Ironic Concert: Banda Municipal de A Coruña en el IX Festival Resis.

Teatro Colón, A Coruña

Concierto del IX Festival Resis con la Banda Municipal de  A Coruña, dirigido por Juan Miguel Romero Llopis, teniendo como solista al oboísta Aitor Llimerá Galduf - día 7, a las 20´00 h., en el Teatro Colón, con obras de Nani García- From whom the idiophones tall?-,Voro García- Ironic Concert-; Ximo Tarín Micó- Concierto sobre textos de Joan Salvat Papasseit- y Music for Prague, del checo Karel Husa. Nani García, estudió en las Universidades de Uppsala y Estocolmo, especializándose en trabajos jazzísticos, recibiendo seis galardones Mestre Mateo, en mérito a mejor música original por obras como As leis de Calavella; El niño de barro  y el especial al mejor filme extranjero por su participación  en la banda de Una mujer fantástica; también en piezas orquestales como Trumpeter and the Sea, estrenada por la OSG, con la que también ofreció Ekphrasis, encargo del Xacobeo 21/2, entre obras de Roberto Sierra, con Pacho Flores, como solista de trompeta; Daniel Freiberg, con Historias de flores y tango, además de las Danzas sinfónicas de Leonard Bernstein, una  pieza en dos partes: A culpa é dos deuses y Anima Matrix. Recordaremos su ópera bufa O Loro de Carlos V, en la cita de 2019,  ofrecida en la programaciones de Amigos  de la Ópera, con libreto a repartir entre el compositor y Mª Inés Cuadrado, en la que destacaron como solistas el barítono Borja Quiza, la soprano Elena Abad y el tenor Francisco Corujo, bajo la dirección artística de Diego García Rodríguez y contando en la dirección escénica con María Peinado. La pieza que esta vez ofrece, la había incluido en las programaciones con la Banda Municipal de Santiago, con Romero Llopis, hace unas temporadas, siendo solista el clarinetista bajo Xocas Meijide.  

Voro García- Ironic Concert-, compositor del que esta temporada, seguimos su encargo del proyecto Cometas de la RFG, en estreno absoluto según idea de Baldur Brönnimann, con su obra Muffled cry, fragmentos de un lamento oculto bajo las capas del tiempo, que sugería la realidad de que algunas tragedias no terminaban en el momento en el        que sucedían, a consecuencia del miedo que amortecía las distintas presiones y la censura, una intención de evocar la sombra que queda atrás y que sobreviven en la memoria. Voro García, se formó en la Escuela Superior Reina Sofía, con los profesores Zakhar Bron y Yuri Volguin, antes de pasar a la Hochschule für Musik Hanns Eisler, de Berlín, manteniendo una relación permanente con maestros como Kirill Petrenko, Sir Simon Rattle, Janine Jensen, Daniel Barenboim, Andris Nelson, Jonas Kaufmann o Lisa Batiashvili, trabajando indistintamente en los espacios sinfónicos o camerísticos. La sesión ofrecida con la RFG, dirigida por Brönnimann, incluía el Segundo concierto para violín, en Sol m. op. 63, con la gallega Raquel Areal,  quien había estado presente en la charla previa al concierto, y la Sinfonía nº 2, en Re M., op. 43, de Jean Sibelius. La obra de Voro García, abundaba en texturas fragmentadas, resonancias apagadas, y materiales sonoros deformados, que configuraban un paisaje en el que se sugerían voces en lucha por emerger desde la profundidad hasta la superficie, en una invitación a la escucha de un grito apenas extinguido o enmascarado.

Ximo Tarín Micó- recurre a la poética de uno de los referentes literarios del ámbito catálan, Joan Salvat Papasseit, precisamente en esta selección sobre textos del escritor, en forma de concierto-, Ximo Tarín Micó se formó en la ESMUC,, con Joan Fuster, especializándose como clarinetista con la Banda Municipal de Barcelona, tras haber ampliado conocimientos con Joan Enric Lluna, uno de los maestros de referencia y llegó a completar su formación en el Conservatori del Liceu, de Barcelona, con Manuel Valdivieso, Francesc Prat, Guerasimm Voronkov y Daniel Mestre, fundando en 2016, la Jove Orquestra Barcino. Su etapa de formación, había tenido continuidad en la Royal Accademie and Performing Arts Tilburg, en Holanda, además de probar con la Wind Conducting Masters, con Hardy Mertens, Henrie Adams y Jon  Cober. Entre sus obras, destacan Aforismes Symfonics; Concertino per a orquestra; Dances valencianes; Vuit soldades de Varsòvia; el Octeto de trombones.

Karel Husa-Music for Prague (1968), obra especialmente testimonial, de un compositor checo perteneciente a la generación de músicos como Jan Kapr, Miloslav Kabelác,  Klement Slavicky, Jaroslav Zirch, Alois Hàba o Jan Hanus, convirtiéndose en una de las figuras de relevancia en su país, por sus posicionamientos reivindicativos, nacido en 1921, acabaría emigrando a los Estados Unidos, poco después de la Segunda Guerra Mundial, después de sus estudios con Rídký y su traslado a Francia, en un período de transición, entre 1946 y 1951, en donde trabajaría con Arthur Honneger  Nadia Boulanger, un exilio que contribuirá a consolidad su figura como compositor, gracias a sus personales planteamientos estéticos, que conservaban con todo el respeto a sus raíces, manteniendo un ideario neoclásico, propio del momento histórico, ya desde sus obras de juventud, claramente prometedoras, con ejemplos como la prometedora Fresques, de 1948, en una fecha clave, que tendrá continuidad en obras como el Concierto para orquesta, de 1986; La Segunda Sinfonía, de 1983; el Concierto para violín y orquesta, de 1993; el último Cuarteto, como cumbre del repertorio camerístico, de 1991 o esta Music for Prague, quizás uno de sus trabajos de mayor consideración, por su relación con los acontecimientos históricos de la llamada Primavera  de Praga, y que incorpora el tratamiento de las herencias husitas, hábilmente tratadas en una de sus obras de absoluta referencia, una etapa en la que los compositores de su país serán conscientes de la realidad que les impulsaba a crear dentro de semejantes parámetros, músicos como Otmar Mácha, destacado por su lucidez y atrevimiento, que se acercaba a los posicionamientos de la Segunda Escuela Vienesa, ofreciendo trabajos corales como Le Legs  de Jan Amos Komeský (1952/5), o su cantata Salda, además de Jan Nowak, Lubor Bárta, Pavel Blatný y Ctirad Koholoutek; Nowak, mantuvo una relación permanente con B.Martinu, al que le dedicaría un homenaje a través de sus Variaciones sobre un tema de Bohuslav Martinu, y que confirmará en otra serie de variaciones añadidas al final de la Messe militaire, en una consideración de fraternidad.

Un obradoiro de composición podrá seguirse con la RFG, dentro de Resis.Lab, contando con la dirección de Armando Merino y el protagonismo del profesor José Manuel López López- día 8, a las 20´30 h., con entrada libre, parte de una línea estratégica de mutua colaboración, como ya se hizo con Fendas do Silencio, dirigido por Vimbayi Kaziboni, destacando como solistas Noè Rodrigo y Adelaïde Ferrière, en percusiones, para obras de Francisco Domínguez- en la serie Cometas-, Rebecca Saunders, con VOID, pieza en estreno y Coma Berenices, de Francisco Guerrero, primera colaboración con la RFG, en esta temporada. Tercera colaboración con la pretensión de fomentar el talento entre el Festival Resis y la Real Filharmonía de Galicia, el proceso de selección se había iniciado en el mes de octubre a través de una oferta de alcance internacional en la que se invitaba a presentar obras que ya en el curso anterior, se había recibido más de sesenta, de las que en definitiva se seleccionarán 6 o 7, para incluirlas en este obradoiro, y que serán interpretadas en concierto abierto ante los aficionados, en el marco de una orquesta preparada para probar a esos creadores la posibilidad de encontrarse ante un reto resueltamente estimulante, en un trabajo colectivo. La relación de elegidos y sus obras, serán los seis que figuran en la relación, comenzando por Arsen Babajanyan, de Armenia con Fragments in fragments;  Mar Caballer Llopis, procedente de Valencia, con Deixar ser al buit; el norteamericano John Franek, con Reactors; la italiana Maria Vicenza Cabizza, el vigués Humberto Díaz Galindo, por Ciudades/ Restos de piel y otros ruidos y el colombiano Andrés Poveda, con Aleaciones.

Ramón García Balado

Chaya Czernowin: Undersongs, por Sigma Project, en Domus, de A Coruña

 A Domus, A Coruña

La compositora Chaya Czernowin presenta Undersongs en A Domus de A  Coruña, dentro de las actividades del IX Festival Resis- día 2, a las 20´ 00 h-,  por el Sigma Project, cuarteto de saxofones en la vanguardia, en diálogo con la escenografía creada por Iria do Castelo, pensada para este espacio, concierto especial por su relevancia, para estos músicos que son Andrés Gomis, Ángel Soria, Alberto Chaves y Josetxo Silgueiro, una velada interdisciplinar que explora la música contemporánea con la materia en propuesta del centro, en cuanto a espacio de sonido, propuesta que encaja con Sigma Project, y la filosofía que aporta en su ideario el Festival Resis, un modelo más allá de las acostumbradas posibilidades del cuarteto de saxofones, en cuanto a sus recursos expresivos. Procuran generar elementos imaginativos, que aprovechan los recursos propuestos por las propias obras, en forma  de auténtico taller sonoro, con ejemplos como el ciclo Poetica do Laberinto, de Alberto Posadas, Premio Nacional de Música o el ciclo KHÔRA, de José Mª Sánchez- Verdú, obras que fueron editadas por los sellos Wergo y Kairos, respectivamente, línea de continuidad con las colaboraciones con músicos como Luís de Pablo  o Félix Ibarrondo, en sus conciertos para saxofones y música orquestal, ámbito de exploración mantenido entre SIGMA Project, la Fundación Musical Ernest von Siemens, que servirán de enlace con músicos como Mauricio Sotelo, Simone Movio, Hilda Paredes, Raphael Cendo, Luís de Pablo, Manuel López-López, Raquel García- Thomás, Ramón Lazkano, José Luís Tora, Liza Lim, Héctor Parra, Jesús Torres, Voro García, Sergio Blardony, Mario Lavista, Iván Naranjo, Herbert Vázquez, Miguel Farias , Carolina Noguera, Wieland Hoban o Fabián Panisello y Hugues Dufuort. Estrenaron Chaman, de Thierry Allán para cuatro saxofones bajo y electrónica y LaLibela, de Xabier Carbonell; la ópera de cámara 0. 997, para corredor de fondo, cuarteto de saxofones, electrónica y video en tiempo real, de Alberto Bernal  y Songs of Innocence and Experience, de José Vicente Fuentes Castilla, para cuatro saxofones y electrónica, en el Festival SIGMA CIRCULO, promovido por ellos en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, un argumento encuadrado en los proyectos de propia firma, que dejó trabajos como New Music for saxopohe quartet, el dvd, La música para saxofón de Féndo; Compositores vascos para cuarteto de saxofones, además de probar con monografías  auspiciadas por la Fundación BBVA, sobre J.M. López-López, las  dedicadas a  María Eugenia Luc, Thierry Alla  y Félix Ibarrondo. Por invitación de la Fundación Ernest von Siemens, realizaron un especial dedicado a Victor Ibarra, para el sello Col Legno

Chaya Czernowin- Undersongs-, consolidó su carrera tras su formación en Israel, con una beca DAAD, en Alemania, para ampliar en los Estados Unidos, y posteriormente en Tokio, o Viena, junto a Jean Baptiste Jolly, fue docente en la Ak. Schloss Solitude, con el compositor Steven Kazuo Katasugi, cerca de Stuttgart, fundando los cursos estivales Schloss Solitude, actividad que ampliarán en Tzilil Meudcan, un curso de divulagación internacional que les llevará a distintos países. En su catálogo, obras como Pnima…ins Innere, para la bienal de Munich; Adama,  para el Festival de Salzburgo, de 2006, lo que se supuso la nominación como Artista en Residencia de dicho festival; también  para el Festival de Lucerna, una indagación musical sobre las metáforas  como medio de alcanzar un mundo sonoro que no resulta especialmente familiar, por el uso de las posibilidades del ruido, las texturas y los parámetros físicos, tales como la suavidad o la aspereza, el peso, la superficie de las problemáticas del tiempo, todo con la pretensión de crear una experiencia sónica vital, visceral y directa, buscando ese objetivo de alcanzar una música del subconsciente que vaya más allá de las convenciones de estilo o la racionalidad. Adama, se había estrenado con la ópera de Mozart Zaïde, en el Festival de Salzburgo, de 2006, teniendo una segunda versión compuesta por Ludger Engles, con un coro añadido, que se presentaría en el  Stadttheater, de Friburgo; otras obras serían la ópera Infinite Now, un encargo de la Vlaamse Opera Belgium, el IRCAM, parisino, y el  Stadtheatre de Mannheim, en la temporada 2017, en su conjunto por lo relativo a la evolución de su obra, destaca la importancia del sentido de lo metafórico, el uso de los condicionantes más insospechados en esa indagación por alcanzar la superficie de las texturas, dentro de un trabajo multisensorial en los fundamentos de lograr su pretendida máxima sonora. Entre sus galardones: Stipendiumpreis; Fundación Siemens; Fundación Guggenheim; Akademie der Kunste, de Berlín; Darmstadt Fereinkkurse; Heidelberger Kunstlerinen Preis; Fundación Fromm; la Berlin Akademie der Kunste, siendo la mayoría de sus obras editadas por Schotts, a través de sellos como Kairos, Mode Records, Neos, Wergo, Col Legno, Deutsche Grammophon, Naxos o Einstein Records.

Para el día 8, en el Auditorio de Galicia-20´30 h-, se anuncia un Obradoiro de Composición entre la RFG y el Resis.Lab, bajo la dirección de Armando Merino y con la colaboración en labores docentes de compositor José Manuel López López, integrado en la línea estratégica de confluencia con la orquesta, enfocada a la formas contemporáneas, con el objetivo de impulsar los talentos emergentes, en lo que supondrá la tercera edición, segunda en la colaboración con el Festival RESIS y que se desarrollará a lo largo de una semana, centrándonos en esos nuevos creadores que trabajan conjuntamente con una orquesta profesional, siguiendo los dictados del director Armando Merino, y las orientaciones del compositor José Manuel López López, un proceso comenzado en el mes de octubre, a partir de un reclamo internacional, elaborado tras la presentación de sus obras, tema que en la cita anterior, había convocado a más de 60 participantes, de los se seleccionaron 6 o 7, para abordar esta innovadora experiencia, que culminaría con un concierto abierto a los aficionados. Obras en estreno, dentro del Obadoiro, corresponden a Arsen Babajanyan, Mar Caballer Llopis, María Vinzenza Cabizza, Humberto Díaz Galindo, John Franek y Andrés Poveda. 

Ramón García Balado

Fendas do silencio en colaboración con el IX Festival RESIS

 Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

 Concierto de la RFG dirigida por Josep Planells, en el Auditorio de Galicia- día 30 a las 20´30 h-, bajo el reclamo de Fendas do silencio con un faladoiro (Laboratorio de resonancias), previo en la Sala Ángel Brage- a las 18´00 h., presentando en programa  obras de Francisco Domínguez, con Negra sombra, de la serie Cometa, también de Rebecca Saunders y de Francisco Guerrero, con Coma Berenices, participando como solistas los percusionistas Noè Rodrigo Gisbert y Adèlaïde Ferrière. En sesión de Preconcierto a cargo de alumnos de Curso Avanzado de Especialización Orquestal, en la Sala Mozart- 19´45  h-, alumnos de Timur Sadikov, nos ofrecerán el Cuarteto nº 1, en Fa M. Op. 18, de L.v. Beethoven y el Cuarteto nº 7,en Fa m, de D. Shostakovich,  obras confiadas a las violinistas Elena Rodríguez y Lía Teotonio, la viola Inmaculada Muedra y el chelista Nicolás Casamayor. El Cuarteto en Fa M. , nº1, de Beethoven,  en sus tiempos Allegro con brío; Adagio affetuoso ed appasionato; Scherzo; Allegro molto y Allegro, tuvo su primera ejecución en el Palacio del príncipe Lobkowtz, a cargo del Cuarteto Schuppanzigh, ante la presencia  de Haydn, obra perteneciente al grupo de seis en un período de transición distanciándose de gestos declamatorios y demostrativos  y que en principio iba destinado a su amigo Karl Amenda, aceptando qu el autor trabajó intensamente sobre la obra que terminaría por recibir una revisión importante antes de su edición, su Scherzo está fundado en una rica armonía y un ritmo de modulaciones sorprendentes. El Cuarteto nº 7, en Fa sost. m Op. 108, de D. Shostakovich, de 1960, muestra tres tiempos encadenados desde un Allegretto de aparente sencillez hasta un Lento concebido como un tombeau dedicado a su compañera de entonces Nina, en una configuración irónicamente danzante con una impresión de fatalismo macabro, muy en el sentido del autor, que remite al monólogo de Boris Godunov; el Allegro final, con sus cambios de ritmo, resulta una construcción fugada. Una partitura enigmática y profundamente personal, estrenada en la Sala Glinka por el Cuarteto Beethoven, el 15 de mayo de 1960. El romanticismo compartido con sus colegas de generación, le acerca con fortuna a músicos como Claude Debussy y Béla Bartok, en un momento de transición de estéticas emparentadas con los compositores rusos de su entorno, entre los que no faltan los vanguardistas de la Segunda Escuela de Viena, una realidad que convulsionaba la realidad cotidiana y que en importantes aspectos, procedía de la herencia irrenunciable de los últimos cuartetos de L. v. Beethoven, por lo que la elección de este programa beneficia al criterio elegido, Shostakovich, disfrutaba de un período trascendental y que coincidía con la publicación de las memorias que mucho darán que hablar, en lo relativo a su fiabilidad, presentadas bajo el título  de Testamento, que afortunadamente conocieron edición en castellano, tras ser divulgadas por Harper & Row, en 1979, marcando especialmente la importancia  de los aspectos biográficos. Compositor que asumirá con creces el romanticismo dramático beethoveniano, por lo que resulta un perfecto acoplamiento con el  programa elegido, además de aceptar aportaciones de Debussy o Bartók, sin renunciar a cierto interés por los músicos de la Segunda Escuela Vienesa, ampliando el legado de la tradición rusa, de la que conservamos los ciclos dedicados a las obras sinfónicas, que pudimos seguir a lo largo de un par de temporadas con la OSG, dirigida por Dima Slobodeniouk.

Fendas do Silencio, destaca a músicos como los citados en el  encabezado, Noè Rodríguez Gisbert, quien estuvo en el ciclo Solos do CGAC, un músico que es miembro del Asko Schönberg Ensemble y que colabora con formaciones especializadas en repertorios actuales además de ofrecer su primer registro en cd para la  firma IBS Classical. Le escuchamos entonces con un programa que incluía obras de S.Sciarrino,H. Lanchenmann, Rebecca Saunders, Voro García y Iannis Xenakis. Adélaïde Ferriere, estudió en el Conservatorio de París y en el de Dijon, con su padre Didier Ferrière, ampliando en la Academia Regie Pasquier con Pierre Cao, en el CNSM parisino con Michel Cerrutti, y dejarnos un trabajo testimonial en cd, con obras de Philippe Hurel, Bruno Mantovani, R. Rodney Bennett y Iannis Xenakis, colaborando con formaciones como la Radio France Philharmonic Orchestre, dirigida por George Benjamin, la Nationale de Lorena, la Orchestre du Pays de Savoie o la Orchestre Nouvelle Aquitain. El director anunciado para la cita, era Vimbay Kaziboni, nacido en Zimbaue, presentó credenciales con la Kolner Philharmonie O; la Berliner Philharmoniker, la Tonnhalle Düsseldorff; la Bayerisches Rundfunk, la  Wiener Konzerthaus o el Concertgebow, llegando a ser asistente de Sir Simon Rattle, en los Proms del Royal Albert Hall. Estrenó obras de Helmuth Lachenman, Steve Reich, George Benjamin, Heiner Geobbels, John Adams, Olga Newirth, Matthias Pintscher, Morten Lauridsen o Bruno Mantovani, en citas como el Gaudeamus Muziekweek (Utretch), con agrupaciones como el Ensemble Modern y el Ensemble Intercontemporain. Recibió una beca Fulbright (2013/4), y ejerce la docencia en centros como la University of South California y en el Conservatorio Boston, de Berklee.

Francisco Domínguez, con estreno de la serie Cometa, es un compositor nacido en Alcolea, que estudió en Musikene, con Gabriel Erkoreka, para ampliar en la Kunst Universität Graz de Austria con Beat Furrer y Klaus Lang, y seguir posteriormente con Helmuth Lachenmann, Ramón Lazcano, Héctor Parra y Alberto Posadas, pianista que nos ofreció en Solos do CGAG en soberbio concierto entre obras de Béla Bartók, G. Ligeti y György Kurtag;  recibió premios como el XV Pablo Sorozábal; los VII y IX, Francisco Escudero; el Toru Takemitsu, de 2020; el X Franz Schubert; el XXVI, de la Fundación SGAE, además de incorporarse a la Ac. de la Fundación Peter Eötvös, de quien sería colaborador, actividad que compartirá con Toshio Hosokawa, iniciativa que tendrá constancia en sus participaciones con la Fundación BBVA o la Fundación Juan March.

Rebecca Saunders-VOID, estreno en España-obra que se dio a conocer el 10 del mayo de 2014, encargo de la Westdeurscher Rundfunk y el Wien Modern, participando como solistas dos percusionistas Christian Dierstein y Dirk Rothbrust, con la WDR S. Orchester dirigida por Peter Rundell, una compositora que recibió galardones como el Premio Busoni, de la Kunst Akademie für Arts Berlin; el Ernst von Siemens, el Hindemith del Schelswig- Holstein o el Mauricio Kagel (2015). Había sido alumna de Nigel Osborne y Wolfgang Rihm, quien sería fundamental en su carrera por su profunda sensualidad y por el dominio en el tratamiento de los timbres sonoros, dentro de una complejidad fascinante, preparando con ello la aproximación a la compositora Galina Ustvoskaia, por la variedad tratada por su impulso pasional. La poética de Samuel Beckett, estará presente como trasfondo de muchas de sus obras, facilitando extensas explicaciones sobre los textos elegidos; Inglesa de nacimiento, reside en Alemania a consecuencia de lo que su evolución artística que la deparado, ya desde obras como Quartet, escrita para acordeón, clarinete, doble bajo y piano, pensada para como una sucesión de objetos sonoros concisos y secos, interrumpidos por períodos de silencio meticulosamente calculados. El silencio se convierte en un elemento tan importante como las propias notas. La importancia de los sonidos sostenidos, la fisicidad del sonido- influencia del último G. Scelsi-, resulta el signo distintivo de su estilo creativo. Preferentemente se mueve entre instrumentos que permiten amplias resonancias, reverberaciones y efectos parejos, que descubriremos en obras como Blue and Gray o la impactante Stirrings still.

El jienense Francisco Guerrero Marín (1951/1997)- Coma Berenices-fue un creador ciertamente autodidacta y que tuvo como primer maestro a su padre, junto a Juan Alfonso García, logrando su Primer Premio de Composición Manuel de Falla (1970) que marcará una tendencia difícil de seguir, por la evolución de su técnica y su trayectoria, que no supondrá calificarle como un innovador a ultranza, ubicándole en un posicionamiento claramente aislado desde ejemplos como Eine Kleine Nachmusik, para guitarra y diez instrumentos de cuerda o Acte préalable, cuyo título refleja esa actitud personal en un estado crítico de su carrera. Desde aquellos mediados de los ochenta, ideará un procedimiento de carácter técnico a partir de la teoría de los fractales- objetos geométricos cuya característica esencial es la autosemejanza a diferentes escalas-, que ya venía poniéndose en práctica desde tiempo atrás, una virtud elaborada desde la economía fractal en una teoría que funciona y proporciona la lógica adecuada de relaciones para sostener su escritura sonora y gráfica. Obra de interés había sido Jondo, para voces masculinas, grupo instrumental y cinta magnética, etapa en la que participó en eventos con Claudio Prieto, Féliz Ibarrondo y Francisco Otero, siendo seleccionado para participar en la Semana Int.Gaudeamus, paso previo a obras como Actus, dedicada a Luís de Pablo. Fue becario de la Fundación Juan March, dejando proyectos como el Laboratorio Alea y Radio Clásica, junto a Alfredo Aracil, Tomás Garrido y Pablo Riviere, sería uno de los integrantes del Grupo Glosa, especializados en músicas gráficas, dinamizando labores docentes para el Centro para la Difusión de Música Contemporánea y con el Conjunto de Percusionistas Aula 44, dirigido por Juan García Ivorra, se interpretarían Acte préalable, de su propia firma; A chuva que nao cesa  (Manel Rodeiro); Acik (Satué) y Zejel (Martínez Fontana). Próximos estamos a ese interés por la matemática, la estadística y la informática, observables en obras como Ars Combinatoria, para grupo instrumental estrenada en el IRCAM, con el grupo L´Itinéraire, de Pierre Boulez, en febrero de 1980, que derivará en trabajos como Rhea, para doce saxofones; Sahara- donde pone claramente el manifiesto de una estética fauve y brutalista, próxima a los planteamientos de Xenakis, para orquesta y para electroacústica-, Rigel, para seguir con Oleada, para cuerdas y Hyades, una producción sonora que aporta la serie Zayin- séptima letra del alfabeto hebreo, que corresponde con el número siete de la cábala- destino a los integrantes del Cuarteto Arditti, en pura consonancia con esa insistencia las teorías de los fractales, que por esas fechas se consolidará como opción de indagación estilística. Proyectos de obligada mención serán la orquestación de la Suite Iberia (Albéniz), de la que dejará escritas seis de sus páginas y esta  Coma Berenice , encargo de la Junta de Andalucía para ser estrenada por la Orquesta de Córdoba, dirigida por el cubano Leo Brouwer. Cierra un ciclo breve e intenso en su música orquestal inaugurado años antes con Antar Atman, marcado por la violencia innata del autor que apenas cede un ápice en un concreto intervalo de tiempo en sus años creativos conformando un discurso de una lógica aplastante a pesar de las conflagraciones a las que fueron sometidas las fuentes sonoras. Capítulo de esas obras orquestales que se culminan con Sáhara, quizás la obra de mayor unidad por su secuencia ininterrumpida.  El tono amargo se ratifica en la obra Coma Berenices, marcada por un exacerbado expresionismo. Sus trabajos orquestales se destacan por el empleo de masas sonoras compactas derivando hacia un gusto sistemático acentuado por el uso de clusters, aspectos que encontramos en Ligeti o Xenakis.

Ramón García Balado

Capela Rothko, por Galicia Ensemble, en el IX Festival Resis

Teatro Rosalía Castro, A Coruña

El IX Festival Resis abre en el Teatro Rosalía de Castro de A Coruña-día 23, a las 20´00 h.- , la serie de actividades con el Gallaecia Ensemble Barroco y el Kea Vocal Ensemble (Coro de la OSG) bajo la dirección de Enrique Azurza, con un programa que ofrece obras de D.Buxtehude, Carme Rodríguez, Morton Feldman y el propio Enrique Azurza, un agrupación que pretende distanciar los límites entre las formas antiguas y las músicas contemporánea, en una estudiada amalgama de criterio, basándose en criterios historicistas consecuencia de su línea de investigación, dentro de los límites y las posibilidades tímbricas y sonoras de esos instrumentos, así como por el repertorio elegido. Un su ideario tuvo bastante que ver la violinista gallega Mª  José Pámpano, tras hacer su presentación en noviembre de 2021, en A Cidade da Cultura, con en espectáculo Oh! Rosas Vivas ¡ , un proyecto multidisciplinar único y fascinante, junto a aristas como Laura Iturralde, Yoseba Murazábal y la poetisa Maria Lado, abundando en el especio de la creación femenina. Kea Vocal Ensemble,  está especializado  en temáticas actuales y técnicas extendidas, tras ser creado en 1997, integrado por 16 voces, en atención a compositores vascos y del ámbito nacional, dejando una obra tan icónica como Lux Aeterna, de Ligeti,  para 16 voces mixtas o Laberintus II, de Luciano Berio. Grabaron Ke Orbelak, con obras de David Azurza y Xabier Sarasola, interpretadas con Josu Okiñena y Asier Polo, así como la obra completa de Javier Bello- Portu. La dirección artística de este proyecto, es obra de Hugo Gómez-Chao, contando con los recursos en iluminación de Laura Iturralde.

En programa, barrocos como Dietrich Buxtehude, del que se toman Ad Pedes; Ad Latus; Ad Manus, educado en un ambiente musical, resulta el compositor más importante entre Schütz y J.S. Bach, dentro de la cultura germano-danesa, del Mar del Norte, autor de más de cien obras religiosas vocales, con atención a un estilo barroco sencillo de gran planteamiento estilístico, tras seguir el trazado de los grandes maestros precedentes, e incluso de sus contemporáneos, criterio que nos lleva a apreciar obras en el estilo de  las Symphoniae sacrae, del citado Schütz, o incluso de las primeras cantatas bachianas, a tiempo que sus obras sobre textos latinos, se ubican dentro de una forma de transición. En ese espacio, aparecen igualmente sus oratorios, que repetía frecuentemente por sus obligados compromisos profesionales, permitiéndole pasar los límites de Lübeck; en 1699, Pachelbel le dedicó su Hexachordum Apollinis, mientras recibía las visitas de Haendel y J.S. Bach, en el capítulo  de sus piezas libres, el músico mostraría sus preferencias por el tipo de tocatas, fugas e interludios y las dedicadas a un cantus firmus, cultivaba la fantasía de coral desarrollada, utilizando numerosos pasajes en toccata y en eco, bien en el coral para órgano que embellecía la melodía armonizada. Destacarían los pasajes en ostinato.

Carme Rodríguez- Haeresis, en estreno- un encargo del festival para esta compositora que suele responder a citas como las Xornadas de Música Contemporánea, y que recientemente estrenó Arborescente, en el ciclo Cometas, de la RFG, con obras de Arvo Pärt- Fratres; el Concierto para orquesta de cuerda, de Gracyna Bacewicz, y la Tercera Sinfonía, en Sol m. op. 36, de Louise Farrenc. Carme, es compositora y orquestadora, además de arreglista, habiendo realizado sus estudios en la Escuela Universitaria  de Artes y Espectáculo TAI, de Madrid, en donde obtuvo las máximas calificaciones, recibiendo en consecuencia galardones como el Concurso CreaClásica; el Concurso Internacional de Composición María de Pablos (II y III, edición) y actualmente desarrolla sus labores entre Galicia y Madrid, con proyectos propios y en colaboración, con la Orquesta y el Coro Nacional de  España; la RFG y la OSG, siendo sus orquestaciones trabajos cotidianos de compromiso con la OSCYL, Ensemble Sonor, Zoar Ensemble, Grupo Instrumetal Siglo XX e importantes solistas del entorno gallego. A mayores, la obra de Enrique Azurza, el director, con su estreno Behelaino isila e Bost argi diz-dizka, un sorprendente trabalenguas que resultará una segura caja de sorpresas sonoras.

 Morton Feldman- Rothko Chapel-, obra testimonial con la que definitivamente nos hemos familiarizado, Feldman, en su proceso creativo, persiste en su aproximación a la plástica de Mark Rotko, por obras como Bunita Marcus, en la que los materiales sonoros se adhieren a la superficie de la pintura en un perfecto ejercicio de aproximación, una traslación de equilibrio que parece flotar en el espacio, lo que flota realmente en los cuadros de Rortko, según el músico, no es la forma, ya que el artista encuentra en los materiales sin movimiento, la particular escala en la que logra suspender todas las proposiciones de equilibro, marcadas en esta obra por su entrada con viola y respuesta de timbales, para ofrecer en su desarrollo citas de temáticas de la tradición hebraica, un trabajo que se haría realidad para quedar definitivamente plasmado en esa Rothko Chapel de Houston, en 1971. Feldman dividirá su obra en tres períodos, con un primero en el que figuran las piezas consideradas como gráficas, desde Durations, a Intersection o Intermisión;  la segunda que se abre For Franz Kline, con una escritura más convencional, por el empleo de la plantilla instrumental o un tercer espacio con obras como Piano; Instruments  3; que se agotará en la etapa de sus años finales, hacia 1987, en la que aparecen For Samuel Beckett; Piano, violín, viola, cello en las que ya se manifiestan las duraciones más pronunciadas en toda su dimensión sonora. Personal resulta, en resumen, su tratamiento del sonido.

Ramón García Balado

Nikola Tanaskovic redondea la exposición Barrocracia de Rubén Panete

 MUNCYT, A Coruña

Concierto en MUNCYT de A Coruña con el acordeonista Nikola Tanaskovic- día 14, a las 12´30 h.- con un programa a la medida de una exposición rompedora por los elementos sobre los que investigó Rubén Panete y que encontrará los sonidos precisos a partir de los recursos poliédricos que aporta el acordeón de un instrumentista que ha colaborado con Jesús Torres, Sofía Gubaidulina, Ramón Lazcano, Fabià Santcovsky, Aitor Furundarena, Enrique Bustos, Félix Ibarrondo, realizando registros como Omnia Ubique, un proyecto con obras de Félix Ibarrondo y una colaboración con el Trío Arbós, junto a la O.S. de RTVE. Estudió en Musikene con Iñaki Alberdi, tras seguir masters con Janne Rättyä, Tibor Matz, Mika Väyrynen, Alexey Artemmyer y Yuri Shishakin. Fue galardonado con primeros premios como el LVIII Trophee Mondiale d´ Acordeón (Sarajevo); el XXXII de la Accademie Pula (Croacia) y el LXXVIII, de Juventudes Musicales  (Girona). Pasó  por la Escuela Katarina Gurska, en donde tuvo como maestro a A.L. Castaño y la temporada pasada fue elegido en los ciclos de jóvenes de la Fundación Juan March, el 30 de marzo de 2024, ofreciendo en programa obras de Jurgen Danzer, Johann Sebastian Bach, Ramón Lazcano, Sofía Gubaidulina- precisamente con la pieza incluida en el programa anunciado, De profundis clamavi ad te Domino, composición que se presta a un tratamiento en larga extensión de las posibilidades de los clusters  y otras posibilidades expresivas, compositora con la que siempre mantuvo una relación de trato personal- para completar aquella matinal, otras obras de Enric Granados, por la Oriental de las Danzas españolas y una serie de variaciones tomadas de W. A. Mozart.

Toshio Hosokawa- Melodia (1979)-, compositor que viene a ser un puente entre culturas orientales y occidentales, aspecto que la convirtió en uno de los creadores con mayor presencia en certámenes de músicas de nuestro tiempo, labor que reparte entre la creación propiamente dicha y las iniciativas interpretativas, aceptando la importancia de sus estudios ya en Europa, concretamente en Berlín, con Isang Yung, en piano y con Rolf Kuhnert, en teoría musical, preparando de esta forma su incorporación a los Cursos de Darmstadt, en donde presentará obras primerizas, antes de que en 1982, con motivo del centenario de la Berliner Philharmonisches Orchester, reciba un galardón de reconocimiento. Andando el tiempo, ya en los noventa, sería invitado a participar en la Bienal de Venecia, estrenando su primera ópera Vision of Lear, en la Bienal de Munich, tras dar a conocer el Concierto para chelo, en memoria de Toru Takemitsu. El Festival de Aix-en-Provence, le acogió en el Teatro Jeu de Pomme, en un único espectáculo abierto y con gran acogida Hanjo, tomando como argumento una obra de teatro nô, perteneciente a Yukio Mishima (1925/70), obra en un solo acto y de considerable fuerza expresiva. Obra preferentemente testimonial, será Voiceless Voice in Hiroshima, que conseguirá importante divulgación gracias al protagonismo de Nathalie Stutztmann, Theresa Kohläufl, Tim  Schwarzmeier, August Zimer, el Chor des Bayerischen Rundfunks, bajo la dirección de Sylvain Cambreling, una obra compuesta entre los años 1989/2001. Fueron también importantes en otro ámbito, las obras dedicadas al órgano, Deep Silence, destinada para acordeón; Koto-Uta, para voz y un instrumento tradicional, el koto y que se maneja con cuerdas percutidas; Gaguku, composición con raíces en las influencias isleñas. No podremos dejar al margen el encargo recibido del Festival de Salzburgo, por so obra orquestal Circulatin Ocean, para su estreno con la Wien Philharmic O., un trabajo el suyo, de permanente y profunda indagación a través de las corrientes de confluencia, destacando los factores y elementos tímbricos en una amalgama de aproximación estilística.

 José María Sánchez- Verdú-Arquitecturas del silencio- obra para mantener el pulso con las pretensiones sonoras y acústicas del acordeón, es un músico de primera final en el que descubrimos ciertas afinidades con Salvatore Sciarrino e incluso el último Luigi Nono, al que se concedió un protagonismo sobresaliente en la edición del Festival Resis, de 2024, tirando de ancestro, vislumbrados en su obra una atracción irresistible por el distante legado de ancestrales culturas islámicas perdidas en el imaginario colectivo incorporando en sus lenguajes musicales modismo que darán personalidad al conjunto de su obra, partiendo de largos acordes (masas de sonidos casi homofónicos) enriquecidos con singulares aportaciones tímbricas, en beneficio de la consecución de esa búsqueda de una profundidad expresiva que resuman la trayectoria de sus ambiciones. El Sánchez- Verdú que alcanza los mejores medios expresivos en trabajos como Paisajes del placer y de la culpa, y no en menor grado, en la resolución que se descubre en Quabiyyat, partiendo de un estimulo provocado por la inserción estimulante de un lejano canto tomado imaginariamente de enriquecedoras ornamentaciones de ancestrales litúrgicas ibéricas, similares a las que tantas veces han servido de labor de campo a los investigadores de las formas del Medievo, ahora tan en boga, con ejemplos como Maqbara, aplicables a ritmos y timbres de ansiada procedencia árabe (Qasid 7). Arquitecturas de la ausencia-para ocho chelos-, resulta un excelente punto de comparación, auténtica obra primigenia, reafirmada por su especie de obra escénica Aura, que nos lleva a la poética de Carlos Fuentes.

Arne Nordheim- Flashing-, compositor noruego, ocupa la entrada de la sesión, artista que aúna con perspicacia los recursos de fusión más intricados, y que en algunos aspectos limita en su evolución con Peter Maxwell Davies, y hasta con la herencia del nacionalista- romántico Jan Sibelius, salvando las distancias de estilismos evidentes, acentuando en su voluntad la ansiedad de recrear paisajes nórdicos, en un libre vuelo al que imprime su propio concepto, ayudándose de especiales sonoridades en las que las vanguardias manifiestan una actitud renovadora, tanto desde las obras camerísticas de pequeño formato como en las que talante sinfónico. Paisajismos que descubrimos en Aurora borealis o Solitaire y ya dentro de las de mayores recursos, obras como Epitaffio o Canzona. La escuela polaca de vanguardia, influirá sobre sus trabajos, incorporando con seguridad los recursos de medios electrónicos, con reconocidas deudas con el maestro Krysztof Penderecki, compositor ciertamente infrecuente y que sin el menor obstáculo, se ha decidido por adentrarse en el abanico casi inagotable de los recursos electroacústicos. Su estilo quedaría definido desde el ciclo de canciones Aftonland  (1957), para soprano y quinteto de cuerdas con percusión, tomando textos de Par Lagequist.

Ramón García Balado