Iria Pérez Antelo: Concierto para marimba, de Emmanuel Sejourné, con la Banda Municipal

 Teatro Principal, Santiago de Compostela

Iria Pérez Antelo será solista del Concierto para marimba de Emmanuel Sejourné con a Banda Municipal, dirigida por David Fiuza Souto, en una programa que también tendrá el tiempo final de la Sinfonía nº 5, en Re m. Op, 47, de D. Shostakovich  y la Sinfonía n 1, en Re M. (Clásica), de Sergei Prokofiev- día 19, a las 12´00 h., en el Teatro Principal-, en una aproximación al francés Emmanuel Sejouné, que se formó con  Jean Batigne antes de fundar Les Percusions de Strasbourg, para interesarse por le géneros contemporáneos, recibiendo el galardón de un Primer Premio de Medaille  D´Or, y un Grand Prix Europé por su  trabajo Saxofón et Percusión; Fue nombrado asesor Académico por el Ministerio de Cultura Francés (1994), al tiempo que coautor de 10 ans avec percusions , un tratado teórico . Fundó con el saxofonista Philippe Geiss, el grupo Noco Music, grabando Saxophone et Percusion. Estrenó obras de Donatoni, Dillon, Aperghis, Manoury, Fedele, Mash y Pesson,  incluyendo en su repertorio obras camerísticas, sinfónicas y también bandas sonoras, trabajando para cadenas como ARTE; ARD o ZDF, o compromisos como la banda sonora de The Invaders, para el Ballet du Rhin. Entre sus colaboraciones en el espacio de la música improvisada, destacan sus colaboraciones con los percusionistas Fritz Hauser, y Silvie Reynaert, además del grupo Percussions Claviers. Compuso Famim, obra que combina música improvisada con influencias populares, un encargo del pianista Michael Borslap, y el Amsterdam Percussion Group. El Concierto para marimba y orquesta, fue encargo de Bogdan Bacanu, acompañado por los Solistas de Estrasburgo, obra típica de repertorio para marimba, en 2004, había compuesto a petición del Teatro Nacional de Luxemburgo, el musical School Boulevard.

Dmtri Shostakovich- Allegro ma non troppo- de la Sinfonía nº 5, en Re m. Op. 47-tiempo que se inicia con una marcha marcada por fagot, flauta y oboe, en un tono sardónico entre lamentación y burla, antes de ascender a un dentro de una acentuación rítmica, facilitando la entrada de un tema de vals, con fragmentos motívicos que destacan sobre un fondo seco de sonidos en staccato para facilitar la entrada de un redoble de timbales que se amplifican en una respuesta de instrumentos de metal en preparación de la vuelta de la marcha fúnebre repartida por trombones y fagotes. Un Finale que enlaza parcialmente con el primer movimiento Allegro poco moderato, destacando con insistencia el carácter sombrío, de una rudeza aparentemente intencionada pero plena de fuerza interior, ya desde los primeros compases y que se despliegan como una avalancha en un movimiento mecánico intensificado, destacando un segundo tema Finale, en el que aparecen ciertas analogías con la forma sonata. Un episodio de transición a cargo de la percusión, recrea un universo nuevo. La Sinfonía, fue estrenada por E. Mravinski, teniendo para el autor una importancia añadida por la amistad mantenida entre ambos, cuando el director había sido nombrado Primer director de la Orquesta Filarmónica de Leningrado, lo que supondría la posibilidad de convertirse en uno de los grandes talentos a nivel internacional, suponiendo al mismo tiempo para Shostakovich, en una fecha clave de su carrera profesional.

Sergei Prokofiev- Sinfonía nº 1, en Re M. Op. 25 (Clasica)-, obra que como el Primer concierto para violín, parece reflejar la pureza y la claridad virginales del paisaje siberiano. Sencillos en su estructura, armonía y ritmo, así como por los ingeniosos y encantadores pasajes naturales, que no se esfuerzan en alcanzar los efectos y el valor de las sacudidas observadas en la Suite escita o en el Segundo concierto para piano, una música en apariencia  notablemente más sencilla, directa y sin esfuerzo, transparente y ligera. Obra neoclásica que se convertirá en un de las obras sinfónicas más programadas, precisamente por su voluntad de aproximación a las estéticas del siglo XVII, será, con todo, una de las composiciones más breves que realizará dentro de este género. Compuesta  en 1917, será estrenada en Petrogrado, bajo su propia dirección, manteniendo como ideario ese patrón marcado por el planteamiento observado en cuanto a su evolución a través de un criterio marcado por los modernismos en boga y que para la ocasión, se apoyará en un planteamiento cercano a los compositores del clasicismo, en especial, los de F.Joseph Haydn, el patriarca por excelencia, maderas, trompetas, trompas, a  dos; timbales y cuerda, a través de una clara unidad tonal. Para esta obra, el compositor ucraniano se decidirá por una obra en cuatro tiempos, partiendo de un Allegro, de una vitalidad exuberante, de clara abundancia sonora, para pasar a un Larghetto, que se acerca bastante a un estilo de minuetto, ligero y gracioso, cargado de efectos que alternan episodios de acordes en staccato. La Gavota, que a la postre se convertiría en el movimiento más célebre, confirma la preferencia del autor por este estilo de forma de danza, para concluir con un Final, en forma de rondó-sonata, con repetición del primer movimiento.

Ramón García Balado

Piccolo concerto de J. Bugallo Senra, por la Banda Municipal

 Teatro Principal, Santiago de Compostela

Sesión de la Banda Municipal dirigida por su titular David Fiuza Souto en el Teatro Principal- día 12, a las 12´00 h-, incluyendo en programa el Piccolo concerto para flautín de José Bugallo Senra, del que será solista quien fuera su alumno Adrián Silva Magdalena, para completar con una propia de repertorio de la  tradición centroeuropeas como son las Danzas eslavas Op. 46, de Antonin Dvorak, típicas del repertorio sinfónico al que también son afines las bandas populares. José Bugallo Senra, se formó en  los Conservatorios de Pontevedra y Vigo, especializándose en dirección de banda en la ISEB (Instituto Europeo Bandístico), en las materias de composición e instrumentación. Pasó por el CMUS de Lalín, probando también en el Proyecto Sharpmony, promovido por la Universidad de Extremadura. La obra que ofrece en programa, el Piccolo concertó, fue dirigida en su estreno por un director de prestigio, Marcel van Bree, en 2024. Igualmente, en su dilatada trayectoria, tuvo una etapa de estudios en Trento (Italia) y dentro de las agrupaciones de nuestra tierra en las que dejó recuerdo, recordaremos su etapa en la Banda de Muimenta, en la que se estuvo durante un período de cinco años, tras ocupar la plaza de J.L. Represas Carreira.

Adrián Silva Magdelena, pasó por la Banda Xuvenil de Barro, antes de especializase en los Conservatorios de Pontevedra y Vigo, en donde tuvo como tutor a Fernando Raña, destacando especialmente los años de consolidación adquiridos en la EAEM (Escola de Altos Estudos Musicais), en donde tuvo el privilegio de asistir  a las docencias entre 2004/7,  de Laurent Blaiteau o Luís Soto, miembros destacados de nuestra Real Filharmonia de Galicia, entre otras actividades, sobresale su participación como miembro en el Quinteto Rubato, agrupación con la que realiza frecuentes giras, que les llevan a países como Brasil, en donde tendrán la oportunidad de colaborar con formaciones como la Banda Filarmónica do Rio de Janeiro o la Banda Sinfónica de Cubatao. También merece mención su etapa de profundización con CODARTS Roterdam, en donde tuvo el beneficio de ampliar conocimientos técnicos con Merman van Kolemberg; Juliette  Hurel y Vicent Cortvint.

Antonin Dvorak, en la serie de las Danzas eslavas, repartidas en dos entregas, una primera que nos interesa para el programa de la matinal, la Op. 46 y una siguiente que compendia la Op. 72,  obras que siempre invitaron a los tratamientos más diversos, dejando oportunidad a los recursos en transcripciones para banda, una opción genuinamente frecuente y que no traiciona el espíritu del creador, confiando en el ingenio de quien se permita las libertades en libre ejercicio de fidelidad. Una experiencia a la que estamos acostumbrados aceptando que las piezas en su conjunto, ocho danzas para cada una de las colecciones, había sido escritas para el teclado, en la modalidad de cuatro manos, antes de decidirse por su definitiva orquestación, a través de una sugerencia propuesta por el editor Simrock, el mismo que a través de Johannes Brahms, había recomendado al moravo. En lo relativo al grupo de las Op. 42,  las números 1, 3 y 6, habían sido estrenadas como es preceptivo en Praga, bajo la dirección de un ilustre como Adolf Cech, piezas que se resuelven desde un Presto (en Do M.) Furiant; un Allegro scherzando (en Mi  m.); una popular Dumka de procedencia ucraniana; un Poco Allegro (en La b M.), especie de polca; un tempo di menueto (en Fa M.) susedska; un Allegro vivace (en La M. skocna; un Allegro scherzando (en Re M. skorna, para concluir en un Airoso Presto en Sol m., propuesto en la modalidad de Furiant. Especialista habría que sostendrían que en su evolución, el autor moravo se fijaba para el tratamiento de sus obras, se fijaba de forma especial en las melodías del habla cotidiana, y de forma notoria a lo largo de su trayectoria, tendrá refrendo en los años postreros de su vida, aspecto que abarcará en el apartado de sus obras sinfónicas y muy especialmente en las camerísticas para no olvidarnos del apartado de su óperas, como Rusalka, Kata Kavanova, La zorrita astuta o la escalofriante Desde la casa de los muertos. Dvorak anotaba escrupulosamente los estilemas que percibía en cada una de las frases que escuchaba, imprimiéndose de los matices más sutiles a los que concedería su propio sesgo, una labor dentro del contexto de esas raíces populares y que compartiría en cierta manera con Leos Janacek, o con Smetana. En las proximidades aparecerán Béla Bártok o Kodaly, una verdadera convulsión de estéticas de las que se beneficiarán culturas cercanas, que no se ciñen exclusivamente al mundo eslavo. Dvorak había tenido en su juventud la posibilidad de acercarse al magisterio de una autoridad como la de Josep Spitz, un músico que conocía en profundidad las tradiciones folklóricas por lo que lo sería extraño encontrarnos en el legado de sus obras sinfónicas, con una perfecta asimilación del color y del sabor impregnado de esas  tierras bohemias, llevadas a su máxima dimensión, aspecto que como bien sabemos, se ha convertido en una constante de su ingenio creativo.

Ramón García Balado

Banda Municipal: XI De Lugares e Órganos, en San Domingos de Bonaval

 Igrexa de San Domingos de Bonaval, Santiago de Compostela

Para la apertura  del XI De Lugares e Órganos, contaremos con la Banda Municipal dirigida por su titular David Fiuza Souto, en la Igrexa de San Domingos de Bonaval- día 28, a las 20´00 h.- con un sorprendente programa que se reparte entre transcripciones de J.S. Bach, un préstamo de los Three organ preludes on Welsh Hyms Tunes, de Ralph Vaughan Williams, un pieza  de un maestro reconocido, que también dirigió a nuestra banda en los cincuenta Julio Gómez y una obra de Philip Sparke, en arreglo de la Sinfonía nº 3, en Do m. llamada con órgano, de Camille Saint-Saens.  Johann Sebastian Bach,  en una obra de dominio público como es la Toccata y fuga, en Re m. BWV 565, en arreglo de David Fiuza,  pieza que ha tenido innumerable adaptaciones para el teclado como las de Tausin o Busoni, y hasta la sinfónica de L. Stokowski, cuyo estilo tiende a reunir elementos eclécticos, aunque el autor supiese guardar la unidad temática de la obra. Patente resulta el carácter  improvisatorio gracias a las cascadas de notas de la toccata-trinos, recitativos bruscamente interrumpidos por silencios- reconociéndose en su interior una disposición tripartita, aun bajo el discurso libre de invención signado por el lirismo de las secuencias extremas. La regularidad y formalismo de la fuga, que puede proceder de una para violín perdida, contrasta radicalmente con la primera parte del díptico y el desarrollo proviene de la sección inicial rapsódica, de la toccata. Una pieza que resulta foco de atención de las apreciadas integrales, con especial atención a la de Koopman, en su edición para Teldec.

Ralph Vaughan- Williams (1872/1958), fue un músico de gran proyección en su calidad de artífice de la renovación de la música inglesa, a lo largo del s. XX, tras haber estudiado con Parry Stanford, en Londres, y en Alemania con Max Bruch, revelando su talento a través del tratamiento de canciones populares y la herencia de la época isabelina o jacobina, siendo uno de los miembros fundamentales de la Folk Song Society, con su colega de travesía Cecil Sharp. Recopiló un catálogo considerable de ese estilo de repertorios, ampliando posteriormente labores creativas con Maurice Ravel, pero en medio, prestaría interés al mundo escénico, con óperas como Riders to the Sea, The Pilgrim´s Progress, o la cantata Five Tudor portraits y los ciclos de canciones de las que son modélicas On Wenlock Edge. Entre otras obras diversas, destacan las Six Studies in English Folk Songs, destinadas a la chelista May – Mukle,  o estos Three organ preludes,  en arreglo de David Fiuza, serán The New Commonwealth; A Wedding Tune for Ann y Land of our birth.

Julio Gómez- Maese Pérez, el organista-, obra que comparte espacio en el apartado sinfónico con  Gacela de Almotamid y con Un miragre  vos diréi, en este caso sobre la leyenda de Gustavo Adolfo Bécquer, con laque obtendría el Premio Izquierdo del Ateneo de Sevilla, en el curso 1939/40, período de penurias y pesares. Obra dedicada a su padre Casimiro  Gómez y en memoria de su abuelo Eulogio, organista de Tamajón. Se estrenó con éxito notable en el Teatro Español, de Madrid, con la Orquesta Filarmónica, bajo la dirección del propio autor, recibiendo críticas beneficiosas por parte de las opiniones más autorizadas, gracias a su solidez orquestal, realizada a través de la inspiración de su poética y la cualidad cantable  añadida de sus melodías, aunque no pudo evitar ciertas reticencias por el enfoque de ciertos pasajes, al que se tildaba de su poca experiencia en lo relativo a la composición, en la que seguiría al pie de la letra el tema lírico, la sucesión de los episodios y que representaban al protagonista por su falta de flexibilidad para el desarrollo dramático, creando una sensación de monotonía. Después, la obra se difundió en esta realización para banda, realizada por el propio autor, sirviendo como obra impuesta para el Concurso de Bandas de Valencia (1943).

Philip Sparke, nos llega con este tratamiento de la Sinfonía nº 3, en Do m. (llamada del órgano), de Camille Saint-Saens, Sparke, consiguió el reconocimiento como trompetista, pianista y arreglista, tras formarse en el Royal College of Music (London), especializándose en instrumentos de viento, con la Orchestra of the Royal College, en materias de armonía y en concreto para bandas de música, con atención a la sección de metales, motivo por el que recibirá frecuentes encargos desde la BBC o en Concursos de banda de los que recibiría un especial de la Tokyo Kosei, con el que realizará importantes registros discográficos. La Sinfonía nº 3, en Do m. (llamada con órgano), de Camille Saint-Saens, fue su última obra acabada y su elaboración se realizó entre 1885/6, un compromiso para la Sociedad Filarmónica de Londres y que se daría a conocer en París al año siguiente, en dedicatoria a Franz Liszt. El autor aceptó la posibilidad de haber realizado su gran proyecto sinfónico, por su lucidez en la que demostraba su absoluta maestría en lo relativo a la orquestación, siempre densa y equilibrada. Cuatro tiempos desde el Adagio Allegro moderato, lento preludio de introducción, con un Allegro que se encadena de inmediato y una entrada de la cuerda en piano. El Poco adagio, bella pieza en  la que el órgano entra con grandes acordes, con una luz dulce de vidriera y una cuerda que se desarrolla en una larga frase de un sentimiento concentrado. El Scherzo, repetición de la tonalidad de origen, con un tema vigoroso anunciado por violines, destacando arrebatadoras intervenciones del piano, para llevarnos al Finale que se anuncia con un poderoso acorde del órgano, en Do M., con un coral de la cuerda construida ricamente elaborada en su contrapunto sonoro. Abundan los contrastes para otorgar realce a este tiempo final, volviendo  el órgano a tomar el motivo que conduce hasta el cierre con una doble fuga.

Ramón García Balado

Exotismo Ibérico con la Banda Municipal

Teatro Principal, Santiago de Compostela

Concierto de la Banda Municipal dirigida por su titular David Fiuza Souto, destacando como solista la oboísta Lidia Iglesias Vaamonde en el Teatro Principal- día 15, a las 12´00 h-, para un programa que ofrece un par de obras Serge J. Mathieu Lancen; el Camino Real, de un asiduo como Alfred Reed; Diferencias on a Old Spanish Song, de Yashuide Ito y de Aldo Rafael Forte, con su Dance Suite on a Spanish & Latin Rhythms. Lidia Iglesias Vaamonde, con una carrera ya consolidada, colaboró con nuestra Banda Municipal ya hace unas temporadas dentro de las Xornadas de Música Contemporánea 2017, para una sesión que repartía una miscelánea de encuentros entre las raíces latinas y el jazz de mejor escuela, en un cartel que incluía obras de Gleen Miller, sobre arreglos de Paul Murtha; también Alfred Reed, con la Second Suite for Band; Frank Tichelli, y su Blue Shades; Antonin Dvorak, y las Danzas eslavas, Op, 46, para completar Hidas Frigyes y sus curioso Coriolanus. Ballet, en forma de suite para banda, obra de 1980.

Serge J. Mathieu Lancen (1922/2005), tendrá el Concierto para oboe y la Symphonie Iberique, compositor parisino, notable pianista nacido en un ambiente familiar poco musical, aunque su madre era pintora, llegando a escribir su primera pieza a edad temprana, mientras ingresaba en el Conservatorio de París, en donde tuvo como maestros a la insigne Marguerite Long, ampliando también con Rose Lejour y Lazare Lévy, unos estudios que hubo de abandonar durante un período a consecuencia de los años de guerra. Volverá al Conservatorio para asistir a las docencias de Noël Gallon, Henry Busser y Tony Aubin, en armonía, contrapunto y composición, obteniendo su Primer Premio en 1949, antes de conseguir el Prix de Rome, por su cantata Bettina, en 1950. Una etapa productiva con resultados como el Concertino para piano y orquesta; Domino, para piano; las Trois chansons dans le style français, sobre la poética  de Jean Courçay, para flauta, voz y piano. De esa etapa, será la amistad que le acercará a su condiscípulo Désiré Dondeyne, un colaborador y colega de aventuras, que le descubrirá el mundo del repertorio para banda con el aliciente de que a partir de los años 60, centrará un mayor atención en este espacio creativo, siendo elegido en 1985, miembro del Comité Directivo de la Association for Symphonic Bands and Ensembles, sin olvidarse de su dedicación personal a los conciertos como solista y la composición dentro de los géneros más diversos. Su obra destaca por el profundo enraizamiento en los estilos franceses, por la calidad y el equilibrio conseguidos, acercándose en cierto modo al estilo de Les Six, en su neoclasicismo, emparentado con las influencias del jazz, en un intercambio fructífero de influencias, observables en obras como el Concerto pour flûte et orquester; la Mannhattan Symphonie- precisamente en colaboración de Désiré Dondeyne. O el Concerto pour contrebasse. También fue miembro de la SACEM, quien le tendrá en cuenta para algunos de sus importantes premios.

Alfred Reed- El Camino Real- habitual en las programaciones de la Banda, es un compositor de tendencia neoclásica, autor de más de doscientas obras, destacando igualmente como director por sus compromisos en los Estados Unidos. Nacido en Nueva York, pronto iniciará sus labores como estudiante, aunque en los años de la Segunda Guerra Mundial le verían destinado a servir en el 529th Army Air Force Band, una escuela de aprendizaje que supondría el dominio de nuevos patrones profesionales, compaginables con el período de formación en la prestigiosa Juilliard School of Music, en donde tendría como maestro a Vittorio Giannini, especializándose en el espacio de arreglista de gran prestigio, tras realizar su tesis de graduación, llegarán trabajos como los compromisos para las cadenas NBC y ABC, en un momento en el que se prestigiará por obras como la Rhapsody for viola and orchestra, ganadora del Luria Prize de 1959. Fue miembro del Beta Tau Chapter of Phi Mu Alpha Sinfonia, entidad dedicada a labores de cooperación entre artistas y aficionados, entre los años 1955/66, y ejerció la docencia en la University of Miami, en donde colaboró con el compositor Cliffton Williams, desde el año 1966 y editor de la Hansen Publcations. El apartado de su legado, está recogido por la Tokyo Kosei Wind, y en el espacio de obras para banda, merecen mención la Greensleeves, para Concert Band; A Northern Legend (1972); In Memoriam, and Elegy for the Fallen (1973); First Suite for Band; A Festival  Prelude (1962); A Jubilant Overture (1970); A Ceremonial Fanfare (1972); The Pledge of Allegianca, for Concert Band o la Ballade for saxo soprano y orquesta.

Aldo Rafael Forte- Dance suite on Spanish & Latin Rhytms (1993), obra en tres tiempos que describen corridas de toros, bailes latinos, detalles carnavalescos, obra que se dio a conocer por la Boston University Wind Ensemble y en nuestro país por la Banda Municipal de Barcelona, un compositor que también compuso trabajos como Impresions Prints (2000) que remite al mundo plástico de Manet y Renoir, en un intento de aproximación de estéticas o Dalí, en dos tiempos The Unicorne y Don Quixote, elaborada sobre armonías oníricas. Sus  raíces se reflejan en el conjunto de sus creaciones, como la Dance Rhapsodie para tuba y banda; Pastiche. Concert Dances for trombón band,  aceptando su herencia paterna, un maestro de guitarra clásica, que se constata en sus obras, en un creador que estudió en la University of Tennesse y en la South of Mississippi, mientras se especializaba en arreglos en la USAF Heritage of  American Band, de Virginia. Había tenido como maestros a Ross Lee Finney, William Presser y Robert Jager, añadiendo una etapa europea en la que trabajó con la Southwest German Radio Orchestra y la Orquesta Filarmónica Bouslau Martinu, de la República Checa. De entre sus obras reciente, destaca la Sinfonía nº 1 para banda, del año 2022. Sus registros están editados por los sellos Naxos, Klavier y Polyphonia, ejemplo de sus labores en espacios como el Carnegie Hall o el John F. Kennedy Center for Performing Arts of Washinntong.

Yasuhide Ito- Diferencias on a Old Spanish Song-músico nacido en Hamamtsu, y que tras su formación como pianista pronto se interesó por el repertorio para instrumentos de viento, con ejemplos como Gloriosa  o las Escenas Festales, entre otros trabajos como los dedicados al piano como Guru- Guru y la experiencia que más tarde llegará por su ópera Mr Cenicienta, sobre libreto del poeta Ryochi Wago, realizando lo más nutrido de su repertorio instrumental para la Tokyo Wind Band, con la que realizará una extensa gira por distintos países de Asia. Obras suyas son también The Symphony (1996), y las Melodies for Wind Ensemble, para la Tokyo Kosei Wind Orquestra, estrenó como solista obras de Trevor Wye, William Bennett, Steve Mead, Brian Bowman, Miura  Toru y Sugawa Nobuyen.