Encuentro de Plural Ensemble con Mercedes Zabala, en Contemporáneas

 Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

Concierto de la serie Contemporáneas con el Plural Ensemble de Fabián Panisello en  la Sala Mozart del Auditorio de Galicia- día 13, a las 20´30-, en un especial dedicado a la figura de Mercedes Zabala, agrupación con la que contamos regularmente en programaciones de obras de nuestro tiempo, como la ofrecida el pasado otoño en la convocatoria Vertixe 13 Reflexos 20/21 , en San Domingos de Bonaval, en homenaje a las figuras de Rodolfo Halffter y Antonio Machado, en un oferta de obras de se repartían entre Benjamin Britten, George Benjamin, Ethel Smith, Alicia De La Fuente, Helga Arias y Rodolfo Halffter. El grupo de Fabián Panisello, Plural Ensemble, participó en certámenes, como Présences (París); Ars Musica (Bruselas); la Quincena Donostiarra; el WDR de Colonia; el Konzerhaus de Berlín; el Klangspuren Schwaz (Tirol) y otros del ámbito internacional, con obras de Peter Eövöts, Marco Blaauw, Alda Caiello, J.M. López- López; Peter Csaba, Johannes Kalitzke, Hilary Summers o Toshio Hosokawa, realizando registros para los sellos Col Legno, Columna  Music, Verso, IBS o  NEOS.

Fabián Panisello estrenó obras de compositores actuales en Festivales como los de Donaueschigen, Bienal de Venecia, Otoño de Varsovia, Wien Modern, entre otros, debutando con formaciones como la OSG, Tonkünstler O.; al tiempo que ejerce la cátedra de Composición en la Escuela Reina Sofía, siendo también invitado por la Royal Academy of Music, la Eövöts Foundation, la Jerusalem Ac., y el Mozarteum de Salzburgo. Obras suyas fueron estrenadas por el Cuarteto Arditti, el Ensemble Modern, la Tonkünstler, habiendo estrenado trabajos como Die Judith von Shimoda, un compromiso del Festival de Bregenz, o dentro del mismo género, la ópera Le Malentendu e Les Rois Mages. En este espacio de obras en estreno, destacan el Concierto para trompa, de R. Vlatovic; Seven Japanese Sketches, (R. Ortega/Amaury Quartett); L´âge de la raison (P.Corrado, Syntax, Milan); Written in Blue (M. Blanco y la Sinfonietta ESMRS), resultado de sus compromisos como Compositor en Residencia en Grafenneg. Obras suyas cuentan con el aval de Peters Editions.

Mercedes Zabala, una de nuestras creadoras a la cabeza  de la vanguardia española, acapara este monográfico que a ella dedica el grupo. Es titular de Armonía en el Real Conservatorio de Música de Madrid, además de pianista integrante del Grupo Secuencia, en el que compagina labores de indagación en el mundo de las artes escénicas, incluyendo iniciativas de improvisación en toda su extensión. Desde la década del año 2000, se implicará en las formas de estudios de género, presidiendo con otras compañeras el Instituto de Investigadoras Feministas de la UCM. Fue Profesora del Conservatorio Teresa Berganza de Madrid, en donde dirigió el Departamento de Composición durante una década. Es invita regularmente a participar en cursos por los Centros de Mayor Prestigio. Resultado de estas experiencias, será el programa que hoy escucharemos.

Nieve sobre nieve (haiku) 2005, a efectos reales una visión en conjunto de las obras de los últimos veinte años, y que se despliega a través de un serie de claves poéticas junto a otros aspectos relacionados con el agua con su ausencia, partiendo frecuentemente de figuras poéticas y de referencias literarias. El agua, curiosamente, tuvo un notable protagonismo en dos de los conciertos anteriores de Contemporáneas, el del Trío Zukan-Gorka Catediano, Jon Ansorena y María Zubimendi- y en el de Música Práctica con el multi-instrumentista Abraham Cupeiro.  Nieve sobre nieve, introduce la poética de  Variaciones en blanco (2008), sobre la obra del mismo título de Ada Salas, poeta cuyos textos han sido puestos en atriles en más de una ocasión convirtiéndose por ello en un encargo del propio grupo, fruto preciso de una sentida colaboración y compromiso.
Thomas Bernhard deja razones en otras de las tres piezas,  inspirándose en su obra literaria Helada, hablaríamos de Sin pájaros (para viola y piano), encargo de la Fundación Ibermusica, para la temporada 2024/5 que será precedida de otro haiku,  Un pájaro en el jardín, resolviéndose en actitud claramente optimista en Implacable Ice (2012), también un encargo en esa ocasión, procedente de la pianista  Antoinette Loffredo, un trabajo destinado al Proyecto Internacional Antarctica y en el que el hielo de manifiesta como una fuerza de la naturaleza gracias a su dureza en el transcurso del camino de la propia  vida.

Al margen de estas presencias literarias en sus evocaciones, nos encontraremos con Omen (Presagio), forma de exilio en su expresión confiada para flauta baja- obra en estreno-, con destino al Festival Midt i Mars, de  Dinamarca con estreno en 2021. Desvío encargo en esta ocasión del Grupo Enigma en 2015, que no remite a la Segunda parte de El Quijote. Presentes están los desvaríos tomados de la narrativa que inspira la pieza, trazados a través de ideas musicales que nos trasladan hacia un espacio al que parece desear llevarnos, concluyendo en los dislates de las consecuencias postreras, manifiestas en el solipsismo peculiar del Caballero andante. Bipolar, 2022, encargo del Zahir Ensemble, pieza que debe entenderse en un doble sentido desde una perspectiva psicológica resultante de una oscilación anímica extrema, hacia una conclusión elaborada por diferentes ejes que se expresan entre las alturas, la gestualidad, la dinámica, las densidades, oponiéndose en un momento concreto de los dos universos  musicales, procedentes de otras obras en enfrentamiento. Cual (Un ciervo en el desván) (2024), es un crisol de referencias poéticas, teatrales y musicales, halladas de forma casi inconsciente el desván de la memoria personal de Chantal Maillard , en su poesía Lo que el pájaro bebe en la fuente y no es agua. En esencia, Chantal Maillard, nos acerca a un diálogo con fragmentos de Pierrot Lunaire, de Arnold Schönberg. Plural Ensemble, entre alusiones a pasajes de Feldmann, Eisler, Franco Donatoni, el propio Panisello y otros compositores, responde en este programa a un encargo del INAM, del año 2024, destinado a destacar la figura de Mercedes Zabala.

Ramón García Balado

Música Práctica, en Contemporáneas

 Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

Un cuarteto para Contemporáneas con el grupo Música Práctica, en la Sala Ángel Brage, del Auditorio de Galicia- día 10 a las 20´30 h., formado por Fernando Buide-piano-, Alejandro Sanz percusión- Regina Laza- violín- Manuel Lorenzo-violonchelo y Abraham Cupeiro con su panoplia de instrumentos ancestrales, para un programa de incluye obras de Karlheinz Stockhausen, Carolina Shaw y Fernando Buide del Real. Abraham Cupeiro, sorprendente en la serie de conciertos en lo que colabora, bastantes perdidos en la memoria de los tiempos, se formó como trompetista en el RCSMM, para completar en el espacio de música antigua en la UAB, ampliando con ello la proyección de sus perspectivas, ya desde sus primeras andanzas probando con el Karnyx, como arma arrojadiza en lo sonoro, o el Tintignac, insólito ejemplar del que la historia dará noticia y la korna, de raíces autóctonas, descubierta por Carlos Tallón en las umbrías soledades de una fragua. De esa  panoplia, un legado de más de 200 instrumentos que han encontrado resultados en registros como Resoando no pasado, Compromiscuo- junto al acordeonista ruso Vadzim Yukhnevich-, el Concierto Misterio-de Wladimir Rosinski y la OSG-, Os sons esquecidos, para Warner Classics, con la RFG, Pangea, con la Royal Philharmonic O., Mythos, con esa misma orquesta, en una evolución que le llevó a actuar con primeras orquestas. Participó en el filme María Solinha y con la compañía 14th Street Music, para un trabajo de Hans Zimmer, candidato a un Óscar. La panoplia de Cupeiro, le ubicaría desde los inicios en el espacio del karnyx, gran trompa céltica de toques bélicos, instrumento hallado en Jutlandia en 1891, conocido hoy como caldero de Gundestrup, y que presenta a siete tañedores en pie que preceden a otros tres que lo tocan en forma vertical. Su longitud es superior a la de los propios músicos, siendo lo más llamativo su gran pabellón, la curvatura en el acampanamiento y la gran embocadura. Eran frecuentes los ejemplares con una testa de dragón o de caballo, aunque se conocían ejemplares con cabeza de lobo e incluso de delfín. Su configuración recuerda la del litus romano  y trompas análogas se encontraron en Dacia y en territorios del Asia Menor, en especial en la antigua Paflagonia.

Fernando Buide del Real- A constelación de Saxitario-, cabe en el contexto del programa que guarda como itinerario sonoro la propia agua, como símbolo de fluidez y transformación, desplazando su mirada hacia el cosmos convirtiendo el agua en río estelar sobre un lecho que enlaza la escucha íntima con la inmensidad del universo, desde ese interior a lo astral, atravesando aguas perceptibles y celestes. Un compromiso con la Quincena Donostiarra y la Fundación Cidade da Cultura de Galicia. Fernando Buide, se formó, con Leonardo Balada, quien influyó en su carrera futura  para continuar en la Yale University y en la Carnegie Mellon (Pittsburgh), definiendo su trayectoria por las más diversas propuestas estilísticas, merced a las sugerencias que recibe regularmente. Trabajos como Paxases, de la Fundación SGAE/AEO; el Concierto para órgano y orquesta, encargo de la ONE, junto a obras de Messiaen y Paul Dukas; A sombra de cristal, ópera sobre texto de Quico Cadaval, con María Hinojosa- soprano-, César San Martín- barítono- y el actor Víctor Mosquera; Mar ao norde, con obras de M.Tippet y J. Sibelius; A Amnesia de Clío, ópera con dirección escénica de Marta Pazos, dirigida por Paul Daniel y destacando como solistas Raquel Lojendio, Sebastià Peris y Marina Pardo, asistidos por el Orfeón Terra a Nosa, de Miro Moreira; Electra, experiencia de su etapa en Roma en las programaciones del CGAC, sobre complejas poéticas; Framentos del Satiricón, merecedora del VII Premio de Composición AEOS-Fundación BBVA; Movimiento para septeto, como parte de sus trabajos de temporada en las actividades de CGAC, entonces con el Taller Atlántico Contemporáneo, de Diego García Rodríguez, con una instalación electroacústica de Pablo Beltrán. A Constelación de Saxitario, es obra estrenada por Abraham Cupeiro y este grupo Música Práctica, en 2004, consecuencia de sus demandatarios dejando este trabajo multinstrumentista que ayuda a destacan la figura prolífica en lo sonoro del solista tan peculiar, maestro en el ámbito de la revitalización y descubrimiento de estos curiosos instrumentos con claras vinculaciones difíciles de ubicar en su perceptible momento histórico, que para la ocasión se ensambla con instrumentos contemporáneos, una experiencia que ya tuvo precedentes en convocatorias similares.

Carolyn Shaw- Thousandth Orange (2020)-, es violinista y  compositora norteamericana que se pronuncia en los ámbitos de nuestro tiempo, tras su formación en las Rice University y en la similar de Princeton, recibiendo la nominación Honoris Causa en Yale, y un Pulitzer Price, entre varios Grammy. Esta obra fue compuesta como cuarteto con piano, en la que lo sencillo se transforma en una experiencia rica y cambiante, en lo sonoro, con una gran progresión armónica y estable a partir del teclado por sus contrastes rítmicos dentro de su tejido de variaciones en una estructura que recuerda a la chacona: un mismo tema recurrente que revela nuevos matices, jugando con un descubrimiento de colores y texturas, que invitan a imaginar el fluir del agua y el golpeo sobre las rocas.  En su mente, el recuerdo permanente de los cuartetos con piano de Johannes Brahms y el recuerdo de su ejecución. Una aparición de renovados matices, se aboca a nuevos ángulos sonoros. Thousanth Orange, se apoya en esas pequeñas revelaciones oblicuas en las que el filtro del tiempo, abre una posible memoria musical, igualmente el título insinúa matices de color naranja desde los ángulos más imprevisibles.

Karlheinz Stockhausen- Tierkreis(Zodiáco), ciclo del que se toman: Piscis/ Escorpio/Cancer-, obra de 1975, un conjunto de 12 piezas de percusión como parte de su obra Musik im Bausch, cada una pensada para un signo zodiacal, miniaturas de aspecto sencillo y cantable, además de complejas según el criterio de su propia técnica y las versiones que resulten consecuentes. Un estudio profundo de los tipos humanos a los que se asocia  los propios signos que facilitan  esa imaginada afirmación. Tierkreis está pensado como un material sensible y abierto para cualquier instrumento, desde los solistas o los conjuntos amplios, en duraciones variables. Las instrucciones sugieren iniciar por el día del concierto repitiendo cada pieza un mínimo de tres veces, enriqueciéndola con variaciones e improvisaciones, adquiriendo un talante ritual, que le une con el signo astrológico y la experiencia de su tiempo. Los signos de agua- Cáncer, Escorpio y Piscis- destacan por sus melodías de perfiles introspectivos y fluidos, en contraste con otros más enérgicos. Cáncer, se muestra con intervalos cerrados y repetitivos; Escorpio se ofrece más incisivo y cromático con giros abruptos que insinúan tensión y misterio; Piscis se apoya en una melodía amplia y flexible, de carácter ensoñador, casi meditativo.

Ramón García Balado

URa: Trío Zukan, En Contemporáneas

Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

Avanza el ciclo Contemporáneas con la actuación del Trío Zukan, agrupación vasca que nos acompaña en esta convocatoria- Auditorio de Galicia día 3 a las 20´30 h- y que se maneja con instrumentos de su propia tradición, representada por Gorka Catediano- percusiones-; Jon Ansorena- txistu- y el acordeón de María Zubimendi, a la que tuvimos en  el ciclo Solos no CGAC con un programa que congeniaba obras desde barrocos como J.P.Rameau o D. Scarlatti y creadores actuales como Sánchez- Verdú, M.Chamizo, Z. F. Gerenabarrena y R. Lazcano. Un trío formado en 2014 y que sentó pareceres en convocatorias como las del CNDM, la Quincena Donostiarra, el Sound Spaces de Malmö, Le Vivier de Montreal, el Internacional de Nicosia, editando trabajos como Soinuzko Berigadak-Toma I, con obras escritas para el trío y un segundo firmado para el sello IBS Classical, recibiendo el Premio del Instituto Vasco Etxepare, por su proyección internacional. Se presentan como Ensemble flexible en permanente reinvención por las obras sobre las que suelen trabajar, al tiempo que cuidan sus talleres de investigación musical, entre tecnologías y conexiones interdisciplinares, siempre dentro del ámbito de la indagación sonora, aportando con ello nuevas expresiones y experiencias. Para la sesión del día, obras de Abel Paúl, Bertrand Chavarría-Aldrete, Juan José Eslava y Zuriñe F. Gerenabarrena.

URa (agua), hidratación, hábitat y hogar, se resuelve en una rica variedad de biodiversidad, como derecho básico como reclamación de las exigencias de un desarrollo sostenible, tomando como ideario esas aguas que fluyen en todos los aspectos de nuestra exigencia cotidiana, en los que también el arte tiene cabida y compromiso. Una propuesta, la del Trío Zukan, que pretende visibilizar el agua tal cual recurso artístico desde las más diferentes perspectivas de la creación en curso. Se formula también una reflexión sobre su uso y abuso en la sociedad actual a consecuencia del abuso y excesivo consumo, tantas veces injustificado, que podría tener consecuencias para el planeta. En la primera parte, se pone en valor esa agua como elemento generador a la par que transformador, con capacidad que otorga al agua el hecho de hacer crear, modificar y transformar los paisajes que nos rodean en un curiosa traslación al plano sonoro, a través de las obras Points and Latitudes (2024), de Abel Paúl- para acordeón microtonal, txistu, percusión y electroacústica-, y Serehaganades- para txistu, acordeón microtonal, percusión, voz y electrónica, de Bertrand Chavarría-Aldrete (1978), ambas composiciones encargo del Trío Zukan. El juego creado por instrumentos de percusión metálicos se altera integrándose en el agua en la primera pieza, para continuar en la siguiente con esas aguas que cumplen su función de manera anticipada en el proceso de creación sobre tres grandes cantos rodados que resultan los elementos principales de la base rítmica de Serehaganades, una extensa  composición en la que las onomatopeyas expuestas por las voces de los instrumentistas y por otras aportaciones de los efectos amplificados, generan una extraña materia agigantada por una música que parece enrollarse en forma anular que se despliega en todas las direcciones, como si la intencionalidad recayese, por un decir, en el rasgar del güiro. Un continuo resonar de maneras rasgadas junto con instrumentos que parecen respirar pesadamente, dentro de una lentitud encadenada al lado de una atractiva poesía fonética.

Juanjo Eslava (1970)- Desprendida Voz (2021), para txistu, acordeón, percusión, elementos tomados de la naturaleza, electrónica y vídeo- nos aproxima a una fraga navarra ubicada en Urbasa- imaginario bosque fantástico que nos acerca a otras localizaciones literarias que no resultan especialmente cercanas, en reflejo igualmente en el mundo del cine-, una composición que combina la utilización de instrumentos convencionales, con la electrónica, tan presente en las obras de esta cita, a las que se añade el vídeo y los medios menos comunes como los sorprendentes recursos naturales, verdadera caja de sorpresas en contraste con el resto de las composiciones y que para el caso, provienen de Ur- Basoa: hojas secas, diferentes piedras e imaginables recursos de ese medio ambiente. El agua deja de tener una conexión física con el sonido para convertirse en el sustento de la obra como recurso indispensable para que el reino terrenal y el reino de los cielos, puedan conectarse a través de seres mágicos, la arboleda que nos permite el acceso al desprendimiento de las materias muertas, dejándonos escuchar la magia de sus voces.

Zuriñe F. Gerenabarrena (1965)- Harrim Haize, Harea (2021)-, pieza para txistu, acordeón microtonal, percusión y electrónica,  para completar esta panorámica con sugerencias fantásticas, nos deja inmensos en recursos tímbricos y una serie de elementos primordiales elaborados desde las particularidades expresivas aportadas por las posibilidades de este trío, tanto a solo como en la propia formación en trío, una composición en constante cambio en el que la electrónica funciona como un instrumento a mayores. La erosión que transforma la piedra en arena y de nuevo en piedra vale como metáfora creativa. Los tres instrumentistas: Gorka Catediano, Joan Ansorena y María Zubumendi, especializada en la Musikhochscule FHNW de Basilea, se había formado en Musikene con la profesora Miren Iñarge, ampliando con Iñaki Alberdi, manteniendo su colaboración en grupo con los dos músicos que escucharemos en Contemporáneas, nos descubrirán un mundo de sonoridades que se expanden y recomponen, alternando roles que contribuyen a ampliar y alternar un magma colectivo en permanente evolución. Para la pieza de Zuriñe, la energía explora la singularidad de cada uno de los tres músicos en una obra cargada de virtuosismo, observable en la fuerza, la tensión y el movimiento continuo en su evolución. La propia energía es entendida como fuerza, tensión, de una actitud que se manifiesta como un espacio central. Para la autora, el fuego resulta el elemento generador, símbolo de intensidad de las instrumentaciones, que aportan los miembros del trío. La incorporación del altavoz, al lado de los instrumentistas resulta a la postre como una sombra sonora, que permite el juego en respuesta entre detalles de refracción añadida al diálogo manteniendo permanentemente con los instrumentos, en una larga perspectiva desde ancestrales tradiciones a los instrumentos actuales a los que se añade la electrónica en esa búsqueda auspiciada desde una visión actual.

Ramón García Balado

Sementeira para cinco músicos, en Contemporáneas

Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

Concierto del ciclo Contemporáneas en la Sala Mozart del Auditorio de Galicia con el grupo Vertixe Sonora—día 13, a las 20´30-, que vuelve tras la cita en el curso pasado en el presentaron su programa How can I  help you, con obras de José del Avellanal, y Bernat Pont, en un espectáculo multimedia de I.A.  Eliza, diseñado por Joseph Weizenbaum, en el MIT, en los años sesenta, dividido en cinco partes, siendo ese Weizenbaum (1923/ 2018), un especialista en informática, profesor y autor cuya influencia en el campo de la I.A., resultará compleja y controvertida, siendo precisamente en lo profesional, un apreciado profesor emérito en el Instituto Tecnológico en Massachusetts. Eliza, resultaría uno de los primeros programas en demostrar las capacidades de una máquina para interactuar con los seres humanos, de una manera que parecía comprensiva y sensible. Vertixe Sonora, contaría entonces con la colaboración en electrónica y vídeo, además de iluminación, de Bernat Pont y José del Avellanal.  Una agrupación que para esta tarde, contará con el protagonismo de Pablo Coello-saxofón-; Nuno Pinto- guitarra eléctrica-; David Durán- piano-; María Mogas- acordeón-; Diego Ventoso- percusión- y los medios electrónicos de Iván Ferrer.

Vertixe Sonora, creado en 2011, cultiva ciclos especializados desde sus comienzos, permitiendo el uso de una plantilla propuesta a tenor de los programas elegidos que a estas alturas, supera el número de los 200, siempre en las vanguardias de alto rango, y en las que caben estrenos y obras de encargo, fue grupo habitual durante varias temporadas en las actividades del CGAC- Correspondencias Sonoras-, junto al TAC, de Diego García, siempre con la ambición de divulgar obras de nuestro tiempo, en iniciativas como Do Audible; el Festival MIHLSons21; el Internacional de Creación de Músicas Contemporáneas o Latexos, enfocado a la renovación y ampliación de los aficionados asistentes. Recibieron el Premio Martin Codax (2016), dedicado a las formas clásicas, mientras asisten a convocatorias de primer rango como la Mostra Sonora (Sueca); el Festival XXXVI de Mallorca; SONS (Madrid); SMASH (San Sebastian); MIXTUR  (Barcelona) además  de recibir premios como el de la Fundación SGAE-CNDM (2016); llevado su presencia artística como grupo en residencia a ciudades como Oldenburg (Bremen); Oporto, Aveiro y Lisboa; Brest (Francia); Monterrei Guanajuato (México); Cesena y Bolonia; Los Ángeles (USA); el Museo Nacional Reina Sofía; Festival Bernaola, en Vitoria y otros que amplían su extenso recorrido de consolidadas experiencias, trabajando en profundidad en investigación sobre la percepción electroacústica y los sistemas de la memoria propioceptiva, desenvuelto a partir de un lenguaje personal en su relación con las vinculaciones con los fenómenos visuales inspirados en las artes escultóricas del tiempo y la luz.

Violeta Cruz (1986), compositora con obra en programa, se formó en la Universidad Javeriana de Colombia y en el Conservatorio Superior de Música y Danza de París,  trabajando preferentemente sobre piezas instrumetales y electroacústicas, además de instalaciones sonoras, maquinas mecánicas de comportamientos rítmicos parcialmente aleatorios prolongados con sistemas electrónicos interactivos. La relación entre sonido y materia, resulta el hilo conductor de sus planteamientos, tanto en la exploración de texturas musicales como en la indagación de espacios cotidianos. Participó en programas como Cursus del IRCAM (2013/4), en donde estrenó God game, el nuevo mito de los Lemmings, para violín y electrónica. Sus obras fueron interpretadas en eventos como Quadrophonica Exposition (Francia); el Festival Fabbrica Europa (Italia); Court-Circuit (Francia); Ensemble SurPlus (Alemania); Dúo Sincronia (España), además de recibir por su trayectoria el apoyo de la Fondation Internationale Nadia et Lili Boulanger; France Foundation; Fondation Salabert y Diaphonique.

Tianyu Zour (1996), lleva sus fundamentos de composición al Conservatorio de Música de Pekin, y a la Hochschule der Künste (Bern), siguiendo los dictados de Simon Steen-Anderson, posicionándose en lo artístico dentro de los recursos que le aportan las nuevas tecnologías emergentes y los elementos interdisciplinares e instrumentales o teatrales y audiovisuales. Un trabajo de investigación sobre la percepción, la electroacústica y la psicoacústica. Una creación, en su conjunto, influenciada por los fenómenos visuales que se inspiran en las artes escultóricas del tiempo y de la luz.

Po Chien Liu (1988), es un creador tailandés con residencia parisina y que trabaja sobre la estética de la sombra, como metáfora sonora y principio de la espacialidad, a través de la resonancia y el ruido, el silencio y la presencia. Influido por lenguajes visuales de arquitectura y caligrafías asiáticas, Liu, traduce los contrastes de luz y sombras en estructuras musicales en capas integrando a menudo electrónica y vídeo para ampliar los espacios sonoros. Entre 2023/4, fue compositor residente en el Internationale Ensemble Modern Akademie (IEMA) y estudió con Günter Steinke, en la University of Folkwang y en la Universidad de Chiao Tung, recibiendo el Segundo Premio de los Días de Primavera de Weimar (2024) y un Primer premio del Acht Festival Brücken (2023).

Sky Macklay (1988), es una compositora y oboísta norteamericana ganadora del Leo Kaplan Price (Primer Premio Morton Gould), destinado a nuevos compositores/as, de la American Society of Composers & Editors, en el período 2013/6, doctorándose en el género de Musical Arts, en la especialidad de Composition, perteneciente a la Columbia University (New York), siendo confirmada por sus titulaciones adquiridas en la University of Memphis, del Luther College. Es una de las fundadoras del Ghost Ensemble, además de ejercer la docencia en composición como especialidad, en la Universidad de Valparaíso y en el Peabody Institut, en el que también se formaron compositores españoles. Su música se manifiesta como conceptual y expresiva, explorando los contrastes extremos, las tonalidades cercanas al surrealismo, mediante los estímulos que suscita en el desarrollo de las piezas, gracias al manejo de procesos audibles, el tratamiento de un acentuado humorismo y el manejo de la fisicidad del sonido dentro de un personal criterio. Bastantes de sus piezas se apuntan al uso de narrativas extramusicales, permitiendo la posibilidad de acercarse a otros efectos aparentemente secundarios, merced a la incorporación de tecnologías de reproducción asistidas. Un cuadro perfecto  hacia esta inmersión por parte de Vertixe Sonora, un eslabón más a los que nos tienen acostumbrados en una amplia densidad de proyectos y que para la cita se presenta como Sementeira para cinco músicos.

Ramón García Balado

Kaleidoscope, galardón para un Grammy Latino

 Santiago de Compostela - 26/11/2025

Segundo concierto del ciclo Contemporáneas, con la pianista Isabel Pérez Dobarro, y que traía entre manos la presentación del cd, anunciado como Kaleidoscope- registro ganador de los Grammy Latinos, como mejor obra-, para ella, un sentimiento como parte de su trabajo que contribuyó a visibilizar y recuperar compositoras actuales, no solo de Europa y América, sobre las que había trabajado hasta la fecha, sino por el descubrimiento de repertorios fascinantes, en muchos casos influidos por diversas raíces culturales, en las que confluyen estilos y lenguajes musicales, con ejemplos de procedencia oriental como Yoko Kanno, Consuelo Díez o Nkeiru Okoye y Claudia Montero. Del programa ofrecido, una selección de obras del registro, incluidas en estas sesiones.

Isabel Pérez Dobarro, es pianista de asentada proyección internacional por sus conciertos en el Stern Auditorium (Carnegie Hall), el Palau de la Música Catalana, el Conservatorio Tchaikovski (Moscú), el Teatro Colón (Buenos Aires) y otros coliseos de contrastado prestigio. Dentro de sus experiencias, nos encontramos con recuperación de figuras como Clara Schumann, Mariana Martínez, Pauline Viardot- de la que grabó The Unknow Pauline Viardot-, y en nuestro tiempo, compositoras como Consuelo Díez, Diana Pérez Custodio, Mercedes Zavala o Marga Richter. Doctora en la New York University, comenzó con 19 años sus actividades docentes, tras formarse en la Mannhatan School of Music (Professional Studies Degree), en el Real Conservatorio Superior de Madrid, en complemento con los estudios de Grado en Derecho, en la UNED y en la NYU, ampliando cursos de Sostenibilidad en la SDG Academy y un Certificado en Bussiness (HBX, Business School)

Entrando en materia y en lo relativo al programa previsto, una sencilla aproximación a las compositoras y sus piezas, que no suponían una inclusión en su totalidad de las que se incorporan a Kaleidoscope, aunque manteniéndonos en el espíritu que transciende una sensibilidad claramente perceptible. Para cada una de las piezas, una breve introducción con el compromiso establecido entre la intérprete y la escritura de cada una de ellas y su personal relación.

Dobrinka Tabakova- Nocturne- candidata a dos Grammy, compositora búlgara y que con esta obra muestra un estilo evocador que le supuso consideraciones de la crítica especializada por la indagación de los colores textuales desde un motivo repetitivo y minimalista. Carolyn Morris (Australia)- Blue Ocean (2021), una compositora formada en Kenja, y que nos trasmitía sus primeras experiencias, por las vivencias que el mar dejó en ella, impregnando su discurso por las impresiones de la tímbrica.

Julia Wolfe-Earring- ganadora de un Pulitzer y una McArthur Genius Grant, pieza de insistía sobre la alternancia de ambas manos, a partir de un aire de samba, en el extremo agudo del teclado al que la mano izquierda divagaba en un estado onírico.

Danaë Xanthe Vlasse (1981)- Fantaisie#2, Swang Song (2013), compositora de procedencia griega, ganadora de un Grammy, por Mythologies, cuya segunda entrega fue candidata al Mejor Álbum de Música Clásica. Obra inspirada en una leyenda griega sobre el canto del cisne- que entona su melodía postrera justo antes de morir- y que refleja el conflicto interior de ese inminente final, expresando por ello su lamento con un tema principal cromático e inestable. Un relato de duetos que evocan la división entre cuerpo y alma, combinando momentos de gran claridad con pasajes de delirio, en una evidencia del desequilibrio emocional del cisne, con una compleja textura desde una línea melódica superior, con arpegios armónicos constantes y una voz interior desplazada, símbolo de una lucha interna, con recursos de glissandos ascendentes, cruces de manos y un toque ligero que sugiere un batido de alas o un pulso vacilante.

Claudia Montero-Buenos Aires despierta y sueña, con cuatro Grammy y modelo de la vanguardia argentina en esta miscelánea de tintes minimalistas sobre una melodía nostálgica establecida por un persistente arpegiado de amplia libertad ensoñadora. Yoko Kanno-Hana Wa Saku (versión para piano), la sombra de un devastador tsunami, recreado por una idoneidad expresiva de quien domina géneros creativos en el espacio de los medios escénicos o los videojuegos, en este caso elaborado sobre dos temas contrastantes de intenciones contrapuestas.

Suad Bushnaq- Improvisación-compositora jornada que recurre al sistema creativo del maggam, con arpegios que fluyen entre las dos manos para abundar en los aspectos del color tan comunes en las músicas de procedencias orientalizantes. Carolyne Shaw- Gustave Le Gray-, una evocación del fotógrafo Gustav Le Gray, y al pianismo de Chopin y a su mazurka Op. 17, nº 4, que aletea en el centro de la pieza, elaboración de deconstrucción imaginativa a través de pasajes tonales contrastantes que inciden en la sensibilidad del oyente.

Nkeiru Okoye (1972), compositora neoyorquina ofrecía African Sketches-Dusk/Dancing Barefoot in the rain, afroamericana de raíces nigerianas, formada en piano y composición en el Oberlin Conservatory; en la Rutgers University y en la Mannhatan School of Music, apreciada por el New York Times, por sus virtudes evocadoras y apasionantes, disponiendo de un catálogo enfocado a esas influencias de tradiciones negras, de las que dejará testimonio en su ópera Harriet Tubman, el imaginario creativo de esas tradiciones y que en African Sketches- Dusk y Dancing in the Rain- amalgamaba tradiciones africanas con ansiadas influencias contemporáneas, recreando atmósferas que se impregnaban en la vida cotidiana como una dimensión simbólica de la naturaleza. 

Karen Tanaka- Water Dance (2008): Very light with flow/Very softly with shimmering light/ Veri light, like a harp, compositora japonesa con estudios en la Toho Gakuen School y en París con Tristan Murail, en el IRCAM, ampliando con Luciano Berio y obtener una beca del Laboratorio de Compositores de Largometrajes del Sundances Institute, auspiciado por los más prestigiados maestros de Hollywood. Water Dance, un encargo de 2008, fue un compromiso con la pianista noruega Signe Bakke, quien lo estrenó en 2011, obra en tres espacios en la que usa variados recursos para recrear una amplia gama de efectos encontrados de luz y sombras, en los que intervenían el timbre, las armonías, las texturas, que nos trasladándonos en su evocación a una Noruega imaginaria, en un constante flujo de aguas, tratadas por las estructuras pianísticas en su transparencia y continua transformación.

Marisa Manchado Torres (1958)- Dunas una de nuestras compositoras de trayectoria más extensa, demostrando en el conjunto de sus obras una atención a técnicas precisas procurando transmitir las emociones pretendidas en el contexto de su universo sonoro. Dunas, en su caso, evocaba imágenes de territorios áridos, vastos y misteriosos, bajo la idea de transformación constante y a la resistencia, características presentes en los paisajes faltas de agua, desérticas. La pieza alternó calma y tormenta, con un piano que transitaba de la introspección a la intensidad emocional, invitando a reflexionar sobre la relación entre la naturaleza y la experiencia interior.

Consuelo Díez (1958), igualmente en la cúspide de nuestras vanguardias, ofreció Rumores de El Puerto (2009), doctora en la Hartford University, se puso al frente de festivales de referencia en nuestro país, siendo pionera de géneros electroacústicos, del que saldrían registros fonográficos, que alcanzarían una notable divulgación. Rumores del Puerto del primer cuaderno, de Iberia y Rumores de la Caleta, de Recuerdos de Viaje, un claro homenaje a Isaac Albéniz, en el centenario de su muerte. Estamos ante el Primer cuaderno de Iberia y Rumores de La Caleta. Composición que refleja una fuerte personalidad de estilo, con un fondo conocimiento de la técnica y de las posibilidades del piano, mostrando una capacidad de captación del lenguaje y el espíritu de la música de Albéniz, compositor al que Consuelo admira profundamente, descubriendo en la partitura una cita de Cartas a la oscuridad, obra de apetencias albenicianas, por ciertos pasajes surgidas de forma menos consciente y que cobra aquí una enriquecedora dimensión.

Carme Rodríguez (1966)- Alalá das Paixases Verticais (2021), graduada en Composición de Músicas Contemporáneas (Madrid), y compositora de bandas sonoras de filmes, cortometrajes, teatro y cine, además de proyectos orquestales, consecuencia de los abundantes encargos que recibe habitualmente, para ensembles o solistas, galardonados en concursos. La música tradicional está presente en la evolución de su obra ya desde los comienzos, logrando tratamientos ricos del que tenemos constancia en obras que presenta en certámenes de músicas contemporáneas, Alalá das Paixes Verticais, es obra dedicada a Isabel Pérez Dobarro, obra que nos traslada a esa tradición folklórica sobre la que investiga, con aspectos como el canto melismático solista del alalá, en el que suena una sola sílaba de tres apuntes o paisajes sonoros, la escritura es rica en texturas, capas contrastantes y resonancias suspendidas con una melodía que fluye con libertad , indagando el timbre del teclado como vehículo de profunda expresión.

Un recuerdo también Gabriela Ortiz- Estudios entre Preludios n º 3, el virtuosismo mexicano que se maneja en un tratamiento similar al de Dobrinka Tabakova inspirándose en Ligeti dentro del marco del llamado feeling latino con texturas exigentes. Una compositora nominada para el Debs Composer´s Chair del Carnegie Hall (2024/5), logrando que obras suyas fuesen estrenadas por la Berliner Philharmonie O., la Philarminic de Los Ángeles, y otras de primer nivel, siempre dentro del espacio de las músicas contemporáneas.

Ramón García Balado

Compostela Cultura: Contemporáneas

Isabel Pérez Dobarro. Obras de Dobrinka Tabakova, Tania Léon, Carolyn Morris, Julia Wolf, Gabriela Ortíz, Yoko Kanno, Kkeiu Okoye, Karen Tanaka, Suad Bushnaq, Carolyn Shaw, Marisa Machado, Consuelo Díez, Claudia Montero, Danaë Xanthe Vlasse y Carme Rodríguez

Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

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