El bosque de Grimm, por la Compañía La Maquiné

Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

Tres sesiones por la Compañía La Maquiné, agrupación teatral para los conciertos didácticos en el Auditorio de Galicia-días 29, 30 y 31, las dos primeras destinadas a centros educativos, entre las 10 y las 12 horas, y la tercera en concierto familiar, a las 18 horas, en un espectáculo que cuenta en la parte creativa con el protagonismo de Joaquín Casanova y Elisa Ramos, siendo Casanova el director escénico y responsable de los detalles de iluminación y destacando Elisa Ramos y Maite Campos como intérpretes, en una adaptación musical de José López- Montes  quien se hará cargo de la dirección de este trabajo que toma como referencia Ma mère l´ Oye (Mamá Oca), de Maurice Ravel. Una agrupación que destaca por sus trabajos con títeres abordando su interés sobre títulos tradicionales como Caperucita roja, Pulgarcito, Blancanieves o Cenicienta, destinados preferentemente a un público infantil, con atención a renovadoras experiencias escénicas realzadas por los detallismos de los aspectos gestuales tomados de los cuentos  de hadas con atención desde sus comienzos a los relatos de Charles Perrault y los hermanos Grimm. José López-Montes, es un compositor que se especializó en el tratamiento de las tímbricas y los armónicos de la música en sus fundamentos, con aproximación a las creaciones algorítmicas y las tecnologías de espacialización y sinestesia, ya desde sus comienzos con trabajos como Tres guerreros, encargo de la O. Ciudad de Granada, para continuar en su colaboración con Pablo Heras-Casado en el ballet La mitad de la verdad está en los ojos, tras recibir su formación con Francisco González Pastor, previo a su traslado a la Hochschule Musik und Theater Zürich, en donde tuvo como maestros a Gerald Bennett y Michael Jarrell, siendo premiado por la SGAE, por sus indagaciones en trabajos de electroacústica; Le Ton-beau de Frank, fue uno de sus eslabones de dinamización, destinado a Forblichflügel, al que seguirán el Último estudio para Atanos, compromiso para IBEM (Francia), participando en colaboraciones con el Institute for Computer Music and Sound Technology, de la Zürich University; Badlands for the Skies, será un trabajo destinado para voz, chelo, cintamagnética ambisónica y proyección multimedia, destinada al Museum for Gestaltung Zürich, además de participar en los proyectos de XX Aniversario del Guggenheim de Bilbao (2017), con Chasmata, a medias con el compositor Ángel Arranz, un trabajo para  ensemble de saxos, entre otras iniciativas de relevancia, fue la colaboración con los astronautas Pedro Duque y Paulo Nespoli, en un salto que sobrepasa  las iniciativas más acostumbradas dentro de los experimentalismos más comunes.

Maurice Ravel- Ma mère l´Oye-, obra nacida al amparo del piano a cuatro manos en una colección de piezas infantiles que desde siempre encandilaron al aficionado incluso en su tratamiento sinfónico e una suite para orquesta realizada por el propio autor, en 1911, con estreno el 20 de abril del mismo año, en la Salle Gaveau, con Jeanne Leleu y Geneviève Durony, y de la que serían dedicacarios los hijos de amigos suyos,  en un traslado a la inspiración de aquello eternos relatos de memoria imperecedera, logrando en esa versión orquestal un deslumbrante resultado apoyándose en Perrault, Marie Leprince de Beamont o la Condesa de Aulnoy, consiguiendo con ello eclipsar ese trabajo inicial pensado para el piano a cuatro manos, obritas plenas de fantasía y poesía conseguida a través de la simplificación de la escritura, un espíritu de sencillez e ingenuidad pueril, repartida entre sus tiempos Pavana de la bella durmiente del bosque, entre dulces acordes y suaves armonías;  Pulgarcito, un sinuoso y tortuoso camino de terceras, con una melodía de suave expresión; Laiderronnete (Feucha)- Emperatriz de las pagodas –relato de Mme d´Aulnoy- una chinería en toda regla en estilo de marcha que guarda afinidad con las Estampas, de Claude Debussy; Conversación de la Bella y la Bestia- relato de Mme Leprince de Beaumont, a modo de vals moderado que describe un charloteo amoroso y que por su trazado, evoca las Gymnopédies, de Erik Satie, para cerrar con El jardín de las Hadas, pausado y grave, en una ostentosa apoteosis, con efluvios perfumados.

Ma mér l´Oye, se había ofrecido con gran éxito en el Théâtre de les Arts el 21 de enero de 1912, el que sería año de sus ballets tras abandonar Jacques Rouché la posibilidad de llevar a cabo L´Heure Espagnole, cediendo pues a los cuadritos de esta obra, dejando una especie de divertissement,  un recuerdo de un procedimiento pensado para la ópera Schérezade, en un estilo de intriga inconexa que entrelazada Petit Poucet; La Belle et la Bête y Serpentin Vert, en la Belle au Bois endormant, mediante el agregado de un preludio. Los decorados de Drésa, hicieron maravillas, más aún en la evocación de su vestuario, que simulaba confusión en un acercamiento al Siglo  de Las Luces; la coreografía de Jane Hugart, resultaba una rigurosa intriga, que haría las delicias de Nijinski, quien diría al autor: Es así como se baila en familia. Ravel no abandonó nunca ese siglo de fantasías sin detenerse en las gracias de la Restauración, ya que amaba sus juegos, sus modas, sus muebles y sus frivolidades, incluso hasta su ridiculez, como en el caso de la respuesta positiva de Mme Trouhanova, para danzar Los valses nobles y sentimentales, a los que procuró darles un marco de salón típica de 1820. Un camino que nos ayuda a comprender las dos versiones sobre Ma Mère l´Oye, las Cinc pièces enfantines, para piano a cuatro manos, en los tiempos Pavane de la Belle au bois dormant; Petit Pocet; Laiderronette, impératriz del Pagodes; Les Entretiens de la Belle et la Bête y Le Jardin féerique.   La versión de ballet, con la orquestación del autor, un encargo de Jacques Rouché, de casi media hora, usa una instrumentación orquestal entre timbales, percusión, xilófono, campanólogo, tam -tam, celesta, arpa y cuerdas, obra que se estrenará en París a comienzos de 1912, en el Théâtre de Les Arts, bajo la dirección orquestal de Gabriel Grovlez, contando con partes añadidas a la suite precedente, el Prélude, la Dance du rouet y los Interludes, entre diferentes escenas para facilitar los cambios de decorados, que se conservan en un manuscrito de la colección de Madame Alexandre Teverne.

Ramón García Balado

Sofía Ros: Noche de tango para (En)Foco

 Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

Primer concierto de la serie (En)Foco del Auditorio de Galicia con la RFG, dirigida por Matteo Dal Maso, en un monográfico dedicado a Astor Piazzolla, en la que la acordeonista Sofía Ros destacará como solista para un programa en el que también tendrá como a Óscar Cobos y Antía Barcia, en el cuadro de danza-día 16, a las 20´00 h-, Sofía Ros se maneja con un bayan Pigini Sirius fabricado en Castelgaldolfo y profesionalmente comenzó a consolidar su carrera con la BBC Radio Scotland Young Classical  y con la BBC Scottish Symphony Orchestra, con Andrew Gourley, incluyendo en su estreno el Concierto Aconcagua, del propio Piazzolla, recibió becas de la Hatori Foundation y de la Countess of Munster Musical Trust y sus actividades la llevaron a participar con la Eutherpe Foundation, dando a conocerse artísticamente en el Carnegie Hall,  la Konzerhaus Wien o en el Queen´s Hall, de Edimburgo, en su Festival Internacional.

Astor Piazzolla, quien afirmaría que el tango había tenido grandes bandoneonistas desde maestros como Maffia  o Laurenze, notables estilistas;  el gordo Troilo, quien no era especialmente deslumbrante pero sí un intérprete sublime y deslumbrante; Minotto, grande aunque ciertamente menos valorado por el gran público y que acabaría dejando el instrumento para pasarse al oboe, con la Orquesta del Teatro Colón; Roberto Di Fillipo y en la generación posterior, Leopoldo Federico, Dino Salucci y Néstor Marconi. Piazzolla se sentía distinto a todos, ya que su touch era especial. Troilo Gobbi, Ginastera, Boulanger, para nuestro artista la gran revolución desde los nuevos efectos sonoros y rítmicos, había tanta audacia en sus creaciones que Piazzolla escribiría un tema llamado Éxtasis, con un detalle final sobre un arreglo de un clásico de Horacio Salgán A fuego lento. En la geografía que vio nacer el histórico Quinteto de Piazzolla, el mundo vivía una revolución artística similar a la de Cien años de soledad (García Márquez) o el cine de Ingmar Bergman o los escenarios porteños a los que llegaban obras de Harold Pinter y hasta Vittorio Gassman. Se asistía pues a un enfrentamiento entre Piazzolla y Anibal Troilo.

Piazzolla camino de París para encontrarse con Nadia Boulanger, tras sus experiencias con Gardel para el filme El día que me quieras en una de sus aventuras neoyorquinas y sus estudios de bandoneón con Libero y Homero Paolini, en Mar del Plata, preparando una vuelta a Buenos Aires para formar uno de sus primeros octetos o lo que serían en Nueva York las formaciones de jazz- tango. Aquella fórmula octeto, le permitirá colaborar con Ernesto Sábato o el actor Alfredo Alcón, puerta de entrada para sus colaboraciones con Amelita Baltar y Héctor de Rosas- Balada para un loco-la fórmula del Noneto, cabrá en sus horizontes, llegando a dejarnos su primer registro con Libertango, con diversas agrupaciones. El Sexteto, finales de los ochenta, estaría integrado por dos bandoneones, violín, chelo, piano y contrabajo. En  esencia, una actitud profusa y revolucionaria, compartida con colegas como Osvaldo Pugliese, Troilo y Horacio Salgán, Alfredo Gobbi, Julio De Caro o Vadaro,en un intercambio de pareceres estilísticos, que impregnarán su oficio como compositor y director. La mentada etapa parisina con Nadia Boulanger, ocupará la segunda etapa de su carrera, quien le animó a tomarse en serio el bandoneón y la orquesta de cuerdas, y que le impulsaría a componer para el cine: María Ferrari, Continente blanco o Los tallos amargos y Violencia en la ciudad.

También el Piazzolla de la orquesta típica, en la que tomarán relieve los arreglos que ayudarán al uso de variedad de recursos armónicos y melódicos, aplicados a la herencia de los tangos tradicionales que ayudarán a promocionar su figura, confirmada en la especie de operita María de Buenos Aires, entremezclada con la publicación de canciones de estilo: La última grela, El gordo triste, Chiquilín de Bachín, bastantes en asociación con Horacio Ferrer, estilos particularmente monocordes que contribuirán a distanciarse de un previsible melodrama, siendo primordial la elección de los cantantes. Para el Noneto, compondría obras netamente instrumentales, con aproximaciones al estilo de sus Quintetos o los  Sextetos, lo que deja imagen de sus preferencias que mantendrá a lo largo de su vida creativa. Para el programa de esta sesión, nos encontraremos con el Piazzolla de la última etapa. El Concierto para bandoneón Aconcagua (en una selección), obra que toma préstamos en confianza del Flaco Aroldi, con estreno en el Teatro Colón, en 1983 y una versión posterior en Saint Louis, dirigida por Lalo Schiffrin, para ofrecer una posterior (1990), con el griego Manos Hadjidakis.  De las Cuatro estaciones porteñas (una selección), obra de preferente aceptación, compuesta para quinteto de violín, piano, guitarra eléctrica, contrabajo y bandoneón, obra que acuñó las preferencias de un patrón afortunado; Five tango Sensations, nueva selección, casi un anuncio de una despedida a la vida: Asleep; Loving; Anxiety; Despertar; Fear, pensadas para bandoneón y cuarteto de cuerdas, que tendrá como destinatarios al Kronos Quartet, quienes llevarán la obra a registro con el título de Winter was hard, casi una premonición de acontecimientos, tras ofrecer su estreno en la Sala Alice Tully a finales de noviembre de 1989. Astor Piazzolla había disuelto su quinteto en 1988, antes de probar de nuevo con un sexteto, en el que se dieron cita Gerardo Gandini (piano), Daniel Binelli (bandoneón), José Bragato y después  Carlos Nozzi (chelos), Héctor Console, alternativamente, contrabajos, y Horacio Malvicino, guitarra. Corta vida la de un Sexteto, aunque ocupará el espacio del Quinteto, manteniendo la colaboración de Gandini, especialmente enriquecedora, especialmente dentro de las técnicas de ejecución dentro de las urgencias renovadoras que sugería Astor Piazzolla, en obras cargadas de detallismo como Adios Nonino. A Nonino, su padre, supo entenderle mientras él actuaba en Puerto Rico en 1959, año en el   que murió, un maestro que compuso algunos tangos muy precarios pero que presumían una trasmisión genética, en Nueva York, le había visto lagrimear junto a Julio de Caro y Carlos Gardel, o cuando tocaba las invenciones a dos voces de Johann Sebastian Bach, en el bandoneón. Tenía una buena cultura musical y era apreciado por su carácter, gracias a su buen humor permanente. En un gracejo chascarrillo, comentará: Mi papá era un tipo alto, de lindas facciones, en cambio yo, salí petisón y con la nariz de los Manetti.

Ramón García Balado

La Real Filarmonía de Galicia, dirigida por César Ramos, en el XIII Festival Bal y Gay

 Igrexa do Campo Santa María do Campo, Ribadeo

Concierto de la RFG, dirigida por su director asistente en la Igrexa de Santa María do Campo (Ribadeo), en las actividades del XIII Festival Bal y Gay- día 13, a las 21 h.),con obras de Georg Muffat, F.J. Haydn, H. Duparc, Carme Rodríguez y Wolfgang A. Mozart, comenzando precisamente con G. Muffat (1653-1704), obra que ya tuvimos en el programa de actividades de la temporada anterior, contando con Amandine Beyer, como directora y solista, entre obras de J.P. Rameau, Jean- Marie Leclair y Justin Heinrich Knecht. Muffat, ofrece el Concerto grosso nº 12, en Sol M (Propitia Sydera), en sus cinco  espacios, un compositor y organista que cultivaba indistintamente un estilo de confluencia entre las influencias francesas e italianizantes, conciertos detalles de ciertos débitos germanos, músico que sufrió un desconocimiento durante un extenso período puesto que pertenecía a un momento en el que los grandes nombres era Lully o A. Corelli, el compositor había nacido en un ducado independiente a caballo de territorios franceses e italianos. Propitia Sydera (Astros estelares favorables), es un concerti grosso, que alcanzó una importante notoriedad en beneficio del autor, y que fue editado en 1701, como parte de la colección Exquisitioris harmoniae instrumentalis gravijundae (Selección de harmonía instrumental, exquisita, seria y placentera), obra perteneciente a uno de los géneros más importantes de música instrumental del Barroco en el que destaca un grupo de solistas calificados como concertino, dos violines, chelo y bajo continuo, enfrentados a un tutti orquestal.

F. J. Haydn, con una obra de un estilo claramente a la sombra, sus óperas, que raramente se programa, a excepción de las citas dedicadas a las llamadas músicas antiguas, bajo el reclamo de planteamientos historicistas. Óperas como L´Infidelità delusa; L´Incontro improviso o  Il mondo della luna, de la que se ofrece su obertura. Obra estrenada en Esterhaza el 3 de agosto de 1777, con motivo de las celebraciones de las bodas del Conde Nikolaus Esterhazy, segundo hijo del príncipe, con la condesa Maria Anna von Weissenwolf, una ópera que ha sobrevivido gracias a cuatro fragmentos autógrafos que se conservan en Budapest, Cracovia, París y Berlín, y tres copias de época, en Brno, Bruselas y Viena.  El libreto, como los de Lo speziale y Le pescatrice, está inspirado en Goldoni, que también había sido utilizado musicalmente por Piccinni o Paisiello, célebres en aquellos tiempos. Una ópera con aspectos cómicos remarcando los detalles bufonescos y un cinismo disimulado.

Henri Duparc- Aux étoiles (A las estrellas)- obra que escuchamos a la RFG, dirigida por Paul Daniel, en una sesión en la que destacó como solista el trombonista Peter Moore, para la obra Stargazer (Astrónomo), concierto para trombón y orquesta.  Duparc se había interesado por la música desde su adolescencia mientras estudiaba con los jesuitas en Vaugirard, gozando al mismo tiempo del beneficio de seguir la docencia de César Franck, en piano. Después de la  guerra franco- prusiana, su vida cambiará para bien, reuniéndose en su ciclo de entusiastas y artistas, entre los que se encontraban Gabriel Fauré, Edouard Lalo, Chausson, Saint- Saëns, Castillon o Chabrier, medio en el que se creará la Société Nationale de Musique, de la que Duparc sería secretario, dedicándose de lleno a la composición como actividad exclusiva que traerá en consecuencia obras como la Suite d´orchestra o Poème nocturne. De su regular presencia en aquellos medios artísticos, vendrá su cotidiana colaboración con Vicent D´indy, con resultados como la  ópera La Roussalka- nada que ver con la de Antonin Dvorak-, basada en un poema dramático de Puskin. El wagnerismo imperante, también dejara apuntes perceptibles en su evolución creadora, alcanzado en buena medida a esos intentos operísticos no siempre conseguidos. En la década efusiva de los noventa, trabajará sobre Aux étoiles, especie de nocturno que siempre le dejará insatisfecho, obligándole a revisiones frecuentes hasta que Ernest Ansermet se interesó por ella.

Carme Rodríguez-Arborescente, un encargo de la RFG, para la serie de sus Cometas, que supuso un estreno absoluto, compositora natural de Ribadeo, especializada igualmente en arreglos e iniciativas similares, obras suyas han merecido el interés de formaciones como la OSCYL; Sonor Ensemble; Zoar Ensemble o el  Grupo Instrumental Siglo XX. Arborescente, resulta una pieza sinfónica que busca recrear musicalmente una expresión ramificada de crecimiento de la naturaleza, desde la sutileza de un punto de partida común, cara a una exposición brillante de cada miembro del conjunto. Se observan en la obra influencias minimalistas, impresionistas y expresionistas, adecuadas a un momento de experimentación  textual de la compositora que pretende valerse de la fugacidad para condensar la expansión que ocurriría en un árbol a través de los siglos de desarrollo. Arborescente, estrenada el 4 de diciembre  de 2025, nos permitió compartir una charla previa con la compositora, en la serie de actividades previas de Conversando con….,charla compartida con el director Baldur Bronnimann, en un programa que incluía obras de Arvo Pärt, Grazyna Bacewicz y Louise Farrenc.

 W. A. Mozart-  Sinfonía nº 41 K, 551, conocida como Sinfonía Júpiter, escrita durante el conflictivo verano de 1788, obra situada entre las Sinfonías K. 543, y la K.550, obra de considerables dimensiones en la que sobresalen los variados problemas contrapuntísticos armónicos y tímbricos que se resuelven de la manera más natural y reconfortante. Obra que es síntesis de los momentos precedentes con respecto a la luminosidad de la K. 543  y la inestabilidad de la K. 550. Pese a la elaborada configuración constructiva y la olímpica monumentalidad, que supondría para el editor publicarla como Júpiter, la partitura no olvida un ideal  de sencillez, de ligereza, de transparencia, que se consigue a través de su infrecuente orquestación, que podrá dejar la impresión con claras afinidades con las formas camerísticas. Para Paumgerner resulta como un canto triunfal, espléndido y consciente por sus propias  fuerzas, que se eleva por encima de los dolores terrenales en un supremo haz de luz. La  alegría de ser, de constreñir jugando la materia dentro de los límites de la forma nobilísima tal cual es el significado de esta obra. De ahí el rico tematismo del primero al último movimientos en una compleja elaboración de los desarrollos.

Ramón García Balado

Concierto de la Real Filharmonía de Galicia, dirigido por César Ramos

 Igrexa de Santo Agostiño, Santiago de Compostela

La RFG ofrece un concierto dirigido por César Ramos en la serie de  citas estivales en la Igrexa Santo Agostiño- día 17, a las 20´00 h., con obras de L. v Beethoven, Wagner y Jessie Montgomery (1981), con su obra Starburst (Estallido estelar), que  había estrenado nuestra orquesta dirigida por Paul Daniel, junto a obras de Henri Duparc, (Aux etoiles) y Jonathan Dove, Stargazer (Astrónomo), concierto para trombón y orquesta, del que sería solista Peter Moore. Jessie Montgomery, fue profesora galardonada con premios como el Leonard Bernstein de la  ASCAP, o el Sphinx Medal of Excelence, que promueve el trabajo de nuevos talentos de cuerda afroamericanos, formando parte a su vez, del Ensemble Sphinx Virtuosi, como compositora en residencia. Nacía Starburst como una breve obra para instrumentos de cuerda, que sería arreglada para orquesta de cámara por Jannina Norpoth, y para la autora, resulta un juego de imágenes de colores musicales que cambian permanentemente entre explosivos gestos que se superponen entre suaves melodías fugaces en un intento de crear paisajes sonoros multidimensionales, reflejando con ello un estallido de creación de nuevas galaxias. Starburst explota desde las primeras notas del comienzo las dimensiones de la propia pieza, a través de las cuerdas, manteniendo al oyente en un estado de continuo contagio que le afecta a su percepción sensible, merced a sus tonos acerados y desafinados, entre un ritmo persistente que recuerda partituras de Bernard  Hermann, reflejadas en su filme de gran impacto a través de Psicosis. Las cuerdas pulsadas se filtran a través de una sección lírica atractiva y un ritmo agudo que aborda armonías cada vez más complejas antes de concluir con una nota abrupta. Jessie Montgomery, elaboró iniciativas como su Proyecto 19, que conmemoraba el centenario del derecho al voto de las mujeres en Estados Unidos, dentro de la Emenda 19, de 1920, y en su catálogo merece mencionarse Banner, destinada al 200 Aniversario de The Star-Spangled Banner, estrenada en los Proms, en 2021, cabecera de otros trabajos destinados a estilos camerísticos, corales y orquestales.

Richard Wagner-Idilio de Sigfrido WWV 103-obra con la que nos encontramos frecuentemente en las programaciones de las orquestas por su irresistible embrujo, una composición Mi m., titulada inicialmente Tribschener  Idyll, compuesta entre mediados de noviembre y diciembre  de 1870, y pensada como un obsequio para el cumpleaños de su muy estimada Cósima, interpretada por primera vez el 25 de diciembre de 1870, por una pequeña formación de músicos de su entorno, miembros de la Sala de Conciertos  de Zurich, en la escalera de la mansión de Wagner, en la histórica  Tribschen. Cósima, enraizada en sus más sensibles fibras de percepción cotidiana, quedaría durante un tiempo relegada a ese trabajo musical, en una especie de oculto secreto, creía a pies juntillas que se estimado Richard se encontraba inmerso de lleno, en el Segundo acto, del Ocaso de los Dioses, una de las jornadas fundamentales de lo que sería su Tetralogía, monstruo destinado a trastocar la evolución de la música que influirá en los creadores de la posteridad. El Idilio de Sigfrido, como no podía ser menos, contendrá motivos de Sigfrido como el Lied Schalf, Kindchen, schlafe, parejo con una melodía pensada para el día de San Silvestre, de 1868 y otras dos ideas musicales, una del seis de septiembre, de 1864, escrita en Stanberg y otra del 14 de noviembre, compuesta en Munich. Obra parecida por su talante incidental, será la muy apreciada Sigfried Tod (Muerte de Sigfried), que el músico comenzaría a trabajar a partir de 1848, a partir de la primera parte de la Tetralogía, que no se terminará hasta pasadas dos décadas. La idea de la Muerte de Sigfrido, fue absorbida por el drama musical de El Ocaso de los Dioses.

Ludwig van Beethoven, tendrá dos tiempos de su Sinfonía nº 4, en Si bemol M., concretamente el Adagio Allegro vivace  y el Allegro ma no troppo, el primero y el cuarto, ese Adagio Allegro vivace, inicial que aparece como un claro homenaje a su maestro Joseph Haydn, resultando un tiempo de considerables dimensiones dentro del capítulo de su legado sinfónico, partiendo de un exordio marcado por la importancia de los instrumentos de viento, antes de aparecen el Allegro que surge de la introduzione con un primer tema auspiciado por los violines, acompañados por los clarinetes y los fagotes, hacia un desarrollo que se resuelve en una atractiva persecución protagonizada por las maderas. El planteamiento de este tiempo, se acerca a un posible scherzo, acompañado por dos tríos en los que las maderas y los instrumentos de viento madera, alternan en respuesta a los solistas, destacando la coda, por su acelerada sinuosidad, en el marco de una tentadora ligereza insouciance , que impregna el estado de percepción del oyente, entre insinuaciones de arabescos de perfiles ornamentales. Los tiempos tercero y cuarto, se expresan por su actitud sonora a través de los instrumentos preferidos por los románticos, en un momento en el que nos encontramos en un período de transición, caracterizado por el ritmo, lo que observamos a través de notables efectos de sorpresa y apuntes de sorpresas que podrían admitirse en su tiempo como inquietantes, por quebrar el lineal y suave discurso común, en la tradición del clasicismo, en el Allegro ma non troppo final, se refleja la importancia de melodías populares, entre ritmos de danza, que ayudan a centrarnos en la idea de la sinfonía, calificada como un trabajo de majestuosa dimensión orquestal. Una obra transparente y serena, cargada de luz natural y refrescante por su pretensión positiva, siempre en puja con la Heroica, compuesta un año antes, habría el autor de saber destacar importantes innovaciones con  respecto a las anteriores, recreando los beneficios de las precedentes. Esta  Cuarta sinfonía, se encuadra entre la segunda ejecución de su ópera Fidelio (puesta en crítica durante un tiempo por sus connotaciones públicas y políticas, y un viaje a Hungría, en el que aprovecharía para pasar algunas semanas con el conde von Brusnvik, antes de trasladarse a Silesia, en calidad de huésped del príncipe Lichnowsky. El Concierto conmemorativo das Festas do Apóstolo en A Praza da Quintana- día 22, a las 21´00 -, tendrá como director al titular Baldur Brönnimann, y el programa se presenta como una caja de sorpresas al igual que el ofrecido como avance de la próxima temporada con el que cerraba la temporada precedente en el Auditorio de Galicia, entre sorprendentes piezas en forma curiosidades estimulantes.

Ramón García Balado

Santiago Cañón-Valencia, solista del Concierto para chelo Op. 104, de A. Dvorak, con la RFG

 Centro Cultural Afundación, Vigo

Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela 

Sesión para completar la temporada de la RFG, con un par de citas comenzando por el Centro Afundación de Vigo- día 3, a las 20´00 h-, y presentarse en su sede, en Auditorio de Galicia, de Santiago, al día siguiente a las 20´00 h., con charla abierta del ciclo Conversando con…de la que serán protagonistas el director de la orquesta Baldur Brönnimann y el solista que nos visita- 19´45 h-, un programa que anuncia la obra de lo que fueron el apartado de Cometa, esta con  I Love sounds just they are, de Octavi Rumbau Masgrau, quien tuvo como maestros  Enric Palomar, Yosihisa Taira o Agustín Charles, ampliando en el Conservatorio de París, en el IRCAM y en el ESEM. Recibió encargos de la Fundación Tapiès y del Festival Mixtur, quienes galardonarían sus trabajos, a los que se añadirán el Premi Mompou; el Dolors Calvet i Prat, el Berliner Operpreis, con una atención destacada por su obra Belvedere de Escher, que recibiría el XXXVIII del Reina Sofía, que pondría en atriles la O. S. de RTVE, con la pianista Noelia Rodiles.

 Santiago Cañón-Valencia, chelista colombiano, recibió premios como el XXI  In. Tchaikovski, el Starker Foundation; un tercero Reina Sofía; el de Jóvenes  Lennox y los Casals, Sphinx, Johansen, Cassadó y Adams, su carrera profesional le llevó a colaborar con formaciones como la O. Mariinski, con V. Gergiev; La Frankfurt Rundfunk, con Christophe Eschenbach; la O. F. de Bruxelas, con Stéphane Denéve; la SWR Symphonioruchester, con Andris Poga; la O.S. de San Petersburgo, con Nikolai Alexeev; la Orpheus C. O., La O.S. de Amberes, con Muhai Tang o los Moscow Soloist, y la Chamber O. , con Yuri Bashmet, en esta tendencia a incorporar obras para el chelo, destacan trabajos como el estreno del concierto de Carlos Izcaray; el Segundo concierto, de A. Ginastera; la Rapsodia nº 4 (A los cuatro elementos), de Jorge Pinzón, para el Festival de Cartagena y el de chelo, de Gulda, con la Auckland C. O., mentores suyos, fueron Henryk Zarzycki, James Tennant, Andrés Díaz  y Wolfgang Emanuel Schmidt, en la Kroberg Akademie, de Alemania.

Alberto Ginastera, con las Variaciones concertantes Op. 23, obra estrenada por Igor Markievich, una elección para sus cursos de dirección en Salzburgo, a petición de Amigos  de la Música de Buenos Aires, período en el que la Orquesta de Louisville, le proponga obra de sus composiciones de temple nacionalista, la Pampeana nº 3, una especie de pastoral sinfónica que contará con la dirección de Paul Klecki, para responder a su colaboración en la propuesta de actividades en el Trigésimo Festival Int. de Música Contemporánea, de Estocolmo y que repetirá Antal Dorati, en el Festival de Venecia, tres años después. Las Variaciones concertantes Op. 23, recibirían un gran recibimiento en su presentación, llegando a tener cuatro tratamientos coreográficos, repartidos entre Nueva York, Buenos Aires, Santiago de Chile y Burdeos, contando con valoraciones por parte de la crítica especializada como la que llegaría a calificarla como un trabajo en forma de Variaciones para virtuosos, por su lógica construcción. Igor Markevith, había recibido también la invitación para abordar la composición, un maestro ruso nacionalizado italiano y establecido en Francia, en donde recibiría asesoramientos de Nadia Boulanger, llegando a trabajar con Rieti, antes de que Giaghilev le encargue el ballet El traje del rey (1929), experiencia de la que saldrán sus labores como director de la O. del Concertegebouw, en un período convulso, tendrá el beneficio de ocupar la titularidad de Maggio Musicale Fiorentino, comenzando a partir de entonces una carrera de gran prestigio, entre las que le encontrarnos en la O.S. de La Habana; la O. de Radio y Televisión, de España y otras actividades repartidas entre México y nuestro país, con una visita a Santiago de Compostela. Problemas auditivos, le obligarán a dejar la batuta, decantándose por la docencia, pero de esas labores creativas, merecerán mención su Concierto para piano; la Partita para piano y orquesta; la Cantata sobre un tema de Cocteau o el oratorio  Paraíso perdido y una recreación sobre la Ofrenda musical, de J.S. Bach.

Antonin Dvorak- Concierto para chelo y orquesta en Si b . Op. 104-, estrenado por Leo Stern, bajo la dirección del autor, en 1896, última obra americana, también de notable popularidad. Otro había sido el solista pretendido, Hanus Wihan, uno de los grandes talentos del momento, aunque el desacuerdo entre ambos, traería como consecuencia un cambio en la preferencia, El Allegro parte de una exposición bitemática tradicional, realzada por un solo de clarinete, con clara inspiración brahmsiana, antes de encontrarnos con la presencia de la trompa en pianissimo, recreando una ambientación misteriosa, dejando al solista una larga presencia a lo largo de todo el tiempo, casi como acompañante del grupo orquesta, dentro de una instrumentación sonora marcada por los tutti, predispuesta a combinaciones de timbres aislados en respuesta al chelo, hacia una respuesta tensa en un pasaje Molto sostenuto.  El Adagio ma no troppo, ofrece un trío  de oboe, clarinete y fagot, de traza un tema popular y casi místico, en el que destaca la importancia del chelo, entre frases ornamentales ascendentes, que sugieren una dolorosa queja gracias a sus apoyaturas de notas conjuntas. La reaparición del tema inicial con las trompas, sobre un fondo en pizzicatos de cuerdas, se traduce en una atractiva Quasi cadenza de un clima de serena actitud.  El Allegro moderato, tiempo final, anuncia un aire de marcha acentuada por las cuerdas  graves, con respuesta en staccato de las trompas, preparando una irrenunciable vuelta del chelo solista, que sienta su protagonismo necesario, merced a su naturaleza rítmica. Un tema de continuación, a partir de ritmos con puntillo, nos ubica en una melodía intensa entre rasgos de tresillos de semicorcheas, hasta un tutti que nos traslada a una repetición del segundo tema del movimiento en stretta, con respuesta de chelo, flauta y oboe, un episodio consecuente, en Andante, parece evocar el Adagio ma non troppo, en el espacio de una modulación distinta, camino del final expresado por una considerable orquestación, gracias a una fanfarria de trompas. La coda en pianissimo, permite acercarnos a recuerdos de temas anteriores, con un tenso crescendo que concluye la obra.

Ramón García Balado