música antigua, aunque con entrega se dedique a las posibilidades de las músicas de vanguardia, encargando obras a compositores como Béla Bartók, A. Honneger, Stravinski, Richard Strauss, F.Martin, Petrassi, Malipiero, J. Ibert, L. Berio, Rihm, Takemitsu, Martinu y el apreciado Benjamin Britten, con motivo de sus 70 años, en la obra Cantata académica. Tema Sacher, será obra que interesará a Rostropovich para su estreno en la Tonnhalle de Zurich, obra de profunda carga emocional, de un artista que sabría hacerse apreciar igualmente por su colaboración en trío con Guilels y Kogan, mientras realizaba un trabajo impagable como director artístico del Festival de Aldenburg, el que fundó Benjamin Britten.

Alicia Díaz De La Fuente (1967), aporta también un encargo del Plural Ensemble, para clarinete, flauta, violín. Chelo y piano. Premio Nacional de Música (2022), alumna de Antón García Abril, en composición y órgano, estudio en Alcalá de Henares , con José Luis Delás, y en el IRCAM  parisino. Tuvo como maestros a Marc André Dalavie, N. Schnell, J. Harvey o R. Reynolds, siendo premiada en los certámenes Jacinto e Inocencio Guerrero y en el INAEM, ofreciendo un amplio catálogo de composiciones en su mayoría para formaciones camerísticas de tamaño medio, obras como Ecos del pensamiento, Segundo premio de la SGAE, en la que colaboró Pilar Jurado; Blenda, para la Cameratta Transylvánica, de Pieralberto Cattaneo; En el azul, para orquesta, destinada al V Festival de Música Joven de Segovia; Mundo del agua, para Plural Ensemble; Siluetas sobre fondo de silencio, para la Brancusi Gallery (Moldavia); El destino de Euterpe, destinada a Marsella; Redes de tiempo; En lo más hondo de la noche o La face de la verité, para órgano y recitador, para J. P. Boston y C. Riot.

Ramón García Balado

Olazt Ruiz, concertino y directora con la OSG

 Palacio de la Ópera, A Coruña

 Olazt Ruiz, presenta credenciales como concertino y directora de la OSG, en los conciertos que la formación ofrece en el Palacio de la Ópera, de A Coruña- días 14 y 15, a las 20´00 h.-, anunciando en programa obras de Gustav Holst, Edward Elgar, Andrés Gaos y P.I. Tchaikovski, una selección de piezas en consideración a los gustos del aficionado medio. Olatz Ruiz, natural de Gordejuela (Guipúzcoa), nueva concertino de la formación coruñesa, es una violinista con una carrera que la llevó a la London Symphony O.; y que tuvo experiencias profesionales  de la Gewandhaus, de Leipzig. Teniendo como maestros a Zakhar Bron, Yuri Volguin, en la Escuela Reina Sofía  de Madrid, período en el que estuvo integrada en el Cuarteto Iberia, también siguió estudios en el Mozarteum de Salzburgo, con Klara Flieder y Tabea Zimmermann, compartiendo labores con maestros como Leonidas Kavakos, Ferenc Rados, S. Ashkenazi o N.Chumachenko, y V. Gluzmann, entre otros. Gustav Holst, con una obra de juventud- St. Paul suite Op. 29, composición de 1912 y que tardará una década en darse a conocer, obra camerística en sus tiempos: Giga Vivace; Ostinato; Presto Intermezzo y Finale: Allegro, un arreglo a partir de la pieza Dargasson, de la Segunda suite en Fa, para banda. El autor de obra emblemática Los Planetas, tenía antecedentes familiares letones, por su bisabuelo Matthias von Holst, quien había ejercido arpista y maestro de corte, virtudes que trasmitirá a su hijo, padre de nuestro músico, que desde muy joven mostró un gran interés por la música, estudiando en el Royal College of Music, tras adquirir sus primeros conocimientos en la Cheltenham Grammar School, dejando para la posteridad un primer trabajo-la opereta Landsow Castle- teniendo como primer maestro a Sir Charles Stanford, un período en el que conocerá a Ralph Vaughan- Williams, un amigo con la que mantendrá vínculos durante toda su vida. Compondría una serie de canciones que él mismo acabaría dirigiendo, para el Hammersmith Socialist Choir (Londres), un genuino laboratorio de pruebas, mientras se le confiaba las responsabilidades directoriales en la St. Paul Girl´s School (1909), una entrega de fervoroso entusiasmo, cargo que mantendrá ocupado hasta 1924, y del que la historia dejará un importante legado entre el que aparece la St. Paul Suite y la Brook Green Suite. Entremedias, su vida se verá beneficiada por las labores docentes en el Morley College, centro dedicado a los aficionados menos pudientes del Sur de Londres, animando a sus alumnos a interesarse por abordar programas como The Fairy Queen (Henry Purcell). Holst, dentro de estos proyectos, acabaría probando en la composición de obras significativas como la serie de los Choral Hymns from the Rig Veda, especie de ópera de divulgación, que emparejará con Sâvitry, por su valor testimonial, evidentes estudios sobre el sánscrito. Otros trabajos, de estos posicionamientos estéticos, serán Two song without Words; A Somerset Rhapsody o Beni Mora, los compromisos permanentes con la Saint Paul´s Girl´s School, serán una obsesión de sus exigencias cotidianas y que se ratificarán con otras obligaciones mantenidas con el Morley College y el Royal College of Music o el University College of Reading, un puente que le llevará a recibir la invitación en 1923, en Estados Unidos, como artista de honor, en la Universidad de Michigan, Holst, destacaría entonces como autor de curiosos trabajos como la ópera cómica The Perfect Fool y la más convencional Fugal Overture y el Fugal Concerto.

Edward Elgar (1857/1934)- Serenata en Mi m. para cuerdas Op. 20-, valdrá como argumento de continuidad con respecto a Holst por la consideración de planteamientos artísticos y biográficos ya que ambos llegaron a coincidir en la composición de obras posiblemente cargadas de argumentos centrados en aspectos de sus  cotidianas vivencia, como es el caso de las Variaciones enigma o las atenciones dedicadas a la tradición coral inglesa como el oratorio Los apóstoles y cantatas profanas como The Music Makers Op. 69, casi coincidentes en fecha, el talante emocional que marcará la evolución de su amplia carrera, se verá involucrado en las transiciones de los períodos enmarcados entre la Reina Victoria y Eduardo VI, todavía entre los fastos de poderío del imperio, aunque parte de su música, no reniegue de las influencias germanizantes, distanciándose de las previsibles deudas con las debidas herencias inglesas como posiblemente podríamos suponer. La Serenata en Mi m. Op. 20, es igualmente obra de juventud y que con plena seguridad en sí mismo, estrenaría el 7 de abril de 1893, en Hereford, aunque todavía de forma parcial por lo que tendría que esperar al 16 de julio de 1899, para que en New Brigthon se conceda el placer de ponerla en atriles, ya en su versión definitiva. Obra de curiosa evolución por sus dubitativos tanteos, ya que el autor había recurrido para su acabado al uso de tres piezas descubiertas en el Festival de Worcester, un año antes, que entonces llevarían el título de Spring song, Elegy y Finale. El origen de la Serenata para cuerdas se anuncia como un Allegro piacevole, efectivamente una especie de tonada pastoral, que ya se encontraría en las Suites  de The Wand of Youth, que resultarán otro de sus trabajos tomados de aquel período de indagación que encontraría en Schumann y Tchaikovski; Elegy, resulta un apacible Larghetto, en equilibrio con el primer tiempo para completar el tercero en forma de Allegretto, si cabe más meditativo y que enlaza con el Allegro piacevole, obra de corta duración y que seduce al oyente por su sencillez casi imperceptible.

Andrés Gaos- Impresión nocturna, en Re M.-, obra igualmente para instrumentos de cuerda que conoció dos ediciones, una de Xoan Manuel Carreira y la otra de Joám Trilho, ambas con ciertas diferencias  siendo la primera la que tuvo una versión de la OSG y la de Trilho, que el musicólogo abordaría con la que había sido su formación, la Xoven Orchestra de Galicia, que retomará la RFG. Queda como alternativa, la reducción para piano, hecha por el autor. Gaos apreciaba la obra hasta el extremo de pedir que se interpretase en su velatorio, apreciación de la que se guarda el testimonio de su hijo Gaos Guillochón. Para el estreno parisino, se contaría con artistas procedentes de Argentina, Gregorio Marañón y José Ortega y Gasset. Una especie de poema sinfónico tripartito al que se añade una breve coda y cargada de indicaciones desde poco più mosso a Più calmo, Sempre calmo…La versión de la OSG, es idéntica a la de los Virtuosi de Praga y la de Maximino Zumalave, con la O. de Cámara de Stuttgart, es prácticamente igual en duración, quedándose la de Trilho con una extensión de ocho minutos y medio. Para Gaos Guillochón, aceptando la propuesta en familia, aporta la idea de una obra de permanente cromatismo y armonía extremadamente densa y compleja, que envuelve al oyente en un fluctuante ondular melancólico y lo extasía en una dulce tristeza que enternece casi hasta el llanto. Trilho hablando de su cromatismo, resume: No noso autor é intenso pero limitado casi a dous aspectos: melódico, non na melodía principal senón nos pequenos motivos das partes intermedias; harmónico, non nos enlaces entre os acordes senón no uso continuo de acordes alterados, 5ª e 7ª disminuidas, 6ª aumentada, 3ª mayor, para crear falsas dominantes, etc…  

P. I. Tchaikovski- Serenata en Do M. Op. 48-, obra destinada a una sesión privada en el Conservatorio de Moscú, el 21 de noviembre de 1880, y que resultaría como fruto de ciertas incertidumbre basculantes entre una composición  sinfónica y un quinteto de cuerdas, recurriendo a este planteamiento a tenor de los materiales disponible y las inevitables dudas, forzadas entre las propuestas de serenatas o divertimentos del XVIII, de las escuelas tanto venecianas como milanesas. El Pezzo in forma di sonatina, es un Andante ma non troppo, con un aire de obertura francesa que aporta  un Allegro moderato, de tres temas de transparencia mozartiana; el Vals, es una idea de una actitud receptiva marcada por el aligeramiento de los  compases en una modulación constante. La Elegía, una meditación intimista de puro lirismo que podrá insinuar una coreografía dentro de un Adagio para un ballet y una coda que se acentúa preparando el Final (tema ruso), repartido entre un Andante y un Allegro con spirito, inspirados en aires folklorizantes procedentes de una colección de Balakirev.

Ramón García Balado

Sumrrá: 7 visións, registro presentado en el CGAC

 CGAC, Santiago de Compostela 

Nueva presentación del registro 7 visións, de Sumrrá,  en el CGAC- día 12, a las 20´00 h., bajo la coordinación de Gema Baños,  en un proyecto auspiciado por QUORUM; A Rede Galega de Tecnoloxías Cuánticas; el Consello de Economía, Industria e Innovacións da Sanidade; la Axencia Modernización de Tecnoloxía de Galicia (AMTECA)  y otros entes como Clusters TIC; 3 Universos o CESGA, y que aportarán sus resultados en este curiosa experiencia de indagaciones avanzadas que se concentran en la serie de espacios sonoros enlazados: 7 visións; Asuán Alexandria; 7  graos; Periferia Universal, As formas gravitatorias; Sapiens Sapiens; 1370 millons de anos despois; O son interior; Ra, completando con A oitava vision. O zoom cuántico. Agrupación con dilatada trayectoria que les llevó a citas y convocatorias por los países más distantes, desde el Eurojazz (México); al SOTX (Beijin), el Strawberry Festival (Shangai); el Joy of Jazz (África del Sur); Vancouvert Fest; el  TD Victoria International Fest. (Canadá) y otros de arraiga en el panorama global que abarca todo tipo de estilos de vanguardia con referencia preferente asentada en las derivaciones jazzísitica, muchas de ella de complejo encuadre.  Grupo formado por Manuel Gutiérrez en 1999, lo que le convierte en uno de los veteranos del panorama gallego, y que está integrado por Xacobe Martínez Antelo y el percusionista L.A.R. Legido. Su trabajo en comentario tuvo su presentación en el Teatro Principal, convirtiéndose entonces en el séptimo escalón que continúa  la línea establecida por precedentes como V Journeys; 4.0; Sumrrá, en vivo, incluyendo piezas de cómo Believe in Train, es decir, el mitificado John Coltrane,  para Joachim E. Berendt, el creador del estilo llamado sheets of sound, que tenían de inmediato una secuencia rítmica que era, cuando menos, tan importante como la armónica. Cuando las notas ya no eran perceptibles como corcheas, semicorcheas, fusas u otro valor definible, también terminaba la precisión de la relación con el acontecer métrico subyacente. Así que las sheets of sound constituían un paso en la dirección de colocar, en lugar de la claridad del beat, el flujo y  la vibración del pulso, conclusión que sacaron Elvin Jones, a partir de 1960, el cuarteto de John Coltrane  y el joven Tony Williams o el Quinteto de Miles Davis. Cuando Trane firmó para Atlantic las Sheets of Sound, pasaron pronto a segundo término, no obstante Trane demostró ocasionalmente hasta su muerte, que no había perdido la facultad técnica de tocarlas. En lugar de retazos de sonidos, y las superficies sonoras, hubo fuerte concentración en el devenir melódico.

El grupo  probó alternativas como la colaboración con nuestra Real Filharmonía de Galicia, y su entonces titular Paul Daniel, en una sesión estival que enmarcaba su ideario estilístico, tomando como argumento típicas piezas de su repertorio entre las que se encontraban Sofía, Pretoria, Mala memoria, Exit, Vida sen Pipa, Kika, o Minoría absoluta, procedentes de registros monográficos. Para ellos, en íntima confesión, se trataba de buscar temas que fuesen esenciales de su trayectoria de sus cd´s, precisos y propicios para arreglos dentro de un idóneo balance sonoro, asunto complejo procedente de los imprescindibles ensayos, para aquel encuentro con una formación orquestal. Complejo como sería bien sabido, por las temidas exigencias de la búsqueda de un equilibrio fluido, el mismo del que la historia de la música ha sabido jalonar. Desde el primer momento fueron conscientes del riesgo asumido y que en conjunto, como referencias, tendrán como modelos a seguir, las ideas tratadas por las llamadas corrientes del Cool jazz, es decir y por citar nombres irrenunciables, maestros de corrientes de confluencia como el Modern Jazz Quartet, por la importancia  marcada por maestros como John Lewis, que supo hermanar las procedencias clásica y el jazz, no sería difícil establecer parecidos con el conocido Grupo de los Seis francés. Casi un puente inevitable del que todos sus adalides. París se convertiría en la capital de esos encuentros cuyo resultado llega hasta nuestros días, pero otros precedentes habremos de encontrarlos en músicos  cono Nick La Rocca, quien suscitarían más de un encontronazo; King Oliver y para no ser menos, Louis Armstrong, Fletcher Henderson, Woody Hermann, Gil Evans, George Russell junto a otras big-bands que harán historia. Un primer documento que marcará el devenir histórico, lo firmará el maestro y director Ernest Ansermet, publicado en la Revue Romande, en 1919, un testimonio que buscaría las definiciones más fiables en este contexto evolutivo de renovadoras propuestas musicales, tras haber escuchado a la  Will Marion´s Cook  Southern Syncopattet Orchestra.

Ramón García Balado