Isabel Rubio frente a la JONDE & Klangforum Wien

Santiago de Compostela - 24/10/2026

Culmina el primer tramo de Contemporáneas de nuevo con la JONDE y el Klangforum Wien bajo la dirección de Isabel Rubio asociada con la Simfònica del Vallès y la Joven de les Comarques Girondines; fue asistente de Kirill Petrenko, tras seguir estudios con Paavo Järvi, John Carewe, Rubén Gimeno, García Asensio, Philippe Gérard o Jan Cober, con una notable carrera que le permitió dirigir a importantes formaciones de nuestro país. Y participar en certámenes como Pärnu Music Fest o la Semana de Cuenca, grabando con la O. S. de Castilla y León, los Conciertos tercero de Rachmaninov y Segundo, de Prokofiev, con el pianista Josu de Solaun, para el sello IBS Classical.

Tres obras en cartel siempre en atención a compositoras actuales que para esta ocasión, nos reservan a Helena Cánovas, Nuria Núñez Hierro y Unsuk Chin. Helena Cánovas (1984)- ofrece The crossing place of a road and river (2025) con revisión un año después, pieza que transforma el recorrido entre dos recorridos en un espacio acústico cambiante donde los límites entre instrumentos y los recursos electrónicos se disuelven continuamente. Cánovas se formó en el Conservatorio Superior de Aragón teniendo como maestro en composición y música electrónica a Markus Hechtle, y a Michael Beil, en las mismas materias, recibiendo el galardón Carmen Mateu Young Artist European Award, como reconocimiento a su originalidad por su lenguaje creativo en el que también se incluye su visión escénica y teatral.

Muestra una escritura genuina y sensible creando texturas sonoras que evidencian su atracción por la confluencia de las texturas sonoras. Recordamos de su pasada colaboración con el Grupo Instrumental Siglo XX, con obras de G.Crumb, Kaija Saarihao y Earl Kim, su obra Songs of Carolin, pieza en cuatro espacios, escrita para soprano, violín y arpa, basada en un poema de Karoline von Günderrot (La Safo del Renacimiento) y que era un encargo del Gilu Trío. La poetisa había entregado su cuerpo a las aguas del Rhin, a consecuencia de una decepción amorosa, un trabajo musical que indagaba la interacción entre la voz y los instrumentos, elaborada a través de pequeñas escenas. The crossin place of road and river, exploraba espacios en transición continua, en los que los materiales sonoros se articulaban en procesos de superposición y degradación sobre texturas deformadas por técnicas extendidas merced a la intervención de la electrónica en tiempo real, aportando una red de resonancias y distorsiones en direcciones cruzadas, que evocaban un espacio acústico inestable en continuo desplazamiento.

Nuria Núñez Hierro -Tuvo Metazoa- en una versión de la propia JONDE quien acabaría estrenándola, especialista en explorar el potencial de dualidad entre el intérprete y los instrumentos a través de las técnicas instrumentales distendidas. En sus obras incorpora a menudo objetos sonoros con recursos escénicos para expandir sus posibilidades expresivas en atención a la recepción del oyente. Sus trabajos muestran un intenso vínculo con la naturaleza y los seres vivos, que resumen una manera de pensar a través del estudio de las redes del comportamiento animal. Formada en el Conservatorio Superior de Córdoba, ampliará en la Universität der Künste Berlin, en la que obtendría un grado de Honor en los Estudios de Magisterio en Composición, antes de obtener una beca de investigación del Centro de Estudios Avanzados de Artes y Ciencias en Berlín (BAS, Graduiertenschule UdK Berlin), a lo largo de dos años, siendo reconocida con el XXXIX Premio de Composición Reina Sofía y el Primer Premio del Público del XV Festival de Primavera de Weimar al que se añade el Premio Roma, otorgado por la Academia de las Artes de Alemania (Villa Massimo/ Casa Bladi), con otro primero de la Fundación Autor- CNDM.

Fue compositora en residencia de la Orquesta de Radio de Berlín, de la Academia de España, en Roma, en la Thomas Mann- Vila Aurora (Los Ángeles), en la JONDE y en la Thüringer Landesmusikakademie (Sondershausen), siendo su música interpretada por prestigiosos solistas y agrupaciones de vanguardia como el Ensemble Intercomtemporain, fundado por Pierre Boulez; el Ensamble Ascolta ; B3; Brower Trío; el Taller Sonoro- con quien escuchamos en Contemporáneas, de hace un par de años, sus obra Alla ricerca disperata del sole; Cartografías efímeras y un estreno en forma de sorpresa. Junto a obras de Lula Romero, Elena Mendoza y Clara Ianotta. Taller Sonoro era una agrupación que recibimos en forma de sexteto-, igualmente la ONE y la Orquesta de la Radio de Berlín, la tuvo en cuenta en sus programaciones- Nuria se compromete con las creaciones enfocadas hacia nuevos públicos, en proyectos destinados a los aficionados más jóvenes como el Rapauke mach Musik, dejando curiosidades como las óperas Kleines Stück Himmel o La Isla, un estilo de video-ópera, un encargo de la Fundación BBVA, a las que se añade El sueño del Señor Rodari, sobre texto tomado del teatro de sombras, destinado a la Academia de España, en Roma. Metazoa, un organismo complejo sobre la vitalidad del entorno circundante que ayuda al ejercicio de un juego de adivinanzas. Sturnidae, una dedicatoria al canto de los estorninos en su divagación de tímbricas; Hydra, representación de las inmortales hidras de agua dulce, para entregarse a las abejas, no menos descriptiva, concluyendo en la Cetácea, dimensión sonora de intensos recursos que nos acercaba al mundo de esos animales acuáticos.

Unsuk Chin (1961)- Grafitti (2012/3- para la autora, un auténtico palimpsesto sonoro en el que las referencias estilísticas, las texturas y las perspectivas se suceden con una vitalidad cambiante y caleidoscópica. Esta compositora coreana, nacida en Seul, tuvo como excelentes apoyos en sus primeros años de estudios, ya con su padre que le ayudarían a enfocar su evolución en los fundamentos a través del piano, que en cierta forma, abordaría de manera autodidacta. Sus primeras apariciones en público, las realizaría acompañando himnos y cantatas en la iglesia presbiteriana donde su padre era sacerdote. Dos han sido los profesores que influyeron en su carrera, el coreano Sukhi Kang, que le enseñó las técnicas y tendencias occidentales y de las vanguardias europeas, entonces desconocidas en su país y que se extendían hasta Igor Stravinski, recibiendo una beca que le permitió estudiar en Hamburgo durante tres años, con el compositor Gyorgy Ligeti, lo que supuso un cambio definitivo después de ganar dos premios. El propio Ligeti, la forjó a un cambio de orientación en su carrera, apoyándose en un criterio decididamente poco ortodoxo.

Siempre primaría la importancia del compositor húngaro, por sus planteamientos críticos y sarcásticos antes de su importante traslado a Berlín, en 1988, en donde trabajaría como freelance en los estudios de música electrónica de la Universidad Técnica de Berlín, preparando el salto a su reconocimiento internacional con la obra Krostichon-Wortspiel (1991/3), que fue interpretada en distintos países y que supondría el comienzo de una larga carrera, nacida de permanentes encargos como la Fantaisie mécanique (1994); para el Ensemble Intercontemporain; el cuarteto ParaMetaString (1996), para el Kronos Quartet; el Concierto para piano (1997), un encargo de la BBC, para la BBC National Orchestra of Wales; Miroirs des temps (1999), también encargo de la BBC, para el Hilliard Ensemble y la London Philharmonic Orchestra; Kalá , para solistas, coro y orquesta, un encargo de la Orquesta de la Radio Danesa y la Orquesta Sinfónica de Oslo, para recibir su estreno con la Orquesta Filarmónica de Oslo y Alice in Wonderland, estrenada en la Ópera de Baviera. Grafitti, pieza en tres tiempos: Palimpssesto/ Notturno urbano y Passacaglia, una descripción del fenómeno de las Street Arts, en un enfrentamiento entre el primitivismo y el refinamiento, la complejidad y las asperezas, una obra polidimesional en la exposición de sus tiempos, en los que cada instrumento resulta tratado como solista en permanentes contrastes, y en el que Notturno urbano, reluce por la tímbrica de las campanas que amplían el registro sonoro, gracias a sus recursos en eco; la Passacaglia, se decide por un destacado virtuosismo pleno de misterio propuesto por ocho acordes en la sección de metales que no dejan de tener presencia a los que responden el resto de instrumentos.

Ramón García Balado

Contemporáneas

Isabel Rubio/ JONDE & Klangforum Wien

Obras de Helena Cánovas, Nuria Núñez Hierro y Unsuk Chin

Teatro Principal, Santiago de Compostela

Foto © Manuel Vidal

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La JONDE y el Ensemble Modern (II)

Santiago de Compostela - 23/10/2026

Tercer concierto en A Casa das Máquinas, con la JONDE y Ensemble Modern, en este ciclo de Contemporáneas y en ese espacio que se integró con fortuna en las propuesta de lo más variado, siempre sobre proyectos de duración no excesivamente extensa, la propia JONDE, garantiza su presencia en este ciclo como ya constatamos hace un par de temporadas también en colaboración con este Ensemble Modern y en otras actividades camerísticas junto al Trío Arbós y el clarinetista Joan Enric Lluna, aportando la iniciativa de proponer obras necesarias de nuestro tiempo. Un factor a tener en cuenta es precisamente la estadía en nuestra ciudad combinando actividades concertísticas que se extenderán hasta el próximo 6 de junio del año siguiente que tendrá como protagonista al Ensemble Música Práctica y la Escola Municipal de Música de Santiago de Compostela, en un programa participativo dedicado a Terry Riley, y su obra In C (1935), un paradigma de las tendencias minimalistas, resultado de una música en constante trans formación en una idea única e irrepetible para un ensemble nacido por la iniciativa conjunta de Fernando Buide y Alex Sanz y en el que participarán Joan Ibánez (flauta), Manuel Lorenzo (violonchelo), Alejandro Sanz (percusión), con estudiantes elegidos de la Escola Municipal de Música, dentro de una evocación abierta.

Para el concierto de esta fecha, Rebecca Saunders- Stirrings still II (para flauta, oboe, clarinete, contrabajo, percusión y piano (2008)- compositora nacida en 1967, actualmente una figura fundamental de la música inglesa de vanguardia que tuvo el privilegio de estudiar con Wolfgang Rihm, en los años noventa, antes de establecerse en Berlín, estrenando obras como su Quartet, para acordeón, clarinete, doble bajo y piano, una de sus aportaciones de referencia en el mundo camerístico y un modelo de cómo concebía el material sonoro en una sucesión de objetos sonoros concisos, secos e interrumpidos por períodos de silencio meticulosamente calculados. El propio silencio se convierte en un elemento especialmente importante trascendiendo el valor de las propias notas. La importancia de los sonidos, su fisicidad y ciertas influencias asimiladas de Giacinto Scelsi, en sus últimas tendencias, resultarán un signo distintivo en Rebecca Saunders, que siempre se mueve entre instrumentos que permitan amplias resonancias y reverberaciones con resultados como los obtenidos en Blue and Gray-para dos contrabajo- o la excelente primera propuesta de Stirring still (2006), perfectos ejemplos de una música que se mueve entre los registros extremos, que prefieren el choque de sus sonoridades para crear atmósferas no muy lejanas en muchos aspectos de los de Morton Feldman y que en lo literario evoquen los mundos de Samuel Beckett y Mark Rottko, que ayudarían a conformar su espacio sonoro. De ella, recordamos con la propia JONDE, con su grupo de cámara del Trío Arbós, Disclosure (2008), sobre un lenguaje distintivo en una referencia a su generación como alumna del aula de composición de Nigel Orborne y Wolfgang Rihm, una forma de sensualidad compleja y fascinante que incluía largas explicaciones sobre textos de Samuel Beckett, en Horn Always Came (1960), encargo de la Sección de Música Contemporánea del Conservatorio de Oberlin (Ohio), con la ayuda del Ensemble Musikfabrik y la Fundación Kunstiforum NRW. Stirring still II, era pieza en forma de collage sobre líneas en pianissimo de los solistas, fundidas entre ellas, con un planteamiento que planeaba sobre una impresión de fragilidad que dejaba una alternativa de ecos observables desde múltiples perspectivas, con una sensación estática en su proyección sonora.

Sofía Gubaidulina (1931/ 2025)- Quasi hoquetus (para viola, fagot y piano (1985)-, compositora que tomará el relevo de autores consolidados y de renombre internacional como Prokofiev y Shostakovich, asumiendo el papel que también desarrollaron músicos polacos como Penderecki o Goreckiy muy a diferencia de sus vecinos, su generación, la de Denisov, Grabowski o Silvertrov, no gozaría de la posibilidad de la promoción internacional como la que supondría el Festival de Varsovia. Tras la obligada etapa de aprendizaje y la asimilación de los estilos imperantes en los círculos musicales occidentales, su generación encuentra a mediados de los setenta, una salida a la falta de identidad delo lenguaje propio en forma de una gran diversidad de estéticas, frente al eclecticismo de Alfred Schnittke. Es ella autora de un brillante formalismo heredado de un discurso unidireccional manifiesto en obras como Offertorium, Hommage à Elliot, Regocijáos, dentro de un gusto de asociaciones tímbricas insólitas que vemos en In Croce. La cantata Jetzt immer Schnee (En el presente siempre la nieve), de 1993, destaca especialmente el uso de los colores, las inflexiones y los registros de enorme originalidad por el tratamiento global de gran moderación sobre un tema basado en cuatro poemas de Guennade Aigui, que inspiraron a la compositora los problemas que agobiaban las angustias de su país en aquel momento. Quasi hoquetus, es obra del período de madurez que indaga los recursos expresivos tomando la línea melódica de la técnica del hoquet medieval elaborada con un lenguaje actual, resaltando los aspectos abruptos y las interrupciones del discurso sonoro, plagado de contrastes desde la entrada de la viola apoyada en un juego de armónicos delicados y el fagot con sus incisivos y descarnados detalles tímbricos, hasta la recepción del piano de gran fuerza expresiva.

Nina Senk (1982)- Movimiento fluido (para flauta alto, violonchelo y piano (2007)- procura un movimiento continuo en el que la música fluye entre el equilibrio y la transformación, compositora de Ljubliana y merecedora de galardones como el Erste Bank Kompositionpreis y que ejerce como directora artística de los Konzertini abonma Ribnica o de los Compositora en Foco, de la Sinfónica de Aachen. La obra elegida, nos llevaba a 2007, cuando seguía la escuela de Matthias Pintscher, en Munich, cuyo resultado serían experiencias como esta obra, tratada sobre pasajes de transición delicados, dentro de un concepto que culminaría en obras abordadas en las exigencias de esta idea, ofreciendo yuxtaposiciones de bloques contrastados, un resultado de una estructura rítmica particularmente estricta, definidas por largas secciones que presumen una visible impregnación jazzística.

Ursula Mamlok (1923/2016)- Girasol (sexteto para flauta, clarinete, violín, viola, chelo y piano (1990)- compositora de la que tenemos noticia por sus oficios docentes con otras creadoras y que en esta pieza, alcanza una extraordinaria densidad expresiva mediante la economía de medios y la metamorfosis de un material reducido, constatación de este grupo de compositoras que comparten un espacio vivo en el que cada gesto, cada silencio y cada resonancia modifican la percepción del tiempo transformando la experiencia del oyente. Tras lograr una beca de la Mannes School Music, se trasladó a Nueva York, donde amplió estudios con Roger Sessions y Stefan Wolpe, cuyo resultado sería la preferencia por la escritura de obras camerísticas, curiosamente con claras preferencias al neoclasicismo en el marco de tendencias seriales, que en esta pieza resultaba un ejercicio de notable virtuosismo basado en técnicas de variación, con múltiples secciones, un encargo de la Serge Koussevitzky Music Foundation, para el Griffin Ensemble. Un primer tema con dos episodios enlazados, en forma de passacaglia, con suaves densidades y que se resolvía en un final transformado con motivos de quintas en trío, en un vistoso talante de trino, que enmarcaba la idea de la obra.

Chaya Czernowin (19579- Lovesong (para flauta, oboe, clarinete, violín, viola, chelo, percusión y piano (2010)- compositora norteamericana donde trabaja en la Harvard University y que en la última convocatoria del Festival RESIS que promueve Hugo Gómez- Chao, reservó su obra Undersong para ser interpretada por SIGMA Project, RITMO realizaría una entrevista a la compositora en el número 1006, del mes de junio, un cuarteto de saxofones, obra sobre la que trabajó a lo largo de toda una década y que estrenaba en nuestro país, un compromiso en coproducción con Siemens, weit! Neu Musik weingarten, para el respetado Festival de Otoño de Varsovia, a solicitud del propio SIGMA Project, para una obra que funcionaba de manera multisensorial e interdisciplinar. Su música se encuentra actualmente en un período muy intenso con un proyecto operístico sobre el que trabaja y que alcanzará hasta 2029, en esencia, la tecnología juega un papel importante en toda su aventura, utilizando incluso la voz amplificada con la intención de revelar los detalles extremadamente ínfimos, ajenos a un sondo vocal perfecto. Lovesong, era obra cuya música ofrecía una paleta de gestos cercanos a una mano imaginaria de una ejecución de un instrumentista expandiéndose dentro de una creciente resonancia, en un flujo que remitía a un ánimo de exaltación, propuesto por las aportaciones de cada uno de los solistas.

Ramón García Balado

Contemporáneas

Jonde / Ensemble Modern

Obras de Chaya Czernowin, Sofía Gubaidulina, Rebecca Saunders, Nina Senk y Ursula Mamlok

Casa das Máquinas, Santiago de Compostela

Foto © JONDE Courtiers

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JONDE y Ensemble Modern, en Contemporáneas

 Santiago de Compostela - 21/10/2026

El Ensemble Modern, al que ya tuvimos compartiendo actividades con la propia JONDE, es una formación nacida en 1980, teniendo su sede en Frankfurt y que para esta convocatoria presenta un colectivo integrado por 18 músicos procedentes de distintos países cultivado un amplio espectro de de obras en repertorio, aspecto que cultivan en sus giras que les llevan desde los Estados Unidos, Japón o países europeos, en colaboración con proyectos de similares ambiciones en calidad de formación invitada, habitualmente aportando obras de estreno o encargo, bastantes como demanda de los entes institucionales que demandan sus trabajos, primando la colaboración con los propios artistas en un calculado proyecto de precisión.

Hablaremos de compositores como George Benjamin, John Adams, Heinz Holliger, Rebecca Sauunders, Gÿorgy Ligeti, Unsuk Chin, Karlheinz Stockhausen, Hans Zender, Mark-Anthony Turnage, Brian Ferneyhough, Heiner Goebel, Vito Zuraj, Peter Eövös, Hans Werner Henze o Brigitta Muntendorf. Desde 2020 disponen de su propio sello discográfico con el que han registrado más de 150 obras y a partir de 2003, crearon la International Ensemble Modern Accademy, centrada en proyectos de carácter pedagógico de formación musical que fomenta los proyectos de creación artística . En 2024, el Ensemble Modern fue galardonado con el León de Plata de la Biennale Musica di Venencia. El orden previsto de las piezas no se atuvo a lo previsto en un principio, ajustándose a condicionamientos que lo propios intérpretes irían optando a medida que probaba la evolución de las mismas en los ensayos del programa a tratar.

Kaija Saariaho (1952-2023): Cendres (para flauta alto, chelo y piano (1998), la finlandesa que por infortunios de la vida, no llegó a ser artista en residencia de la RFG, tal como estaba previsto, Saariaho había recibido la herencia de Sibelius y aspectos de Shostakovich por su fertilidad creativa, a lo que se uniría su admiración por Henri Dutilleux, y los oficios de los músicos centroeuropeos, y el manejo de nuevas tecnologías procedentes de las experiencias adquiridas en el IRCAM, de Pierre Boulez que se confirmará en un destacado catálogo en el conjunto de sus obras privilegiando indistintamente las formas instrumentales y vocales gracias a su capacidad e imaginación en lo relativo a la acentuación de atmósferas poéticas.

Podremos recordar obras suyas como D´om le vrai sense, dirigida por Baldur Brönnimann y el clarinetista Kari Kriikku, escuchada en abril de 2024, junto a obras de Erich Wolfgang Korngold y Kurt Weill, casi un homenaje a su figura. De la finlandesa destacan obras como Du cristal…à la fumèe, sobre un tejido sonoro sensual; Verblendungen, de trazos vigorosos o la ópera de notable divulgación L´ amour de loin, sobre texto de Amin Maalouf. Cendres fue encargo de la Gesellschaft für Neue Musik Ruhr y del Kultürburo de Hessen para el Wolpe Trío, una idea de análisis del espectro sonoro basado por momentos en el uso de la microtonallidad disponiendo cada instrumento de una tensión que auspiciaba el tratamiento de alturas, rítmicas, articulaciones y colores que la convertían en un modelo de idiomatismo que manifestaba su propio talante.

Carme Rodríguez: Unha estrela danzante (para clarinete, trompa, viola, contrabajo, percusión y piano), compositora con presencia frecuente en este ciclo como ya nos ofreció en la pasada cita con Alalá das Paixases Verticais, integrada en el registro Kaleidoscope del Isabel Pérez Dobarro, una pieza programática que epitomizada la costa gallega, tierra natal tanto de la compositora como de la propia intérprete, enraizando la tradición del Alalá, el canto solista y melismático que establecía un juego de contrastes dinámicos que entretejían un rico tapiz a través de la inspiración en la tradición autóctona. Unha estrela danzante, era una pieza que se inspiraba en el Nietzche de Así hablaba Zaratustra, a través de la coexistencia del orden y el caos, que se iría transformando entre pasajes armónicos, rítmicos y tímbricos en un diálogo que divagaba hacia una exploración de previsibles estructuras regulares que permitía aflorar una inestabilidad que se transformaba desde el interior de la propia obra.

Younghi Pagh- Pan (1945): U mul (El muro) (para flauta, clarinete, violín viola, chelo, contrabajo y percusión), un dialogo intercultural, dentro de esta ambición de descubrir la genuina dimensión de una épica popular libre y refinada. composición que por propia decisión, estaría destinada para el cierre del concierto, el título de la obra se presentaba como una metáfora de la profundidad interior y de la memoria, en sintonía con el pensamiento taoísta, cuyo desarrollo lineal se estructuraba mediante procesos sonoros contemplativos centrados por el timbre y las resonancias, especie de combinación de gestos inspirados en las tradiciones coreanas entremezcladas con las técnicas contemporáneas occidentales que ayudaban a recrean texturas ricas y sutiles, en las que las percusiones animaban a una escucha introspectiva y evocadora.

Cathy Milliken (1956): Three steps (para trompa, violín y violonchelo), ofrecida en cuarto lugar, era una pieza escrita en 2010, una manera de adentrarse en una dimensión simbólica, breve pieza comenzada con una apunte de trompa que animaba a la entrada de sus dos compañeros de cuerda a través de una imagen de inspiración tomada del Angelus Novus, en el que ambos instrumentos de cuerda, se repartían el motivo de inspiración, quizás ubicándose como los brazos y las alas de un ángel que se convertía en una peculiar danza de renovación o de muerte, una dualidad que mostraba entre guiños las deliberadas ambigüedades, convirtiendo los instrumentos de cuerda en sugerencias figuradas del Angelus Novus, en este especie de trío equilibrado que llega a la resolución de forma armónica y equilibraba.

Hilda Paredes (1957): Juegos prohibidos (para clarinete, violonchelo y piano), obra de 2019, que se plantea en el espacio de la dimensión ética, una meditación que se apoyaba en la realidad cotidiana de México, el drama de sus sufridos conflictos fronterizos con el gigante del Norte avasallador, una combinación de un distanciamiento forjado desde su país de origen en el que la conciencia artística se encuentra con perspectivas sin posibles ilusiones, la obra en sí misma, no guardaba afinidad con vínculos folkloristas, pendiente en grado distinto del uso de texturas enérgicas y sonidos de mágicas evocaciones. Para ella, escribir la obra, consistía en una respuesta a una petición de Vincent Domínguez, quien pondría sobre el guión un trabajo de profundas dimensione sociales mexicanas frente a los Estados Unidos, a través del recurso de un mundo de infancia traumatizado por separaciones destructivas.

Hannah Kendall (1984): Vera (para clarinete, violín, viola y violonchelo), compuesta en 2008, escuchada en tercer lugar, vendría marcada por una intensidad narrativa, una compositora con formación en la Exeter University, que se interesaría por la indagación de arreglos musicales y la profundización de universos inmersivos, que le facilitarían sus trabajos de libertad creativa a través gestos opuestos de sobrada intensidad. Vera, es una obra de dimensión episódica que otorga argumentos tanto a las tímbricas como a la gestualidad al margen de la tonalidad tradicional, desplegando un tejido de capas textuales a través de la cual aparecen los solistas y que se apoyan un juego de técnicas extendidas y variaciones que generan procesos multicontrastantes, con alternancia de pulsos y pasajes libres, impulsados mediante células en ostinato que dinamizan el discurso entre asomos de melodismo fragmentario integrado dentro de una armonía que se maneja como agregado sonoro, una forma que se articula a través de metamorfosis de breves motivos al tiempo que la carga expresiva se resuelve en contrastes dinámicos remarcados por la importancia de los silencios.

Ramón García Balado

Contemporáneas

JONDE / Ensemble Modern

Obras de Kaija Saariaho, Carmen Rodríguez, Younghi Pagh-Paan, Cathy Miliken, Hilda Paredes y Hannah Kendall

Casa das Máquinas, Santiago de Compostela

Foto © JONDE Courtiers

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Júlia Cruz: JONDE y Klangforum Wien

Santiago de Compostela - 20/10/2026

Concierto de la JONDE y el Klangforum Wien, bajo la dirección de Júlia Cruz, para ofrecernos obras de Tania León, Elena Mendoza y Olga Neuwrtih. La JONDE, formación clave de estas propuestas del INAEM, nos invitaba a recoger el testigo de un ideario que viene manteniendo durante temporadas y de las que hace un par de años, conjuntamente con el Ensemble Modern, puso un eslabón definido de ideario programático.

Júlia Cruz fue Taki Alsop Conducting Fellow obteniendo un Segundo Premio del Blue Danube/Béla Bartók Opera Conducting Competition (2021), seleccionada como Conducting Fellow del Lucerna Festival e invitada como Guest Conductor de la Lucerne Festival Contemporary Orchestra hasta 2027. Estuvo asociada con Thomas Adès para una gira que culminaría en los BBC Proms, recibiendo invitaciones para colaborar con formaciones de élite, en las que también tienen cabida trabajos escénicos como Proyecto Zarza, del Teatro de La Zarzuela, de Madrid; el estreno nacional de Beatrix Cenci, en la Ópera de México; la colaboración con la O. F. de la UNAM o el Ballet de México, dirigiendo Ciudad Delirio, de Marcela Rodríguez, entre una producción de El Cascanueces, en el Auditorio Nacional, mientras oficiaba como directora asistente en el Teatro Real, para el estreno de Tejas Verdes, de Jesús Torres y una producción de La vida breve, de Manuel de Falla, además de dirigir L´elisir d´amore de Donizetti, en la Stara Zagora State Ópera, de Colombia y La Traviata de G. Verdi, en la Kolozsvári Magyar Opera.

Para el programa de la cita, Tania León (1943)- Rítmicas-, en este grupo de tres compositoras que planteaban programas muy personales bajo la pretensión de expandir los límites de la propia música y de la composición como espacio de diálogo entre las culturas en liza, ofreciendo cada obra un ejercicio de identidad que en este caso, confirma su realidad cultural, siendo esta compositora un ejemplo de tradición con estudios en La Habana, y su correspondiente traslado a los Estados Unidos para integrarse en el Dance Theatre of Harlem, que le permitiría obtener galardones como el Pulitzer y el Guggenheim. Siguió las docencias de Ursula Mamlok, Lazslo Halasz y Vicent Silva, para colaborar en obras de Leonard Bernstein, Seiji Ozawa y Kurt Masur, con la New York Philharimonic Orchestra.

Una compositora en su plena veteranía gracias a su evolución desde su mundo antillano a las corrientes de vanguardia confirmadas en su etapa neoyorquina. Rítmicas, aportaba una visión sobre la evolución de los patrones antillanistas, que remitía a tradiciones nacidas de que entremezclaban el son o el guaguancó como patrón de eje presentado en cada corte, determinado por pulsos irregulares dentro de un persistente ostinato y enérgico que, de alguna manera, nos insinuaba la música del Amadeo Roldán de los años treinta y un acercamiento a Edgar Varése en Ionitation por el planteamiento discursivo de los materiales rítmicos.

Elena Mendoza (1973), Zweig szenen (para viola y grupo instrumental), la teatralidad dentro de la dimensión social, de esta compositora de la que tuvimos una obra en interpretación del Taller Sonoro, en formación de sexteto y que dio a conocer Die Macht der Gewöhnheit, una compositora primera en obtener el Premio Nacional de Música (2010) y cuya contribución a la vanguardia española es primordial gracias a du colaboración compartida en el ámbito de la investigación, explorando profundamente los timbres y los aspectos dramáticos dentro de los procesos formales, bajo los que subyace un continuo cuestionamiento artístico de la realidad circundante.

Un intenso movimiento teatral resulta inherente a sus obras en las que integra instrumentistas, cantantes y actores, en un proceso escénico en estrecha colaboración con directores de escena. Zwei szenen, estrenada en el Festival de Schewtzzingen (2019), pieza en dos partes, se repartía entre Dum mors nosdividat, basada en La ciudad de las mentiras, especie de liturgia sonora propuesta por la alternancia de fragmentos vagamente susurrados por la solista en diálogo con el grupo instrumental, sobre un espacio de ambientación lumínica que acentuaría los contrastes pretendidos que se completaría en Kafkas Gemeinschaft, un reflejo de parábola universal que cristalizaría de forma hermética por el diálogo entre la solista y el grupo de acompañamiento. Una pieza en dedicatoria para el Ensemble Modern, en su cuarenta aniversario.

Olga Neuwirth (1968) Miramondo múltiplo…para trompeta y Ensemble (2006), un proceso de encuentro en transformación entre lo individual y lo colectivo, entre el pasado y el presente, convertidos en hilo conductor de este programa que realzó la heterogeneidad de las voces en su capacidad por renovar el lenguaje musical desde profundas experiencias personales. Olga Neuwirth, natural de Graz, en donde asimilaría sus patrones a seguir, tuvo maestros como Tristan Murail, en el IRCAM parisino, tras realizar su tesis sobre L´Amour à mort, filme de Alain Resnais, de sus años de formación en la Wien Universität für Arts, con Erich Urbanner. Tuvo una íntima relación artística y ética por su ideario con Luigi Nono. Con Elfried Jelinek, realizó un proyecto de colaboración sobre el filme Lost Highway, de David Lynch, y que sería resultado de sus experiencias con el Institut für Elekktrokurse Musik und Akustik, de Darmatadt, que sería estrenado por el Klangforum Wien.

Obra encargo del Festival de Salzburgo repartida en cinco espacios bajo el epígrafe de aria, una exploración de la memoria y la percepción desde una óptica en variadas perspectivas que mantienen un diálogo permanente entre solista y orquesta y que en su recurrente discurso divaga entre evocaciones que transitan desde Stravinski, Berg o Messiaen, con citas tomadas del jazz, en un laberinto de accesibles recuerdos que nos trasladan a una serie de piezas barrocas: Aria de´ll angelo; Aria del sangue fredda; Aria della pace y Aria del piacere, con un bis de universal dominio, el Aria Lascia chio pianga, de Händel, en su ópera Rinaldo. Un alarde de recursos expresivos de la solista de trompeta, en ese mundo de transfiguración continua, cerrando con un final sobrecogedor y enérgico. Las citas en liza, no era literarias sino que se entregaban a una complejidad claramente acorde con las urgencias de unas vanguardias acordes con este parámetro de contemporáneas.

Ramón García Balado

Contemporáneas

Jonde - Klangforum Wien / Júlia Cruz

Obras de Tania León, Elena Mendoza y Olga Neuwirth

Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

Foto © JONDE Courtiers

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