Dos Concheiros a Praza de Cervantes, con la Banda Municipal, en As Praterías

 Praza das Praterías. Santiago de Compostela

Concierto de la Banda Municipal en As Praterías- día 12  a las 20´00h-, con su titular Casiano Mouriño Maquieira, en un entretenido programa que da primacía a páginas de opereta y de zarzuela, con un par de detalles a mayores pertenecientes a Yosuka Fukuda y Pascual Piqueras. Para comenzar, Franz Lehar, en una selección de La viuda alegre en arreglo de E. Suzuki, opereta estrenada en el Theater an der Wien vienés en 1905 y que estaba basada en la comedia L´Attaché d´ambassade de Henri Meilhac. La más celebrada de sus operetas, había precedido a un bajón a consecuencia del mal trato recibido por Der Göttergatte, en estilo imitativo de Jacques Offenbach o el juguete cómico Juxheirat (Casamiento en burla). Su evolución en estos estilos quedará sellada definitivamente en esta opereta, destilado de sus mayores virtudes gracias a su ambientación y el cuidado en la elección de personajes que vendría garantizada por espectáculos suyos como Wiener Frauen (Mujeres vienesas); Rastelbinder (El calderero ambulante); Das Fürstenkind (El príncipe); Paganini o El País de las sonrisas, algunos de ellos que estrenará años después su amigo Richard Tauber, para quien había sido pensados muchos roles de tenor, que sería clave en sus éxitos.

Dentro de la zarzuela, Gerónimo Giménez, con La torre del oro, de la que se ofrecerá el preludio, compositor que se ganará el aprecio de los aficionados por parodias como La noche de la tempestad, un homenaje a Ruperto Chapí antes de poner en atriles La tempranica, en el Teatro de La Zarzuela, el 19 de septiembre de 1900, abriendo una temporada calificada como ambiciosa, por su encabezado integrado por la diva Conchita Segura, verdadero capricho de los aficionados, una temporada en la que también dará a conocer La mallorquina, aunque con menor éxito. Mejores resultados tendrá con Enseñanza libre, por su número Tango del morrongo, que se mantendrá en pieza degustada a lo largo de varias generaciones. Un año después, se asistirá al estreno de La torre del Oro, primera de una serie de otras tres como La morenita o El general, antes de recibir una mayor consideración por Los guapos, en la que sobresaldrían Loreto Prado y Enrique Chicote, quienes mantendría con solvencia la vigencia del Teatro Cómico.

Federico Chueca, en un arreglo de La alegría de la huerta, sobre libreto de Enrique García Álvarez y Antonio Paso Cano, con estreno en el Teatro Eslava madrileño a comienzos de 1900. Zarzuela cuya acción se desarrolla en la huerta murciana durante el período de la romería de la Virgen de la Fuensanta. Los personajes salvo Heriberto- estrenado por el actor José Riquelme- hablan con acento murciano. El Tío Piporro, también actor y que fue confiado al Sr. Ripoll junto a Troncho, que se agenciaría otro actor, el Sr.González, se plantan en escena bridando a sus anchas, un anuncio de lo que vendrá de seguido, con personajes que dan colorido a esta zarzuela como Carola- Concha Segura, en el estreno-; la gitanilla María de las Angustias, y otros secundarios que ayudarán al desarrollo en forma de sainete, apoyado por el fondo musical de flautas, flautines, oboes, clarinetes, fagotes, trombones, cornetines, timbales y triángulos. Desde la obertura, llegarían números de interés como el coro que arropa a la gitana con baile añadido: Arza gitana, mata las penas…; la canción de la gitanilla La gitanilla que viene hacía aquí…; el dúo de Carola y Alegrías: !Ay¡ ¡Ay!. Su voz oí; el pasodoble de la orquesta; el Coro de vendedores Una limosnita para el pobre ciego o la  jotica mano a mano entre Carola, Alegrías, Juan José Francisco. Para los libretistas, el abandono del acostumbrado entorno madrileñista para trasladados al mundo levantino, en un logrado cuadro de costumbres localistas y provincianas con su nota sentimental que bastante debe a Federico Chueca.

Pascual Piqueras (1972), con una pieza típica para certámenes y concursos De Cai, compositor formado en Zaragoza y que asistió a cursos de Konrad von Abel, G. Phelivanian, Henri Adami, Achim Holub, Arturo Tamayo, J.L. Oliveras, J. R. Pasqual Vilaplana o Massimiliano Caldi, llegando a especializarse como trompetista. Pasó por el Centro de Estudios Katerina Gurska (2018/9), para ampliar formación, preparando una proyección profesional que pronto le garantizará el poder recibir invitaciones para colaborar con orquestas y banda de música, entre las que se encuentra la Municipal de A Coruña; la Banda Sinfónica de Alcalá de Henares, la Unió Cuartet de Poblet, a los que se añaden las invitaciones recibidas de otros países europeos. Entre sus composiciones, destaca la obra escénica Los delirios del Sr. Laso, o los trabajos para el Spanish Brass, de los que es ejemplo esta pieza De Cai, utilizada como obra obligatoria para el certamen CIMB (2020), de Valencia. Para completar, las Symphonic Dances: Renaissence dances; Tango y Berry Dance, de Yosuke Fukuda (1975), compositor autodidacta especializado en trabajos circunstanciales y divulgativos, siempre dirigidos a públicos y demandas próximos a formas de expresión cercanas a las músicas de entretenimiento.

Ramón García Balado

Da trisca as praterías

  Praza das Praterías. Santiago de Compostela

Concierto de la Banda Municipal en As Praterías- día 5, a las 20´00, con su titular Casiano Mouriño Maquiera, ofreciendo en programa obras de compositores habituales comp Phillip Sparke, Alfred Reed, Franco Cesarini, el menos frecuente Arie Malando (Arie Maasland), un holandés converso y especializado en tango a lo largo de su dilata vida y una selección de la zarzuela Alma de Dios, de José Serrano.  Phillip Sparke (1951), con To a New Day, un compositor formado en el Royal College of Music, de Londres, en las especialidades de trompeta y piano, destacando pronto por obras como el preludio de concierto, para banda de metales, suscitando un creciente interés por el estilo de obras que cultivaba, por lo que recibiría encargos ya desde su juventud, entre los que se encontrarán los destinados para cadenas de tv, como los recibidos de la BBC, llegando a ser galardonado por tres veces, por el Contest of the European of Music Band, merced a  trabajos como Slipstream, Skyrider y Orient Express, siendo alguna de sus obras piezas habituales en las programaciones de nuestra Banda Municipal. Una idea de trabajo que le llevará a proyectarse en otros ámbitos distintos a las obras de concierto, destinadas a géneros cercanos a las formas incidentales. Recibió el Sudler  Prix International of Composition (1997) y el Contest Int. de 2005, por La Música de las esferas.

Franco Cesarini-Old Russian romances (2013): Come my guitar play on; Great Affliction all hope gone y Two guitars, un músico familiar entre los aficionados, compositor con estudios en el Conservatorio Giuseppe Verdi, de Milán, teniendo como maestros a Robert Suter o Jacques Wilberger (teoría y composición); Petter- Lukas Graf (flauta) y Felix Hauswirth, en dirección de banda de viento. Ejerció la docencia en la Universidad de las Artes de Zurich, entre 1989 y 2006, y llegó a ser nombrado maestro de la prestigiosa escuela del Conservatorio della Svizera Italiana (Lugano), donde amplió perspectivas en trabajos para banda, teniendo un inmediato refrendo en sus giras de concierto y siendo nombrado compositor en residencia de la Southeast Missouri State University y en la Cape Girardeau. El repertorio para banda ocupa una atención preferente, destacando obras como Rapsodia Ucraniana Op. 3; la Suite Ancienne Op. 1; Mexican Pictures Op. 8 o El butaquito.

Alfred Reed- El Camino Real (Fantasía Latina) (1983)- creador de primer rango con más de doscientas obras, es efectivamente uno de los incondicionales de las propuestas de temporada, un neoyorquino de arraigo internacional, siempre en cartel de las bandas de mayor prestigio, pasó parte de sus años de formación en bandas militares, lo que determinó la evolución de su carrera. Fue director de la Baylor Symphony Orchestra University, después de estudiar en la Juilliard School of Music, con Vittorio Giannini, llevando a presentar una tesis sobre la Rhapsody for viola y orchestra, galardonada con The Luria Prize (1959), fue también miembro del Beta Tau Chapter of Phi Mu Alpha Sinfonia, una confraternización en defensa de la divulgación de la música y de los propios compsitores/intérpretes. La Universidad de Miami, le tuvo entre sus maestros en estos oficios, que compaginará con la composición de obras de notable prestigio, como los conciertos para banda Russian Christmas Music; The Musik Maters; A Ceremonial Fanfare; A Northern Legend; Armenian Dances, inspiradas en piezas de raigambre tradicional; In Memoriam an Elegy for the Fallen o la First Suite for Band.

Arie Malando (Arie Maasland) (1908/80)- El ciclo de los ríos, en arreglo de Kees Vlak: Río Negro; Orinoco y Chubat. Curioso personaje holandés profundamente interesado en el mundo del tango desde años jóvenes, de ahí el detalle de su nombre, la latinización de su nombre que conoceremos como Arie Malando, que llegó a formar una orquesta dedicada al fomento de los estilos de tango en los años treinta. Una vida poco fácil ya que padeció los turbio amargos cuarenta, en medio de la ocupación nazy. Había estudiado piano con Jan Kriek antes de entregarse a la seducción del acordeón que enfocaría el resto du su vida, gracias al embrujo del tango y las orquestas milongueras, fue su sonido una perfecta asimilación que ya desde los años treinta, conseguirá una aceptación internacional pero en su favor, la garantía de un estilo claramente personal, garantizado desde su primer gran éxito Anny, dedicado a su compañera sentimental, que repetirá también en su hija. Acuñará definitivamente el nombre artístico de Malando, tras probar impresiones artísticas con la orquesta de Eduardo Blanco y después de pasar un importante período como músico de sesiones de acompañamiento en los filmes de cine mudo. Con los Jumping Jack, había actuado en oficios parecidos mientras daba gusto a las composiciones tangueras- Olé guapa, Cosmopoliet, en su título original y otras tantas de las que sacará buen partido. En la memoria, se conservan en registro, Niña Bonita, dedicada a su hija Lía; Cornelita o Guapita; Noche de estrellas; Con sentimiento o Soleado. Llegó a formar su propia orquesta con sus colegas Ben Rodenhuis (violín) y Rinus de Recht (violín, clarinete y canto), la radio y los conciertos, había sido una excelente vía de popularidad, facilitando su visita a Buenos Aires, en una de sus largas giras e incluso en Japón, donde le recibieron con los brazos abiertos, todo un acontecimiento de época. Tras su muerte, la orquesta se mantuvo activa, bajo la dirección de su yerno el percusionista Evert Overweg, quien incorporará nuevos repertorios sobre ritmos latinos y entre los que destaca precisamente Rivieren Cyclus (Río Negro; Orinoco y Chubat), obra que fue incorporada a los repertorios de orquestas sinfónicas.

José Serrano, estará representado por la zarzuela lírica Alma de Dios, acuarela de costumbres populares, sobre libreto de Carlos Arniches y Enrique García Álvarez, para estrenarse en el Teatro Cómico madrileño, el 17 de diciembre de 1907, destacando como solistas Loreto Prado; Enrique Chicote, en calidad de tenor cómico; la Señorita Anchorena, como actriz; el Sr. Delgado, como actor y un  importante elenco de artistas de éxito del momento. Fue la Compañía de Chicote quien veló por ella, consiguiendo gran aceptación desde las primeras funciones gracias a sus virtudes trabajadas sobre los madriles castizos, las pinceladas sainetescas, los detalles propios del género chico y otras deferencias.  Alma de Dios, revela sus cualidades desde el Preludio en forma de seguidillas, consolidando el talento de José Serrano quien con ingenio describe aires quijotescos reservados a los protagonistas, manejándose con soltura en la selección de números musicales, que serán recordados durante bastantes años, como la melodía Canta mendigo errante o las seguidillas del fuelle, cuyo estribillo se repetirá machaconamente.

Ramón García Balado

LoDanzas con la Banda Municipal en el Auditorio de Galicia

 Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

Pasos de danza para la matinal de la Banda Municipal que dirige Casiano Mouriño Maquieira esta vez en colaboración una vez más con la Compañía LoDazas de la que es titular Loli Fojón en las coreografías elegidas que nos lleva al Auditorio de Galicia- día 11 a las 12´00 h-, en este programa que se anuncia como Do Banquete de Conxo ao Paseo dos Leóns. La colaboración de nuestra banda, ofreció en otras citas excelentes resultados por su colaboración con LoDanzas, compañía prestigiada por sus dominios y profesionalidad. Un programa en el que tendremos  de Ottorino Respighi, esta vez con la Ouverture Carnavalesque, pieza de 1913 y de la que el autor no parecía haber quedado especialmente satisfecho y que curiosamente tendremos en la más aceptada transcripción de Douglas Mclein, un preámbulo de lo que serán sus dominios en este espacio que le convertirá en universal, como la serie de sus grandes poemas sinfónicos, tan apreciado tanto por orquestas como por bandas y para ejemplo, la que llegaría de inmediato, Las fiestas de Roma, antesala de lo que será su Trilogía romana. Pinos de Roma, por su cuenta, respirará un aire similar y que será obra clave tras su estreno, marcada por los tiempos que darán entidad a la obra, desde Los Pinos de la Villa Borghese a los Pinos de la Villa Apia. Dejaremos correr el tiempo para llegar a Las fiestas romanas, obra que tendrá como defensor al mítico Arturo Toscanini tras su presentación en Nueva York, y así hasta el estado de gracia de las suites orquestales tomadas de la de ballet La Boutique Fantasque, un trabajo pensado para la troupe del insigne Diaghilev, sobre coreografía de Leonidas Massine. Pieza no menos apreciada será la suite para pequeña orquesta Gli Uccelli (Los pájaros), en la que recurre con libre imaginación de obritas de otros compositores desde los siglos XVII al XVIII.

Debussy, en otra de sus obras plagada de pequeños matices, Prélude à L´après- midi d´un faune, en transcripción de Diego García, composición que llegará tras Proses y que recibirá sus primeros esbozos a la sombra de la poética de Mallarmé, trazada en principio en un solo movimiento orquesta al que pondrá precisamente ese título con meridianas pretensiones, respondiendo en principio al estímulo que había supuesto en mayo de 1893, del jaleado estreno ante el éxito no falto de polémicas de Pelléas et Mélisande, de Maeterlinck, drama simbolista que le inducirá a componer su ópera por excelencia, ópera que para mayor gloria, conserva su absoluta vigencia y cuyo montaje escénico había sido confiado a Lugné-Poe, en los Bouffes-Parisiens, calculado hasta el menor detalle en respuesta a las exigencias dramáticas pero que tendría un acogida polémica entre los aficionados y los medios de opinión. El propio Mallarmé en sus opiniones, será especialmente elíptico para abundar en esta disparidad. La pieza musical que se ofrece, resulta un perfecto destilado de la impronta impresionista que significará al compositor.

Tchaikovski con la Polonesa de la ópera Evgeni Oneguin, en transcripción de Diego García. Una ópera mano a mano con K.S. Shiloveski, basada en el conocido relato de Alexander Pushkin, y con seguridad la más apreciada  tras su estreno en marzo de 1879, en Moscú. De sus títulos líricos, destacan en esencia claras influencias italianas e incluso francesas a los que otorga sello propio, tanto en los pasajes para la voz como en los números instrumentales de los que la página elegida es vivo ejemplo. La complejidad psicológica de los protagonistas contribuyó al perfecto acabado de esta ópera, muy cercana en lo estético a Iolanta, Pique Dame o Mazeppa. Quedémonos con la importancia primordial de estos tiempos instrumentales, entre valses, polkas, piezas de salón que otorga a la ópera un privilegio incontestable en este apartado lírico.    

Camille Saint-Saëns, con la Fantasía zoológica El Carnaval de los animales en sus números descriptivos en tratamiento de Yo Goto y Diego García, pura fantasía sobradamente conocida y que siempre tentó la curiosidad de su interpretación desde el piano o los arreglos y transcripciones de libre vuelo, obra estrenada con motivo de un Martes de Carnaval, en París, en el domicilio de la diva Pauline Viardot, sin llegar a pensar en el futuro de gran aceptación que le reservaba la historia. Un entramado de calculadas parodias musicales de las que el autor no pensaba que pudiese llegar tan alto. Un humorismo agudo y puntilloso, de estas piezas que se irán editando de manera un tanto dispersa, llegando una de ellas a convertirse en capricho de la celebérrima bailarina Anna Pavlova- concretamente, El Cisne- obra que en definitiva, no rechazará tratamientos orquestales a capricho de quien apueste por ella. En conjunto, un compendio de catorce números que parten de una Introducción y marcha, para describir a una serie de animales que muestran sus intenciones que tendrán inmediata continuidad en Gallinas y gallos; Tortugas, guiño a la opereta de Offenbach; El elefante, con detalles cercanos a Berlioz o Mendelssohn; Canguros, pirueta irónica; el Cuclillo de fondo del bosque, reservado en buena lógica al clarinete; Fósiles, con aproximación a la Danza macabra y el humorismo típico de Rossini; El Cisne, una ligereza volátil perfecta para la danza, como quedaba dicho o el Finale, aire circense en perfecto colofón, con toda la fauna libre de condicionantes. La obra en conjunto de Camille Saint- Saëns, siempre encontrará acomodo entre el jaranero público de los Concerts Colonne.

Ramón García Balado                               

Suite Circo, de Manuel Otero Payno, estreno en versión para banda, dirigida por Casiano Mouriño Maquieira

 Teatro Principal, Santiago de Compostela

Concierto en el Teatro Principal de Santiago- día 27, a las 12´00.-, dirigida por su titular Casiano Mouriño Maquieira, para abordar dos clásicos con procedencia jazzística, a los que recibimos con cierta frecuencia, un maestro de la vieja escuela española, en cuanto a la dirección y la composición, Ricardo Villa, con la Gran fantasía española y el homenajeado de la jornada, Manuel Otero Payno, del que se estrena la Suite Circo, en versión para banda, en sus tres tiempos: Funambulista,  Ilusionista y Clown. George Gershwin,  con Un Americano en París, en arreglo de J. Schyns, en principio esa forma de poema sinfónico tan arraigado y que se presta a vistosos arreglos cuyo estreno nos traslada al Carnegie Hall neoyorquino el 13 de diciembre de 1928, bajo la atenta observación de una batuta de gran prestigio, Walter Damrosch, culmen en este estilo del que recibimos ejemplos en obras como Porgy & Bess, la Rhapsodie in Blue o la inabarcable serie de songs que representarán el sentir de toda una época. Un americano en París, será para el autor ese paseo distendido por las calles parisinas y que con todo, en lo musical, no dejará de suscitar curiosas controversias ya desde su comienzo plagado de sugerencias a través de su paseo pour les Champs Élisées,  marcado por peripecias en puro vagabundeo que no cesa de impresionarnos por sus audacias. Detalles como el blues central; ciertos exotismo de libre ingenio en cuanto a tipismos americanos, el solo de trompeta con sordina, exotismos a la parisina y especialmente por la propuesta de una instrumentación en la que sí reconocemos al autor, impregnado de esas influencias jazzísticas que alimentan el conjunto de su legado: el sentido del ritmo, instrumentos como el glockenspiel, el xilófono, la marimba y otros que contribuyen a la recreación de la necesaria ambientación sonora.

Para mantener el pulso ya en el comienzo, la obertura del musical Candide, de Leonard Bernstein, en arreglo de G. Grundman, Candide, un musical destinado al Martin Theatre Beck neoyorquino, escrito a través de un libreto de Lilliam Hellmann, quien remitiría al clásico de Voltaire, en curiosa modernización en versión revisada para convertirse en un clásico del musical americano con todas sus virtudes que se manifiestan desde la obertura que se nos reserva, con su distendida fanfarria, tan típica de ese estilo musical, y que nos conduce directamente a la cascada de frases ascendentes y descendentes dentro de un talante jocoso y humorístico, en el que no faltan citas de otras obras, como la popular Glitter and be gay, hasta un ritmo in crescendo. Leonard Bernstein, había sido aquel talento que igualmente marcaría época desde su debut con la New York Philharmonic O., en 1943, sustituyendo al mítico Bruno Walter. Su destino quedaba trazado como uno de los grandes entregados a estos géneros con títulos como On the Town; Wonderfool Town y especialmente por West Side Story. El musical como cabeza de serie, al que no faltarán estilos parejos: Fancy Free; The Dybbuk Variations; A Quiet Place y en la distancia, Chichester Psalms, para coro y orquesta. La ópera, como es sabido, fue otro espacio en el que se prodigó con fortuna, dirigiendo a  grandes divos en  los principales coliseos internacionales. Destacan por lo mismo, sus apreciados arreglos o los compromisos para el mundo del cine, como On the Waterfront (La ley del silencio) o sus trabajos de investigación teórica.

Manuel Otero Payno, con la Suite Circo: Funambulista, Ilusionista y Clown, obra en estreno para banda, compositor apreciado por trabajos como Ápeiron, ofrecido con  nuestra Banda Municipal y con inspiración en la cultura de los clásicos griegos. Trabajos como el incluido en las Xornadas de Música Contemporánea  de 2022, Poñer o foco, en las que colaboró la JONDE, bajo la dirección de Fabián Panisello, en cinco de las propuestas, reservando una de ellas para nuestra Banda Municipal dirigida por David Fiuza Souto, en una propuesta titulada Novos Vieiros, en A Praza da Quintana, con un programa repartido entre cuatro compositores. Manuel Otero Payno, había presentado precisamente Ápeiron, junto a Iacobus-Symphony nº 1, de Raúl Martín Niñerola; la Sinfonía Galega, de Miguel Rueda Carpio y A pedra moura, de Israel Quintás Alonso. Un programa que respondía al reclamo del ciclo Sinerxias, de temática exclusivamente gallega. Para aquellas Xornadas, un ideario que avanzaba un itinerario renovador, con esa incorporación de la JONDE, con excelentes resultados, por sus sesiones JONDE FOCUS, o el homenaje a Carlos López García- Picos, con la RFG, dirigida por Maximino Zumalave, en sus obras Sindy, A. 31 y el Concierto para piano y fagot, del que serían solistas Javier Ares Espiño y Álex Salgueiro, miembro de la OSG y del Quinteto Zoar.

Ricardo Villa (1873/ 1935)- Gran fantasía española, en sus dos tiempos: Molto moderato y Molto tranquilo-,director y violinista se formó en un ambiente musical probando de joven como miembro en orquestas capitalinas como la del Teatro Real y la de la Sociedad de Conciertos en donde colaboró con importantes directores. Pronto recibió el reconocimiento de obras como la Misa a cuatro voces con orquesta (1898) y la Suite sobre temas asturianos, galardonada por la Sociedad de Conciertos de Madrid. Fue autor de óperas y zarzuelas además de páginas sinfónicas y para piano y orquesta. Dirigió a la Banda Sinfónica de Madrid desde su creación en 1909, alcanzando una gran celebridad tras la ocupación de la plaza de concertino realizando numerosas transcripciones que mantendría con el Teatro Real, en una sesión en los Jardines del Retiro. El empresario Luciano Berriatúa, proyecto la creación de un Teatro Nacional de Ópera, encargándole un poema de Joaquin Dicenta, que resultaría la ópera Raimundo Lulio, que se presentaría junto a otras de Tomás Bretón y Ruperto Chapí. Fue nombrado director del Teatro Real en el que realizó una importante labor, en la que colaboraría en la divulgación de voces en promoción además de la promoción de estrenos, de los que la SGAE conserva cinco obras líricas a su nombre: Raimundo Lulio; El Cristo de la Vega; El Patio de Monipodio y El Minué Real.

Ramón García Balado.

Juan José Ocón, dirige a la Banda Municipal en el Teatro Principal

 Teatro Principal, Santiago de Compostela

Concierto que Juan José Ocón dirige a la Banda Municipal, como invitado en el Teatro Principal- día 6, a las 12´00 h., con obras de Israel Alonso, Derek Bourgeois, y un arreglo de su propia firma, tomando como argumento la zarzuela de Reveriano Soutullo, La del Soto del Parral. Israel Alonso, ofrece su pieza Pasodoble (2018), músico nacido en Vigo y bregado en otras lindes fronterizas con los recursos electrónicos más arriesgados, oficio que le llevó a participar en el Festival Freshwekend (A Coruña); Loft. Co. (Gijón), ciudad asturiana en la que probó con otras iniciativas como La Fábrica. Sus aportaciones le llevaron a probar con otros proyectos dentro de estos espacios sonoros de indagación como fue The Jungle Dance Floor, Dead and Leon Collective, o New Rhythmic. Colaboró con músicos en estas tendencias como Steve Lawler, Octave One, Paul Warford, Dave Clark o Kevin Saunderon. Es también director de la Unión Musical de Tenorio de Corcedo-Cotobade, y maestro en la especialidad de saxofón. Entre sus galardones, destaca la marcha procesional La levantá, un compromiso con Cádiz.

Derek Bougeois (1941/2017), incluye su Symphony for William Op. 212 (2017), obra en sus tiempos Wik O´the Wisp; Dianthus Sambatos y Will Power. Derek Davis Bourgeois, compositor inglés, estudió en el Royal College of Musik, en donde se acabaría doctorando, para ampliar dos años después en materias de composición con Herbert Howells y especializarse en dirección con Sir Adrian Boult . Entre 1971/84, fue profesor en la Universidad de Bristol, siendo al tiempo director de la Stanshave Band, de ese centro y titular de la O. Nacional de Juventud, observando una atención especial por las posibilidades de las Bandas Musicales, siendo nombrado director de la St Paul´s Girl School. Se traslado durante unos años a la ciudad de Nueva York, antes de volver a su país, preparando otra etapa fundamental tras su asentamiento en Mallorca, tras la pérdida de su compañera. Presidió el Gremio de Compositores de Gran Bretaña, después de consolidarse como compositor de sinfonías, de las que será modelo Jabberwoky- Extravaganza o la serie de conciertos para instrumentos de metal, como una adaptación de un concierto para flauta, al que se añadirán bandas sonoras para el cine y tv, The Crucible (1981), o los cortometrajes The Driving Force, y la serie Buddyboy. La extensa relación del apartado de sus obras, nos lleva desde la Sinfonía n 59 (Percussion Symphony), la mayoría de ellas de corta duración como la que esta matinal elige la Banda Municipal; el Concertino para clarinete y cuerdas Op. 25; el Bass tuba concert Op. 38; la Triumphan March, para tenor, coro y orquesta; el Doble Bass Concert Op. 62; Las montañas de Mallorca Op. 184; Marcha concert Happy and  Glorious, para orquesta, con coro opcional Op. 128; la Sinfonía nº 16 (Canciones de Mallorca) o la Wine Symphony, Op. 58.

La del Soto del Parral, en tratamiento de Juan José Ocón, zarzuela en dos actos de Reveriano Soutullo y Juan Vert, sobre libreto de Luís Fernández de Sevilla y Anselmo C. Carreño, estrenada el 26 de octubre de 1927, en el Teatro La Latina, de Madrid, destacando como solistas Emilio Sagi Barba (Germán); Paquita Morante (Aurora); Jacinta de la Vega (Catalina); Vicente Gómez Bur (Damían), Constatino J. Pardo (Miguel)  y el actor Carlos Oller (Tío Prudencio). Zarzuela que supone uno de los mayores éxitos de esta pareja creadora, siendo para bastantes especialistas su obra cumbre, ya desde el comienzo en el que ya se muestra el grado de madurez de los creadores, en cuanto a la solvencia de enlazar los aspectos melódicos desde ese comienzo con un tema expuesto por instrumentos de metal – algo similar a lo que sucedía en La leyenda del beso-, en este caso gracias a la serie de variaciones tímbricas a las que responden las cuerdas y una trompa solista. La relación destacada de números musicales, se reparte entre la introducción Voz de campana; la romanza de Germán, Los cantos alegres de los zagales; el dueto cómico de Catalina y Damián Que soy la más linda; la ronda de los enamorados La..La…La. Al fin de la faena; el dúo de Aurora y Miguel. El primer final Mintió su cariño. Ya del acto segundo, el coro de la consulta: ¿A la consulta se puede entrar? ; el dúo de Aurora y Germán: Ten pena de mis dolores; el concertante final que se despide con ¿Qué buscas? ¿Qué quieres de mí? Y el número colectivo de entusiasmo ¡a La gala de mi dinero!  Este número de arrebato entusiasta, ofrece un esquema poliseccional bien muy articulado en su planteamiento por los maestros, esencialmente muy efectista cara al común de los aficionados, por lo que en buena lógica conserva su vigencia en los teatros dedicados a este género, un efectismo realzado igualmente por las secciones que recrean un marcado talante popular, destacando en especial la primera aparición de instrumentos propiamente folklóricos, como la dulzaina y el tamboril. También el coro merece una especial consideración.

Ramón García Balado