Festival Resis: Josep Planells Schiaffino, entre Wagner, Jacobo Gaspar y Wolfgang Rhim

 

Josep Planells Schiaffino, colaboró con formaciones como la WDR Sinfonieorchester Köln, la Basel Sinffonietta, el Festival de Lucerna, la Deutsche Radio P.; el Zafrain Ensemble, Remix Ensemble, Bayerisches Landesjugendorchester, Ensemble Modern y otras de nuestro entorno nacional. Fue asistente de Franck Ollu, participando en producciones como  Jacob Lenz de Rihm; Medea, de Dusapin, en el Festspielhaus, de Salzburgo; Oresteia, de Xenakis, en el Theater Basel, tras estudiar con Fred Butkewitz en Berlín y participó en masters de Peter Rundel, Peter Eövöts, y realizó su licenciatura bajo la tutela de Arnulf Hermann y Hanspeter Kyburz, en la Hochschule für Music Hanns Eisler (Berlín), recibiendo asesoramientos de Salvatore Sciarrino, Brian Ferneyhouh, Wofgang Rhin, con el apoyo de la Fundación Alexander von Humbolt. Completó su formación en la Cambridge University,  junto a Richard Causton, obteniendo el XLII Premio Reina Sofía por su obra Metalepsis y ejerce la docencia en la ESMUC, dirigiendo proyectos en el Conservatori del Liceu, mientras continúa con sus labores creativas, en especial dentro del género lírico.

Jacobo Gaspar- Ars Umbrae-, obra en estreno, se una a otras que han recibido excelente consideración como De mar a mar; Ambar o Via Láctea, Haiku espiral, compositor con estudios en el Conservatorio Superior de Aragón, con J.M.López López, antes de doctorarse en musicología en la Universidad de Oviedo, recibiendo premios como un primero Xavier Montsalvatge; el XX Fundación Autor- CDMC; el VI Int. Jurgenson Competition for Young Composers (Moscú); el Valentino Bucchi- Parco della Musica (Roma); un segundo de Povoa do Varzim (Portugal); el Premio de Composición Isang Yun (Seul), mostrando en su evolución un interés por las formas musicales y su uso artístico con las distintas materias sonoras disponibles en la amplitud de los recursos de ese espacio, ideas extraídas del medio natural, mimético o simbólico. La expansión de medios y técnicas instrumentales o la transformación de la propia experiencia de escucha. En un caso, podría recurrir al uso de un pequeño poema en forma de haiku, en el que se siente un abismo similar al que nos embarga cuando reparamos en la dimensión del cosmos o en otro, a una travesía marina referida a la emigración, desde una doble perspectiva, con inspiración en recursos poéticos que nos trasladan en un salto oceánico, marcado por distintos niveles o ideas musicales, tratadas como ondas, en las que destacan detalles de ruido en blanco, para emular el sonido marino, entre trinos y glissandi, una impresión de la idea de fluidez marina. Ars Umbrae, obra de gestos amplios tratada por una orquesta en forma de caja de resonancia cuya escucha se resuelve por temas reconocibles entre capas apenas iluminadas que dejaban una impresión de un posible espectralismo accesible propuesto por el compositor, entre matices de claridad directa sostenida en la idea de que escuchar no es fijar un objeto sonoro, sino prestar atención a cómo pierde definición su contorno, una sugerencia cogida al vuelo de Junichiro Tanizaki.

Wolfgang Rhim- Danza negra y roja: Tutuguri-, creador en la vanguardia y que marcó referencia a partir de su ópera de 1978, basada en un breve relato de Georg Büchner, Lenz, con el título de probablemente sin grandes pretensiones de encubrir influencias, se inclina por ajustarse a un esquema de escenas aparentemente cercanas al Wozzeck,  de Alban Berg, mostrando una disposición operística en el estilo de formalismos más clásicos (rondó, sonata, zarabanda…), apoyándose igualmente en una orquestación reducida, en el contexto de un planteamiento camerístico. El uso  del Sprechgesang, resulta claramente necesario para las piezas en beneficio de otorgarles la entonación precisa, de fuerte penetración psicológica. Un  resultado musical, en sus obras, que llegó a plasmarse en trabajos como Die Veroberung von Mexico, que más que una ópera, dejará la impresión de un trabajo teatral, basado en un proyecto de Antonin Artaud, para el que se valdrá del recurso de instrumentos ancestrales o complementos ruidistas, que reformarán su legado étnico, con tintes expresionistas. Schwarzer und Roter Tanz.Fragment aus Tutuguri, el Artaud de su convivencia mexicana con los tarahumaras, experiencia en clave de cierta mística de mundos posiblemente incompatibles, sería consecuencia de una especie de gran poème dansé, que el músico compartiría con Artaud, retomando material de Tutuguri IV al que se añadía un breve añadido final de una nueva pieza, un personal gesto de su estilo en forma de work in progress, concluyendo con ello una etapa creativa. No estamos antes un trabajo escénico sino ante un compromiso colectivo y ritual, en e l que la música no simplemente acompañada de forma evidente sino que ayudaba a fomentar las tensiones. Al distanciarse de un imaginario ballet, quedaría expuesta a la serie de episodios descriptivos, convirtiéndose en impulsos que organizaban la escucha desde su profunda interioridad. Una oposición entre danza negra y roja, no se limitaba a un estilo de forma programática, sino al contrario la propia orquesta se expresaba por acumulaciones densas y descargas cortantes, en alternancias de zonas insistentes de brusca oposición.

Richard Wagner-Preludios de Lohengrin, actos Primero y Tercero, además de la Liebestod, amalgamados entre las piezas del programa, ópera de gran espectáculo en la que sobresalen los medios escénicos, desde los comienzos del Primer acto hasta la importancia de la escena final, una ópera que se hace valer por el menor sentido en la evocación lírica de sentimientos íntimos, con una elevada sugestión de misterio, ópera destinada al estreno en Weimar, y que por mediación de Franz Liszt, tendría una consideración precisa en la Corte de Weimar, en el trasfondo, la leyenda del Santo Grial a mayor gloria de sus protagonistas Elsa, hija del último duque de Brabante. Lohengrin, caballero del Santo Grial. Enrique I; Rey de Alemania Friedrich von Telramund, noble de Brabante. Ortrud, hechicera, esposa de Telramund. Un heraldo, entre cuatro nobles y cuatro pajes. Dramatización de un Medievo pintoresco que nos llega en un momento de transición. El Liebestod, de Tristán e Isolda, es una pasaje que se encumbra por sí mismo hasta alcanzar el grado de sobrenatural, el dúo amoroso que responde al texto So starben wir, um ungetrennt, que anuncia un nuevo tema, el Liebestod, en el acto final, tras la muerte de Tristán e Isolda contempla también su propia muerte, en el pasaje Mild und leise, desde la palabra Liebestod. Una música amorosa que encierra la intención erótica, en el marco de una sensualidad cromática, en contraste con la verticalidad diatónica de Kurwenal y los marineros del primer acto. La Liebestod, en el éxtasis final, concluía las tensiones acumuladas de distintos recursos sonoros, en una propuesta de un muy reconocible presente expandido tal cual si el tiempo hubiese dejado de avanzar.

Ramón García Balado

foto: ©Xurxo Gómez-Chao Porta 

Josep Planells. Orquesta Sinfónica de Galicia

Obras de Richard Wagner, Wolfgang Rhim y Jacobo Gaspar

Colaboración con el Festival RESIS

Palacio de la Ópera, A Coruña

Entre Feldman, con el Ars Ensemble, en el Festival Resis

 Cidade das TIC, A Coruña

Concierto de clausura del IX Festival Resis de A Coruña, que nos cita en el Plató Virtual Cidade das TIC, en  A Coruña- día 30, a las  20´00 h.-, repitiendo como invitado especial Niño de Elche, quien colabora con su obra Entre Feldman, un mano a mano con Héctor Cavallaro, en esta cita que añade una composición del propio Morton Feldman, Voice and Instruments II, estreno en nuestro país, composición de su período intermedio , que había tenido como punto de inflexión su pieza For Franz Kline, en la que descubría combinaciones de timbres inéditas, ya en su etapa de gran proyección, en la que aparecen trabajos como el que se incluye en esta sesión, entregará aventuras como For Frank O´ Hara, destacada por su calidad de homenaje a creadores cercanos a sus ideas, oscilando entre una superficie estática, y movimientos rítmicos y melódicos, momento en el que será consciente de haber abordado los sonidos en el contexto atmosférico de gran oposición, por la propia evolución de las obras, pueden durar un espacio breve y controlado o desarrollo extenso, a veces imitando la técnica pictórica. Parte de su legado, acepta el silencio como materia fundamenta, y que se ratifica en obras como De Koonig; The Viola in my life o los Vertical Thoughts, el tono misterioso con el que podemos encontrarnos, más en los trabajos del período medio, se apoya en el empleo de dinámicas normalmente débiles, aspecto sobre el que siempre ha insistido, un tema que ayuda a resaltar los timbres instrumentales, forjando un complejo de tensiones que sorprende tanto al intérprete como al oyente. Los breves motivos, contribuyen a mantener una superficie plana, con un mínimo de contrastes.

Rebecca Saunders-Quartet, estreno en España y encargo del Festival RESIS- compositora que nos resulta familiar por las veces que escuchamos obras suyas,  como es el caso de Disclosure, había sido alumna de Nigel Osborne y Wolfgang Rihm, con el que decidió mantener una relación profesional más profunda, indagando especialmente en el espacio de los timbres, que le atraería por su complejidad y fascinación, un paso que la llevará a probar el magisterio de Galina Ustvoskaia, junto en un tránsito hacia la poética de Samuel Beckett, de quien tomará ideas para algunas de sus obras importantes, caracterizadas por un material de tonos limitados y una amplia complejidad tímbrica, dentro del ámbito de las resonancias y los extraños efectos creados por los instrumentos. Tiende a incluir largas explicaciones de los textos, en muchas de sus obras, confiando para tal realización, en las aportaciones del propio intérprete. Aquellos años primordiales con  Wolfgang Rihm 1991/4, habían tenido como sede la Hochschule für Musik Kalsruhe, tras haber asistido a la Universidad de Edimburgo. Había recibido galardones tan prestigiosos como el Ernst von Siemens, siendo la segunda mujer en obtenerlo, antes de participar en los cursos estivales de Darmstadt, y recibir la invitación  en Residencia, en el Konzerthaus Dortmund, y en el Festival de Música Contemporánea de Huddersfield, mientras que agrupaciones de relevancia le solicitan obras, como el Arditti Quartett; Klangforum Wien; Ensemble Remix; ICE; Ensemble Modern o Ensemble Musikfabrick.

Hugo Gómez Chao, con Arder, personalidad clave del certamen, dejó su impronta en la sesión de apertura con Capela Rothko, con el Gallaecia Ensemble Barroco y Kea Vocal Ensemble, ofrecida en el Teatro Rosalía Castro, entre barroquismos de D.Busxtehude; Carme Rodríguez, David Azurza y la emblemática Rothko Chapel, de Morton Feldman. Hugo es autor de obras que sentaron precedentes como Sol, quizás o nada, encargo de la Fundación SGAE y AEOS; Schattenhaft,  encargo de la RFG;  Icaro, también a propuesta  de la SGAE y AEOS, dirigida entonces por Otto Tausk, junto a obras de Poulenc y Johannes Brahms, un joven compositor que había tenido como maestros a David de Puerto, en sus comienzos, para ampliar con Beat Furrer, en la Künstuniversität, de Graz, posteriormente con Clemens Gadentätter, Sergio Luque, Friedrich Haas y Jesús Rueda, llegando a ser miembro en Residencia de Juventudes Musicales de España, pero importancia primordial, será la toma de responsabilidad de este Festival RESIS, en la primavera de 2019, con el que realizará una labor de consolidación de repertorios clásicos contemporáneos  a elegir, desde Luigi Nono, a Pierre Boulez, Gérard Grisey, Beat Furrer, Kaija Saariaho o Toshio Hosokawa, entre los que encuentran acogida compositores gallegos como Jacobo Gaspar, Ramón Souto o Hachè Costa, conocer a Beat Furrer, había sido uno de los encuentros más importantes de su carrera  en aquel período de asentar sus criterios y que supondría la idea de llevar a cabo la realidad de este Festival RESIS, también el acercamiento a la figura de Luigi Nono, quien animaría su iniciativa para encarar la composición. En la convocatoria del año pasado, había ofrecido en San Domingos de Bonaval, en Santiago,  Karst, con escenografía de Raquel Buj, junto a Consolation I, de Helmuth Lachenmann, otra de sus participaciones en RESIS, en interpretación de Evo Ensemble Arxis Percussion  Group, dirigido por Armando Merino y Virginia Guidi

José Manuel López López- Desde dentro-, compositor que nota la influencia clara del espectralismo a partir de sus contactos con los Laboratorios de Electrónica e Informática musical, aportes fundados en el análisis del espectro del sonido cuya aplicación de principios apunta a la aplicación de principios físico-acústicos, inherentes a la composición musical, que facilitan situar en primer plano diversos aspectos del timbre, o lo que es lo mismo, del interior del sonido, relacionados con la armonía, el ritmo o la forma. Un trabajo en relación con asuntos como el color, la resonancia y la creación de objetos sonoros híbridos, situados entre la armonía y el timbre, entre la frecuencia (la nota) y en ruido. Tras formarse en Madrid, en composición y piano, se diplomó en la Universidad de París, en la que llegó a ejercer la docencia, realizando el DEA del IRCAM y otras especialidades en composición, como las de electrónica e informática con Pierre Boulez, Luis de Pablo, Donatoni y Messiaen, entre otros,  siendo sus trabajos presentados en el SIMC, en la Int. Computer Music , además de presentar trabajos de referencia en la As. Française d´Action Artistique o en la Kujoyama Kyoto, siendo invitado a participar en la Cátedra Manuel de Falla (Cádiz), por esa vía, irán llegando obras como Lituus; Sottovoce; el Concierto para violín y orquesta; Viento de otoño; A tempo, de sus años primeros, hasta alcanzar momentos de gran aceptación, con obras como La noche y la palabra- sobre la conquista de México, sobre texto de Gonzalo Suarez, con seguridad,  el de mayor aceptación, junto a Le parfum de la lune; El arte de la siesta, llevados a registro por el Plural Ensemble, de Fabián Panisello, una formación que se hará cargo de importantes obras de su catálogo.

Ramón García Balado

La voz de Ofelia: Luna Celemín y Christian Camino, en el IX Festival Resis

 Museo das Belas Artes, A Coruña

Concierto en el Museo das Belas Artes, de  A Coruña, dentro de las actividades del IX Festival Resis- día 24, las 12´00 h-, con la soprano Luna Celemín y el pianista Christian Camino, para ofrecernos obras de Wolfgang Rhim, Georg Crumb, J.Mª Sánchez- Verdú y Richard Strauss. Una soprano que trabajó con López Banzo, J.Company, Carlos Mena, Alberto Zeda o María Espada, además de realizar cursos de perfeccionamiento en los cursos de Amigos de la Ópera, de A Coruña, con Mariella Devia, Fiorenza Cedolíns, Carlos Mena o el añorado maestro Alberto Zedda, probando profesionalmente con el Ensemble Mattheus y con el grupo Concerto de Bozes, en Salamanca, en programas que incluían obras de Literes, S. Durón, C.F. Cesarini, A. Scarlatti o F.N. Fago. Con el Ensemble Mattheus,  seguiría los dictados de J.Christophe Spinosi.

Wolfgang Rhim, tendrá en programa 3 Hölder Gedichte y las Ophelia Sings, reclamo que nos lleva la plástica de John Everett Millais, cuadro de la Tate Gallery y verdadero manifiesto estético de la  escuela prerrafaelita, que abanderada Dante Gabriel Rosetti.  Rhim, compositor del que tenemos noticia con relativa frecuencia, dejó su sello irrenunciable en obras como Jakob Lenz, sobre la poética de Georg Büchner o en Die Veroberung von Mexico, una ópera que nos lleva a los desvaríos de Antonin Artaud, destacando un acentuado uso de los recursos expresivos del Sprechgesang, para mayor libertad de los intérpretes. George Crumb-The Night In Silence Under Many A Star-, una composición basada en la poética de Walt Whiteman, para voz y piano amplificado, integrada en el ciclo Aparition, un encargo de la soprano Jan DeGaetani, y de Gilbert Kalish, en 1981, músico norteamericano en la corriente de Nancarrow, muy centrado en la indagación de la pura belleza del sonido, reemplazando de forma un tanto personal la estructura tonal temática en beneficio de  un tejido armónico que surge de recursos tímbricos apenas perceptibles, entre atmósferas de una especial sutilidad, un interés por acentuar los matices extremos, siempre con la pretensión de seducir al oyente, en el conjunto de sus obras, sobresale el uso masivo de clusters, la inmensa variedad de timbres y dinámicas, al lado del cuidado de la amplificación de los instrumentos, junto a los efectos vocales y la imaginativa explotación de detalles puramente técnicos. Una obra de clara referencia, sería American Songbooks, para voz de soprano, en la que cobra protagonismo el piano amplificado, remarcado por una percusión de acentuado contraste, remitiendo a la tradición de los negrospituals.

José María Sanchez- Verdú-El buscador caminante- obra que ya tuvo presencia en certámenes de nuestro país y en el Carl Maria von Weber Musikhochschele Dresden,  con esta soprano acompañada por Yan Cai. Sánchez-Verdú, es uno de nuestros compositores de élite, por trabajos como Cuerpos deshabitados, sobre poemas de Alberti; Silence y Gramma o El viaje de Simorgh, encargo del Teatro Real, una inspiración entre sufismo y mística, procedente de la lírica de Juan Goytisolo, Las virtudes del pájaro solitario. Un relato de Carlos Fuentes, dará argumentos para Aura, una obra más hipnótica y etérea. La cultura árabe impregnó en buena manera, la evolución de sus tendencias creativas desde una perspectiva ancestral, ya desde su Cuarteto Nazarí. Para el autor, el oyente al que van destinadas sus obras, resulta primordial, la propuesta sonora le queda destinada. La música es una forma de comunicación, sin olvidarnos de las influencias de Darmstadt y de las vanguardias que afectaron a su desarrollo, un lenguaje que reconoce igualmente las estéticas centroeuropeas más avanzadas, que también encontramos en Adès. Adams o Turnage. Obra de apreciada consideración, fue Elogio del Horizonte, un concierto para clarinete y orquesta, un encargo para la ONE, con Joan Enric Lluna, como solista, y cuyo argumento había sido una velada dedicada a Chillida, un refinamiento sobre la plástica japonesa, donde un trazo en el vacío puede albergar una energía y un contenido realzado por profundas capas de óleo. Taqsim, fue otro de sus trabajos para la ONE, que dirigiría G. Pehlivanin, un salto entre Oriente y Occidente, obra que se anclaba en la cultura magrebí, y en un Festival del Mediterráneo, celebrado en el Palau de Les Arts, daría a conocer Qualia, dirigida por Zubin Mehta, compartiendo experiencias con Salomé, de Richard Strauss.

Richard Strauss, con Letze Blätter, sobre Hermann von Gilm Op. 10, una recopilación poética de ocho lieder, a los que se añadirá en 1974, Der hat´s getan, pieza de talante fúnebre, remarcado por la respuesta del piano. Grupo de Lieder entre los que podremos destacar Zueignun, de un fervoroso romanticismo, cuidadoso del protagonismo de la prosodia; Die Nacht, que refleja la ansiedad del amante ante la presencia de la noche; Nicht, remarcado por los cromatismos del teclado; Die Georgine, casi un pasaje operístico, con una línea vocal plena de pasión y lirismo, con largas líneas expresivas del piano; Gedulf, en el que asoman trazos armónicos uniformes dentro de un discurso musical inflamado, especialmente en su final; Die Verschwiegenen, una pequeña escena en un estilo de pinceladas satíricas y humorísticas del estilo Überbrettl (cabaret), de Ernest von Wolzongen; Die Zeittlose, breve en forma epigramática, en un arioso que se expresa como desencantado; Allerseelen, una pincelada schumanniana y nostálgica que impregna las vivencias más íntimas.

Vier Letze Lieder, de Richard Strauss, último período del compositor y conjunto de piezas emblemáticas, por la respuesta que tienen entre los aficionados, desde el año de su estreno, testimonio y memoria sobre textos de Hermann Hesse y un cuarto que remite a Eichendorff, generaciones literarias que no podían ser más opuestas, pero que encumbran al compositor a su más digna dimensión. En los amargos límites de la superación de las experiencias de la Segunda Guerra mundial. Frühling, resulta una entusiasta alabanza de la primavera, estación romántica por excelencia, lied estrófico en un canto transparente. September, la poética de Hermann Hesse, que cuida con detallismo su colorido otoñal, a través de modulaciones que nos trasladan hacia un estado de serenidad, tras asistir al paso a un rango de segundo grado, con respecto al anterior. Beim Schlafengehen, con una línea vocal de notable exigencia de tesitura, para entregarnos al lied Im Abendrot, el poema de Eichendorff, recuperando en cierto modo una presumible sensibilidad que nos acerca a Robert Schumann

Ramón García Balado

Josep Planells Schiaffino, dirige a la OSG dentro del IX Festival Resis

 Palacio de la Ópera, A Coruña

Concierto  de la OSG dirigida por Josep Plannels Schiaffino dentro del IX Festival Resis de  Coruña, en el Palacio de la Ópera. Día 15, a las 20´00-, para ofrecernos obras de Jacobo Gaspar, Georg F. Haas, Wolfgang Rhim y preludios wagnerianos en una sesión que se anuncia como Ars Umbrae, por sus debidas connotaciones. Josep Plannels Schiaffino, colaboró con formaciones como la WDR Sinfonieorchester Köln, la Basel Sinffonietta, el Festival de Lucerna, la Deutsche Radio P.; el Zafrain Ensemble, Remix Ensemble, Bayerisches Landesjugendorchester, Ensemble Modern y otras de nuestro entorno nacional. Fue asistente de Franck Ollu, participando en producciones como  Jacob Lenz de Rihm; Medea, de Dusapin, en el Festspielhaus, de Salzburgo; Oresteia, de Xenakis, en el Theater Basel, tras estudiar con Fred Butkewitz en Berlín y participó en masters de Peter Rundel, Peter Eövöts, y realizó su licenciatura bajo la tutela de Arnulf Hermann y Hanspeter Kyburz, en la Hochschule für Music Hanns Eisler (Berlín), recibiendo asesoramientos de Salvatore Sciarrino, Brian Ferneyhouh, Wofgang Rhin, con el apoyo de la Fundación Alexander von Humbolt. Completó su formación en la Cambridge University,  junto a Richard Causton, obteniendo el XLII Premio Reina Sofía por su obra Metalepsis y ejerce la docencia en la ESMUC, dirigiendo proyectos en el Conservatori del Liceu, mientras continúa con sus labores creativas, en especial dentro del género lírico.

Jacobo Gaspar- Ars Umbrae-, obra en estreno, se una a otras que han recibido excelente consideración como De mar a mar; Ambar o Via Láctea, Haiku espiral, compositor con estudios en el Conservatorio Superior de Aragón, con J.M.López López, antes de doctorarse en musicología en la Universidad de Oviedo, recibiendo premios como un primero Xavier Montsalvatge; el XX Fundación Autor- CDMC; el VI Int. Jurgenson Competition for Young Composers (Moscú); el Valentino Bucchi- Parco della Musica (Roma); un segundo de Povoa do Varzim (Portugal); el Premio de Composición Isang Yun (Seul), mostrando en su evolución un interés por las formas musicales y su uso artístico con las distintas materias sonoras disponibles en la amplitud de los recursos de ese espacio, ideas extraídas del medio natural, mimético o simbólico. La expansión de medios y técnicas instrumentales o la transformación de la propia experiencia de escucha. En un caso, podría recurrir al uso de un pequeño poema en forma de haiku, en el que se siente un abismo similar al que nos embarga cuando reparamos en la dimensión del cosmos o en otro, a una travesía marina referida a la emigración, desde una doble perspectiva, con inspiración en recursos poéticos que nos trasladan en un salto oceánico, marcado por distintos niveles o ideas musicales, tratadas como ondas, en las que destacan detalles de ruido en blanco, para emular el sonido marino, entre trinos y glissandi, una impresión de la idea de fluidez marina.

Wolfgang Rhim- Danza negra y roja: Tutuguri-, creador en la vanguardia y que marcó referencia a partir de su ópera de 1978, basada en un breve relato de Georg Büchner, Lenz, con el título de probablemente sin grandes pretensiones de encubrir influencias, se inclina por ajustarse a un esquema de escenas aparentemente cercanas al Wozzeck,  de Alban Berg, mostrando una disposición operística en el estilo de formalismos más clásicos (rondó, sonata, zarabanda…), apoyándose igualmente en una orquestación reducida, en el contexto de un planteamiento camerístico. El uso  del Sprechgesang, resulta claramente necesario para las piezas en beneficio de otorgarles la entonación precisa, de fuerte penetración psicológica. Un  resultado musical, en sus obras, que llegó a plasmarse en trabajos como Die Veroberung von Mexico, que más que una ópera, dejará la impresión de un trabajo teatral, basado en un proyecto de Antonin Artaud, para el que se valdrá del recurso de instrumentos ancestrales o complementos ruidistas, que reformarán su legado étnico, con tintes expresionistas.

Geog Friedrich Haas (1953)- Dark Dreams- maestro en la exploración de las posibilidades del sonido en amplia gama, dejando la impresión de un continuum, observado en otros contemporáneos, músicos entre los que se encuentran Feldman, Lucier o Niblock, atentos a la indagación en las profundas presencias de las microinterválicas, muy cercanas a colegas de esos medios expresivos que practicaron Aloys Haba o Wyschnegradski, su obra se centra en preferencia por las sonoridades más graves, con previsibles afinidades en lo relativo, a la estética con Giacinto Scelsi, una idea que expresa un interés común, procedente de un magma de raíces ignotas. Obras como Werm wenn ich schriee, hörte mich…Nacht- Schatten, los Cuartetos de cuerda primero y tercero o la extensa pieza instrumental In vain, acercan al oyente predispuesto a probar con las corriente en la onda del espectralismo, siendo obligada la observación de la evolución del sonido, en su comportamiento, ya desde los primeros apuntes, en donde Grisey o Murail mantienen una dependencia de aspecto en cuanto abordan los recursos electrónicos. En Haas, solo se  tiene en cuenta el valor del sonido por sí mismo, y para idea, la pieza Werm Wenn ich schriee, hörte mich (¿Quién cuando yo grite me escuchará? La música, en su esencia, intenta reactivarse, pero sucumbe de manera inexorable, en un juego de flujo y reflujo, cobrando la pujanza por medio de sonidos fundidos encadenados, cubriendo capas instrumentales cada vez más densas.

Richard Wagner-Preludios de Lohengrin, actos Primero y Tercero, además de la Liebestod, amalgamados entre las piezas del programa, ópera de gran espectáculo en la que sobresalen los medios escénicos, desde los comienzos del Primer acto hasta la importancia de la escena final, una ópera que se hace valer por el menor sentido en la evocación lírica de sentimientos íntimos, con una elevada sugestión de misterio, ópera destinada al estreno en Weimar, y que por mediación de Franz Liszt, tendría una consideración precisa en la Corte de Weimar, en el trasfondo, la leyenda del Santo Grial a mayor gloria de sus protagonistas Elsa, hija del último duque de Brabante. Lohengrin, caballero del Santo Grial. Enrique I; Rey de Alemania Friedrich von Telramund, noble de Brabante. Ortrud, hechicera, esposa de Telramund. Un heraldo, entre cuatro nobles y cuatro pajes. Dramatización de un Medievo pintoresco que nos llega en un momento de transición. El Liebestod, de Tristán e Isolda, es una pasaje que se encumbra por sí mismo hasta alcanzar el grado de sobrenatural, el dúo amoroso que responde al texto So starben wir, um ungetrennt, que anuncia un nuevo tema, el Liebestod, en el acto final, tras la muerte de Tristán e Isolda contempla también su propia muerte, en el pasaje Mild und leise, desde la palabra Liebestod. Una música amorosa que encierra la intención erótica, en el marco de una sensualidad cromática, en contraste con la verticalidad diatónica de Kurwenal y los marineros del primer acto.

Ramón García Balado