Taller Sonoro, para completar Contemporáneas

 Sala Mozart, Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

Ocho fueron los conciertos que integraron el Ciclo Contemporáneas a lo largo de un período extenso que nos llevó desde octubre a esta cita en la Sala Mozart del Auditorio de Galicia, esta vez con Taller Sonoro- día 20, a las 20´30 h., una agrupación integrada por Jesús Sánchez Valladares- flauta-; Camilo Irizo-clarinete-; Baldomero Torres-percusión-; Ignacio Torner- piano-, Alejandro Tuñón-violín- y Carmen Coronado, como chelista. Veníamos de una primera propuesta con Arxis Ensemble, con el reclamo de una obra tan emblemática como La fabbrica iluminata, de Luigi Nono, entre otras dos que respondían el trazado que lo que sería el conjunto de Contemporáneas, aquella obra nacida al amparo de textos de Giuliano Scabia y un fragmento de Du poésie a T, de Cesare Pavese, para voz de soprano con apoyo de cinta magnética y registros pregrabados en la fábrica de Cornigliano, con procesamiento en el Studio di Fonología de Mariano Zuccheri, siendo la soprano Adriana Aranda. Ciclos como el actual fueron costumbre dentro de proyectos de durante temporadas, cubrieron en el CGAC, dos formaciones estables, el TAC, de Diego García y Vertixe Sonora Ensemble, un colectivo al que Ramón Souto dio cauce a partir de 2010 y cuya tarjeta de visita había sido el documental Correspondencias Sonoras.

Contos para arrolar un enxame, encabeza el reclamo de la propuesta que incluye obras de Nuria Núñez, Elena Mendoza , Lula Romero y Clara Iannotta. Taller Sonoro surgió en el año 2000, siempre dedicado a temáticas contemporáneas, en principio en Andalucía para incorporarse a las temporadas del CDNM, el Museo de Arte Reina Sofía, los Teatros del Canal (Madrid), Alicante, el Teatre del Liceu, L´Auditori (Barcelona), Ciclos BBVA, Fundación Juan March, Palau des Arts (Valencia), Festival Klem (Bilbao) o la Universidad Menéndez y Pelayo (Santander). Fue formación residente en el Auditorio Marcel Landowski (París); Hochschule für Musik (Frankfurt am Mein); Instituto Cervantes (Berlín); Fest. KGNM (Koln); Teatre Quartz (Brest); Wien Musikverein; Forum Wallis (Suiza) y otras convocatorias señeras que se ofrecen en distintos países latinoamericanos.  Se añade también su colaboración con formaciones de música antigua como Organum Ensemble (Macel Péres) o el Ensemble Gilles Binchois (D. Veillard), y compositores actuales como J. Mª Sánchez- Verdú, David del Puerto- que en este ciclo ofreció su ópera A solas con Marilyn, con Teatro Xtremo-, o César Camarero.

Nuria Núñez, se especializó en tendencias integradas en técnicas extendidas, propuestas que tientan a bastantes compositores actuales en los frentes más diversos, desde la voz a los recursos instrumentales , ya desde sus comienzos en Córdoba como paso previo a la Universität der Kunste Berlin y el Centro de Estudios Avanzados de Berlín (BAS)- Graduirtenschule UdK-. Recibió el reconocimiento de la Escuela Reina Sofía; la Fundación Autor, la JONDE, Thüringer Landesmusikakademie (Sondershausen) y otras entidades de primer rango. Siempre en esta alternativa de indagación entre nuevos públicos, se implica en proyectos que se proponen en calidad de compositora en residencia, en proyectos como Rapauke mach Musik (Berlin Rundfunck Radio), con óperas dedicadas a jóvenes curiosos, entre las que destacan La Isla (video-ópera); El sueño del señor Rodari (para teatro de sombras), destinada a la Academia España (Roma); Bestiarum (espectáculo interactivo),  a medias con Fundaciones como Haus der Kulturen del Welt o la Volksbühne Berlin o Kleines Stück Himmel, un encargo de la Deutsche Oper Berlin. Las piezas elegidas, serán Alla ricerca disperata del sole; Cartografías efímeras  y el añadido de un estreno absoluto para este concierto con Taller Sonoro.

Para completar programa, Lula Romero- Autonomous realities- compositora que dedicó atención preferente  a géneros actuales  siempre a tenor de invitaciones recibidas de festivales que la llevan desde nuestro país a visitas que se reparten entre Europa y los Estados Unidos. Es licenciada en Composición e Historia del Arte  con fundamentos en el Conservatorio Manuel Castillo (Sevilla) y grado superior en el Conservatorio de La Haya, preparando su doctoramiento en Graz (Austria). La electroacústica es uno de los espacios de investigación sonora, ampliando en profundidad en los aspectos especialmente técnicos.

Elena Mendoza, compositora especialmente activa- Die Macht der Gewöhnheit (2014)- fue la primera compositora en obtener el Premio Nacional de Música (2010), convirtiéndose en un referente que la mantiene como figura a nivel nacional, compaginado con otras actividades dentro de las artes escénicas, por esa capacidad de investigación y que se manifiesta por una capacidad de poner en cuestionamiento la realidad cotidiana. El estímulo de las artes escénicas fue inherente al desarrollo de su obra en su conjunto por su relación con cantantes y actores en ese proceso asociativo con maestros como Matthias Rebstock, con el que trabajó con obras como Niebla (2007), en la Europäisches Zentrum der Künste Dresden Hellerau, a la  que seguirían La ciudad de las mentiras, sobre la poética de Juan Carlos Onetti, un encargo de quien tan buena impresión había dejado en el Teatro Real, Gerard Montier (2017) y el culmen que supondrá Der Fall Babel, para el Festival de Schwetzinger, de dos años después.

Clara Inanotta- Il colore dell´ombra-, otro ejemplo y modelo de inspiración en estas opciones, perfeccionará los recursos que tome como argumento, siempre cuidando las posibilidades de los mismos recursos teatrales en lo relativo al estímulo musical y las peculiaridades del sonido, en el permanente dinamismo que permanentemente ayude a descubrirnos su espacio creativo, unas partituras plagadas de detallas instrucciones técnicas a las que se añaden la serie de objetos más insospechados, muy presentes en estas posibilidades de las técnicas extendidas. Un factor de detallismo que contribuye a enriquecer la paleta sonora en los registros más insospechados, dejándose inspirar por las impresiones auditivas en permanente evolución de propuestas. En resumen, un oído atento para precisar la serie de sonidos en sus inabarcables precisiones sorprendentes y complejas.

Ramón García Balado

Trío en Suit(e), para Contemporáneas

 Auditorio de Galicia, Sala Mozart. Santiago de Compostela

Concierto de la serie Contemporáneas en la Sala Mozart del Auditorio de Galicia- día 29, a las 20´30-, con el trío formado por el chelista Millán Abeledo , el pianista Manuel López Jorge y Nuria Sotelo, bailarina y coreógrafa para un espectáculo entre música y danza que abarca desde el barroco y compositores de vanguardia desde Ligeti a Britten o G. Kurtág, un maestro de generaciones como Gaspar Cassadó, y una pieza del propio Manuel López Jorge, en estreno. Músicos que tenemos asociados con el Curso Airas Nunes, que desde hace convocatorias viene ofreciendo sus actividades preferentemente en la EAEM, y que en la cita anterior tuvo como maestros a Claudio Martínez- Mehner, András Kemenes, Kennedy Moretti, en piano y en las especialidades de cuerda a Lara Fernández Ponce y a Xavier Gagnepain, impartiendo música de cámara y conciertos abiertos. Millán Abeledo, formado con Tatiana Cucerenco y Vera Kolar, ampliando en el CSMA (Zaragoza), con Ángel Luís Quintana y Barbara Switalska, para seguir en la Escuela Reina Sofía y en la Musikhochschule Lübeck, con Troels Svane, fue galardonado con el Gil Dávila (Música en Compostela), siendo becado por la Fundación BBVA. Entre sus publicaciones en cd: Faces (KNS Classics), con el Bambú Ensemble y Galician Strings Quartets, con el Cuarteto Novecentos. Es activo en iniciativas con otras agrupaciones, y en centros de educación como la Escola Berenguela.  Manuel López Jorge, con obra en estreno,  manteniendo una presencia activa en salas como St. Martin- in-the Fields, Royal Albert Hall-Elgar Room o la Fundación Juan March, para la que compuso Montañas ao lonxe, para Mariana Todorova (solista de RTVE) o Steinway Hall, logrando galardones como el Concurso Leonard Smith (dúos) o Cavatina (música de cámara). Se doctoró en la City University (Londres) y en el Trinity Laban. Presenta en estreno una pieza con una estructura en una serie de micromovimientos y microdanzas enlazados sin reposo que fluyen inspirados por sus sorprendentes características marcadas por partículas elementales que nos trasladan al mundo de la física, usando una paleta tímbrica en especial para el chelo, en esa búsqueda de los límites sonoros al servicio de una narrativa expresiva  y sintácticamente coherente. La tercera en concordia, Nuria Sotelo, coreógrafa y bailarina, es fundadora de Danza-Teatro Furia Sotelo y directora de Espazo Danza do Campus de Ourense UV, colaborando con profesionales en estas especialidades. Fue galardonada como coreógrafa por su Ensaio amor, en el certamen Coreográfico (Madrid), y en el Premio de Interpretación Maruxa Villanueva. Trabajó para el Proyecto Compañía  5S, en el Festival Int. Deltebre Dança. Ser con, un nuevo proyecto, fue beneficiado en el programa Art For Change, de La Caixa y desde 2016, es parte activa de las propuestas del Concello de Allariz.

Para comenzar, dos tiempos de la Suite, en Sol M. BWV 1007, de Johann Sebastian Bach: la Sarabanda y Menuets I y II, la primera relativamente corta y elaborada en cuatro frases de cuatro compases, sobria a la par que elegante. Las piezas en forma de Menuets, se reparten entre el sosiego y otra más cantable, preparando la Gigue. Seis son las Suites bachianas para el chelo de las que se desconoce la fecha de su escritura, aunque claras referencias encontraremos en obras de Domenico Gabrielli o Giovanni Battista Degli Antoni. Varias copias se conservarán gracias a su segunda compañera Anna Magdalena, que muestra algunos errores. La primera edición impresa no apareció hasta 1825, en la casa Probst (Viena), con un título engañoso.

Gaspar Cassadó- Preludio-Fantasía de la Suite para violoncelo solo-, maestro afín a los comienzos del Curso Música en Compostela, obra repartida en dos partes en dedicatorias a diferentes lugares de la geografía ibérica. El Preludio, inspirado en la Castilla del Quijote, con aire de zarabanda, por sus influencias bachianas, mientras que la segunda alude a estilismos alla francesa, del siglo XX, por su forma en espejo. De sus años parisinos, su relación con Pau Casals, que proyectarán un futuro en el que compartirá experiencias con Harold Bauer, Rubinstein, Iturbi, Szgeti, Menuhin o Ketner.  Fue maestro en Siena, en Florencia  y en Colonia, destacando como defensor del repertorio contemporáneo desde Dallapiccola a Martinu, J. Turina o J. Rodrigo, sin olvidar las obras de composición propia.

George Ligeti-Dialogo de la Sonata para chelo-, obra que describe como un diálogo y producto de un encargo para la Unión de Compositores, especie de charla entre dos personas que recurre a la tradición centroeuropea, el folklore cercano que se acerca a estilismos modales con típicas alteraciones, una pieza con una primera dedicataría, la chelista Annuss Virany, quien no llegaría a estrenarla para que fuese Vera Dénes, quien se interesase por la obra y que tendrá en definitiva un segundo tiempo Capriccio- Presto con slancio, que complementa al primero Presto, cercano a Bartok y Kodaly. G. Kurtag- Árnyék (Sings, Games and Messages), selección de miniaturas de este creador cercano al anterior y con tendencia a trabajos en construcción y permanente revisión, además de actualización, obras con un peso melancólico que describen personas concretas atendiendo a sus connotaciones particulares, desde la alegría a la melancolía o la introspección. Músico que conoció el exilio, llegando a relacionarse con Olivier Messiaen, Arnold Schönberg, Béla Bartók o Igor Stravinski y Anton Webern.

Henri Dutilleux- Strophe nº 1 (Trois Strophes sur le nom de Sacher)-  músico que mereció la atención de Mstislav Rostropovich quien le encargó la pieza para el 70 aniversario de Paul Sacher, breve suite en tres espacios, que se fundamenta a través de seis notas S.A.C.H.E.R. (según la notación germánica), marcando los vínculos entre cada estrofa y el elemento referencial, por el encuentro de los ecos y los procesos en espejo. Paul Sacher  fue maestro especializado en estreno de obras en confianza, que abarcan desde R. Strauss, a Malipiero, Luciano Berio, H. W. Henze, B. Britten, I. Stravinski, Honneger, F. Martin, Lutoslawski, Martinu, Ginastera, Boulez, C.Halffter o Bártok, uno de los más prolifocos de la vanguardia.  Benjamin Britten- Marcia (Suite nº 1 Op. 72), de 1964, obra del otoño tras su regreso de su viaje a la URSS y que se estrenó en Londres en junio de 1966, obra en seis tiempos agrupados en tres bloques de a dos separados entre sí por un canto (sostenuto e largamente). De la forma de Marcia, destacan un primero (alla marcia moderato) y otro que sigue a la Serenata, que sugiere por su rítmica una fanfarria stravinskiana, guiño a La historia del soldado.

Ramón García Balado  

Música Práctica, en Contemporáneas

 Auditorio de Galicia, Sala Mozart. Santiago de Compostela

Versatilidad de opciones dentro del ciclo Contemporáneas- día 18, a las 20´30, en la Sala Mozart (Auditorio de Galicia)-, con el sexteto Música Práctica que integran Regina Laza-violín-; Manuel Lorenzo-chelo-; Antonio Suárez Saavedra- clarinete-; Joan Ibáñez Briz- flauta-; Fernando Buide-piano- y el percusionista Alejandro Sanz. Una iniciativa del pianista, con obra en programa, para conceder razón de ser a este grupo integrado por miembros de la OSG y que realizó su presentación oficial en las propuestas de la Quincena Musical Donostiarra, centrándose en proyectos actuales en gran abanico de criterio.  Tres creadores gallegos tendrán espacio en esta cita, comenzando por Fernando Buide- Pasos-, quien a finales de mes, estrenará Cantico para soprano, coro y orquesta, dirigido por José Trigueros, con Raquel Lojendio como solista y la OSG, con su coro- tutelado por Javier Fajardo-, en una sesión que anuncia Les Offrandes oubliées, de O. Messiaen, y Les Iluminations, de B.Britten. Pasos se estrenó en el Yale Festival Norfolk, con Liza Moore y el New Music Ensemble, de Julian Pellicano, una experiencia marcada por la primacía de los ostinatos, que evocan campanas lejanas, mientras se pasea por la ciudad. Obras de Buide, han tenido presencia en las actividades de temporada, como fueron Pasaxes- encargo de la Fundación SGAE/AEOS, con la soprano Isabella Gaudí; la ópera A sombra de cristal, con supervisión escénica de Quico Cadaval y las voces de María Hinojosa y César San Martín, junto al actor Víctor Mosqueira; A Amnesia de Clío, ópera de mayor proyección, en la que colaboraron el Orfeón Terra a Nosa, con puesta escénica de Marta Pazos; el Concierto para órgano y orquesta, con obras de Messiaen y Paul Dukas, estrenado por Juan de la Rubia, en un ciclo de la ONE o Nao de sangue, un encargo del Trío Preseli, por citar algunas representativas. Eduardo Soutullo-Toward/ From the East/West. In memoriam. Toru Takemitsu- para flauta, chelo, violín, piano, clarinete y percusión, obra de la que tuvimos noticia en el V Festival Via Stellae 2010, y cuyas notas quedaron a cargo del propio Soutullo. Obra que evocaba un viaje de ida y vuelta en el proceso de influencias de Tamemitsu, entre culturas musicales de Oriente y Occidente. Las diferentes texturas se desplegaban a partir de instrumentos de percusión que incluían platengloken graves, gongs  de diversos tamaños. Crótalos y vibráfono tocado con arcos de contrabajo. El programa del Ensemble S21, ofrecido en la Igrexa da Universidade- 26 de julio, de 2010-, había incluido de Takemitsu dos obras- Rain Tree Sketches II (In memoriam Olivier Messiaen) y Distance de Fée, para violín solo, junto a tres de Soutullo: All the echoes listen ; Have you said spectral? y esta que se elige para hoy. Fueron entonces intérpretes Jorge Montes- violín-; Carlos García Amigo- chelo-; Julio Mourenza- piano-; Vicente López-clarinete y Luís Perandones, como flautista. El afán por conocer de Takemitsu, nacería tras una profunda indagación de maestros como Messiaen o Debussy, perfecto puente de transición ya conocido entre culturas aparentemente lejanas y que acabarán convirtiéndose en cotidianas dentro de los lenguajes musicales, a partir de las raíces tradicionales japonesas.  

Carme Rodríguez- A voz no berce-, goza en su inspiración de la aportación de una nana que en susurros le cantaban cuando era niña, especie de tonada popular cuyas melodías se desenvuelven para transfigurarse en una idea distinta, con cuidados detalles e calculadas modificaciones que sobresalen precisamente por el mantenimiento de aquellas primeras impresiones fundidas en una memoria imperecedera, un preciso lugar común que quedará como una constante indeleble y un valor fijo de estados claramente hipersensible. Carme Rodríguez, es una de nuestras compositoras que merece una consideración en certámenes actuales, recibiendo encargos que curso a curso la convirtieron en una realidad segura. Un aspecto será el interés demostrado por recursos de vanguardia sobre contextos audiovisuales que la ayudan a proyectarse profesionalmente gracias a una dinamización que vertebra recursos electrónicos, en confluencia con métodos de un trabajado eclecticismo sonoro, en atención de las demandas de los planteamientos requeridos por la ideas que fundamenta cada obra suya.

Mercedes Zabala- Polaris-, curiosidad por sus tímbricas, pieza para Toy piano (o celesta), y cuarteto de apoyo integrado por flauta, clarinete, violín y chelo, nace como un encargo de Antonietta Lofreddo y  el Appasionato Ensemble, una idea del Proyecto Constellations, en dedicatoria al maestro Luís de Pablo, en alusión tanto al procedimiento creativo empleado como al rol de las docencias impartidas por este creador, de la Generación del 51, en la que se formaron bastantes de los músicos de vanguardia actualmente muy activos, trabajando sobre los recursos más sorprendentes en el ámbito de las posibilidades en las que prima la libertad con plenas concesiones al compositor, como es el caso de esta creadora, un referente que goza ya de un catálogo considerable de obras, que se incorporan a los certámenes de vanguardia. La utilización de medios y materias musicales reducidos, será un posible campo de indagación en una ostensible invitación al oyente, en el posicionamiento abierto cara a esas propuestas que se indagan en cada programa.

Christopher Cerrone- South Catalina (2014)- , destaca por la fluidez del sutil manejo de las tímbricas y las resonancias, ayudándose por las colaboraciones multimedia, equilibrando exuberancia y austeridad, que le permitieron obtener tres GRAMMY, por obras como el oratorio Beaufort Scales, encargo del Lorelei Ensemble, estrenado en el Mass MoCA o su ópera In a Grove, además de The Year of Silence, para la O.S. de Louisville y el barítono Dashon Burton; A Body, Moving, para la O.S. de Cincinnatti; The Insects Became Magnetic, para recurso electrónico, destinado a la O. F. de Los Angeles; The Air Suspended o su primera ópera Invisible Cities, finalista del Pulitzer (2014). South Catalina (2004), se inspira en el trabajo colectivo de Random International, una consecuencia interactiva sobre explosiones sonoras, surgidas de la contemplación de obras de la Frenkel Arte Foundation, y que se resume en ataques percusivos y gestos improvisados, procedentes de la ópera Invisible Cities.

Martin Bresnick- My Twentieth Century-, es pieza elaborada a partir de la poética de Tom Andrews y escrita poco después de la muerte del autor, con quien había compartido vivencias en su estadía en la Academia Americana de Roma, en una decidida dedicatoria a Pierrot Lunaire, de Arnold Schönberg, aunque prescindiendo del rol de la voz, para insistir a otro nivel, en las aportaciones claramente instrumentales. Resultado definitivo, será una obra marcada por los parámetros definidos tanto por el compositor, como por el poeta, alcanzando una clave arquitectura musical, en la que los intérpretes van dejando su importancia como músicos, para entregarse a labores de recitado, recurriendo precisamente a los textos poéticos de Tom Andrews, a modo de conversación de notable aliento en su discurso.

Ramón García Balado

Del Puerto: A solas con Marilyn, clínica de una autodestrucción

  Santiago de Compostela - 04/02/2025

Quinto concierto de la serie Contemporáneas que nos concitó con la ópera de cámara A solas con Marilyn, de David del Puerto, composición elaborada a partir de un texto de Alfonso Zurro, tratamiento escénico de Ricardo Campelo Parabavides y cuidados en recursos lumínicos de Luiggi Falcone, con añadido de atrezzo de Rhina y aspectos audiovisuales de Natalia Moreno, al servicio de la soprano Ruth González y la mezzo Blanca Valido, Ana Mª  Alonso, viola,  con el propio David del Puerto, intérprete de guitarra eléctrica. Un producto artístico estrenado en el Teatro del Auditorio de San Lorenzo del Escorial, el 12 de julio del año precedente y en coproducción con el Teatro Xtremo, la Ópera de Tenerife y el apoyo de la Ópera de Cámara de la Comunidad de Madrid, Ópera en Minúscula y Proyecto Verdi.

Teatro Xtremo nació en 2002 en calidad de colectivo, centrando sus atenciones en las técnicas plásticas y escénicas, en búsqueda de la ruptura de consabidos límites para extenderse a las paradojas del presente. Ricardo Campelo Paravides y la actriz/soprano Ruth González, fueron cabezas visibles de esta aventura, una voz lírico-ligera, bregada en roles zarzuelísticos, operísticos y en óperas como The Little sweep -B.Britten-; Bestiari- Miquel Ortega-; Con los pies en la luna-Antoni Parera-; Tres desecho en forma de ópera y Angelus Novus-J. Fernández Guerra- o Lilith, luna negra, del propio David del Puerto, encargo de la Fundación Juan March, y disponible para cuantos quiera consultarla, en la que también participaron Joanna Thomé da Silva- Lilith- y Enrique Sánchez-Ramos- Adán-. Para su rol, el personaje de Eva, con dirección musical de Alexis Soriano, sobre un libreto de Mónica Maffia.

Blanca Valido-mezzo-, que siguió clases de Mirella Freni, Illeana Cotrubas, Dolora Zajick o C. Gallardo-Domas, fue dirigida por maestros como Albert Zedda, D. Baldwin o R. Fernández Aguirre, repartiendo sus trabajos entre óperas y zarzuelas de primera línea y en coliseos de élite. Ana Mª Alonso- Viola-, colabora con formaciones como el Proyecto Guerrero- J.R. Encinar-, siendo dirigida por maestros como Peter Eötvös, F. Panisiello,  Cristóbal y Pedro Halffter, J.L. Temes, A. Tamayo o P. Rundel. Editó su cd Alto Mystic, con obras de Mario Carro y J.L. Turina; Inmersión (C. Camarero), grabado en la Bremen Sendesaal o Choral Reflection-Biltine (Panisiello), estrenando Wild Animals (Garth Knox) y Stange Friction (Ed Bennett), participando en La Noche Cromática (J. Durán Loriga). Desde 2005, forma parte del Plural Ensemble. Alfonso Zurro- autor del texto-, creó la compañía Teatro de La Jácara, en la que alternan distintas tendencias: Mascarada canalla; Por naríces..; Mockinpott (Peter Weiss); Esperando a Godott (S. Beckett); Pasodoble (M. Romero Esteo) o clásicos desde Calderón a W.Shakespeare y Valle-Inclán. Ricardo Campelo Parabavides- director escénico-, formado en medios esos espacios  en la Fundación Rajatabla (Venezuela), fue Premio J.L. Alonso de la As. de Directores de Escena y del CENIT Atalaya (Sevilla), además de una mención especial por su propuesta arriesgada en el Fest. Iberoameriano de Teatro (Mar de Plata, Argentina).

David del Puerto comenzó sus estudios como guitarrista (Albert Potin), ampliando en armonía con Jesús Mª Corral, para seguir con Francisco Guerrero y Luis de Pablo, preparando su presencia en el Almeida Festival (Londres), recibiendo la invitación de Pierre Boulez, con un encargo para el Ensemble Intercontemporain. Casi 200 obras en su catálogo, obras para solista, cuatro óperas, cinco sinfonías, un ballet, conciertos con solista y obras en variadas combinación para guitarra. Obras en colaboración con el pintor J.Mª Sicilia, los compositores Jesús Rueda y Javier Arias. Las zarzuelas Se vende y Raja la alondra o Demasiado tarde. En sus oficios docentes, su protagonismo en el Curso U.I. de Música  en Compostela, además las frecuentes invitaciones de otros cursos: Centro Superior Katarina Gurska; Escuela Reina Sofía, tras haber obtenido el Premio Gaudeamus (Amsterdam), por su Concierto para oboe y conjunto de cámara, recibiendo galardón Ojo Crítico (RNE). En 2005, había recibido el Premio Nacional de Música, por el estreno de su Primera Sinfonía (Boreas). Había destacado su paso como compositor en residencia de la JONDE, dejando obras como Mito y la Fantasía Segunda, para la ONE y trabajos para el CNDM, con obras como Simbiosis; Brisas, preludios y tientos; Med thier; Miradas; Nusantara o Alio Modo, mientras publicaba  Música Presente. Perspectivas para la música del siglo XXI (Fundación Autor), junto a J.L. Téllez y Andrew Ford. Creó en 2009, el grupo Rejoice!, con el acordeonista Ángel Luís Castaño y él como guitarra eléctrica. Con la soprano Carmen Gurriarán, estrenó Sobre la noche y con Laia Falcón, Carmen replay, ballet para el Teatro Real, con la Compañía  Nacional de Danza.

Lilith, luna negra, resultaba la tercera incursión en ese estilo, tras Sol de invierno y Vacaguaré, recurriendo a escasos medios como tres voces, un ensemble de seis instrumentistas, un equipo de videoescenografía, y un cuadro escénico similar al de A solas con Marilyn, todo ello auspiciado por la meditada colaboración con Mónica Maffia, un estilo de ópera barata como solución del teatro musical, basándose en el mito de la primera mujer, a partir del idílico Edén. El canto inicial comenzaba en forma de balbuceo mostrado por los protagonistas Lilith y Adán. A solas con Marilyn, es modelo del estilo prolífico de David del Puerto, en esa capacidad en entremezclar sugerencias sorprendentes, elaborada en consideración a los personajes vocales determinantes, la soprano Ruth González y la mezzo Blanca Valido, que desplegaban su drama sobre un tapiz sonoro que expresan la viola y la guitarra eléctrica, con sonidos grabados que surgían periódicamente interlineados cual una orquesta imaginaria, aspirando a focalizarse en un estatus politímbrico que se manifestaba en un mundo imaginario.  31 escenas breves, agrupadas en 6 bloques, plagadas de referencias musicales ocultas y apuntes literarios perceptibles. Una ópera que no sólo trata sobre la traición y la autodestrucción, sino también sobre apreciables mitos contemporáneos que influyen en nuestra receptividad. La canción íntima, el melólogo, el diálogo, los recursos vocales, la desolación, los ostinatti obsesivos, y otros materiales, completan el cuadro David del Puerto/Alfonso Zurro. Sin posibilidad de reposo, A solas con Marily podía responder a una brutal terapia de situaciones agresivas encadenadas y para las que podríamos ayudarnos de las aportaciones que nos brinda Kenneth Anger, en Hollywood Babilonia.

Hospital de Hollywood, uno de sus capítulos de ajuste para la situación, comienza con una cita de la propia protagonista: ¡ Con tanto loco aquí dentro, acabaré como uno de esos chiflados! Esto decía Marilyn en una carta que garabateó desesperadamente en la Última Estación, el manicomio (la madre de la actriz había bajado del tren en la misma estación y allí acabaría sus días). Para Marilyn, aquello era el nido de víboras, el depósito de los malditos. La verdad es que ella estaba emocionalmente enferma, pero la Clínica Menninger de Kansas, no era el lugar más indicado para ingresarla. El ruego que dirigió a Lee Strasberg, quedó sin respuesta y el profesor dramático carecía de autoridad para rescatarla del cuidado de los médicos. Hollywood y enfermedad mental ¿Acaso no están todos chalados allí?

David de Puerto, se incorporó al Curso U.I. de Música en Compostela, tomando la cátedra de composición de Antón García Abril, avalado por sus estudios con Luís de Pablo- Circulo de Bellas Artes (Madrid) y Francisco Guerrero, período en el que estrenó Ritual.  La Fundación Juan March, les puso en relación con motivo del ciclo Generación Guerrero: In Memoriam (2011), en el que participaron Alberto Posadas, César Camarero, Jesús Torres y el propio David del Puerto, con su obra Circulo de fuego. Ritual, obra suya, remite a una pieza de Guerrero, estrenada en el Festival Almeida (Londres). Sequor, sería otro homenaje a Guerrero, partiendo de la plástica de Julio Leparc. Fundamental había sido aquel período en el que Pierre Boulez le había invitado a colaborar con el Ensemble Intercontemporain-1987-, dejando obras como El canto de las dos naturalezas, para el Festival de Ginebra; Corriente cautiva, para el CDMC o Invernal, por demanda de la Fundación Juan March; Canto del abismo, sobre la poética de E. Cirlot;  Visión del errante, destinado a la Fundación Gaudeamus o Paisaje, para coro y cuatro voces. Versículo, dedicada a Luís de Pablo y el trabajo escénico Espectros, alumbra el drama de Ibsen. Del Puerto reconoce su afinidad irrenunciable con Francisco Guerrero, Cristóbal Halffter, José L. Turina, J.M. López López, J. Fernández Guerra, César Camarero, Jesús Rueda y Jesús Torres. Con Javier Arias, metido en el mundo del cine, fue copartícipe de la banda sonora de La marrana (J.L. Cuerda), además de Tocando fondo y de Las canciones del capitán Estrada.

Ramón García Balado

 

Contemporáneas

Teatro Xtremo: Ruth González, Blanca Valido, Ana María Alonso, David del Puerto

David del Puerto: A solas con Marilyn

Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela