Las Cuatro estaciones de A. Vivaldi en el tratamiento de Max Richter, en Ópticas Contemporáneas

 Cidade da Cultura, Santiago de Compostela

Concierto en el ciclo Ópticas Contemporáneas proyecto de la Consellería de Cultura, Lingua e Xuventude que nos invita al Gaiás con la RFG dirigida por su titular Baldur Brönnimann- día 16 a las 20´00 h-, a descubrir el tratamiento que da Max Richter a las Cuatro estaciones de A. Vivaldi, obras integradas en el grupo Il Cimento dell, armonía dell´Invenzione Op. VIII, doce, diez de ellos para violín, cuerda y bajo continuo a los que se añaden dos para violín, oboe, cuerda y bajo continuo. Obras dedicadas al conde bohemio Wenzel von Morzin (1676/1737), al parecer alumno suyo, o más bien cliente, del compositor en Italia y que según el frontispicio de la edición, los gastos editoriales corrieron a cargo de la imprenta sin patrocinio aparente del dedicatario. La serie de composiciones que integran el grupo, retomaría la audacia y el refinamiento de los conciertos del Op. III L´estro armonico o del Op. IV La Stravaganza, editadas en Amsterdam a finales de 1725, en la imprenta de Charles Le Cène, sucesor de los Roger, incluyendo en prueba de su importancia el célebre retrato del compositor.

Le Quattro Staggioni (Las cuatro estaciones) son una auténtica e imprescindible guía de l música dramática vivaldiana a la par que tantas numerosas páginas religiosas y operísticas y los cuatro conciertos que la componen, constituyen un ejemplar magisterio del ardoroso e inmortal dentro de su lenguaje marcado por el florilegio de soluciones expresivas que, de forma reveladora, vienen a dar todas las claves tanto retóricas como expresivas o simbólicas de su lenguaje instrumental. El primer concierto La primavera RV 269, se abre con el celebérrimo tema, un rústico ritornello, una suerte de himno pastoral  y homofónico compuesto con dos breves frases repetidas y basadas casi exclusivamente en insistentes acordes sobre la tónica. El Segundo concierto L´estate (El verano), supone junto a L´inverno RV 297, el perfil más punzante de sus obras en general, comenzando por un Allegro non molto, inspirado en la recreación de la canícula Languidezza per il caldo que se resuelve en tres secciones, para alcanzar un tema turbulento con Il pianto dell villanello, un claro capolavoro de su música dramática. El tercer concierto L´autunno (El Otoño), RV, 293, resulta optimista y exultante que presenta la vendimia: Ballo e canto de´ villanelli, ingeniosamente evocado por el homorrítmico e incisivo ritornello, que constituye una fina parodia de la música popular. El Cuarto concierto L´inverno (El invierno) KV. 297, comienza con un Allegro non molto, sustancialmente contagioso e irresistible por su resolución sonora, destacando sorprendentes disonancias.

Max Richter, se acercó a la obra en 2012, en un tratamiento que podremos descubrir en esta velada de tarde, obra de un músico que muestra su interés por los géneros actuales y el minimalismo en particular, tras estudiar en la Universidad de Edimburgo y posteriormente con Arvo Pärt, Brian Eno, Steve Reich, Julia Wolfe  o Luciano Berio, con quienes compartirá estrenos de trabajos en común, cultivando desde finales de los noventa experiencias dentro de las músicas electrónicas, con Future Sound of London, con el trabajo Dead Cities que aportarán otros resultados como The Isness, The Pippermint Tree and Seeds of Superconsciusness. En 2002 presentó su primer cd en solitario Memoryhouse, grabado con la Orquesta Filarmónica de la BBC, que tendrá continuidad con The Blue Notebook. En 2005 produjo para la escena Songs from before, basado en textos de Haruki Murakami, probando de inmediato con los límites de lo sonoro con From the Art of Mirrors, banda sonora para un filme de Derek Jarman, una línea de trabajo que le llevará a experiencias como 24 Postcards in Foul Colour, puerta hacia nuevos proyectos de cine y teatro : My trip to Alb Qaeda, de Alex Gibney; Womb, de Benedek Fliegauf; Last Word, de David McKenzie; Vals con Bashir, del film de animación de Ari Folman. Entre sus trabajos más destacados aparecen Memoryhouse (2002), álbum experimental sobre temática documental, grabado con la  O. Filarmónica de la BBC, una exploración sobre historias reales. The Blue Notebook, que contaba con la participación de la actriz Tilda Swinton, leyendo un texto de Kafka y la obra de Czeslaw Milosz, un rechazo a la Guerra de Irak; Songs  from Before, que nos muestra al actor Robert Wyatt leyendo textos de Haruki Murakami; Sleep y From Slepp, uno de los proyectos más ambiciosos para una obra que observaba relaciones estéticas con la música de Gustav  Mahler. Obra elegida por Jarvis Cocker como álbum del año de BBC6. Three Worlds: Music from Woolf Works, composición dedicada para el ballet del mismo título, en colaboración con el coreógrafo Wayne McGregor, y estrenado en la Royal Opera House, de Londres, en sus tres partes, inspiradas en la poética de Virginia Wolf- La Señora Dalloway, Orlando y Las olas-, musicalmente resuelto entre recursos clásicos y aportaciones electroacústicas, a los que se añadía la voz grabada de Virginia Wolf. Otros títulos de interés, serán Voices, para un proyecto visual de Yulia Mahr o Exiles, grabado en Tallin, capital de Estonia, con la colaboración del director Kristjian Järvi y la Orquesta Filarmónica del Mar Báltico.

Ramón García Balado

 

Arxis Ensemble, en Contemporáneas: Luigi Nono, Xoán Xil y Leonel Aldino

 Casa das Máquinas, Santiago de Compostela

Primer eslabón de esta nueva propuesta en el ciclo Contemporáneas que incluirá ocho conciertos en meses sucesivos hasta culminar en mayo con la participación del Taller Sonoro que ofrecerá Contos para arrolar un enxame, en una selección de piezas con interpretación en sexteto integrado por Jesús Sánchez Valladares, Camilo Irizo, Baldomero Lloréns, Ignacio Torner Alejandro Tuñón y Carmen Coronado. El resto de propuestas irán copando su fecha a lo largo de los meses. Continuidad de las Xornadas de Música Contemporánea que en la cita precedente se había presentado como Caleidoscopio y que en su núcleo fundamental había tenido a la JONDE con dirección de Pablo Rus Broseta y al Trío Arbós como colaboradores necesarios. Idea comparativa, sería igualmente el curso Airas Nunes, que en ese período estival cubre actividades en este ámbito contemporáneo, en una iniciativa de los pianistas López Jorge y  el chelista Millán Abeledo.

Para entrar en materia, esta primera entrega del Arxis Ensemble,  bajo la  dirección artística del compositor Hugo Gómez Chao y el percusionista  Noè Rodrigo, una formación que para la ocasión, estuvo integrada por la soprano Adriana Aranda, la narradora Eva Vieites, y en el apartado instrumental el acordeonista Nikola Tanaskovic, el citado  Noè Rodrigo, el chelista Millán Abeledo, y el tratamiento de recursos electrónicos en manos de Xoán Xil.  Dos  obras de las que ya tuvimos noticia en el Festival Resis, de la primavera pasada: La fabbrica Illuminata (1964), conmemorando el centenario del compositor militante en las vanguardias, admirado y respetado; Oda Ludita/Sereas (2024), Xoán Xil, sobre texto de Alba Cid y el estreno de Color y Talea, de Leonel Aldino.

Arxis Ensemble, en sus primeros intentos, había contado con Aitor Vázquez como director invitado y con Igor C. Silva como compositor en residencia, realizando actividades en esa línea de vanguardia de conciertos siendo clave su proyecto dedicado a la conmemoración del centenario de Ianis Xennakis, precisamente  con el  sexteto de percusión Pléiades, en las propuestas del V Festival RESIS, preparando el estreno en 2022 de la obra Akusmata, del maestro Beat Furrer, en colaboración con la formación vocal austríaca Cantando Admont, dirigida por Beat Furrer. Mantendrán su fidelidad con el Festival RESIS, en temporadas venideras, ampliando con el Festival ENSEMS, estrenando obras de Claudia Cañamero y Hugo Gómez Chao, además de La lumière du noir, de Alberto Posadas, bajo la dirección de Nacho de Paz. Remitiéndonos a la convocatoria del Festival RESIS, 2024, tenemos en mente la luz cegadora de La fabbrica Illuminata, ofrecida el 11 de mayo en la Fábrica de Tabacos, y en la que también se incluyó Oda Ludita/Sereas, de Xoán Xil/ Alba Cid, estreno absoluto de Residencias no Gaiás, contando en el cuadro de intérpretes con los mismos que estuvieron en la Casa das Máquinas compostelana, espacio que prueba las nuevas alternativas acomodadas a sus posibilidades en esa búsqueda de público y programaciones, experiencia con resultados claramente positivos en la tarde del jueves.

Luigi Nono, en este centenario, fue calificado por José Iges en su publicación editada por el Círculo de Bellas Artes en su colección Músicos de nuestro siglo, como un artista que hermana música con tecnología, diversas son las ocasiones en las que, en el transcurso de los años previos a 1960, Luigi Nono, manifestaba interés por los medios electroacústicos de generación y manipulación del sonido: valga recordar al respecto, la asistencia a las clases impartidas por el profesor Mayer Eppler, en Darmstadt, sobre física electroacústica- que frecuentaban entre otros, Maderna y Stockhausen- o la visita al Estudio de Schaffer, en París. En realidad, el verdadero ingreso de Nono en la música electrónica tuvo lugar en 1964, año en el que compone y estrena una de las obras que le dieron más celebridad internacional La fabbrica illuminata y ello es así por dos razones: en primer lugar, porque ha ido madurando su conocimiento de las posibilidades del medio durante esos años; en segundo, porque a través de tales posibilidades consigue afirmar, de manera neta, inequívoca y personalísima, su actitud de intelectual comprometido con la realidad social y política de su tiempo. Esa actitud se refleja en La fabbrica illiuminata desde la naturaleza misma de los materiales que integra: sonidos concretos  (ruidos de fábrica más o menos transformados electrónicamente ), la voz humana (a distintos niveles, pues nos encontramos con la voz de soprano que canta-grita los versos de Giuilano Scabia y de Pavese, así como un coro mixto en registro sonoro y con las intervenciones de la Italsider de Génova- Cornigliano), pero sobretodo, es la contaminación e interacción de los materiales hasta entonces inmiscibles  en aras de una pureza electrónica. Sonidos que fueron procesados y grabados  en el Studio di Fonología de Milán con la colaboración de Marino Zuccheri, un acompañamiento mecánico que proporcionaría un fuerte contrapunto temático de melodías vocales cargadas de emoción. Nono utilizaría pues la tecnología de grabación del momento. En Contemporáneas, el sobresalto crudo y descarnado de la soprano Adriana Aranda, para conceder las exigencias de unos textos al límite de toda resistencia, ya perceptible en otras aventuras como los estrenos de L´ocell redentor (Fabià Santcovsky), para el Teatre del Liceu de Barcelon o In the begginig everything was white (Itziar Viloria) y Azul como una naranja (Guillem Palomar). Una voz de firme proyección y contundencia expresiva para atender a las exigencias de esta obra de Luigi Nono, afectos que mantendría en las otras dos composiciones

Oda Ludita/ Sereas, de Xoán Xil, tomando como apoyo la poética de Alba Cid, había nacido como encargo del Festival RESIS, inspirada por el levantamiento surgido en la Fábrica de Tabacos de A Coruña en 1857, en  medio de una revuelta reivindicativa de las trabajadoras que arrojaron al mar las máquinas en una actitud de rechazo frente a la tecnología que se imponía. Obra escrita para soprano, voz recitada, acordeón, chelo, percusión. Un reconocimiento para los intérpretes por los resultados logrados. La pujanza de seis sirenas mecánicas y voces artificiales recordaban  la sonoridad de la sirena de aquella fábrica, paisaje sonoro que impregna la memoria ancestral de quienes guardaban todavía su memoria. El set de sirenas forma parte de la partitura pudiendo controlarse manualmente con el objeto de generar diferentes armonías complejas entre  glissandos y batimentos. Los textos de Alba Cid se prestan a  dialogar con el set de seis sirenas mecánicas, voces artificiales, que recordaban  las sonoridades de aquella  fábrica que se imagina  en la distancia del recuerdo. Xoán Xil es artista sonoro e investigador destacando por sus labores en el mundo fonográfico y las performances. Se doctoró con la tesis Señal/Ruido. Algunos usos del paisajes sonoro en el contexto del arte. Entre sus trabajos: Air, sound and power; El Ángel; White Walk, o la instalación sonora para órgano, en  el ciclo De Lugares e Órganos.

Leonel Aldino presentó Color y Talea-obra escuchada tras la de Luigi Nono-, compositor mejicano con residencia en España, tras formarse en su país en la Escuela Superior de Méjico con Jorge Torres Sáenz, y en Musikene (Donosti) con Ramón Lazcano, recibiendo asesoramientos de Toshio Hosokawa, James Dillon o Michael Jarell. La  recepción de importantes premios como el de la Fundación SGAE-España, de Nuevos Creadores o el de Composición Salvador Contreras y el CENIDIM INBA (México), ayudará a que  su música comenzase  a divulgarse. Color y Talea, la perla de la tarde, remitía a textos de una balada medieval de Guillaume de Machaut (De fortune me doy pleindre et loer), una fijación en su sensibilidad creativa, en esa búsqueda de invocar una música personal y  cálida, anclada en sus arcaísmos. Color, resultaba una melodía representada por un canto gregoriano, un recurso en su profundidad de canto, acentuado por Adriana Aranda.  Talea, marcaba el ritmo que se introducía  como movimiento generador de estructura al lado de Color. En este contexto, una reflexión de estos dos elementos procedentes del Medievo, que recuperarán en larga perspectiva compositora de nuestro tiempo.

Ramón García Balado

Ópticas Contemporáneas no Gaiás, con el Ensemble Práctica y Abraham Cupeiro

 Cidade da Cultura, Santiago de Compostela

Primero de los tres conciertos propuestos por la Consellería de Cultura, Lingua e Xuventude bajo el título Ópticas Contemporáneas no Gaiás-día 15 de septiembre a las 19´00 h-, en este entrega que tendrá como protagonistas al Ensemble Práctica- formación nacida por iniciativa del compositor Fernando Buide destinada a repertorios versátiles en el ámbito contemporáneo y que adapta s plantilla según los programas a realizar- y al multi instrumentista Abraham Cupeiro, ofreciendo obras de Leonardo Balada, Karheinz Stockhausen, el vasco Joseba Torre y Fernando Buíde, con una composición que estrenará Cupeiro, La constelación de Sagitario.  Siempre nos sorprende el instrumentista por sus oficios de investigador sobre su labor recuperadora  que plasma en sus registros discográficos como Pangea, un trabajo realizado con la Royal Philharmonic Orchestra, que nos trasladaría desde Norteamérica a Sudamérica, África, Armenia o Países eslavos. Sus estudios de indagación le llevarían desde el RCSMM-trompeta-, o la Universidad Autónoma de Barcelona. Colaborador de proyectos, compartió aventuras con la Orquesta Gaos, dejando como memoria su proyecto  Mythos, en otra de esas muestras de sonidos sorprendentes procedentes de instrumentos como el karnyx, la corna y un amplio espectro para mayor impacto. Para modelo, la sesión ofrecida en A Praza da Quintana, con la RFG, dirigida por Dimas Ruiz, en una tarde estival que incluía piezas suyas como Oceanía (arr. de A. Saavedra); dos Tocatas de cornas, un mano a mano con C. Vázquez; Armenia (arr. de A. Saavedra); Costa Atlántica; Sereas; África y Baleas, firmada con C. Vázquez. Completando programa: Bartók-piezas rumanas-; Piazzolla, con otras dos- Oblivion y Calle 42-, una panorámica aproximada.

Fernando Buide- La consagración de Sagitario, en colaboración con  la Quincena Musical Donostiarra- , autor de obras como Paisaxe Suspendida; la ópera A Amnesia de Clío, en colaboración con el Orfeón Terra a Nosa, de Miro Moreira y la dirección escénica de Marta Pazos, contó con la dirección de Paul Daniel, teniendo como solistas a Raquel Lojendio, Sebastià Peris y Marina Pardo, sobre un libreto de Fernando Epelde. En esa línea, A sombra de cristal, con dramaturgia de Quico Cadaval, contando con las voces de María Hinojosa, César San Martín y el actor Víctor Mosquera. Tropos es otra obra digna de mención de este compositor, a la que podremos añadir Mar ao norde, sobre la poética de Álvaro Cunqueiro, escrita para seis instrumentistas cuyas notas parecen prolongar las melodías y los gestos de los chelos. Su presencia en las convocatorias de Músicas contemporáneas, son una de las dimensiones que destacan en singular medida. Alumno que fue de Leonardo Balada, antes de ampliar en Estados Unidos en la Carnegie Mellon University de Pittsburgh, en donde su maestro había ejercido la docencia, completando posteriormente en Yale. Maestros suyos fueron también Leonardo Diéguez y Ezra Laderman

Invitado especial es Joseba Torre Alonso, especializado en composición orquestal y en recursos electroacústicos, realizó un master en el IRCAM parisino; en la Universidad París VIII; en la Carnegie Mellon University (Pittsburgh); en la Pública de Navarra, recibiendo encargos en certámenes punteros como el histórico Festival de Alicante, los de Perelada, Bilbao, Internacional de Torroella de Montgrí; el Grec (Barcelona); el Curso de Verano de Darmstadt; Internacional de Santander; Festival de Weimar; el XXII de Turín; Jornadas d e Música do Porto; el Centro Pumpidou; el CDMC (Centro para la Difusión de la Música Contemporánea) o el CNDM (Centro Nacional de Difusión Musical).  Colaboró en temporadas de la O. S. de Bilbao, O.S. de Euzkadi, Fundación Gulbenkian, recibiendo Premios el Concurso Sorozábal, INAEM, Nadia Boulanger, SGAE, impulsando iniciativas como el Departamento Orquestal Musikene y fundador el Ciclo Cartografías del Museo (Navarra). Recibió becas de la Comisión Fullbright, Ministerio de Educación y Ciencia, Fundación  BBK, Fundación Autor y es Catedrático de Composición del Conservatorio Superior de Música de Navarra.

 Del maestro Leonardo Balada tendremos  Cuatris (1970), obra de un período que dejó trabajos como la Steel Symphony y la Sinfonía en negro- homenaje a Luther King-, o la cantata María Sabina, para narradores, coro y orquesta, sobre textos  de Camilo José Cela, estrenada en el Carnegie Hall (Nueva York). Estábamos a las puertas de un  importante giro creativo en el que no duda la recuperación de antiguos patrones y la asimilación de influencias americanas, en lo relativo a lo sonoro, que se reflejará en su escritura, trayéndonos como resultado obras como Homenaje a Casals o el Homenaje a Sarasate, que serán estrenadas por la O. Sinfónica de Pittsburgh  (1975) o Three Anecdotes (Concierto para castañuelas y orquesta, 1977). Desde aquellas primeras obras c citadas, manifestaba un mayor interés por los trabajos orquestales frente a los preferentemente camerísticos.

Karl Heinz Stockhausen (1928/2007)- Fragmentos de Horóscopo-, músico cuya carrera sería un viaje de no retorno, en donde la menor referencia al pasado (un pasado que no puede ser simplemente una obra fechada un año antes) es  cortada de raíz. Tras cada nueva composición no sirve volver atrás, constituyendo cada nueva obra una aventura en sí misma. De igual manera que los materiales relación alguna entre una obra y otra, la carrea de Stockhausen da la sensación de que obedece a un continuo reto, el de ofrecer una estructura sonora que no solo no se parezca a las demás composiciones, sino que tampoco a ninguna otra del músico. La aspiración suya, a una conciencia universal, se había manifestado por vez primera en Hymnen (1967), a la que se calificaría como colosal aunque irregular y mucho más concentrada, resultaría Stimmung, por su discurso sonoro, basado en un solo acorde inicial que no volverá a escucharse en el resto de la obra.

Ramón García Balado