Actividades en Contemporáneas, para este mes

 Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

Tres actividades completan el ciclo Contemporáneas abierto el pasado mes de octubre con la actuación del Grupo Instrumental Siglo XX, de Florián Vlashi,  que nos dejaron obras de George Crumb, Kaija Saariaho, Helena Cánovas i Parés y Earl Kim, cuatro  de ellas en estreno, siendo miembros del grupo Adriana Aranda- voz y audiovisuales-; Caroline Bournaud-violín-; Raymond Arteaga-viola-; Millán Abeledo- chelo-; Joan Ibáñez- flauta- y la arpista Alba Barreiro. Mayo recibe las últimas convocatorias con un perfil curiosamente sorprendente por el tipo de actividades, que se distancia de lo común acostumbrado, como pudimos seguir a lo largo de la temporada. Una modalidad complementaria con la Xornadas de Música Contemporánea, que se ofrece en el espacio de fechas más concentradas y que fueron pasando desde las fechas primaveras a las previas a las comunes de temporada, ya en el otoño.  Compostela In-Audita, que reúne a Nacho Muñoz- pianista, compositor y productor-, y a Sol Álvarez – fotógrafa y videógrafa-, estarán en la Sala Mozart del Auditorio de Galicia- día 12, a  las 20´30-, para un proyecto de escucha, documentación y transformación artística del patrimonio sonoro contemporáneo de Santiago de Compostela, que se materializa en una sesión audiovisual de aproximadamente una hora, elaborada a partir de imágenes y sonidos específicos tomados de las rúas y de las parroquias, recogidos durante una Residencia Rega no Gaiás, en 2022. La proyección del filme sonoro, va acompañada por ese concierto con la música preparada por Nacho Muñoz, junto a la realización al vivo del trabajo videográfico de Sol Álvarez. Iniciativa enmarcada en el proceso de investigación artística sobre el sonido y el espacio público denominado Sonic Parkour, una idea del propio Nacho Muñoz, en un trabajo que le ocupó estos últimos años, explorando cómo nos relacionamos con el territorio a través del espacio sonoro, transitando por diversas disciplinas como la antropología, el urbanismo, la arquitectura, el patrimonio inmaterial, las artes urbanas y las visuales, el video-arte, el walking art, o la acusmática. Una recreación musical del imaginario sonoro compostelano, dentro de una especie de incorporación a la identidad y espiritualidad a través de la escucha, atendiendo a sus especificidades sonoras de cada lugar y las sensaciones auditivas que se definen en las variadas localizaciones elegidas. Nacho Muñoz, es creador de la ópera OFF Opera Forte Fonética, un trabajo que guarda afinidades con sus compromisos para el cine, las artes escénicas, los documentales, el video-arte, el teatro o el circo. Fue coordinador del Espazo de Residencias Artísticas Alga Lab, en Vigo, y director de la iniciativa sobre arte y medio rural Verbenas Periféricas, además de miembro del Colectivo Galicia Emocional, con el que promueve diferentes prácticas artísticas en barrios y parroquias, de la Península Ibérica. Sol Álvarez, fotógrafa y videógrafa, centra su carrera en temáticas dedicadas a las artes de esas preferencias, merced a su formación adquirida en Belas Artes, Fotografía Artística y Documental, además de Gestión Cultural, colaborando con compañías de teatro, circo, teatro y danza, desenvueltos en medio de creación facilitada por esos medios y recursos, integrándose en el Colectivo Galiza Emocional, en donde promueve proyectos de participación ciudadana a la búsqueda de la recuperación de la memoria histórica a través precisamente de la imagen y el sonido. Ejerce la docencia en Escolas Públicas, en una práctica que combina creatividad y sensibilidad documental, poniendo como referente ese valor de la memoria, el territorio y en especial, el trabajo de la mujer.

Colectivo Galiza Emocional, en el toman protagonismo de nuevo Nacho Muñoz y Sol Álvarez, junto a Marcos PTT- día 23, entre las 11´00 h, y las 12’ 30 H., un Paseo acústico polo Sarela, Sarela, caudal sonoro, desde a Ponte do Carme até o Muíño de Parente, con la limitación previa de 20 personas en cada paseo, previa obligada inscripción. Sarela Caudal Sonoro, consiste en un paseo sonoro amplificado que permite la escucha atenta y consciente de las múltiples formas del agua, la vida, el paisaje y la memoria da contorna do Sarela, una experiencia inmersiva mediante el sistema Silent Disco, de alta calidad resolutiva, captando y transformando en directo los sonidos del recorrido  y creando una pieza sonora única en cada ruta, para ello, se emplearán distintas técnicas tomadas de los recursos que facilitarán la experiencia, en lo relativo a la captación del audio y aunque más allá de tales medios tecnológicos, el objetivo sustancial es evocar emociones, un recorrido diseñado para conectar con la memoria del lugar, a través de sus ruinas, casas y lavaderos, contando con una persona que oficia como guía del grupo, que propone dinámicas que ayuden a generar contrastes poéticos en el ámbito de la escucha. Los asistentes podrán encontrarse con breves intervenciones artísticas, en forma de instalación, performances o la propia música, a los que se añaden testimonios vecinales, en charla abierta y distendida, incorporando historias presentes y recuerdos que enriquezcan la experiencia en esa búsqueda de un futuro que realmente valga la pena.  Colectivo Galiza Emocional, se manifiesta para el evento en una aproximación al Sarela, lugar que fue alimento y motor de la economía compostelana, desde los tiempos en los que tan solo era unha pequena vila, sirviendo de silencioso testimonio de ese peculiar paso del tiempo, un constante murmullo que singularizaba su entorno, y a ese transcurso el grupo que nos acompañará en vivo, realzará la importancia económica e industrial de esa llamada periferia compostelana, con menor vigencia en la actualidad, pero que nos permite ver esos lugares que con una generosa aceptación, abarca más allá de una simple vista: secretos, intimidades, la importancia del paso del tiempo, que se revelará en esa experiencia compartida, legada por antiguas infraestructuras fluviales, teniendo permanentemente en la memoria, los recursos naturales que aportaba a la ciudad, facilitando los recurso a agua que benefició durante tiempo indefinido a más de 2.200 millones de personas, beneficio que no cesa que beneficiarnos en la actualidad.

Pulso Ensemble- Laboratorio Sonoro Inclusivo- agrupación formada por Sara Méndez- saxos-, Pedro González- violín y multimedia-; María Domínguez- piano y teclados-; Pablo Paz, en percusiones, cerrarán la convocatoria- día 31, en la Sala Mozart, a las 12´30 h-, agrupación nacida en 2019 en forma de continuidad del proyecto Galicia Container, se centra en repertorios de nuevas exploraciones, y participaron en convocatorias por distintos países europeos en colaboración con artistas como Alexander Schubert, Stefan Prims, Michael Bail, César Camarero, Simon Steen- Andersen, J. M. López- López, Fritz Hauser, François Sarhan o Marko Ciciliani,  siendo El Laboratorio Sonoro Inclusivo, un espacio en el que la música contemporánea, dialoga con múltiples miradas y sensibilidades. Proyecto pedagógico, que busca establecer puentes entre sonidos, personas y comunidades, acercándose a la creación artística que por distintas razones puedan estar al margen del medio escénico habitual. Cada uno de sus talleres se convierten  en un lugar de hallazgos en los que sonidos resultan argumentos de expresión, encuentro y transformación, un laboratorio que ahonda en las posibilidades del fomento y el encuentro entre músicos.

Ramón García Balado

Encuentro de Plural Ensemble con Mercedes Zabala, en Contemporáneas

 Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

Concierto de la serie Contemporáneas con el Plural Ensemble de Fabián Panisello en  la Sala Mozart del Auditorio de Galicia- día 13, a las 20´30-, en un especial dedicado a la figura de Mercedes Zabala, agrupación con la que contamos regularmente en programaciones de obras de nuestro tiempo, como la ofrecida el pasado otoño en la convocatoria Vertixe 13 Reflexos 20/21 , en San Domingos de Bonaval, en homenaje a las figuras de Rodolfo Halffter y Antonio Machado, en un oferta de obras de se repartían entre Benjamin Britten, George Benjamin, Ethel Smith, Alicia De La Fuente, Helga Arias y Rodolfo Halffter. El grupo de Fabián Panisello, Plural Ensemble, participó en certámenes, como Présences (París); Ars Musica (Bruselas); la Quincena Donostiarra; el WDR de Colonia; el Konzerhaus de Berlín; el Klangspuren Schwaz (Tirol) y otros del ámbito internacional, con obras de Peter Eövöts, Marco Blaauw, Alda Caiello, J.M. López- López; Peter Csaba, Johannes Kalitzke, Hilary Summers o Toshio Hosokawa, realizando registros para los sellos Col Legno, Columna  Music, Verso, IBS o  NEOS.

Fabián Panisello estrenó obras de compositores actuales en Festivales como los de Donaueschigen, Bienal de Venecia, Otoño de Varsovia, Wien Modern, entre otros, debutando con formaciones como la OSG, Tonkünstler O.; al tiempo que ejerce la cátedra de Composición en la Escuela Reina Sofía, siendo también invitado por la Royal Academy of Music, la Eövöts Foundation, la Jerusalem Ac., y el Mozarteum de Salzburgo. Obras suyas fueron estrenadas por el Cuarteto Arditti, el Ensemble Modern, la Tonkünstler, habiendo estrenado trabajos como Die Judith von Shimoda, un compromiso del Festival de Bregenz, o dentro del mismo género, la ópera Le Malentendu e Les Rois Mages. En este espacio de obras en estreno, destacan el Concierto para trompa, de R. Vlatovic; Seven Japanese Sketches, (R. Ortega/Amaury Quartett); L´âge de la raison (P.Corrado, Syntax, Milan); Written in Blue (M. Blanco y la Sinfonietta ESMRS), resultado de sus compromisos como Compositor en Residencia en Grafenneg. Obras suyas cuentan con el aval de Peters Editions.

Mercedes Zabala, una de nuestras creadoras a la cabeza  de la vanguardia española, acapara este monográfico que a ella dedica el grupo. Es titular de Armonía en el Real Conservatorio de Música de Madrid, además de pianista integrante del Grupo Secuencia, en el que compagina labores de indagación en el mundo de las artes escénicas, incluyendo iniciativas de improvisación en toda su extensión. Desde la década del año 2000, se implicará en las formas de estudios de género, presidiendo con otras compañeras el Instituto de Investigadoras Feministas de la UCM. Fue Profesora del Conservatorio Teresa Berganza de Madrid, en donde dirigió el Departamento de Composición durante una década. Es invita regularmente a participar en cursos por los Centros de Mayor Prestigio. Resultado de estas experiencias, será el programa que hoy escucharemos.

Nieve sobre nieve (haiku) 2005, a efectos reales una visión en conjunto de las obras de los últimos veinte años, y que se despliega a través de un serie de claves poéticas junto a otros aspectos relacionados con el agua con su ausencia, partiendo frecuentemente de figuras poéticas y de referencias literarias. El agua, curiosamente, tuvo un notable protagonismo en dos de los conciertos anteriores de Contemporáneas, el del Trío Zukan-Gorka Catediano, Jon Ansorena y María Zubimendi- y en el de Música Práctica con el multi-instrumentista Abraham Cupeiro.  Nieve sobre nieve, introduce la poética de  Variaciones en blanco (2008), sobre la obra del mismo título de Ada Salas, poeta cuyos textos han sido puestos en atriles en más de una ocasión convirtiéndose por ello en un encargo del propio grupo, fruto preciso de una sentida colaboración y compromiso.
Thomas Bernhard deja razones en otras de las tres piezas,  inspirándose en su obra literaria Helada, hablaríamos de Sin pájaros (para viola y piano), encargo de la Fundación Ibermusica, para la temporada 2024/5 que será precedida de otro haiku,  Un pájaro en el jardín, resolviéndose en actitud claramente optimista en Implacable Ice (2012), también un encargo en esa ocasión, procedente de la pianista  Antoinette Loffredo, un trabajo destinado al Proyecto Internacional Antarctica y en el que el hielo de manifiesta como una fuerza de la naturaleza gracias a su dureza en el transcurso del camino de la propia  vida.

Al margen de estas presencias literarias en sus evocaciones, nos encontraremos con Omen (Presagio), forma de exilio en su expresión confiada para flauta baja- obra en estreno-, con destino al Festival Midt i Mars, de  Dinamarca con estreno en 2021. Desvío encargo en esta ocasión del Grupo Enigma en 2015, que no remite a la Segunda parte de El Quijote. Presentes están los desvaríos tomados de la narrativa que inspira la pieza, trazados a través de ideas musicales que nos trasladan hacia un espacio al que parece desear llevarnos, concluyendo en los dislates de las consecuencias postreras, manifiestas en el solipsismo peculiar del Caballero andante. Bipolar, 2022, encargo del Zahir Ensemble, pieza que debe entenderse en un doble sentido desde una perspectiva psicológica resultante de una oscilación anímica extrema, hacia una conclusión elaborada por diferentes ejes que se expresan entre las alturas, la gestualidad, la dinámica, las densidades, oponiéndose en un momento concreto de los dos universos  musicales, procedentes de otras obras en enfrentamiento. Cual (Un ciervo en el desván) (2024), es un crisol de referencias poéticas, teatrales y musicales, halladas de forma casi inconsciente el desván de la memoria personal de Chantal Maillard , en su poesía Lo que el pájaro bebe en la fuente y no es agua. En esencia, Chantal Maillard, nos acerca a un diálogo con fragmentos de Pierrot Lunaire, de Arnold Schönberg. Plural Ensemble, entre alusiones a pasajes de Feldmann, Eisler, Franco Donatoni, el propio Panisello y otros compositores, responde en este programa a un encargo del INAM, del año 2024, destinado a destacar la figura de Mercedes Zabala.

Ramón García Balado

Música Práctica, en Contemporáneas

 Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

Un cuarteto para Contemporáneas con el grupo Música Práctica, en la Sala Ángel Brage, del Auditorio de Galicia- día 10 a las 20´30 h., formado por Fernando Buide-piano-, Alejandro Sanz percusión- Regina Laza- violín- Manuel Lorenzo-violonchelo y Abraham Cupeiro con su panoplia de instrumentos ancestrales, para un programa de incluye obras de Karlheinz Stockhausen, Carolina Shaw y Fernando Buide del Real. Abraham Cupeiro, sorprendente en la serie de conciertos en lo que colabora, bastantes perdidos en la memoria de los tiempos, se formó como trompetista en el RCSMM, para completar en el espacio de música antigua en la UAB, ampliando con ello la proyección de sus perspectivas, ya desde sus primeras andanzas probando con el Karnyx, como arma arrojadiza en lo sonoro, o el Tintignac, insólito ejemplar del que la historia dará noticia y la korna, de raíces autóctonas, descubierta por Carlos Tallón en las umbrías soledades de una fragua. De esa  panoplia, un legado de más de 200 instrumentos que han encontrado resultados en registros como Resoando no pasado, Compromiscuo- junto al acordeonista ruso Vadzim Yukhnevich-, el Concierto Misterio-de Wladimir Rosinski y la OSG-, Os sons esquecidos, para Warner Classics, con la RFG, Pangea, con la Royal Philharmonic O., Mythos, con esa misma orquesta, en una evolución que le llevó a actuar con primeras orquestas. Participó en el filme María Solinha y con la compañía 14th Street Music, para un trabajo de Hans Zimmer, candidato a un Óscar. La panoplia de Cupeiro, le ubicaría desde los inicios en el espacio del karnyx, gran trompa céltica de toques bélicos, instrumento hallado en Jutlandia en 1891, conocido hoy como caldero de Gundestrup, y que presenta a siete tañedores en pie que preceden a otros tres que lo tocan en forma vertical. Su longitud es superior a la de los propios músicos, siendo lo más llamativo su gran pabellón, la curvatura en el acampanamiento y la gran embocadura. Eran frecuentes los ejemplares con una testa de dragón o de caballo, aunque se conocían ejemplares con cabeza de lobo e incluso de delfín. Su configuración recuerda la del litus romano  y trompas análogas se encontraron en Dacia y en territorios del Asia Menor, en especial en la antigua Paflagonia.

Fernando Buide del Real- A constelación de Saxitario-, cabe en el contexto del programa que guarda como itinerario sonoro la propia agua, como símbolo de fluidez y transformación, desplazando su mirada hacia el cosmos convirtiendo el agua en río estelar sobre un lecho que enlaza la escucha íntima con la inmensidad del universo, desde ese interior a lo astral, atravesando aguas perceptibles y celestes. Un compromiso con la Quincena Donostiarra y la Fundación Cidade da Cultura de Galicia. Fernando Buide, se formó, con Leonardo Balada, quien influyó en su carrera futura  para continuar en la Yale University y en la Carnegie Mellon (Pittsburgh), definiendo su trayectoria por las más diversas propuestas estilísticas, merced a las sugerencias que recibe regularmente. Trabajos como Paxases, de la Fundación SGAE/AEO; el Concierto para órgano y orquesta, encargo de la ONE, junto a obras de Messiaen y Paul Dukas; A sombra de cristal, ópera sobre texto de Quico Cadaval, con María Hinojosa- soprano-, César San Martín- barítono- y el actor Víctor Mosquera; Mar ao norde, con obras de M.Tippet y J. Sibelius; A Amnesia de Clío, ópera con dirección escénica de Marta Pazos, dirigida por Paul Daniel y destacando como solistas Raquel Lojendio, Sebastià Peris y Marina Pardo, asistidos por el Orfeón Terra a Nosa, de Miro Moreira; Electra, experiencia de su etapa en Roma en las programaciones del CGAC, sobre complejas poéticas; Framentos del Satiricón, merecedora del VII Premio de Composición AEOS-Fundación BBVA; Movimiento para septeto, como parte de sus trabajos de temporada en las actividades de CGAC, entonces con el Taller Atlántico Contemporáneo, de Diego García Rodríguez, con una instalación electroacústica de Pablo Beltrán. A Constelación de Saxitario, es obra estrenada por Abraham Cupeiro y este grupo Música Práctica, en 2004, consecuencia de sus demandatarios dejando este trabajo multinstrumentista que ayuda a destacan la figura prolífica en lo sonoro del solista tan peculiar, maestro en el ámbito de la revitalización y descubrimiento de estos curiosos instrumentos con claras vinculaciones difíciles de ubicar en su perceptible momento histórico, que para la ocasión se ensambla con instrumentos contemporáneos, una experiencia que ya tuvo precedentes en convocatorias similares.

Carolyn Shaw- Thousandth Orange (2020)-, es violinista y  compositora norteamericana que se pronuncia en los ámbitos de nuestro tiempo, tras su formación en las Rice University y en la similar de Princeton, recibiendo la nominación Honoris Causa en Yale, y un Pulitzer Price, entre varios Grammy. Esta obra fue compuesta como cuarteto con piano, en la que lo sencillo se transforma en una experiencia rica y cambiante, en lo sonoro, con una gran progresión armónica y estable a partir del teclado por sus contrastes rítmicos dentro de su tejido de variaciones en una estructura que recuerda a la chacona: un mismo tema recurrente que revela nuevos matices, jugando con un descubrimiento de colores y texturas, que invitan a imaginar el fluir del agua y el golpeo sobre las rocas.  En su mente, el recuerdo permanente de los cuartetos con piano de Johannes Brahms y el recuerdo de su ejecución. Una aparición de renovados matices, se aboca a nuevos ángulos sonoros. Thousanth Orange, se apoya en esas pequeñas revelaciones oblicuas en las que el filtro del tiempo, abre una posible memoria musical, igualmente el título insinúa matices de color naranja desde los ángulos más imprevisibles.

Karlheinz Stockhausen- Tierkreis(Zodiáco), ciclo del que se toman: Piscis/ Escorpio/Cancer-, obra de 1975, un conjunto de 12 piezas de percusión como parte de su obra Musik im Bausch, cada una pensada para un signo zodiacal, miniaturas de aspecto sencillo y cantable, además de complejas según el criterio de su propia técnica y las versiones que resulten consecuentes. Un estudio profundo de los tipos humanos a los que se asocia  los propios signos que facilitan  esa imaginada afirmación. Tierkreis está pensado como un material sensible y abierto para cualquier instrumento, desde los solistas o los conjuntos amplios, en duraciones variables. Las instrucciones sugieren iniciar por el día del concierto repitiendo cada pieza un mínimo de tres veces, enriqueciéndola con variaciones e improvisaciones, adquiriendo un talante ritual, que le une con el signo astrológico y la experiencia de su tiempo. Los signos de agua- Cáncer, Escorpio y Piscis- destacan por sus melodías de perfiles introspectivos y fluidos, en contraste con otros más enérgicos. Cáncer, se muestra con intervalos cerrados y repetitivos; Escorpio se ofrece más incisivo y cromático con giros abruptos que insinúan tensión y misterio; Piscis se apoya en una melodía amplia y flexible, de carácter ensoñador, casi meditativo.

Ramón García Balado

URa: Trío Zukan, En Contemporáneas

Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

Avanza el ciclo Contemporáneas con la actuación del Trío Zukan, agrupación vasca que nos acompaña en esta convocatoria- Auditorio de Galicia día 3 a las 20´30 h- y que se maneja con instrumentos de su propia tradición, representada por Gorka Catediano- percusiones-; Jon Ansorena- txistu- y el acordeón de María Zubimendi, a la que tuvimos en  el ciclo Solos no CGAC con un programa que congeniaba obras desde barrocos como J.P.Rameau o D. Scarlatti y creadores actuales como Sánchez- Verdú, M.Chamizo, Z. F. Gerenabarrena y R. Lazcano. Un trío formado en 2014 y que sentó pareceres en convocatorias como las del CNDM, la Quincena Donostiarra, el Sound Spaces de Malmö, Le Vivier de Montreal, el Internacional de Nicosia, editando trabajos como Soinuzko Berigadak-Toma I, con obras escritas para el trío y un segundo firmado para el sello IBS Classical, recibiendo el Premio del Instituto Vasco Etxepare, por su proyección internacional. Se presentan como Ensemble flexible en permanente reinvención por las obras sobre las que suelen trabajar, al tiempo que cuidan sus talleres de investigación musical, entre tecnologías y conexiones interdisciplinares, siempre dentro del ámbito de la indagación sonora, aportando con ello nuevas expresiones y experiencias. Para la sesión del día, obras de Abel Paúl, Bertrand Chavarría-Aldrete, Juan José Eslava y Zuriñe F. Gerenabarrena.

URa (agua), hidratación, hábitat y hogar, se resuelve en una rica variedad de biodiversidad, como derecho básico como reclamación de las exigencias de un desarrollo sostenible, tomando como ideario esas aguas que fluyen en todos los aspectos de nuestra exigencia cotidiana, en los que también el arte tiene cabida y compromiso. Una propuesta, la del Trío Zukan, que pretende visibilizar el agua tal cual recurso artístico desde las más diferentes perspectivas de la creación en curso. Se formula también una reflexión sobre su uso y abuso en la sociedad actual a consecuencia del abuso y excesivo consumo, tantas veces injustificado, que podría tener consecuencias para el planeta. En la primera parte, se pone en valor esa agua como elemento generador a la par que transformador, con capacidad que otorga al agua el hecho de hacer crear, modificar y transformar los paisajes que nos rodean en un curiosa traslación al plano sonoro, a través de las obras Points and Latitudes (2024), de Abel Paúl- para acordeón microtonal, txistu, percusión y electroacústica-, y Serehaganades- para txistu, acordeón microtonal, percusión, voz y electrónica, de Bertrand Chavarría-Aldrete (1978), ambas composiciones encargo del Trío Zukan. El juego creado por instrumentos de percusión metálicos se altera integrándose en el agua en la primera pieza, para continuar en la siguiente con esas aguas que cumplen su función de manera anticipada en el proceso de creación sobre tres grandes cantos rodados que resultan los elementos principales de la base rítmica de Serehaganades, una extensa  composición en la que las onomatopeyas expuestas por las voces de los instrumentistas y por otras aportaciones de los efectos amplificados, generan una extraña materia agigantada por una música que parece enrollarse en forma anular que se despliega en todas las direcciones, como si la intencionalidad recayese, por un decir, en el rasgar del güiro. Un continuo resonar de maneras rasgadas junto con instrumentos que parecen respirar pesadamente, dentro de una lentitud encadenada al lado de una atractiva poesía fonética.

Juanjo Eslava (1970)- Desprendida Voz (2021), para txistu, acordeón, percusión, elementos tomados de la naturaleza, electrónica y vídeo- nos aproxima a una fraga navarra ubicada en Urbasa- imaginario bosque fantástico que nos acerca a otras localizaciones literarias que no resultan especialmente cercanas, en reflejo igualmente en el mundo del cine-, una composición que combina la utilización de instrumentos convencionales, con la electrónica, tan presente en las obras de esta cita, a las que se añade el vídeo y los medios menos comunes como los sorprendentes recursos naturales, verdadera caja de sorpresas en contraste con el resto de las composiciones y que para el caso, provienen de Ur- Basoa: hojas secas, diferentes piedras e imaginables recursos de ese medio ambiente. El agua deja de tener una conexión física con el sonido para convertirse en el sustento de la obra como recurso indispensable para que el reino terrenal y el reino de los cielos, puedan conectarse a través de seres mágicos, la arboleda que nos permite el acceso al desprendimiento de las materias muertas, dejándonos escuchar la magia de sus voces.

Zuriñe F. Gerenabarrena (1965)- Harrim Haize, Harea (2021)-, pieza para txistu, acordeón microtonal, percusión y electrónica,  para completar esta panorámica con sugerencias fantásticas, nos deja inmensos en recursos tímbricos y una serie de elementos primordiales elaborados desde las particularidades expresivas aportadas por las posibilidades de este trío, tanto a solo como en la propia formación en trío, una composición en constante cambio en el que la electrónica funciona como un instrumento a mayores. La erosión que transforma la piedra en arena y de nuevo en piedra vale como metáfora creativa. Los tres instrumentistas: Gorka Catediano, Joan Ansorena y María Zubumendi, especializada en la Musikhochscule FHNW de Basilea, se había formado en Musikene con la profesora Miren Iñarge, ampliando con Iñaki Alberdi, manteniendo su colaboración en grupo con los dos músicos que escucharemos en Contemporáneas, nos descubrirán un mundo de sonoridades que se expanden y recomponen, alternando roles que contribuyen a ampliar y alternar un magma colectivo en permanente evolución. Para la pieza de Zuriñe, la energía explora la singularidad de cada uno de los tres músicos en una obra cargada de virtuosismo, observable en la fuerza, la tensión y el movimiento continuo en su evolución. La propia energía es entendida como fuerza, tensión, de una actitud que se manifiesta como un espacio central. Para la autora, el fuego resulta el elemento generador, símbolo de intensidad de las instrumentaciones, que aportan los miembros del trío. La incorporación del altavoz, al lado de los instrumentistas resulta a la postre como una sombra sonora, que permite el juego en respuesta entre detalles de refracción añadida al diálogo manteniendo permanentemente con los instrumentos, en una larga perspectiva desde ancestrales tradiciones a los instrumentos actuales a los que se añade la electrónica en esa búsqueda auspiciada desde una visión actual.

Ramón García Balado