Florentin Ginot: Obstinate para el VIII Festival Resis de A Coruña

 A Domus, A Coruña

Conclusión del VIII Festival Resis de A Coruña, en colaboración con la Fundación Ernest Von Siemens, en A Domus-día 31 a las 20´00 h-, con el protagonismo de Florentin Ginot, y un programa entre obras de Stefano Scodannibio, H.Lachenmann, G. Aperghis , Sarah Nemtsov, Clara Iannota además de una adaptación e improvisación realizada sobre la tradición ancestral de las Cantigas de Afonso X (El Sabio) y los barroquismos de Marin Marais, a través de fragmentos del Livre de pièces pour viole.  Una mayoría de obras estreno a cargo de este contrabajista que se consolidó como solista en el Ensemble Musikfabric  y que probó experiencias junto Rebecca Sounders, G. Kurtag o H. Lachenmann, dándose a conocer en lugares como la Cité de la Musique, Berliner Festspiel, Festival Présences, L´Auditori de Barcelona, la Biennale de Venecia, Filharmonie Kölner, Festival de Strasburgo, Sacrum Profanum (Cracovia) o Ultima Oslo. A partir de 2019, inauguró además una serie de colaboraciones con artistas implicados en sobrepasar fronteras, incluyendo al productor Helge Sten (Deathprod), el compositor Stefan Prins o la compositora palestina Kamyla Jubran y la actriz Valérie Dréville, realizando su primer registro Bach- Biber  (2022), acercando el barroco para contrabajo y sintetizador preparando su aparición en solitario en la Philharmonie de Paris, centrado en ese proyecto además  de ofrecer actuaciones en el Jazzdor Strasbourg,  y en el Festival St. Denis. También se presentó en dúo con el guitarrista eléctrico Yaron Deutsch y en esa dimensión de amplios recursos con su trabajo Disturbance, combinando sintetizadores analógicos modulares con instrumentos tradicionales durante su residencia en el programa AIR (Krems, Austria), estrenado en el Théâtre de la Cité Internationale, y ya que este período destaca como asociado con el Centro Coreográfico Nacional (Caen). Es fundador de HowNow, una productora que promueve la coparticipación con las artes escénicas contemporáneas.

Programa con obras en estreno o adaptaciones tomadas de improvisaciones de esa tradición del Medievo de la Cantigas de Afonso X (El Sabio), o de fragmentos del Livre de pièces pour viole, de Marin Marais, esenciales en la serie de los cinco libros publicados (además otras piezas sueltas), en las que se incluyen suites de danzas típicamente francesas que suelen comenzar con un Prélude mereciendo interés el Primero Tombeau pour M. de Méliton, conmovedor homenaje a otro virtuoso talento y discípulo de Sainte-Colombe. Marais estaba influenciado por los grandes virtuosos ingleses al igual que sus congéneres franceses por lo que al final solía añadir una serie de divisions on a ground o variaciones para bajo. Una característica inmediata será su simetría, , su hermoso sentido del fraseo y la armonía, en la búsqueda de un equilibrio de tales piezas maravillosas que competirá con la de Sainte-Colombe, Dubuisson o Hotmann en un conjunto que abarcará un grupo que se aproxima a las 600 piezas repartidas en el conjunto de estos Livres pour viole, editados a lo largo de su vida, que intérpretes actuales llevaron a su mejor dimensión desde Jordi Savall, a Jérome Hantaï, Paolo Pandolfo o Marianne Muller, Ton Koopman, Hopkinson Smith y Christopher Coin.

Stefano Sconnibbio- Farewell-, nacido en Macerata antes de retirarse a Cuernavaca (México), fue un importante contrabajista que tuvo una carrera intensa por los géneros cultivados siempre bajo la inspiración en el mundo de las letras desde Lezama Lima, a J.Cortázar, Giorgio Agamben o Deleuze aunque la vida le reservase un futuro amargo al padecer ELA- esclerosis lateral amiotrófica-, que le condenó el resto de su corta vida, razón por la cual decidió trasladarse a Cuernavaca. Había sido alumno del contrabajista Fernando Grillo y en composición  de Fausto  Razzi y Salvatore Sciarrino, ampliando en medios electrónicos con Walter Branchi y en Historia de la Música, con Michelangelo Zurletti. Los comienzos con el contrabajo, se centraron en explorar las posibilidades del sonido a través del uso de armónicos en cada parte de las cuerdas o la posición baja y media del diapasón, en ello tendrían que ver músicos como Giacinto Scelsi, Luigi Nono, John Cage, Terry Riley, Iannis Xenakis, Brian Ferneyhough, Julio Estrada o Franco Donatoni. Con Riley, en un encuentro buscado, tuvo una experiencia clave, quien se impresionaría por su estilo que sonaba como un sarangui (instrumento de cuerda frotada indú), realizando juntos el cd A Lazy Afternoon among the Crocodiles. También destaca su colaboración  con Luigi Nono, en su ópera  Prometeo y con Julio Estrada, la versión  radiofónica de Doloritas- inspirada en Pedro Páramo-, o con Brian Ferneyhough, la obra para contrabajo Trittico per G.S. y con John Cage, el compromiso Ryoanji.

Helmuth Lachenmann-Tocattina Helmuth-, el autor de Gran Torso o Accanto, dentro de su lenguaje que no busca el detalle sino  es en función  del conjunto nacido a través de una estética aparentemente feísta basada en el ruido. Cada efecto tiene su función en unas composiciones en las que el ambiente, la atmósfera de inquietud y el desasosiego se sitúan en plano primordial, mostrándonos una estética que en la dimensión de sus asperezas y en su rechazo de la autocomplacencia, se aproxima a las sonoridades de Iannis Xenakis o la trascendencia mística de G. Scelsi, un lenguaje abocado claramente a la provocación ante la recepción del oyente, obligándole a tomar posicionamiento frente a sus obras, tratando la serie de los ruidos sobre los que trabaja, con  una intención analítica y estructural en una ambición por liberar ese material sonoro en su planteamiento estimulante.

Georges Aperghis- Obstinate, pieza que da título al programa-, es un músico que con creces abunda en los elementos teatrales y gestuales, en calculado añadido de lo que serán auténticos signos de ruptura en los posicionamientos de vanguardia, que se acrecienta en plenitud sobre el espacio escénico, una propuesta para ser escuchada o especialmente vista. Voz y movimiento juegan entre los cuerpos como modelo trascendental en este compositor griego que forja el conjunto de sus obras al cuidado de esa dimensión escénica, con una atención estudiada hacia el mundo de la poesía sonora, tentada de recrear nuevos con conceptos que remite al estilo de la Commedia dell´Arte, en piezas como JoJo o el sincretismo desarrollado en el Sextour. Obras pues, en especial las instrumentales, pensadas dentro del espacio teatral, siempre apreciable en el conjunto de su legado.

Clara Iannotta- A blur of fur and bone-, formada en el Conservatorio St. Cecilia (Roma), en donde estudió flauta, se benefició de encuentros personales con Alessandro Solbati (Milán), Yan Maresz (IRCAM), Franck Bedrossian, Chaya Czernowin y Steven Takasugi, disfrutando de un patrimonio de obras en las que proyecta el campo de la experimentación musical. Entre ellas: Il colore dell´ombra (trío con piano); Al di là del bianco (clarinete bajo y trío de cuerdas); Limun (violín, viola y otros complementos; Clangs (chelo y 15 músicos); D´après (7 músicos) o Glockeniesserei (chelo y electrónica), manteniendo en su conjunto una determinante teatralidad y un apoyo en el uso del material sonoro en diferentes configuraciones en cuanto a la puesta escénica y aspectos técnicos en el tratamiento de los instrumentos a través  de un enfoque auditivo microscópicamente afinado, hacia una dicotomía marcada por un formato accesible para la capacidad receptora.

Sara Nemtsov- G´vurah- estrenó obras con la Deutsches Sinfonieorchester, Berlin Music Chamber, Klangforum Wien, Neue Vocalisten Stuttgart, O. Barroca Finlandesa, RSO Viena, Cuarteto Diotima, Trio Boulanger, Tonhalle Zurich o Arditti Quartet, al tiempo que trabaja con directore/as como Joana Mallwitz, Baldur Brönnimann, Manuel Nawri, Bas Wiegers,Michael Wendeberg, Franck Ollu, Peter Rundel, Johannes Kalizte o Ilan Volkov, asistiendo a certámenes como Darmstadt Summer Course, Munich Biennale,  Bregenzer Festspiel, Acht Brücken, Fest. Klanspuren Schwaz, ISCM World New Music, Holland Festival, Wien Modern o Essen NOW. En su obra, la literatura juega un rol esencial en calidad de inspiración en la que también aparece el teatro, resaltando los recursos audiovisuales. Había tenido como maestros a Johannes Schoellhorn (composición), Klaus Becker (oboe), y a B. Glaetzner (oboe), realizando el postrado de composición con Walter Zimmermann, en la Kunstuniversität Berlin. Entre sus obras: L´ Absence, ópera compuesta entre 2006/8; Sacrifice, para la Opera Halle, el ciclo HAUS, destinado un espacio insólito como una fábrica de turbinas (Bochum); el proyecto Mekoton, para una gira de conciertos, además de las compuestas para instrumentos diversos, procedentes de encargos personales.

Ramón García Balado 

Graffiti, de Unsuk Chin, estreno en el Festival Resis, en el Palacio de la Ópera de A Coruña

 Palacio de la Ópera, A Coruña

Fabián Panisello dirigirá a la OSG en el Palacio de la Ópera de A Coruña, dentro de las actividades del VIII Festival Resis, reservándonos en programa el estreno de Graffiti, de Unsuk Chin, junto a Metástasis de Iannis Xenakis y Tramuntana, de Gabriel Erkoreka- día 30, a las 20´00.-, un director prestigiado por sus labores con el Plural Ensemble, al que seguimos en propuestas como Poñer o foco, en las Xornadas de Música Contemporánea de 2022, este argentino destaca igualmente por su presencia en distintos países europeos y citas como las de la Fundación BBVA, siendo al tiempo profesor en la Escuela Reina Sofía y en el China Conservatory. Fue compositor en residencia de certámenes y academias como las que se convocan en Graz, Nueva York, Buenos Aires, Beijing, México o Leuk (Suiza). Tuvo como maestros a Francisco Kröpfl y Julio Vera, en Buenos Aires y a Boguslav Schaeffer, en el Mozarteum de Salburgo, completando experiencias como Elliot Carter, Franco Donatoni, Brian Ferneyhoug, Peter Eötvös o Luís de Pablo, recibiendo galardones como el Mozart Erben (Salzburgo), el Würdigunspreis (Austria) o el Rodolfo Halffter (México), entre importantes encargos recibidos de instituciones como Alte Oper Frankfurt, Festival  de Donaueschingen, Teatros del Canal, y de su ámbito creativo merecen mención Le Malentendu, para el Teatro Colón (Buenos Aires), obras de cámara para el Cuarteto Arditti o Ensemble Modern; Les Trois Mages, coproducción con la Fundación Ernest von Siemens, para un apartado del que queda constancia a través de las productoras NEOS; Col legno; Cypres; Columna Música o Verso.

Iannis Xenakis- Metástasis-, raíces griegas y asentamiento parisino y que llamaría la atención precisamente desde composiciones como Metástasis, tras su estreno en 1953, dignificada en su planteamientos estéticos por resultar especialmente atronadora, en sus anclajes definidos por una precisa organización de las masas de sonidos que, desde una perspectiva propuesta quedará asociada a los patrones de Gÿorgy Ligerti- Atmosphères-, resultando una obra de complejidad polifónica opuesta a determinismos marcados por la percepción puntillista de la pujante impronta serial, la misma que obliga a distinguir la sucesión de notas independientes. Xenakis, autor también de Lontano, guarda en mente el fluir de los sonidos llevados aspectos casi imperceptibles. Metástasis, definida por una partitura en forma de gráfico, es objeto de un destino que sugiere al oyente una actitud que se avenga a la totalidad del espacio sonoro, abriendo con ella un posicionamiento que como respuesta, tuvo una aceptación inmediata y que en el entorno de sus parámetros, pretende el reconocimiento de claros efluvios de mediterraneidad, que por detalles imaginables, nos traslada a la imaginaria sensibilidad de los ancestrales mitos griegos. El juego de alternancia de tensiones, remite a tales patrones entre la claridad y las penumbras. Una música que ahonda en esas tensiones, remarcadas por los aspectos tímbricos en manos del grupo instrumental alcanzando por necesidad el límite de esas posibilidades que nos cercan en un intenso estado ferviente a la búsqueda de ese imaginario fuego latente. Olivier Messiaen, su maestro, será fundamental dentro de esa evolución en el espíritu de las vanguardias, ya posicionado como creador que también sabrá acercarse al arquitecto Le Corbusier, con quien colaborará en el Pabellón Philips, de la Exposición Universal de Bruselas, el mismo en el que Varese estrenará su Poème électronique.

Unsuk Chin- Graffiti, en estreno- compositora coreana que recientemente presentó Súbito con forza-, en estudios en la escuela de Gÿorgÿ Ligeti, en Hamburgo y especializada en músicas electrónicas y acústicas, con obras que han merecido la atención la O. S. de Chicago, la O.S. de Los Ángeles o la O. F. de Berlín, recibiendo galardones como el Grawemmeyer Prix; el Premio Arnold Schönberg, el Wihuri Sibelius, el Ernest von Siemens, el Musical Léonie Sonning, destacando en su producción por obras como el Concierto para violín y orquesta; Acrostic- Worldplay, para soprano y grupo instrumental; Alice in Wonderlad, ópera en ocho escenas, trabajando en un lenguaje cercano al oyente y en el que destaca el uso de una instrumentación cuidada en cuanto al color ofrecido por los instrumentos; juegos de luces, una belleza abstracta, una escucha fluida y una grata amabilidad, fruto de los resultados compartidos como artista en residencia de La O. Filharmónica de Seul, en la que promovió el Departamento de Música Contemporánea. En ella encontramos una confluencia de influencias orientales y occidentales, en las que tienen cabida Toshio Hosokawa (Japón) y Wenchen Qin (China) además de lo magiar de Ligeti, durante tres años, dentro de una exasperante convivencia, apartándose de las exigencias de las urgencias postseriales que bien podrían defender alumnos del círculo de Darmstadt. The Unsun Chin Edition, es un trabajo en doble cd, que nos deja perfecta idea de esa proyección artística: El Concierto para violín; el Concierto para chelo; Le silence des Sirènes; el Concierto para piano; Chorós y Rocaná, con interpretaciones de Christian  Teztlaff (violín); Alban Gerhardt (chelo); Barbara Hanniggan (soprano); Sungwook Kim (piano), con la Berliner Philharmoniker/Simon Rattle, Myung- Whung Chung, Sakari Orampo y Daniel Harding, cumplen todo perfecto documento de una excelente trayectoria que complementa un formato audiovisual. Explosiones de color y una vitalidad salvaje que confirman los atributos de la compositora para una actitud que tiene poco de contemplativa.

Gabriel Erkoreka- Tramuntana (2017)- composición encargo de la SGAE/AEOS, en el XII Concurso de Dirección de Orquesta de Cadaqués, obra estrenada en L´Auditori de Barcelona el 18 de diciembre de 2017, bajo la dirección de Nuno Coelho, añadiendo el Concierto para violín de Chaikovki, con Daniel Lozakovich, para repetir en 2023, con la O.F. de Oviedo con Lucas Macías. Composición que se expresa a través de una serie de modulaciones métricas y técnicas extentidas, dentro de una recreación atmósfera manejada por el enfrentamiento de secciones de cuerda y viento, además de una aproximación en algunos pasajes a las tradiciones de la música catalana, tratada por la llamada del flabiol. Intensidad de dinámicas enfrentadas en esa búsqueda por cierta inestabilidad sonora que alude a una recreación ambiental permanentemente agresiva. Erkoreka estudió con Bernaola en la Escuela de Música Jesús Guridi (Vitoria) y en piano con Albert Nieto, Joaquín Achúcarro, Salomon Mikowski, Elza Kolodin y Malcolm Frager,  antes de trasladarse a la Royal Ac. of Music (Londres), en donde también sería profesor, para ampliar con Christopher Elton, estudiando composición con G.Ligeti, F.Donatoni, Luis de Pablo o H.Birtwistle.  Entre sus obras de interés: Nubes y Krater, sobre inspiración en las fuentes de la naturaleza, con notable ascendente en estructuras contrastadas y dramáticas; Akorda o Saturno, un estilo peculiar de orquestación; Kantar, que recurre al folklore vasco; Famara, inspirada en aires ancestrales de La Gomera y El Hierro; Cuatro diferencias, a partir de un tiendo de A. de Cabezón o Akorda, puesta en atriles  por la O.S. de Bilbao y un manifiesto de los recursos expresivos merced a la incorporación del acordeón como protagonista primordial.

Ramón García Balado                                                                     

Arxis Percussion Group y Evo Ensemble, Festival Resis en San Domingos de Bonaval

 San Domingos de Bonaval, Santiago de Compostela

El Festival Resis repite esta vez en San Domingos de Bonaval, en un programa tratado musicalmente por Arxis Percussión Group y el Evo Ensemble, que dirige Virginia  Guidi, para ofrecernos Consolation I, de Helmut Lachenmann y Karts, de Hugo Gómez- Chao Porta, obras en estreno- día 22, a las 19, 30 h. y el día 24, en el Círculo de Bellas Artes de Madrid- contando con un trabajo coreográfico de Raquel Buj y una aportación de la creadora en artes vivas Victoria Aime, dentro de un espacio escénico propuesto por LaPharmaco, de Luz Arcas. Evo Ensemble está integrado por Victor Andrini, Michele Pellicani, Teresa Varelli, Felicita Brusoni, Eleonora Sussana, Melissa Aissatousylla, Vittoria, de Vicentiis, J. Gabriel Falla Obando, Edoardo de Vicentiis, Erwin dos Santos, Emmanuele Gizzi y Niccolo Paniguitti.   Ars Percussion Group, son Joâo  Miguel Braga, Carlota Cáceres, Yu Ling y David Collazo.

Raquel Buj, cuida del espacio escénico sobre una experimentación con biomateriales creados a partir de materiales naturales, desde resinas a piedras y otros imaginables que confeccionan una arquitectura de complejas texturas en cuanto a formas y volúmenes.  Armando Merino, director del espectáculo, probó experiencias con el Modern Ensemble, la International Ensemble Akademie, Impuls Festival, la Bayerischer Kunstörompreis (Baviera), la Staatskapelle Halle, la Deutech Sinphonie Berlin, la Bayerisches Staatsorchester, la ESMUC, con Jordi Mora, el Conservatorio della Svizzera (Suiza)- con Arturo Tamayo-, asistiendo a las docencias de Pierre Boulez, Pieter Rundel, Michael Luis o Pierre André Valadé. LaPhármaco, de Luz Arcas, formada en el Conservatorio Mª de Ávila de Madrid y en dirección escénica en la Real Escuela Superior de Arte Dramático, ostentan una trayectoria jalonada de espectáculos que han labrado una trayectoria prestigiada: Mariana, para los Teatro del Canal y la Scène National du Pays de Montbéliard (2022/3); Trilla, para el Museo Thuyssen Bornemisza (Málaga); Una gran emoción política, para el CDN; Toná, Festival de Otoño de Madrid y el Teatro de la Abadía (2020); Miserere, cuando la noche llegue se cubrirán con ella, inspirada en Elías Canetti (Masa y poder) y en René Girard,  (Teatros del Canal); Kaspar Hauser, el huérfano de Europa, también destinado al Festival de Otoño (2016) y colaboraciones operísticas: Rigoletto, para el Teatro Real, La Maestranza, Arriaga y la Ópera de Israel. Recibieron galardones como El Ojo Crítica de la Danza; Premio de Teatro Andaluz, Premio Max (2017) y el Premio Lorca. Perspectivas desde un flamenco transgresor y de complejo posicionamiento en lo relativo a sus propuestas escénicas.

Helmut Lachenmann- Consolation I-obra para 12 voces y cuatro percusionistas estrenada en Roma en un homenaje a dos compositores resultando una profunda reflexión sobre el tema de la voz humana y la experiencia física del sonido y sus diferentes transformaciones heredadas de la música concreta encuadras en un contexto instrumental, actitud de un compositor que procura buscar las reacciones del oyente  por su posicionamiento frente a la propia música y su poder de recepción, para el autor será una especie de simulación de la sociedad de nuestro tiempo, una sociedad fragmentada y alienada en un actitud que va enfocada no sólo contra los modos pasivos de escucha, sino contra la generación misma de los compositores que le preceden. Lachenmann pertenece a la oleada de músicos que suceden a aquellos que asumen las estéticas de signo rompedor de la época de posguerra, estudiando a compositores representativos de la primera vanguardia, Stockhausen y Luigi Nono, quien le influirá de manera determinante en modelos como Prometeo, con quien comparte sus directrices de comportamiento dentro de una ecuación entre la revolución musical y social. Donde Nono remite a documentos explícitos de denuncia, Lachenmann apuesta por la especulación interesándole los sonidos y sus posibilidades combinatorias de esta forma, medita la aproximación a los parámetros de la Música Concreta Instrumental, un discurso marcado por el ruido, aspecto que no hallaremos en Mauricio Kagel o  Schnebel, tratando esos ruidos de una manera analítica y estructural.

Karts, de Hugo Gómez-Chao, resulta una meditación sobre nuestro cuerpo al margen de etiquetas y disciplinas. Obra Materia vibrante de Jane Bennett, que sirve de inspiración y guía de posibilidades de reformulación que se presumen en nuestro cuerpo y los de nuestros inmediatos congéneres en una obligada convivencia, un aspecto determinante que repercute en esa dimensión artística y emocional que nos relaciona con la naturaleza en una propuesta musical para 12 voces y cuatro percusionistas y que remite a texto que van desde el De Rerum Natura, de Lucrecio, a los escritos sobre la naturaleza (Leonardo da Vinci), fragmentos de Ángel Valente o Jacques Lacan. Cinco movimientos en los que las voces emergen y se transforman como a cámara lenta en la que la palabra hablada y los textos cantados surgen poco a poco, apoyados por la sección instrumental que secunda el discurso que se presenta mediante la exploración de diversos materiales metálicos que se reparten entre bronces y latones y apuntes percusivos que se manifiestan al final  de la pieza, en un fundido manifiesto con las voces tendentes en un pasaje hasta el desvanecimiento y la oscuridad en una luz cegadora y ruidosa. Siempre nos queda de Hugo el recuerdo de obras como Sol, quizás o nada, encargo de la Fundación SGAE y AEOS, estrenada por la OSG, con Otto Tausk, entre el concierto para dos pianos de F.Poulenc- Lucas & Arthur Jussen- y la Sinfonía nº 1 , de J.Brahms, en Do m. Op. 68 o Schattenhaft, encargo de la RFG y con dirección de Baldur Brönnimann, obras que se añaden al Límites del negro, premiada por la Fundación SGAE-CNMD; Chanson de la plus haut tour, sobre poemas de Arthur Rimbaud, primera obra para orquesta; Vanitas vanitarum, obra para voz, guitarra, violín, chelo y que se basaba en un Florero de Juan de Arellano, en el Concierto 5 compositores para un Museo (2017), además de su presencia permanente en la evolución del  Festival Resis desde su primera cita, del que es cofundador con Ramón Otero, como director artístico, estrenando entonces El tiempo menos solo, obra en la que tomaba argumentos del poeta Abraham Gragera. Hugo Gómez-Chao Porta (1995), había estudiado con David del Puerto, ampliando posteriormente con Beat Furrer, en la Künstuniversität  Graz y con Clemens Gadentäter, Sergio Luque, Friedrich Haas y Jesús Rueda.

Ramón García Balado

Florian Hoelscher: Erinnerungspuren, de Alberto Posadas, para el Festival Resis

 A Domus, A Coruña

Concierto del Festival Resis en un programa que destaca como obra primordial Erinnerungspuren de Alberto Posadas en el Museo A Domus de A Coruña-día 17, a las 20´00 h-, en interpretación de Florian Hoelscher, pianista que estudió con Robert Lewin, Michael Béroff y Pierre –Laurent Aimard, entre Friburgo, París y Colonia, ampliando con Peter Eötvös y otros solistas en directa colaboración, actuando regularmente con compositores actuales como Alberto Posadas, Jonathan Harvey,  Christopher Hogwood, David Zinman, François-Xavier Roth, Kent Nagano, Sylvain Cambreling o Johannes Kalitzke, y orquestas como la Tonhalle, la Zurich Orchestre, la Rundfunk SWR Stuttgart, la Sinfónica de Lucerna o la SWR de Baden-Baden. Asiste como invitado a Festivales como Présences Radio France, Agora (IRCAM), Eclat Stuttgart, Bártók (Szombathély), Lucerna, manteniendo colaboraciones con artistas como Pirmin Grehl, Jean- Guihen Queyras o Chen Halevi, destacando en especial los repertorios  camerísticos. Abundan sus registros fonográficos, dedicando una atención primordial a obras en estreno, como la que en esta cita llevó a  cd, con la firma Wergo, Erinnenrungsspuren (Huellas de la memoria), resume un conjunto de seis piezas en las que el autor recurre a una indagación que en su transcurso va desarrollando apoyándose en reminiscencias tomadas del pasado y del presente, como es el caso  de Anklänge (François Couperin); La Catedral Sumergida (Maurice Ravel); detalles de Robert Schumann; Aítsi (Giancinto Scelsi) y aportaciones de Karl Heinz Stockhausen o Bernard Alois Zimmermann, una posible evocación en la distancia a la que concede su personal criterio creativo. En este apartado de las grabaciones, destacan las realizadas para dúo, de Jonathan Harvey; Miniature, de Marco Stroppa, con las  que obtendría galardones como Diapason D´Or, y que se complementan como obras de Salvatore Sciarrino. Entre 2008/ 18, fue profesor de música de cámara en la Hochschule für Musik und Drama, de Lucerna, para seguir en la Hochschule für Musik und  Performing Arts, de Frankfurt.

Alberto Posadas tuvo como principal maestro a Francisco Guerrero Marín, descubriendo la búsqueda de las combinatorias matemáticas y fractales, una aventura que integrará con las posibilidades de integración de modelos estéticos como la traslación de espacios arquitectónicos a la música, la aplicación de la topología y las técnicas pictóricas relacionadas con la perspectiva o la exploración de las posibilidades acústicas a nivel microscópico del instrumento, espacio en el que también caben los tratamientos electoacústicos, con obras como Snefru, Versa est in Liturgia de silencio o Anamorfosis. La incorporación a las técnicas del espectralismo y los elementos topológicos quedan manifiestos en Versa est in luctum, para saxofones, acordeón, chelo,  percusión y electrónica tomando como título un pasaje del Libro de Job, el mismo al que recurriría  Tomás Luís de Victoria para su Requiem. La relación entre ambas obras solo se halla en la utilización de algunos fragmentos con el fin de elaborar la parte electrónica en la que hay, además, restos de obras del mismo Posadas y muestras de los multifónicos del saxo. La idea expresada del Libro de Job, la transformación del sonido en llanto, lleva al autor a explorar las relaciones acústicas propias de los registros extremos de los instrumentos, en su relación con los expuestos en la cinta magnetofónica, buscando siempre la fusión entre las distintas fuentes. Sonidos de naturaleza percutida se encargan aquí de articular el discurso, a la vez que toman un significado litúrgico o de ritual.

Anamorfosis, compromiso para el Festival de Donauschingen (2006), es modelo de posibilidades en el ámbito sonoro e igualmente riguroso dentro del espacio constructivo, lo que podrá sugerirnos las posibilidades recibidas de su maestro Francisco Guerrero, por esa aplicación asumida de los estimulantes procedimientos matemáticos en lo relativo a su estructura interna. Una diferencia con Cefereidas, de su maestro, no mantiene el recurso de orquesta de masas, pues le interesa particularmente la diversificación de los distintos planos sonoros, y en control sobre la gradación de las tensiones. Una actitud que se reflejará en Apeiron, en la que recurre a una secuencia formada por una sucesión 16 notas, que no actúan como serie, sino como semilla generadora, que deja argumentos en toda la obra. Obras para gran conjunto instrumental de Posadas, son Oscuro abismo de llanto y de ternura; Nebmaat; Cripsis o Glossopoeia, en las que se apoya en lenguajes pujantes de la actualidad, con una intensa relación con las corrientes espectrales, los aspectos electroacústicos y las herencias de Gÿorgy Ligeti, Giacinto Scelsi, Gérard Grisey o Iannis Xenakis. Las confluencias con esas tendencias, en cada obra resultante siempre nos encontraremos con un analítico sometimiento del material, logrando crescendos de fuerte tensión, forzados por el protagonismo de los propios instrumentos y sus diversas formas de producción del sonido. Un efecto continuo que nos urge dentro de una actitud casi de vértigo sonoro, destacando la música sobre cualquier ideario de acuciante vehemencia. Una evolución resumida en varias líneas, desde ese interés por el ideario matemático en su puja con la naturaleza y los procesos de construcción musical-Apeiron, para  orquesta o Invarianza, para ensemble-; para un segundo eslabón dentro de las posibilidades acústicas a nivel microscópico del instrumento para generar tanto los materiales musicales como su regulación-Eridsein, para flauta; Sinolon, para clarinete o Anábasis, para saxo tenor-, entregándose a una renovada opción que indaga con otras manifestaciones artísticas, en ese caso podrá ser la arquitectura, en la búsqueda de la interacción espaciotemporal, mediante la aplicación de las dimensiones y proporciones de la obra arquitectónica y el control de los distintos parámetros musicales, en obras como Snefru, para acordeón y electrónica; Nebmaat, para saxo, clarinete y trío de cuerdas. En el ámbito de la plástica, esa relación se frecuenta en la búsqueda de la traslación de técnicas de perspectiva, la anamorfosis, como argumento de transformación topológica de la música, en modelos como Anamorfosis.

Ramón García Balado