Concierto no Edificio CINC, da Cidade da Cultura con la Banda Sinfónica Galega

 Cidade da Cultura, Santiago de Compostela

Sesión de tarde la ofrecida por miembros de la Banda Sinfónica Galega, en pequeñas formaciones, la tarde del sábado para una velada de clausura del V Congreso Bandístico, a repartir con piezas elegidas del repertorio común a través de los ejemplos que nos ofrecían obras que lograron cierto éxito gracias al cine y más frecuentemente a esas corrientes dentro de lo que conocemos como Latin Jazz.  Un Quinteto de graves, prepararía la charla de clausura, con la Florentine March Op. 124, de Julius Fucik- en arreglo de John Martin, un músico arraigado en la tradición de las corrientes y herencias del Imperio Austrohúngaro, epígono pues de una época que pondrá un capítulo de despedida en la historia, compositor que también se daría a conocer por piezas dentro de este estilo- Entrada de gladiadores- además de tomarse personales licencias como lo que poco después se considerará como un free-lance, había sido fagotista del Teatro de la Ópera de Praga. Colega de generación, de músicos como Jaroslav Zevek, Frantisek Halas, Josef Hora, y otros tantos en un momento en el que también se sentirán a partir de 1927, las influencias artísticas, en que igualmente destacará J. Cocteau, y el interés por Duke Ellington o Louis Amstrong, Fucik, en su visita parisina, podría conocer a G. Enescu.   Lennie Niehaus- Keystone Chops-, un orquestador y arreglista, dinamizador del jazz en el mundo del cine,  había recibido influencias de Fats Waller y Charlie Parker antes de firmar una ostensible fidelidad al cine de Clint Eastwood, después de haber probado con cierta fortuna orquestando en los ochenta bandas sonoras para Jerry Fielding, Lennie de había integrado como saxo tenor en la orquesta de Stan Kenton, donde desarrollaría una fundamental trayectoria grabando algunos de sus registro de mayor relieve, para la tv, había realizado uno de sus aportaciones importantes por Lush Life, pero el cine le reconocerá por películas como Pale Rider, Ratboy, Bird, The Bridges of Madison County, Midnight in the Garden of Good and the Evil o Blood Work.  

Los Quinteto de viento tendrían el Primer movimiento para viento de Paul Taffanel, un flautista y director francés, que había estudiado con Dorus y después con Reber, en el Conservatorio de París, durante treinta años fue flautista de la Opéra Comique y también en la Société des Concerts, colaborando en celebrados conciertos durante sus giras, complementando sus oficios con las labores docentes- 1893/1906-, siendo igualmente profesor del Conservatorio de París, Director de la Ópera y director de la Société des Concerts du Conservatoire (1892/1901). Colaboró con grupos de cámara de notable prestigio y tuvo como alumnos a Ph. Gaubert o G. Blanquart, dejándonos obras como cuidadas fantasías, pieza flauta y piano o su obra didáctica Méthode complète de flûte, en colaboración con Ph. Gaubert.

Alexander von Zemlinsky- Humoreske- fundó con Arnold Schönberg la Vereiningug Schaffender Tonkünstler , destinada a dar a conocer la nueva música, en especial con obras propias, trabajó en Berlín con Klemperer, enseñando en la Musikhochschule, antes del ascenso del nazismo, después de 1975, su obra reapareció con gran pujanza, un tanto a la sombra de Gustav Mahler, destacan sus obras camerísticas, en especial los cuartetos y en un espacio a tener en cuenta, el Tombeau á Alban Berg, que quedó sin terminar; el Cuarteto en Re M. para clarinete, violín, viola y violonchelo o La Humoreske (rondó), para flauta, oboe, clarinete, trompa y fagot.

De los Cuartetos de saxofones, el primer movimiento del Konzertstück, de Paul Hindemith, maestro que en su evolución supo manejarse desde la libre politonalidad (o más raramente la atonalidad) de  los años veinte, en los que su pensamiento tendrá como consecuencias los más ásperos choques disonantes, dado que apenas tenía en cuenta las superficies más verticales, hasta la tonalidad ensanchada, rígidamente controlada de la edad madura, la cual encontrará en la edad madura, tras su obra teórica Unterweisung im Tonsatz . El resumen de su legado no deja de ser una resolutiva caja de sorpresas, de ahí su aceptación entre los aficionados contemporáneos. Otro concepto de importancia serán las Gebrauchsmusik, que en realidad no eran nada nuevo, sino una referencia con respecto a la música.   Guillermo Lago- Sarajevo y Córdoba- dos piezas de una suite de seis, piezas con talante descriptivo muy relacionadas con vivencias personales por sus viajes, detalles como la inspiración en la Mezquita de Córdoba, y la visita a Sarajevo y Bosnia, en consideración a Admen Siso- Wind of Change-, queda como experiencia, el aprecio a los amigos de Sarajevo y los estudios en la Academia de Música de la capital asediada. Las otras piezas de la suite fueron Addís Ababa, Montevideo, Colonia y Tokyo.

Del Quinteto de metales, el Quinto tiempo de la Canzona nº 5, de Samuel Scheidt- un salto al barroco- en arreglo de Verne Reynolds eminente organista que vivió en Halle y que fue maestro de capilla de la corte ducal tras estudiar con Sweelick, siendo contemporáneo de Michael Pretorius, J.H. Schein y Heinrich Schütz; destacó por la publicación de motetes policorales- Cantiones sacrae- a ocho voces, una confluencia con la tradición alemana y los estilismo italianos. Durante un período fue director musiches de la Marktkirche, y Rektor del Gynasium. Padeció en sus carnes las consecuencias fatídicas de la Peste, perdiendo parte de su familia. De sus obras, destacan los Geistliche Concert y el Liebeliche Krafft- Blümlein.  Sonny Kompanek- Killer Tango-, con estudios en la Universidad de Virginia y en la Eastman School, con Thomas Cernnowic y Samuel Adler, mantuvo relacionales profesionales con Brynton Marsalis y la Canadian Brass Band, con Mel Tormé, Chuch Mangione, John Williams, de sus obras importantes: The Finest Hours  y Heil Cesar. John Cheetam- Scherzo- trombonista profesional formado en las Universidades de Misouri, Virginia y Nuevo México.

Del cuarteto de clarinetes, Bordel 1900, Café 1930 y Night Club- Historia del tango- Astor Piazzolla, en arreglo de B. Edwards, quizás lo más granado del renovador del género, en esa serie de amalgamas con otras corrientes latinas de proximidad que alcanzaría su máxima dimensión, el artista  en plena madurez gracias a sus excelentes relaciones y sus resultados profesionales, el de Libertango, los Quintetos y sextetos, que supo recrear con genialidad, con trabajos en los que destacará por el dominio de los ostinati, y las sorpresas encadenadas en diálogo con sus colegas de tándem, un embrujo irresistible, perfectamente tratado a lo largo de sus etapas diferenciables.  En perfecto contraste, el Vals venezolano de Paquito D´Rivera, en arreglo de Julia Barberá. El músico nos había sorprendido por su participación en Calle 54, el documental de Fernando Trueba, y sus éxitos inmediatos con el Grupo Irakere, perfecto testimonio del impulso del Latin-Jazz. Fogoso y lírico, Paquito D´Rivera, nos embriaga por su paleta de ritmos y melodías de irresistible contagio.

Ramón García Balado

Ensembles de Banda Populares en A Cidade da Cultura

 Cidade da Cultura, Santiago de Compostela

Intensas actividades ofrecidas a lo largo de estos días en una convocatoria propuesta por el Congreso Bandístico da Federación Galega de Bandas Populares- Cidade da Cultura- en confluencia con la V Residencia Artístitica integrada en el mismo y con una notable participación de jóvenes dentro del proyecto Converxencias, que musicalmente recibe las atenciones docentes  del trompetista Alejandro Vázquez Lamela y el clarinetista Antonio Suarez Saavedra, un capítulo a seguir dentro de Os Atardeceres no Gaiás, y que cumple con dos sesiones de conciertos, la ofrecida el jueves para culminarse el sábado- 16´30 h-, con la participación de variados ensembles que atenderán esta convivencia colectiva, como argumento y guía que hizo posible este trabajo colectivo dentro del ideario de las Harmoniemusik, que nos traslada a los años de evolución musical que nos hasta a los barrocos e incluso al Renacimiento. Disfrutaremos formaciones como de un quinteto para viento-metal, emblemática para Harmoniemusik, con instrumentos de flauta, requinto, trombón, dos clarinetes, dos trompas y trombón.

Harmoniemusik, remite a las agrupaciones para vientos, que marca patrones a partir del s. XVIII, en años que junto a los grandes nombres de la época, nos aportaba músicos como Rosetti, Krommer o Druschetzky, que hicieron posible la formación de las Alta Capella, destinadas a celebraciones colectivas, siempre a tono con las influencias regionales y los patrones tradicionales, y en los que tomarían importante protagonismo las chirimías, bajones, cornetos,, sacabuches o bombardas. Ya en el precedente Barroco, marcarían patrones las formas de concierto, la sinfonía y la sonata, en el espacio camerístico para el que dejarán argumentos músicos como G. Gabrielli o Michael Pretorius y Rodríguez de Hita, quienes se expresarán a través de géneros como las canzone, las bataglias y los madrigales, camino de un salto hacia las Harmonie del clasicismo. Aparecerán con señorío, las bandas de viento propiamente dichas, como las auspiciadas en la corte prusiana, que destacaba el cuidado concedido a oboes y trompetistas  (1705), o las de oboes y fagotes. El príncipe Paul Anton Esterhazy, mantuvo a su servicio un sexteto para dos oboes, dos trompas y dos fagotes, disponiendo a su servicio de un maestro como F.J. Haydn, que le relegará a un segundo plano dentro de la historia de la música, una etapa en la que hace su aparición este género de la Harmoniemusik.

Un octeto formado por dos oboes, dos clarinetes, dos trompas y dos fagotes, impondrá sus argumentos en la vida de las cortes centroeuropeas, desde la del Príncipe Schwarzenberg o el Emperador José II, de Habsburgo (1741/90), quien impondría nuevos derroteros en la conformación de estos estilos, hasta llegar al fundado en 1782, por el Königliche-Kaiseliche Harmonie. José II, tuvo la fortuna que tener a su lado a músicos como Georg Triebensee y Johann N. Wendt (oboes); los hermanos Stadler (clarinetes); Rupp y Eisen (trompas) o los fagotistas Kauzner y Drobney, entre otros notables intérpretes especializados en Harmoniemusik, confirmando el repertorio dedicado para octeto de vientos, en cuanto a su técnica más avanzada. Una pirueta para darnos de bruces con las Serenatas K. 375 y K. 388, de W.A. Mozart  o las 13 Harmoniemusik, de F. Krommer. Otros mecenas también hicieron posible la protección de Harmoniemusik como el Príncipe Nikolaus Esterhazy o el Príncipe Alois, de Liechenstein, dentro de esta corriente expansionista que se implantará por toda Europa, desde la capital Bonn, con el Archiduque Maximilian Franz de Austria, la del Elector de Colonia o la de Praga, con el Príncipe Lobkowitz.

Anton Meysel. Hizo posible una renovación con su Handbusch der musicalischen Literature, quien mantendría hasta unas cuarenta y cinco agrupaciones distintas, la más común integrada por dos oboes, dos trompas, dos clarinetes y dos fagotes, aunque podía reducirse a un sexteto o un quinteto con una flauta o dos, trompetas, trompas e incluso contrafagot o contrabajo. Serán posibles los estilos de serenatas como música de fondo, en actos colectivos y banquetes (Taffelmusik), con G.F. Telemann a la cabeza, entre serenatas, divertimentos e infinidad de transcripciones de óperas de moda, ballets y estilos inabarcables. Aparecerán así dos grandes categorías de Harmoniemusik, las de composiciones originales para conjuntos de viento o las de transcripciones en forma de arreglos como los citados. Entre las originales, toman carta de naturaleza las de Antonio Salieri (1750/1825), con su Quinteto en Si b M. (para dos oboes, dos trompas y fagot) o la Casazione, en Do M. (dos oboes, dos corno inglés, dos trompas, dos fagotes y contrafagot) y la Parade Marsch (trompeta, dos oboes, dos clarinetes, dos trompas, dos fagotes y contrafagot), que permite traer a la memoria la Harmoniemusik mozartiana, integrada por dos serenatas- K. 375 y K.388-, pensadas para octeto de viento (dos oboes, dos clarinetes, dos trompas y dos fagotes), para relumbrón, la Gran Partita, para 13 instrumentos de viento (dos oboes, dos clarinetes, dos corno di bassetto, cuatro trompas, dos fagotes y contrafagot), poniendo de guinda el conocido octeto de Le Nozze di Figaro, pura desternillante jocosidad, que juega al despiste con detalles del autor, Una cosa rara, del valenciano Vivente Martín i Soler- operista de moda- o I litiganti, de Giuseppe Sarti

Más tirar del hilo, para tropezarnos con otros repertorios arraigados de Harmoniemusik, como las citadas osadías de Anton Meysel, en aquellas Handbuch der musikalichen Literature,  entre sus seiscientas transcripciones para Harmoniemusik, selecciones de óperas de Boieldieu, L.Cherubini, Cimarosa y tantos otros. Maestros como Johann Nepomuk Wendt (1745/1801), oboísta de la corte del Königlische Kaiserliche Harmonie, quien compuso obras para instrumentos de viento y otras curiosidades en este rango. Joseph Triebensee (1772/1846), hijo del oboísta del Königliche- Kaiserliche Harmonie, Johann George Triebensee, alumno de su padre y de J.C. Albrechsberger, que sería miembro como oboísta del Kärnertortteater Wien, durante un par de años, llegando a dirigir, el Octeto del Príncipe Alois de Liechetenstein en donde realizaría una impagable labor como compositor y transcriptor, antes de trasladarse a Brno y Viena, en donde sucedería a Carl Mª von Weber (1816), realizando transcripciones de la Sinfonía nº 92, de F.J. Haydn o de La Clemenza di Tito (W.A. Mozart).  Wenzel Sedlak (1771/ 1851), otro peldaño en el escalafón, también estaría al servicio del Príncipe Alois de Liechenstein, como clarinetista, llegando a ocupar la plaza de Kapellmeister y director de su Harmoniemusik, modélico transcriptor de óperas como Fidelio (Beethoven); Der Freischütz (Karl Mª von Webern); Guillaume Tell  o Il Barbieri di Siviglia (G. Rossini). El inmenso espacio que abarcan el siglo XIX y el XX, está repleto de aventuras imaginativas dentro de estas Harmoniemusik, siempre en beneficio de profesionales y aficionados ambiciosos con primicias de postín como las que ponen en atriles los músicos integrados en O Patrimonio itinerante das Bandas Populares Galegas entre Europa e América en este Congreso Bandístico da Federación Galega de Bandas Populares, que concluirá la tarde del sábado en un festín colectivo.

Ramón García Balado

Las Cuatro estaciones de A. Vivaldi en el tratamiento de Max Richter, en Ópticas Contemporáneas

 Cidade da Cultura, Santiago de Compostela

Concierto en el ciclo Ópticas Contemporáneas proyecto de la Consellería de Cultura, Lingua e Xuventude que nos invita al Gaiás con la RFG dirigida por su titular Baldur Brönnimann- día 16 a las 20´00 h-, a descubrir el tratamiento que da Max Richter a las Cuatro estaciones de A. Vivaldi, obras integradas en el grupo Il Cimento dell, armonía dell´Invenzione Op. VIII, doce, diez de ellos para violín, cuerda y bajo continuo a los que se añaden dos para violín, oboe, cuerda y bajo continuo. Obras dedicadas al conde bohemio Wenzel von Morzin (1676/1737), al parecer alumno suyo, o más bien cliente, del compositor en Italia y que según el frontispicio de la edición, los gastos editoriales corrieron a cargo de la imprenta sin patrocinio aparente del dedicatario. La serie de composiciones que integran el grupo, retomaría la audacia y el refinamiento de los conciertos del Op. III L´estro armonico o del Op. IV La Stravaganza, editadas en Amsterdam a finales de 1725, en la imprenta de Charles Le Cène, sucesor de los Roger, incluyendo en prueba de su importancia el célebre retrato del compositor.

Le Quattro Staggioni (Las cuatro estaciones) son una auténtica e imprescindible guía de l música dramática vivaldiana a la par que tantas numerosas páginas religiosas y operísticas y los cuatro conciertos que la componen, constituyen un ejemplar magisterio del ardoroso e inmortal dentro de su lenguaje marcado por el florilegio de soluciones expresivas que, de forma reveladora, vienen a dar todas las claves tanto retóricas como expresivas o simbólicas de su lenguaje instrumental. El primer concierto La primavera RV 269, se abre con el celebérrimo tema, un rústico ritornello, una suerte de himno pastoral  y homofónico compuesto con dos breves frases repetidas y basadas casi exclusivamente en insistentes acordes sobre la tónica. El Segundo concierto L´estate (El verano), supone junto a L´inverno RV 297, el perfil más punzante de sus obras en general, comenzando por un Allegro non molto, inspirado en la recreación de la canícula Languidezza per il caldo que se resuelve en tres secciones, para alcanzar un tema turbulento con Il pianto dell villanello, un claro capolavoro de su música dramática. El tercer concierto L´autunno (El Otoño), RV, 293, resulta optimista y exultante que presenta la vendimia: Ballo e canto de´ villanelli, ingeniosamente evocado por el homorrítmico e incisivo ritornello, que constituye una fina parodia de la música popular. El Cuarto concierto L´inverno (El invierno) KV. 297, comienza con un Allegro non molto, sustancialmente contagioso e irresistible por su resolución sonora, destacando sorprendentes disonancias.

Max Richter, se acercó a la obra en 2012, en un tratamiento que podremos descubrir en esta velada de tarde, obra de un músico que muestra su interés por los géneros actuales y el minimalismo en particular, tras estudiar en la Universidad de Edimburgo y posteriormente con Arvo Pärt, Brian Eno, Steve Reich, Julia Wolfe  o Luciano Berio, con quienes compartirá estrenos de trabajos en común, cultivando desde finales de los noventa experiencias dentro de las músicas electrónicas, con Future Sound of London, con el trabajo Dead Cities que aportarán otros resultados como The Isness, The Pippermint Tree and Seeds of Superconsciusness. En 2002 presentó su primer cd en solitario Memoryhouse, grabado con la Orquesta Filarmónica de la BBC, que tendrá continuidad con The Blue Notebook. En 2005 produjo para la escena Songs from before, basado en textos de Haruki Murakami, probando de inmediato con los límites de lo sonoro con From the Art of Mirrors, banda sonora para un filme de Derek Jarman, una línea de trabajo que le llevará a experiencias como 24 Postcards in Foul Colour, puerta hacia nuevos proyectos de cine y teatro : My trip to Alb Qaeda, de Alex Gibney; Womb, de Benedek Fliegauf; Last Word, de David McKenzie; Vals con Bashir, del film de animación de Ari Folman. Entre sus trabajos más destacados aparecen Memoryhouse (2002), álbum experimental sobre temática documental, grabado con la  O. Filarmónica de la BBC, una exploración sobre historias reales. The Blue Notebook, que contaba con la participación de la actriz Tilda Swinton, leyendo un texto de Kafka y la obra de Czeslaw Milosz, un rechazo a la Guerra de Irak; Songs  from Before, que nos muestra al actor Robert Wyatt leyendo textos de Haruki Murakami; Sleep y From Slepp, uno de los proyectos más ambiciosos para una obra que observaba relaciones estéticas con la música de Gustav  Mahler. Obra elegida por Jarvis Cocker como álbum del año de BBC6. Three Worlds: Music from Woolf Works, composición dedicada para el ballet del mismo título, en colaboración con el coreógrafo Wayne McGregor, y estrenado en la Royal Opera House, de Londres, en sus tres partes, inspiradas en la poética de Virginia Wolf- La Señora Dalloway, Orlando y Las olas-, musicalmente resuelto entre recursos clásicos y aportaciones electroacústicas, a los que se añadía la voz grabada de Virginia Wolf. Otros títulos de interés, serán Voices, para un proyecto visual de Yulia Mahr o Exiles, grabado en Tallin, capital de Estonia, con la colaboración del director Kristjian Järvi y la Orquesta Filarmónica del Mar Báltico.

Ramón García Balado

 

Arxis Ensemble, en Contemporáneas: Luigi Nono, Xoán Xil y Leonel Aldino

 Casa das Máquinas, Santiago de Compostela

Primer eslabón de esta nueva propuesta en el ciclo Contemporáneas que incluirá ocho conciertos en meses sucesivos hasta culminar en mayo con la participación del Taller Sonoro que ofrecerá Contos para arrolar un enxame, en una selección de piezas con interpretación en sexteto integrado por Jesús Sánchez Valladares, Camilo Irizo, Baldomero Lloréns, Ignacio Torner Alejandro Tuñón y Carmen Coronado. El resto de propuestas irán copando su fecha a lo largo de los meses. Continuidad de las Xornadas de Música Contemporánea que en la cita precedente se había presentado como Caleidoscopio y que en su núcleo fundamental había tenido a la JONDE con dirección de Pablo Rus Broseta y al Trío Arbós como colaboradores necesarios. Idea comparativa, sería igualmente el curso Airas Nunes, que en ese período estival cubre actividades en este ámbito contemporáneo, en una iniciativa de los pianistas López Jorge y  el chelista Millán Abeledo.

Para entrar en materia, esta primera entrega del Arxis Ensemble,  bajo la  dirección artística del compositor Hugo Gómez Chao y el percusionista  Noè Rodrigo, una formación que para la ocasión, estuvo integrada por la soprano Adriana Aranda, la narradora Eva Vieites, y en el apartado instrumental el acordeonista Nikola Tanaskovic, el citado  Noè Rodrigo, el chelista Millán Abeledo, y el tratamiento de recursos electrónicos en manos de Xoán Xil.  Dos  obras de las que ya tuvimos noticia en el Festival Resis, de la primavera pasada: La fabbrica Illuminata (1964), conmemorando el centenario del compositor militante en las vanguardias, admirado y respetado; Oda Ludita/Sereas (2024), Xoán Xil, sobre texto de Alba Cid y el estreno de Color y Talea, de Leonel Aldino.

Arxis Ensemble, en sus primeros intentos, había contado con Aitor Vázquez como director invitado y con Igor C. Silva como compositor en residencia, realizando actividades en esa línea de vanguardia de conciertos siendo clave su proyecto dedicado a la conmemoración del centenario de Ianis Xennakis, precisamente  con el  sexteto de percusión Pléiades, en las propuestas del V Festival RESIS, preparando el estreno en 2022 de la obra Akusmata, del maestro Beat Furrer, en colaboración con la formación vocal austríaca Cantando Admont, dirigida por Beat Furrer. Mantendrán su fidelidad con el Festival RESIS, en temporadas venideras, ampliando con el Festival ENSEMS, estrenando obras de Claudia Cañamero y Hugo Gómez Chao, además de La lumière du noir, de Alberto Posadas, bajo la dirección de Nacho de Paz. Remitiéndonos a la convocatoria del Festival RESIS, 2024, tenemos en mente la luz cegadora de La fabbrica Illuminata, ofrecida el 11 de mayo en la Fábrica de Tabacos, y en la que también se incluyó Oda Ludita/Sereas, de Xoán Xil/ Alba Cid, estreno absoluto de Residencias no Gaiás, contando en el cuadro de intérpretes con los mismos que estuvieron en la Casa das Máquinas compostelana, espacio que prueba las nuevas alternativas acomodadas a sus posibilidades en esa búsqueda de público y programaciones, experiencia con resultados claramente positivos en la tarde del jueves.

Luigi Nono, en este centenario, fue calificado por José Iges en su publicación editada por el Círculo de Bellas Artes en su colección Músicos de nuestro siglo, como un artista que hermana música con tecnología, diversas son las ocasiones en las que, en el transcurso de los años previos a 1960, Luigi Nono, manifestaba interés por los medios electroacústicos de generación y manipulación del sonido: valga recordar al respecto, la asistencia a las clases impartidas por el profesor Mayer Eppler, en Darmstadt, sobre física electroacústica- que frecuentaban entre otros, Maderna y Stockhausen- o la visita al Estudio de Schaffer, en París. En realidad, el verdadero ingreso de Nono en la música electrónica tuvo lugar en 1964, año en el que compone y estrena una de las obras que le dieron más celebridad internacional La fabbrica illuminata y ello es así por dos razones: en primer lugar, porque ha ido madurando su conocimiento de las posibilidades del medio durante esos años; en segundo, porque a través de tales posibilidades consigue afirmar, de manera neta, inequívoca y personalísima, su actitud de intelectual comprometido con la realidad social y política de su tiempo. Esa actitud se refleja en La fabbrica illiuminata desde la naturaleza misma de los materiales que integra: sonidos concretos  (ruidos de fábrica más o menos transformados electrónicamente ), la voz humana (a distintos niveles, pues nos encontramos con la voz de soprano que canta-grita los versos de Giuilano Scabia y de Pavese, así como un coro mixto en registro sonoro y con las intervenciones de la Italsider de Génova- Cornigliano), pero sobretodo, es la contaminación e interacción de los materiales hasta entonces inmiscibles  en aras de una pureza electrónica. Sonidos que fueron procesados y grabados  en el Studio di Fonología de Milán con la colaboración de Marino Zuccheri, un acompañamiento mecánico que proporcionaría un fuerte contrapunto temático de melodías vocales cargadas de emoción. Nono utilizaría pues la tecnología de grabación del momento. En Contemporáneas, el sobresalto crudo y descarnado de la soprano Adriana Aranda, para conceder las exigencias de unos textos al límite de toda resistencia, ya perceptible en otras aventuras como los estrenos de L´ocell redentor (Fabià Santcovsky), para el Teatre del Liceu de Barcelon o In the begginig everything was white (Itziar Viloria) y Azul como una naranja (Guillem Palomar). Una voz de firme proyección y contundencia expresiva para atender a las exigencias de esta obra de Luigi Nono, afectos que mantendría en las otras dos composiciones

Oda Ludita/ Sereas, de Xoán Xil, tomando como apoyo la poética de Alba Cid, había nacido como encargo del Festival RESIS, inspirada por el levantamiento surgido en la Fábrica de Tabacos de A Coruña en 1857, en  medio de una revuelta reivindicativa de las trabajadoras que arrojaron al mar las máquinas en una actitud de rechazo frente a la tecnología que se imponía. Obra escrita para soprano, voz recitada, acordeón, chelo, percusión. Un reconocimiento para los intérpretes por los resultados logrados. La pujanza de seis sirenas mecánicas y voces artificiales recordaban  la sonoridad de la sirena de aquella fábrica, paisaje sonoro que impregna la memoria ancestral de quienes guardaban todavía su memoria. El set de sirenas forma parte de la partitura pudiendo controlarse manualmente con el objeto de generar diferentes armonías complejas entre  glissandos y batimentos. Los textos de Alba Cid se prestan a  dialogar con el set de seis sirenas mecánicas, voces artificiales, que recordaban  las sonoridades de aquella  fábrica que se imagina  en la distancia del recuerdo. Xoán Xil es artista sonoro e investigador destacando por sus labores en el mundo fonográfico y las performances. Se doctoró con la tesis Señal/Ruido. Algunos usos del paisajes sonoro en el contexto del arte. Entre sus trabajos: Air, sound and power; El Ángel; White Walk, o la instalación sonora para órgano, en  el ciclo De Lugares e Órganos.

Leonel Aldino presentó Color y Talea-obra escuchada tras la de Luigi Nono-, compositor mejicano con residencia en España, tras formarse en su país en la Escuela Superior de Méjico con Jorge Torres Sáenz, y en Musikene (Donosti) con Ramón Lazcano, recibiendo asesoramientos de Toshio Hosokawa, James Dillon o Michael Jarell. La  recepción de importantes premios como el de la Fundación SGAE-España, de Nuevos Creadores o el de Composición Salvador Contreras y el CENIDIM INBA (México), ayudará a que  su música comenzase  a divulgarse. Color y Talea, la perla de la tarde, remitía a textos de una balada medieval de Guillaume de Machaut (De fortune me doy pleindre et loer), una fijación en su sensibilidad creativa, en esa búsqueda de invocar una música personal y  cálida, anclada en sus arcaísmos. Color, resultaba una melodía representada por un canto gregoriano, un recurso en su profundidad de canto, acentuado por Adriana Aranda.  Talea, marcaba el ritmo que se introducía  como movimiento generador de estructura al lado de Color. En este contexto, una reflexión de estos dos elementos procedentes del Medievo, que recuperarán en larga perspectiva compositora de nuestro tiempo.

Ramón García Balado