Yaya Kuntur (Padre Condor): Manuel Vilas & Ars Atlántica

 

Himnos en latín y quechua, de los siglos XVI-XIX, para el nuevo registro discográfico de Manuel Vilas con Ars Atlántica, esta vez integrado por la cantante Magali  Revollar y el tenor Diego Rodríguez, registro realizado en la iglesia de San Juan de los Caballeros (Jerez de la Frontera), en septiembre de 2022 y presentado dentro de las programaciones del VI Ateneo Barroco, en la que el arpista nos puso al tanto de la creación del proyecto que integraba esa serie de himnos procedentes del Virreinato peruano junto a otros elementos de la música con aquellas raíces como el yaraví, destacando el protagonismo del arpa andina, un capítulo que añadir en la trayectoria del arpista compostelano y un modelo de su ideario de investigación en la indagación de la serie de repertorios históricos menos conocidos.

La trascendencia de los trabajos de divulgación e  investigación sobre los repertorios andinos, goza de cierto  protagonismo como el ofrecido recientemente en el Festival Bal y Gay, da Mariña lucense, en el que el grupo Musica Ficta, de Raúl Mallavibarrena, ofreció en la igrexa de Santiago de Foz, un concierto anunciado como COLUMBUS: La puerta del mundo, el que se eligieron obras de aquellas procedencias: J. Gutiérrez Padilla- A la Xácara xacarilla-, del archivo de Puebla o del mismo autor- De carámbanos del día viste-; Juan Pérez Bocanegra- Hanaq pachap cuesicuynin-; Juan García de Zéspedes- Convidado esta noche-; Tomás Torrejón y Velasco- Desvelado dueño mío, del Archivo de La Plata-, piezas entremezcladas con otras de la Metrópoli ibérica. Un permanente intercambio de cultura con claro protagonismo del repertorio sacro, igualmente influenciado por la herencia profana y para segura confirmación, aquel proyecto surgido por iniciativa de Repsol YPF, centrado en las músicas latinoamericanas, del que saldrían trabajos como El gran barroco del Perú; El gran barroco de Bolivia,  o Selva y vergel de Músicas. Aquella cordillera andina de la que se reunirán más de once mil partituras, fechadas entre los siglos XVI y XIX, cumbre de irrenunciables recursos en manos de investigadores y que en lo relativo a las piezas instrumentales no dejaría de ofrecer sorpresas. Investigador desde el año 1998, en estos oficios, sería Alejando Massó,  un estudioso dedicado a indagar los fondos de los archivos de Sucre, Cuzco, Arzobispal de Lima, Cochabamba, Oaxaca, Puebla (México) o Santiago de Cuba.

Yaya Kuntur (Padre Cóndor), tiene como protagonista a la lengua quechua, como eje de estudio lingüístico desde mediados del XVI hasta el XIX, de los que hasta nuestros días han llegado una decena de volúmenes. Destaca en igual manera los oficios de investigación del especialista Alan Durston. La colaboración de la cantante Magali Revollar, fue de vital importancia por su aportación al proyecto, ya que es natural de Ayacucho, la ancestral Huamanga, centro neurálgico de los himnarios católicos en quechua tradicional y que contribuyó a resaltar aspectos de aquellos cantos del Perú virreinal. El conocimiento entre ambos resultó un tanto casual, pero pronto garantizó resultados positivos. Diego Blázquez- tenor-, supo encontrar el punto de contraste para este repertorio con el canto de Magali. El tercer elemento, es el arpa, instrumento realizado por Javier Reyes de León, quien probaría como modelo un arpa de los frescos de la iglesia Santiago Apóstol de Huachacalla (Oruro, en Bolivia), arpa de una fila de cuerdas, abundantes en las fuentes iconográficas peruanas de los siglos XVII al XIX, con el detalle de que hasta el presente, no se han encontrado referencias a las arpas de dos órdenes en el Virreinato peruano.  Fuente esencial, según el luthier, para esta labor en la construcción del instrumento, fue el arpa conservada en el Convento de Sta Mónica, de la  ciudad de Potosí.  Vilas y el luthier,  se conocieron en 2002, cuando éste se hallaba inmerso en el estudio y rescate del arpa de las  Misiones de Chiquitos, resolutivo encuentro que tendrá afortunados resultados artísticos en el campo de arpas barrocas de uno y dos órdenes. Un ejemplar de arpas de un orden, seguiría el modelo de Pablo Nasarre, en su escuela de música de 1723.

Aspectos de interés subrayados por Vilas, podemos hallarlos en piezas como Hanaq Pachap Kusikuynin (Alegría del cielo, mil veces te adoro), en la que utiliza en la mano izquierda un recurso técnico que ha tomado de dos arpistas andinos, aplicándolo a la antigua técnica de tocar con tres dedos, una característica fundamental tanto de las arpas antiguas ibéricas, como de la mano derecha de las antiguas tradicionales cuzqueñas. Respecto al complejo asunto de las limitaciones del arpa de un orden en la relación de los cromatismos, los tratadistas españoles de los siglos XVI-XVII, como Bermudo y Huete, aportan valiosa información. Fernando de Huete describe la técnica consistente en presionar con el pulgar de la mano izquierda la cuerda junto a la cabeza del arpa y tocar esa cuerda con la mano derecha, para así lograr el cromatismo (técnica de la que ya era consumado maestro el famoso arpista Ludovico, citado por Mudarra y Bermudo); esa técnica parece que fue desconocida en las antiguas arpas tradicionales del Perú, por lo que Vilas, confirma que no utilizó ese recurso en todo este registro. En las piezas de arpa a solo elegidas, buscó ejemplos de los siglos XVII al XIX, estilos de escritura menos limitada en recursos, en este tipo de arpa.  El oficio de recopilación será una iniciativa en la que aparecen nombres como los folkloristas Raoul y Marguerite d´Harcourt y Daniel  Alomia Robles, con referencias a las formas yaraví, tipo de canción o tonada popular, en las tierras andinas y ampliamente estudiadas por la especialista Zoila Elena Vega.

El arpa como acompañamiento en este cd, está dedicada a temas sacros monódicos, a los que dota de un acompañamiento consistente en acordes que desarrollan en criterio libre, valiéndose de su larga experiencia profesional, destacando Dios te salve, María, que sobre una misma melodía, recurre a la versión quechua, de Jerónimo Oré, en la voz de Magali Revollar y la castellana cantada por Diego Blázquez, con el arpa como b.c., para la de Magali, el b.c. se transfigura en algo diferente, en la mano izquierda, realizando un acompañamiento más indígena, tomando como fuente de inspiración otra para arpa de un manuscrito de obras de los siglos XVII-XVIII, cuyo título  es San Juan de Lima.  Para redondear Yaya Kuntur, dos cantos tradicionales peruanos a voz sola: Kanan Pakas Puringayta (Esta noche me voy, que nadie se entere) e Infesto corporis Christie, de José de Torres muy difundidas en el Virreinato del Perú.

Ramón García Balado

 

Espazos Sonoros y VI Ateneo Barroco: La défense de Le Blanc, por Concert Le Phénix

 Espazos Sonoros, Casa de Rosalía, Padrón 15, de septiembre

Ateneo Barroco, Igrexa da Universidade, Santiago de Compostela, 5 de octubre

Sesiones de Concert Le Phénix, en la  Igrexa da Universidade de Santiago y en la Casa de Rosalía de Padrón, dentro Espazos Sonoros, que repetían en el VI Festival Ateneo Barroco, de Santiago de Compostela, que dedicaron  su programa centrado en la recuperación de la figura Hubert Le Blanc, autor de un tratado titulado Défense de la basse de viole contre les entreprises du violon et les prétensions du violoncelle, reflejo de un momento histórico concreto de la música francesa en medio de la transición a los instrumentos de la familia de los instrumentos da braccio, como violín y chelo y la asunción de los llamados Concerts Spirituels. Ejemplo fueron las  adaptaciones como la Sonata Op. 50, nº 6, de J.B. Boismortier; el Adagio de la Sonata Op. 13, nº 6, de Michel Corrette- originalmente para violín, chelo y bajo- o la Sonata Op. 20, nº 6, del mismo autor, escrita para chelo, viola da gamba y fagot, con bajo continuo, para tres voces. Veníamos de un período estival en el que no faltaron convocatorias de certámenes similares en su ideario como fueron el Festival Bal y Gay, da Mariña lucense destacando los protagonismos de Música Ficta de Raúl Mallavibarrena en su proyección al Nuevo Mundo con su propuesta Columbus o la soprano Katharina Konradi, con el Cosmos Quartet, en una selecta muestra de lieder y canción española; ClasClás, de Vilagarcía de Arousa, entre el magisterio de Elisabeth Leonskaia, que repetiría con el Cuarteto Kandinski & Dominik Wagner, para descubrirnos la soberbia dimensión del dúo Josef Spacek (violín) y Miroslav Sekera (piano) o la iniciativa que promueve Samuel Diz, bajo el lema Música no Claustro, de Tui.    

Concert Le Phénix es un grupo especializado en obras de ese período, dirigido por Fernando Santiago, chelista que estudió en La Haya, con Lucia Swarts, D. Ferschtman y Aner Bylsma, y en Tokyo con Hidemi Suzuki, colaborando con artistas como Jacques Ogg, Chiara Banchini, B. Kuijken o Emma Kirby, a los que se añade las labores de investigación con el grupo Organistrum.  Le acompañaba la gambista Calla Álvarez, con estudios en el Conservatorio M. Castillo (Sevilla), siguiendo la docencia de Ventura Rico, para seguir con Itziar Atutxa, Nima Ben David; Wieland Kuijken; Vittorio Ghielmi o J. Savall.  Participó en el espectáculo de Sánchez- Verdú, El gran viaja a Simorgh, mientras mantiene colaboraciones con la O. Barroca de Sevilla; J. C. de Mulder; Raquel Andueza, Hernández Pastor, siendo desde 2017 catedrática con Conservatorio de Castilla y León.  El chelista Roberto Alonso, tuvo como maestros a Anner Bylsma, Jaap ter Linden, Gaetano Nasilio, tras estudiar en el Conservatorio de La Haya, con Lucia Swart. Su consolidada experiencia  pudo confirmarse a partir de su aparición en el Festival de Gante Utrecht Oude Muziek, también en el Banccheto Musicale, de Vilnius o el Festival de Ambronay.

Joseph  Bodin Boismortier (1689/1755), ofreció la Trío Sonata, Op. 50, nº 6, en adaptación de Fernando Santiago, en  sus cuatro tiempos, un músico de considerable legado, manifiesto a través de la flexibilidad que permitía su tratamiento que veremos reflejado en esta composición, siempre atentos a las licencias que el autor concedía, desde las flautas de pico, a las mussettes, basson, oboe, violas de diversas formas. Igualando en su promiscuidad al divino Antonio Vivaldi, siendo no solo el maestro en publicar conciertos, para variadas formaciones, sino también el primero que otorgará concesiones a los solistas, como los Op. 26, para chelo. El repertorio camerístico tendrá en cuenta a los cuantiosos aficionados entusiastas de sus obras, por las libertades que permite ad libitum, obras que se complementarán con trabajos escénicos de los que queda escasa memoria, además de cantatas y obras sacras como Fugit nox, que se mantendrá en repertorio en el período navideño.

Jean Baptiste Masse (c. 1700/c. 1757). Aportaba la Sonata a tre Op. 2, nº 1, igualmente en cuatro tiempos, de todos los compositores el menos conocido, con una biografía saturada de lagunas pero que para la posteridad, dejó más de 30 obras para viola da gamba, piezas que como en Boismortier, dejan gran libertad de enfoque al intérprete y que para el caso concreto, se admite que pudo ser escrita para dos chelos, fagotes, violas da gamba o violines. Para esta sesión,  se recurre a la familia de violas da braccio y violas da gamba, marcando la importancia de la imitación por terceras y sextas y fragmentos a  dúo que destacan en el estilo convencional del emparejamiento melodía/acompañamiento, típica en obras de composiciones a dos voces.

Giacobbe Basevi Cervetto (1680/1783), con el Trío Sonata Op. 1, nº 1, en tres tiempos, autor cuyas obras fueron editadas originalmente para tres chelos o dos violines y bajo. Su llegada a Inglaterra, en 1738, le convirtió en un compositor de reconocida aceptación junto a otros italianos que también lograrían hacerse respetar, cultivado estilos que se manejaban entre los estilos barrocos y clásicos, ratificado en el programa que se nos ofrece. Participó activamente en la promoción de géneros camerísticos y en  conciertos por suscripción en Hickford´s Room y en Great Room, en Dean Street, con otros italianos como Andrea Caporale o Salvatore Lanzetti, contribuyendo a popularizar el violonchelo, además de participar en iniciativas en el Teatro de Drury Lane.

Michel Corrette (1707/83), en un par de piezas: Les Délices de la solitude, Op. 20 nº 6, en adaptación de Fernando Santiago, en sus tres tiempos, la mejor representación de la música francesa de entonces y destacada por su importancia didáctica que recurrirá con habilidad a los recursos de las formas tradicionales por su sencillez y armonización, especialmente en las obras vocales y en las instrumentales. La segunda obra será la  Sonata Op. 13, nº 6. , la Sonata Op. 13, nº 6, en el Adagio con adaptación del director del grupo. Corrette fue destacado organista y arreglista tuvo abundantes opositores, repartiendo sus tentaciones entre obras d vaudeville, arietas; sonatinas y cantinelas. De su viaje a Inglaterra, quedarían las Contradances des contredances angloises, para dos flautas y otras obras escénicas dedicadas a la Opéra Comique: La Phénix (1738), Les Délices de la solitude (c.1739) o los Concertos Comiques.

Benedetto Marcello (1707/ 95), con la Sonate a tre, op. 2, nº 1, en cuatro tiempos, obra en las lindes líricas del clasicismo sin abuso de los ornamentos y con absoluta preponderancia de la propia música. Su amistad con la aristócrata Isabella Ranier Lombría, tuvo reflejo en su nombramiento como cavalier servente, situación que le permitirá conocer a la insigne Faustina Bordoni, quien se casaría con Hasse, siendo una de las figuras sobresalientes del mundo escénico. De sus obras, merecen mención las Canzoni madrigalescchi ed Arie da camera a 2, 3 e 4 voci, a las que se añaden los Sonetti (1718). El Marcello que levantó ampollas, fue el de su tratado teórico Il teatro alla moda (1720), arrebato en clave de vendetta para poner en solfa los usos y malos modos del mundo de las artes escénicas, con un agudo instinto crítico hacia el teatro de la época, un trabajo que todavía puede consultarse con absoluta delectación.

Ramón García Balado

Concert Le Phénix/Fernando Santiago, Calla Álvarez y Roberto Alonso

Obras de J.B. Boismortier, J.B. Masse, Michelle Corrette y B. Marcello

Ateneo Barroco, Igrexa da Universidade. Santiago de Compostela

 Casa de Rosalía(Casa da Matanza). Padrón, A Coruña

Imaginarium: Quimeras e fantasías del imaginario barroco, por El afecto ilustrado en el VI Ateneo Barroco

 Igrexa da Universidade, Santiago de Compostela

Conclusión del VI Ateneo Barroco en la Igrexa da Universidade con El Afecto ilustrado- martes día 15, a las 20´00 h.- grupo integrado por Adrián Linares- violín y dirección-, Alejandro  Marías- viola da gamba- y el clavecinista Alfonso Sebastián, en una selección de piezas que van desde G.Frescobaldi, A. Bertaldi, H. I. Franz Biber, a Dixter Buxtehude, J.H. Schmelzer, P. F. Böddecker y Johannes Jacob Walther.  Adrián Linares es director del grupo y fue alumno de P. Graffin, Stefano Pagliani y Joaquín Palomares, llegando a ser miembro de la NSJO (Joven Nacional Holandesa) y de la Gustav Mahler Jugendorchester, siendo dirigido por maestros como Colin Davis o Myung-Wun- Chung. Colaboró con los hermanos Capuçon, Thomas Hampson, Nikolaj Znaider o Susan Graham. Profundizó en temáticas históricamente ilustradas con Johaness  Leertouwer, F. P. Antoinette Lohmann, Amandine Beyer y Emilio Moreno. Entre otras agrupaciones de referencia, aparecen L´Apotheose Ensemble, Divino Sospiro, Camerata Boccherini, La Ritirata, Harmonia del Parnas o el Ensemble Allettamento. Desde 2014, es violín segundo de la OSG.

Alfonso Sebastián, clave, tuvo como maestros a Claire Levacher, Jan Willen Jensen, Gustav Leonhardt. Lars Ulrik Mortensen, Jacques Ogg y Paul Badura-Skoda y en fortepiano a Patrick Cohen. Fue invitado como director en diversas orquestas y llevó a cabo registros con obras para dos claves de L.Boccherini y conciertos españoles para clave y orquesta, con Silvia Márquez, y La Tempestad; el Miserere de Nebra, con Los Músicos de su Alteza; villancicos de J.R. Samaniego y la ópera Aumenta el valor, de Nebra, además de oratorios de Carisimi, L. Rossi, para el sello Alpha

El gambista Alejandro Marías, domina el chelo y la viola. Tradujo obras de Quantz, y  un tratado de K. P.E. Bach (Dairea, 2016).igualmente el chelo y la viola, tras estudiar con María de Macedo, Enrique Correa, antes de seguir en Francia para especializarse en repertorios historicistas, cursando en Suiza en la Haute École de Musique de Gèneve, masters de conciertos de chelo barroco y viola da gamba, con Bruno Cocset y Guido Balestracci y con maestros como Christopher Coin, Philippe Muller o Claudia Bohorquez o gambistas como Wieland Kuijken, J. Savall, Marianne Muller o Hille Perl. Ejerce la docencia en Sevilla y es director del grupo La Spagna y colaborador de Zarabanda, compartiendo experiencias con el Cuarteto Francisco de Goya.

Imaginarium presume una renovada visión de la música partiendo de los géneros instrumentales encuadrados en el Stilus Phantasticus que procura redefinir las  formas melódicas hacia una refrescante innovación de esas características expresivas, ancladas en patrones tradicionales, en una acuciante necesidad marcada por la imposición de nuevos giros armónicos y matizaciones en cuanto a las urgencias perceptibles en esas evoluciones melódicas. Para idea, los compositores elegidos en este concierto. Se trata ya de despertar pasiones fomentadas por los afectos (amor, odio, angustia, dicha etc…) Affektenlehre, en términos  de definición y que ocupa un amplio espectro entre los siglos XVII y XVIII . Compositores como Girolamo Frescobaldi (1583/1643)- Tocatta per spineta e violino-, aunque no inauguró las formas instrumentales, llevó a grado sumo las vigentes en el momento desde la toccata, la canzona, los capricci, ricercare, fantasias o variazione y extendió el uso de construcción ternaria a cinco, seis o siete secciones, caracterizadas por compases diferentes, con un acercamiento a la importancia concedida al órgano y el clave. Antonio Bertali (1605/1669)- Sonata a 2 per violino e viola da gamba-, nacido en Verona para acabar sus días en Viena, se había establecido en la corte imperial en la que fue maestro de capilla, a partir de 1649, quedando como digno representante en la historia de la música austríaca, destacando por la composición de óperas, oratorios y cantatas, introduciendo las maneras y modismos de los estilos venecianos, siempre a la procura de la teoría de los afectos tan pujantes, siendo su música instrumental un puente para la impregnación en las formas de canzone o las sonatas en trío. Se han conservado algunas de las aproximadamente 600 obras que compuso.

 Heinrich Ignaz Franz von Biber- Sonata representativa en La M.- , compositor del que ya tuvimos noticia hace un par de temporadas en Ateneo Barroco por las emblemáticas Rosenkranzsonaten (Sonatas del Rosario) en interpretación de MUSica ALchemica- Andrew Ackerman, Daniel Oyazábal y Lina Tur Bonet-, había sido un violinista de los que dejan memoria y en especial por ese compendio que supuso la citada obra, un músico que trabajó en la corte del Príncipe Johann Seyfrid von Eggenberg, en Graz, antes de seguir en Kromeriz- lugar en el que se conservan esas sonatas- y en donde estuvo al servicio del obispo Karl Liechestein-Kastelkorn, antes de continuar desde 1670, con el arzobispo Maximilian Gandolph von Kuenburg, en Salzburgo. En lo estilístico fue un maestro en las posibilidades de ampliar fronteras. Dietrich Buxtehude (1644/1707)- Trio Sonata en La m. BuxWV 272-, un músico apreciado por la calidad e importancia de sus suites, siendo una figura fundamental después de H. Schütz y, quedará como superior a sus contemporáneos en los géneros tratados de músicas más diversas, resultando especialmente apreciado por su individualismo que comenzará a crear estas perspectivas que supondrán un nuevo eslabón en el futuro de las formas barrocas, proponiendo modelos a partir de las Symphonies sacrae, de Schütz o las primeras cantatas de J.S. Bach. Igualmente la música para órgano tendrá una importancia fundamental, basándose en músicos como J. J. Froberger. Johann Henrich Schmelzer (1623/80)- Sonata en La m. il cu-cu-), violinista y compositor austriaco, fue miembro de la capilla imperial de Viena, a partir de 1649 y pasó a vicemaestro (1671) y luego a m.c. (1679), figura entre los violinistas más prestigiosos de su época y contribuyó ampliamente a la formación de un estilo musical nuevo, original en Austria y en Alemania del Sur. Sus obras, interpretadas aún hasta mediados del XVIII, incluyen música para iglesia, ballet y varias colecciones impresas de música instrumental, en particular sonatas para violín.

 Philippe Friedrich Böddecker (1607/1683)- Sonata en Re m. per il violino-, perteneció a una familia de músicos de Alsacia, y fue bajonista y organista en Darmstadt, y a partir de 1634, organista en Frankfurt. El 1643, fue reclamado para ayudar a Christian Thomas Walliser, sucediéndolo como organista y m.c., para seguir desde 1652, hasta el final de sus días como organista en Sttugart, donde era muy estimado a pesar de sus problemas con otros músicos del entorno.

Johannes Jacob Walter (1650/1717)- Scherzo d´ augelli con il cu-cu-, compositor y violinista alemán con estudios en Italia, y fue primer violín en la corte de Dresde, en 1674, y secretario en la corte electoral de Maguncia, sin obligaciones musicales. Fue uno de los violinistas alemanes de mayor reputación, y publicó Scherzi da violino solo con il bc anche con una viola o leuto y Hortulus chelicus uni violino duabus, tribus et quatuor subinde chordis simul sonnatibus.

Ramón García Balado

Rameau, pièces de clavecín en concerts, por La Reverencia de Andrés Alberto Gómez, en el VI Ateneo Barroco

 Teatro Principal, Santiago de Compostela

 

La Reverencia  de Andrés Alberto Gómez renueva sus fidelidades incondicionales con Jean-Philipe Rameau, tras los cuartetos de la cita pasada, en el VI Ateneo Barroco, esta vez con un programa bajo el reclamo de Rameau, pièces de clavecín, en concerts. A elocuente xeometría do son, en el Teatro Principal-día 12, a las 20´00 h.-, integrando La Reverencia Pavel Amilcar-violín-, José Fernández Vera- flauta travesera-, la chelista Sara Ruíz, quien también dejó su impronta en un programa dedicado a la viola da gamba, centrado en el tricentenario de Karl Friederich Abel (1727/89), en la Igrexa da Universidade, y Andrés Alberto Gómez, clavecinista y director. Fundamental y como referencia en cuanto al grupo, es ese interés profundo por la obra  de Rameau, en un trabajo de investigación que les  lleva hasta lo más profundo del conocimiento y dominio de su legado, siempre en el ámbito de los tratamientos historicistas, presentándose desde su creación en certámenes que encuadran en esas exigencias desde el Festival de Daroca, al de Música Antigua de Cagliari, el Festival de Santander, Pórtico do Paraíso, FEMÁS, de Sevilla, y como grupo grabaron De Oculta Philosophia (2013), un filme documental dirigido por Daniel Villamediana. Cuentan en la actualidad con un sello propio  Vánitas, con el que dan  a conocer sus proyectos.

Andrés Alberto Gómez, tuvo como maestros en clave a Salvo Romeo y Patricio Pizarro- Conservatorio París-, ampliando con Jan Willen Jansen, Tony Millán, Yves Rechsteiner o Hughette Dreyfuss, concluyendo su formación en La Haya, con Jacques Ogg y también en la ESMUC, con Beatrice Martin. Profesionalmente colaboró con Les Arts Florissants (William Christie) , Canto Coronato, Armonia del Parnas, la Orquesta del Conservatorio de La Haya, Paul Dombrecht, Paul McCreesh, Tasto Solo, La Fura del Baus y Divina Mysteria. Las Variaciones Golberg de J. S. Bach, escuchadas en el VI Ateneo Barroco, por Diego Ares hace unos días, también suscitaron su atención, por las que recibirían galardones de consideración.

J.P. Rameau, en este selecto ramillete de referencia, son un modelo de los estilos cultivados en la Francia dieciochesca, teniendo artistas que actualmente tientan el interés tanto de  virtuosos como de aficionados, nombres como Mondonville (1734), Elisabeth Jacquet de La Guerre (1707), Louis Gabriel Guillemain (1745), Luc Marchand (1748), Jean Foucquet (1752), Jacques Duphly (1756) o el más divulgado Michelle Corrette. Un conjunto de obras condensadas en cinco conciertos para violín, viola da gamba y clave, en un estilo de trío sonata a la italiana y que pueden interpretarse también en cuarteto, añadiendo la flauta travesera, requiriendo intérpretes de contrastados recursos y soltura de ejecución. La elección de Rameau por el violín, respondía a la preponderancia heredada por la escuela italiana, procedente preferentemente de A. Corelli y A. Vivaldi, en un diálogo resulto frente a la viola da gamba, de tradición francesa, recibida de Marin Marais y Antoine Forqueray, mientras que el clave, ocupa los detalles de moderador y unificador.

Pièces de clavecín en cinco conciertos,  editadas en París en 1741. Pièces de clavecín en concerts, avec un violon o une flûte, et une viole o un deuxieme violon, precedidas a modo de introducción por cuatro advertencias destinadas a los intérpretes (Avis aux concertants. Avis pour le clavecín. Avis pour la flûte, substitutée au violon et Avis pour la viole. Tres piezas del Primer concierto, en Do m. ofrece  La Coulicam, sobre la que se especuló mucho sobre su título, siendo Michel Bennet se explicará por  razones de moda, muy en la línea de P. du Cercau, que se inspira en el persa Thamas Kuli Khan. La Livri (rondo grazzioso), transcrita para clave por el autor, puede hallarse en la tragedia lírica Zoroastro, en una dedicatoria al conde de Livri, uno de sus benefactores. Un rondó-couplet en forma de aria, expresada por el violín (o la flauta), trazada por corcheas del clave.  Le Vézinet (Allegremente sin prisa), es una evocación del pueblo cercano a París, una composición llena de franqueza y encanto, en donde el clave disfruta de notable autonomía, con respuestas virtuosísticas de las cuerdas.

El segundo concierto, en Sol M., con cuatro piezas, comienza con La Laborde (con decisión), un homenaje a Jean Benjamin de La Borde, infante prodigio y compositor, alumno suyo y miembro de la O.C. de Luís XV, personaje al que la historia reservará un tétrico futuro en la guillotina en 1794. Fue autor de un tratado sobre la Música moderna y antigua (1780).  La Boucon (aria graciosa), fue dedicada la clavecinista Anne Jeanne Boucon, mecenas y gran aficionada a la música y esposa de Mondonville. Una página ensoñadora y dulce, parecida a una sarabande. L´ Agançante (La provocativa), en la que hizo una versión para clave solo, orquestándola después en Zoroastro. Destacan los tres instrumentos en paridad de trato y la alegría manifiesta de la flauta.  Minuet I-II (Sol M y m.), ambas ensoñadoras y expresivas, siendo la segunda orquestada en Las Fiestas de Polimnia.

El Tercer concierto, En La M. en tres piezas, parte de La Lapolinière  (con decisión), página  especialmente bella en un homenaje ofrecido a su preceptor desde 1733, una pieza de virtuosismo de ritmo resuelto y fantástico, punteado por acordes simultáneos y calderones. Los diseños y pequeños motivos, en imitación, se encabalgan sin cesar.  La Timide, primer rondó gracioso, en dos muestras, tendrán transcripciones para clave solo, presentándose como fragmentos tiernos y expresivos. El segundo rondó se caracteriza por la escritura en terceras del clave, al que responden las cuerdas por afinidad, secundados por dos couplets.  Tambourin I y II, conservan la alegría y la desenvoltura de una danza provenzal y la segunda animará al autor a incorporarla a Dardanus, aunque ya figurase en Castor y Pollux.

 El Cuarto concierto, en Si b M., se reparte en tres piezas. La Pantomime (Loure viva), danza francesa de talante moderado, iniciado con una anacrusa. La loure se expresa a través de su ritmo ternario y pesante, pieza osada en estilo de siciliana, logrando en ella una de las páginas más poéticas de los conciertos, acentuada por la ráfaga de seisillos y septillos, entremezclados con el clave. L´Indiscrète (rondó vivament) en dos partes, recibirá su transcripción para clave solo.  El estribillo del rondó con dos couplets es un momento gracioso gracias a las cuerdas que corren sobre ligeros quintillos en arpegios de semicorcheas del clave. La Rameau (con decisión), el autor homenajea a su compañera Marie –Louise Mangot, aceptando su dotes como intérprete aunque aceptando sus dudas. Pieza brillante y una exaltación vital por excelencia,  escrita en estilo italiano, desde un tema ascendente en arpegios descompuestos

El Quinto concierto, en Re m, completa la serie con tres piezas, La  Forqueray, fácil comprender esta pieza, una fuga en forma de epitalamio dedicada el célebre violista Jean Baptiste Forqueray con motivo de sus esponsales, en marzo de 1741, con una dama que era excelente clavecinista, una página importante en forma de fuga estricta a la francesa sobre un mismo sujeto por saltos de octavas. Destacan tanto el clave como el violín y la viola y su desarrollo resulta denso. La Copis (con decisión), repartido en tres motivos, en dedicatoria a François Copis, hermano de la bailarina Camargo y primer violín de la Opéra. Recibió orquestación en forma de aria para El tiempo de la gloria, opéra-ballet, con libreto de Voltaire y que tendrá nuevo trato en la Suite en Re  del Deuxiéme libre de piéces de clavecín, Les soupirs y L´Entretien des Muses. Les Marais, evidentemente dedicada a Marin Marais, uno de los grandes popes de la viola da gamba, muerto en 1728. El conjunto de conciertos resultan más apreciados que la versión en sexteto- o conciertos en sexteto-, falsamente atribuidos a nuestro Jean Philippe Rameau

Ramón García Balado