Actividades en Contemporáneas, para este mes

 Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

Tres actividades completan el ciclo Contemporáneas abierto el pasado mes de octubre con la actuación del Grupo Instrumental Siglo XX, de Florián Vlashi,  que nos dejaron obras de George Crumb, Kaija Saariaho, Helena Cánovas i Parés y Earl Kim, cuatro  de ellas en estreno, siendo miembros del grupo Adriana Aranda- voz y audiovisuales-; Caroline Bournaud-violín-; Raymond Arteaga-viola-; Millán Abeledo- chelo-; Joan Ibáñez- flauta- y la arpista Alba Barreiro. Mayo recibe las últimas convocatorias con un perfil curiosamente sorprendente por el tipo de actividades, que se distancia de lo común acostumbrado, como pudimos seguir a lo largo de la temporada. Una modalidad complementaria con la Xornadas de Música Contemporánea, que se ofrece en el espacio de fechas más concentradas y que fueron pasando desde las fechas primaveras a las previas a las comunes de temporada, ya en el otoño.  Compostela In-Audita, que reúne a Nacho Muñoz- pianista, compositor y productor-, y a Sol Álvarez – fotógrafa y videógrafa-, estarán en la Sala Mozart del Auditorio de Galicia- día 12, a  las 20´30-, para un proyecto de escucha, documentación y transformación artística del patrimonio sonoro contemporáneo de Santiago de Compostela, que se materializa en una sesión audiovisual de aproximadamente una hora, elaborada a partir de imágenes y sonidos específicos tomados de las rúas y de las parroquias, recogidos durante una Residencia Rega no Gaiás, en 2022. La proyección del filme sonoro, va acompañada por ese concierto con la música preparada por Nacho Muñoz, junto a la realización al vivo del trabajo videográfico de Sol Álvarez. Iniciativa enmarcada en el proceso de investigación artística sobre el sonido y el espacio público denominado Sonic Parkour, una idea del propio Nacho Muñoz, en un trabajo que le ocupó estos últimos años, explorando cómo nos relacionamos con el territorio a través del espacio sonoro, transitando por diversas disciplinas como la antropología, el urbanismo, la arquitectura, el patrimonio inmaterial, las artes urbanas y las visuales, el video-arte, el walking art, o la acusmática. Una recreación musical del imaginario sonoro compostelano, dentro de una especie de incorporación a la identidad y espiritualidad a través de la escucha, atendiendo a sus especificidades sonoras de cada lugar y las sensaciones auditivas que se definen en las variadas localizaciones elegidas. Nacho Muñoz, es creador de la ópera OFF Opera Forte Fonética, un trabajo que guarda afinidades con sus compromisos para el cine, las artes escénicas, los documentales, el video-arte, el teatro o el circo. Fue coordinador del Espazo de Residencias Artísticas Alga Lab, en Vigo, y director de la iniciativa sobre arte y medio rural Verbenas Periféricas, además de miembro del Colectivo Galicia Emocional, con el que promueve diferentes prácticas artísticas en barrios y parroquias, de la Península Ibérica. Sol Álvarez, fotógrafa y videógrafa, centra su carrera en temáticas dedicadas a las artes de esas preferencias, merced a su formación adquirida en Belas Artes, Fotografía Artística y Documental, además de Gestión Cultural, colaborando con compañías de teatro, circo, teatro y danza, desenvueltos en medio de creación facilitada por esos medios y recursos, integrándose en el Colectivo Galiza Emocional, en donde promueve proyectos de participación ciudadana a la búsqueda de la recuperación de la memoria histórica a través precisamente de la imagen y el sonido. Ejerce la docencia en Escolas Públicas, en una práctica que combina creatividad y sensibilidad documental, poniendo como referente ese valor de la memoria, el territorio y en especial, el trabajo de la mujer.

Colectivo Galiza Emocional, en el toman protagonismo de nuevo Nacho Muñoz y Sol Álvarez, junto a Marcos PTT- día 23, entre las 11´00 h, y las 12’ 30 H., un Paseo acústico polo Sarela, Sarela, caudal sonoro, desde a Ponte do Carme até o Muíño de Parente, con la limitación previa de 20 personas en cada paseo, previa obligada inscripción. Sarela Caudal Sonoro, consiste en un paseo sonoro amplificado que permite la escucha atenta y consciente de las múltiples formas del agua, la vida, el paisaje y la memoria da contorna do Sarela, una experiencia inmersiva mediante el sistema Silent Disco, de alta calidad resolutiva, captando y transformando en directo los sonidos del recorrido  y creando una pieza sonora única en cada ruta, para ello, se emplearán distintas técnicas tomadas de los recursos que facilitarán la experiencia, en lo relativo a la captación del audio y aunque más allá de tales medios tecnológicos, el objetivo sustancial es evocar emociones, un recorrido diseñado para conectar con la memoria del lugar, a través de sus ruinas, casas y lavaderos, contando con una persona que oficia como guía del grupo, que propone dinámicas que ayuden a generar contrastes poéticos en el ámbito de la escucha. Los asistentes podrán encontrarse con breves intervenciones artísticas, en forma de instalación, performances o la propia música, a los que se añaden testimonios vecinales, en charla abierta y distendida, incorporando historias presentes y recuerdos que enriquezcan la experiencia en esa búsqueda de un futuro que realmente valga la pena.  Colectivo Galiza Emocional, se manifiesta para el evento en una aproximación al Sarela, lugar que fue alimento y motor de la economía compostelana, desde los tiempos en los que tan solo era unha pequena vila, sirviendo de silencioso testimonio de ese peculiar paso del tiempo, un constante murmullo que singularizaba su entorno, y a ese transcurso el grupo que nos acompañará en vivo, realzará la importancia económica e industrial de esa llamada periferia compostelana, con menor vigencia en la actualidad, pero que nos permite ver esos lugares que con una generosa aceptación, abarca más allá de una simple vista: secretos, intimidades, la importancia del paso del tiempo, que se revelará en esa experiencia compartida, legada por antiguas infraestructuras fluviales, teniendo permanentemente en la memoria, los recursos naturales que aportaba a la ciudad, facilitando los recurso a agua que benefició durante tiempo indefinido a más de 2.200 millones de personas, beneficio que no cesa que beneficiarnos en la actualidad.

Pulso Ensemble- Laboratorio Sonoro Inclusivo- agrupación formada por Sara Méndez- saxos-, Pedro González- violín y multimedia-; María Domínguez- piano y teclados-; Pablo Paz, en percusiones, cerrarán la convocatoria- día 31, en la Sala Mozart, a las 12´30 h-, agrupación nacida en 2019 en forma de continuidad del proyecto Galicia Container, se centra en repertorios de nuevas exploraciones, y participaron en convocatorias por distintos países europeos en colaboración con artistas como Alexander Schubert, Stefan Prims, Michael Bail, César Camarero, Simon Steen- Andersen, J. M. López- López, Fritz Hauser, François Sarhan o Marko Ciciliani,  siendo El Laboratorio Sonoro Inclusivo, un espacio en el que la música contemporánea, dialoga con múltiples miradas y sensibilidades. Proyecto pedagógico, que busca establecer puentes entre sonidos, personas y comunidades, acercándose a la creación artística que por distintas razones puedan estar al margen del medio escénico habitual. Cada uno de sus talleres se convierten  en un lugar de hallazgos en los que sonidos resultan argumentos de expresión, encuentro y transformación, un laboratorio que ahonda en las posibilidades del fomento y el encuentro entre músicos.

Ramón García Balado

Rebecca Saunders: Void, desde las fracturas del ruido

Santiago de Compostela - 30/04/2026

Concierto de la RFG dirigida por Josep Planells, presentando en programa obras de Francisco Domínguez, con Negra sombra, de la serie Cometa, también de Rebecca Saunders, con Void y de Francisco Guerrero, con Coma Berenices, participando como solistas los percusionistas Noè Rodrigo Gisbert y Adèlaïde Ferrière. Noè Rodríguez Gisbert, estuvo en el ciclo Solos do CGAC, un músico que es miembro del Asko Schönberg Ensemble y que colabora con formaciones especializadas en repertorios actuales además de ofrecer su primer registro en cd para la firma IBS Classical. Le escuchamos entonces con un programa que incluía obras de S.Sciarrino,H. Lanchenmann, Rebecca Saunders, Voro García y Iannis Xenakis. Adélaïde Ferriere, estudió en el Conservatorio de París y en el de Dijon, con su padre Didier Ferrière, ampliando en la Academia Regie Pasquier con Pierre Cao, en el CNSM parisino con Michel Cerrutti, y dejarnos un trabajo testimonial en cd, con obras de Philippe Hurel, Bruno Mantovani, R. Rodney Bennett y Iannis Xenakis, colaborando con formaciones como la Radio France Philharmonic Orchestre, dirigida por George Benjamin, la Nationale de Lorena, la Orchestre du Pays de Savoie o la Orchestre Nouvelle Aquitain.

Francisco Domínguez, con estreno de la serie Cometa, es un compositor nacido en Alcolea, que estudió en Musikene, con Gabriel Erkoreka, para ampliar en la Kunst Universität Graz de Austria con Beat Furrer y Klaus Lang, y seguir posteriormente con Helmuth Lachenmann, Ramón Lazcano, Héctor Parra y Alberto Posadas, pianista que nos ofreció en Solos do CGAG en soberbio concierto entre obras de Béla Bartók, G. Ligeti y György Kurtag; recibió premios como el XV Pablo Sorozábal; los VII y IX, Francisco Escudero; el Toru Takemitsu, de 2020; el X Franz Schubert; el XXVI, de la Fundación SGAE, además de incorporarse a la Ac. de la Fundación Peter Eötvös, de quien sería colaborador, actividad que compartirá con Toshio Hosokawa, iniciativa que tendrá constancia en sus participaciones con la Fundación BBVA o la Fundación Juan March. Un poema de Rosalía de Castro tratado sobre fenómenos acústicos como batimentos, sonidos diferenciales y sumatorios que emergían entre interacción de capas, aludiendo por momentos a un juego de imágenes que simularían el viento, el llanto o imágenes literarias, en búsqueda de efectos insólitos.

Rebecca Saunders-VOID, estreno en España, obra en preferencia de la sesión y escuchada en la primera parte,-trabajo que se dio a conocer el 10 del mayo de 2014, encargo de la Westdeurscher Rundfunk y el Wien Modern, participando como solistas dos percusionistas Christian Dierstein y Dirk Rothbrust, con la WDR S. Orchester dirigida por Peter Rundell, una compositora que recibió galardones como el Premio Busoni, de la Kunst Akademie für Arts Berlin; el Ernst von Siemens, el Hindemith del Schelswig- Holstein o el Mauricio Kagel (2015). Había sido alumna de Nigel Osborne y Wolfgang Rihm, quien sería fundamental en su carrera por su profunda sensualidad y por el dominio en el tratamiento de los timbres sonoros, dentro de una complejidad fascinante, preparando con ello la aproximación a la compositora Galina Ustvoskaia, por la variedad tratada por su impulso pasional. La poética de Samuel Beckett, estuvo presente como trasfondo de muchas de sus obras, facilitando extensas explicaciones sobre los textos elegidos, inglesa de nacimiento, reside en Alemania a consecuencia de lo que su evolución artística que la deparado, ya desde obras como Quartet, escrita para acordeón, clarinete, doble bajo y piano, pensada para como una sucesión de objetos sonoros concisos y secos, interrumpidos por períodos de silencio meticulosamente calculados. El silencio se convierte en un elemento tan importante como las propias notas. La importancia de los sonidos sostenidos, la fisicidad del sonido- influencia del último G. Scelsi-, resulta el signo distintivo de su estilo creativo. Preferentemente se mueve entre instrumentos que permiten amplias resonancias, reverberaciones y efectos parejos, que descubriremos en obras como Blue and Gray o la impactante Stirrings still. Capítulo de un tríptico integrado por Still y Alba, cúmulo de momentos fugaces que se superponen sobre violentos arranques de ira, expresados a través de una superficie en la que yace una cacofonía de silencios y ruidos con un potencial de recursos estremecedores, expresados en mayor grado por la pujanza de los recursos de percusión en amplia gama.

El jienense Francisco Guerrero Marín (1951/1997)- Coma Berenices-fue un creador ciertamente autodidacta y que tuvo como primer maestro a su padre, junto a Juan Alfonso García, logrando su Primer Premio de Composición Manuel de Falla (1970) que marcará una tendencia difícil de seguir, por la evolución de su técnica y su trayectoria, que no supondrá calificarle como un innovador a ultranza, ubicándole en un posicionamiento claramente aislado desde ejemplos como Eine Kleine Nachmusik, para guitarra y diez instrumentos de cuerda o Acte préalable, cuyo título refleja esa actitud personal en un estado crítico de su carrera. Desde aquellos mediados de los ochenta, ideará un procedimiento de carácter técnico a partir de la teoría de los fractales- objetos geométricos cuya característica esencial es la autosemejanza a diferentes escalas-, que ya venía poniéndose en práctica desde tiempo atrás, una virtud elaborada desde la economía fractal en una teoría que funciona y proporciona la lógica adecuada de relaciones para sostener su escritura sonora y gráfica. Obra de interés había sido Jondo, para voces masculinas, grupo instrumental y cinta magnética, etapa en la que participó en eventos con Claudio Prieto, Féliz Ibarrondo y Francisco Otero, siendo seleccionado para participar en la Semana Int.Gaudeamus, paso previo a obras como Actus, dedicada a Luís de Pablo.

Fue becario de la Fundación Juan March, dejando proyectos como el Laboratorio Alea y Radio Clásica, junto a Alfredo Aracil, Tomás Garrido y Pablo Riviere, sería uno de los integrantes del Grupo Glosa, especializados en músicas gráficas, dinamizando labores docentes para el Centro para la Difusión de Música Contemporánea y con el Conjunto de Percusionistas Aula 44, dirigido por Juan García Ivorra, se interpretarían Acte préalable, de su propia firma; A chuva que nao cesa (Manel Rodeiro); Acik (Satué) y Zejel (Martínez Fontana). Próximos estamos a ese interés por la matemática, la estadística y la informática, observables en obras como Ars Combinatoria, para grupo instrumental estrenada en el IRCAM, con el grupo L´Itinéraire, de Pierre Boulez, en febrero de 1980, que derivará en trabajos como Rhea, para doce saxofones; Sahara- donde pone claramente el manifiesto de una estética fauve y brutalista, próxima a los planteamientos de Xenakis, para orquesta y para electroacústica-, Rigel, para seguir con Oleada, para cuerdas y Hyades, una producción sonora que aporta la serie Zayin- séptima letra del alfabeto hebreo, que corresponde con el número siete de la cábala- destino a los integrantes del Cuarteto Arditti, en pura consonancia con esa insistencia las teorías de los fractales, que por esas fechas se consolidará como opción de indagación estilística. Proyectos de obligada mención serán la orquestación de la Suite Iberia (Albéniz), de la que dejará escritas seis de sus páginas y esta Coma Berenice , encargo de la Junta de Andalucía para ser estrenada por la Orquesta de Córdoba, dirigida por el cubano Leo Brouwer.

Cierra un ciclo breve e intenso en su música orquestal inaugurado años antes con Antar Atman, marcado por la violencia innata del autor que apenas cede un ápice en un concreto intervalo de tiempo en sus años creativos conformando un discurso de una lógica aplastante a pesar de las conflagraciones a las que fueron sometidas las fuentes sonoras. Capítulo de esas obras orquestales que se culminan con Sáhara, quizás la obra de mayor unidad por su secuencia ininterrumpida. El tono amargo se ratifica en la obra Coma Berenices, marcada por un exacerbado expresionismo. Sus trabajos orquestales se destacan por el empleo de masas sonoras compactas derivando hacia un gusto sistemático acentuado por el uso de clusters, aspectos que encontramos en Ligeti o Xenakis. Coma Berenices, se dio a conocer en una de las ediciones del Festival de Alicante, dirigida por Lucas Pfaff, y era una exposición de sonidos en los límites de la orquesta, empleando en ella sistemas de simulación fractales, métodos matemáticos y computacionales que generan estructuras geométricas complejas, que en el caso de la obra, hacía referencia a una constelación de hemisferio norte.

Ramón García Balado

 

Noè Rodrigo Gisbert / Adélaïde Ferrière.

Real Filarmonía de Galicia / Josep Planells

Obras de Francisco Domínguez, Rebecca Saunders y Francisco Guerrero

Colaboración con el Festival RESIS

Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

https://www.ritmo.es/auditorio/critica-rebecca-saunders-void-desde-las-fracturas-del-ruido-por-ramon-garcia-balado 

Banda Municipal de Santiago y Banda Sinfónica Galega, con obras de Massenet y Manuel de Falla

 Teatro Principal, Santiago de Compostela

Concierto de la Banda Municipal de Santiago y de la Banda Sinfónica Galega, dirigidas por David Fiuza Souto-Teatro Principal, día 10, a las 12´00h- , incluyendo en programa la suite de la ópera Le Cid, de Jules Massenet y El sombrero de tres picos,  de Manuel de Falla, el estilo del francés dignifica el final de la forma de la llamada opéra-comique, el que también cultivaron Auber, Bizet, Gounod o Leo Delibes, una manera  de distanciarse de las maneras cultivadas en otros países, en especial del pujante italiano que marcaría tendencias y entre otros creadores, no podemos olvidarnos de Cherubini, Spontini, Meyebeer y hasta el propio G.Rossini, un compositor que se había formado en piano con  Laurent y Henri Rebert y en armonía con Bazin, mereciendo el aprecio de Ambroise Thomas, su traslado a Chambéry, será determinante antes de continuar en Lyon y posteriormente a París, trabajando en experiencias cotidianas en lugares de entretenimiento, un paso previo a la presentación de sus primeras óperas, algunas con ayuda de Héctor Berlioz, como en el género  de la cantata, como David Rizzio, con la que obtuvo el prestigioso Prix de Rome, que ayudó de manera especial a su proyección en un futuro inmediato, también pudo conocer a Franz Liszt, con el que abordaría una primera suite orquestal, antes de su vuelta a París, en donde mantendría ese interés por escribir suites orquestales, como Pompeya y el poema sinfónico Le coup du roi de Thule. Con  Don César de Bazán, consiguió uno de sus primeros éxitos líricos, al que seguirían Les Érinnyes, y un nuevo oratorio como María Magdalena, pero para mayor confirmación, otra de sus obras que continuaría el estilo de Meyerbeer, todavía muy de moda, Le roi de Lahore, que le ayudó a superar su situación económica, y como puente de transición, irán llegando Le Cid (1885), Esclaramonde, Werther,  Le mage, La Navarraise, Sappho, Cen drillon,  Grisélidis o Thaïs. A la par con Charles Gounod, sabrá destacar la importancia de los ritmos expresivos, en compases de 9/8 o 12/8, que se encuadraría en la calificada como frase massenetiana, siempre al quite del uso de una flexibilidad muy  francesa y una cuidada instrumentación, plena  de detalles interesantes. Por curiosidad, tomará una apreciación por la incorporación del saxofón en la orquesta de la ópera, casi un préstamo que había usado Ambroise Thomas, pero en otro orden de consideración, no dejará a margen motivos e ideas procedentes del verismo italiano.

Le Cid, entrará dentro del género de la opéra- comique, que conocería su estreno el 30 de noviembre de 1885, sobre un libreto inspirado en Pierre Corneille, ópera que como era de esperar, a pesar de su buena acogida, acabaría siendo olvidada, como tantas otras centradas en ese estilo, pero para los roles de consideración, quedará el recuerdo de sus primeros intérpretes, Jean de Reszka, como Rodrigue; la soprano Flades Devries, como Chiméne; el bajo Edouard de Reszka- para mantener el entorno familiar- como Don Diegue y el bajo Leon Melchessédec, como Le Roi.  La esperada suite de ballet, habrá de esperar hasta una producción presentada en el Carnegie Hall, el 8 de marzo de 1976, con el protagonismo de Plácido Domingo  y Grace Bumbry, puerta abierta a las posteriores del Festival Massenet, de 1994; la de Sevilla, de 1992 y la de la Ópera de Washington, de 2001.

El sombrero de tres picos, ballet en dos cuadros de Manuel de Falla, está basado en el relato de Alarcón y que dará argumentos a los Martínez Sierra- Gregorio y María de Lejárraga- para la configuración del libreto, para estrenarse como Le Tricorne, el 22 de julio de 1919, por los Ballets Rusos, en el Alhambra Theatre, de Londres, con una orquesta dirigida por Ernest Ansermet. Falla y Diaghilev, se habían conocido durante la primera visita a España, con el empresario con los Ballets Rusos, facilitando la posibilidad de una colaboración que pronto llegaría. El primero de ellos sería Las meninas, utilizando La Pavane, de Fauré, con trajes al estilo de Velázquez diseñados por Sert; Falla rechazaría la idea de Diaghilev, quien pretendía recurrir a la idea de Noches en los jardines de España, proponiendo precisamente el nuevo proyecto basado en el relato de Alarcón y en consecuencia, el resultado artístico reportará un espectáculo en el que el  reparto quede configurado entre El Molinero; La Molinera; el Corregidor; la mujer del Corregidor; el Petrimetre, en medio de un cuadro de vecinos, alguaciles, paseantes y una nutrida figuración de paseantes.  El resultado artístico, había comenzado entre el músico y los Martínez Sierra, y según Andrew Budwig, Diaghilev, y Massine, tuvieron conocimiento del primer cuadro de El Corregidor y la Molinera (el título escogido para la pantomima), casi al mismo tiempo en que el borrador de la partitura, fechada el 8 de agosto de 1916, fue terminado, El borrador del Segundo cuadro, no fue terminado hasta diciembre, pero su contenido debió haber sido interpretado o mostrado a Diaghilev y a Massine. El citado Andrew Budwig, comentaría que el bailarín especificó las alteraciones que deseaba durante el año 1916. Cuando el Corregidor se estrenó en Madrid, Diaghilev se encontraba en Roma, pero lo pudo ver más tarde, acompañado por Massine, en Barcelona. Falla estaba molesto con Diaghilev, por la tardanza y la falta de seriedad en sus métodos de pago. Los requerimientos de Massine se cifraron en una parte de solista para él, en el  Segundo cuadro, que remplazaba los intentos del Molinero de conducir a su esposa al lecho y para equilibrar el solo  de la Molinera, en el cuadro primero. La farruca resultante que desarrolla un tema presentado brevemente, en la pantomima, es una aportación de masculinidad de una forma distinta, más pública que privada. El triunvirato Falla- Massine- Picasso, creó en Le Tricorne, o El sombrero de tres picos (títulos con los que llegó a conocerse), una fusión ejemplar de danza, música y diseño. Massine, se encontró en disposición de traducir las danzas tradicionales en términos de ballet clásico. Los decorados y vestuario de Picasso, fueron un éxito.

Ramón García Balado

Mariví Blasco & Alex Pernas, en el XIX Pórtico do Paraíso

  Pazo de Vilamarín, Ourense

Voz y guitarras barrocas para el XIX Pórtico do Paraíso con la soprano Mariví Blasco y el guitarrista Alex Pernas, en el Pazo de Vilamarín- día 10, a las 19´00  h., una cantante con estudios en la Unión Musical de Yatova, desde muy joven, donde probaría como oboísta y pianista antes de continuar en el Conservatorio José Iturbi  mientras lograba licenciaturas en materias que poco tenían en común con lo que nos concita, destacando entre sus maestros Anatoli Gousssev, Daniel Muñoz y Ryan Borges. Colaboró profesionalmente con agrupaciones barrocas especializadas: La Europa Galante, de Fabio Biondi; L´Arpeggiata, de Christina Pluhar; el Concierto Español, de Emilio Moreno; la Camerata  S. XXI; Hippocampus; Forma Antiqva; Vespres d´Arnadi; La Rittirata; la Camerata Antonio Soler; Euskal Barrockensemble; Academia del Piacere o Sarao de Musas. Interpretó roles como Despina (Cosí fan tutte), de Mozart o la Reina de la noche, de La flauta mágica, con Ópera Duende, además de contar con  registros como La forza del Divino Amor,  un oratorio de Bernardo Gaffi, con el Ensemble Pianforte; Insólito estupor, con Forma Antiqva o Artaserse, ópera de Tarradellas, con la Real Compañía de Ópera de Camara o la Lacrimae de Eros, con la Accademia del Piacere. Para el programa anunciado, obras  de José Marín, una tradicional sefardí- La rosa florece- y otras de Juan Hidalgo.

José Marín (1618/1699), maestro del que tendremos obras como Ojos pues, desdeñais; Niña como en tus mudanzas; Tortolilla si no es por amor; La noche tenebrosa; Sepan todos que muero, compositor y autor de relevantes canciones, muchas de tradición sacra, quedando su biografía cargada de dudas aunque recibió la confianza para ejercer el cargo de la Capilla Real en Madrid, en condición de tenor mientras que prestaría servicios en la Iglesia de La Encarnación, un período escaso de datos fiables y con serías lagunas documentales. En noviembre de 1654, pasaría un tiempo de reclusión carcelaria por acusaciones de hurto, de la que intentaría escaparse con la ayuda de su madre, aunque por ese delito sería pronto puesto en libertad; en  juego de situaciones que al parecer, tendría reincidencias, colaborando en los robos de la casa de Pedro de Aponte, que traería como consecuencias castigos físicos, además de la suspensión de las órdenes sacerdotales que le supondrían el destierro. Saldoni recogerá la noticia de su muerte en la Caceta de Madrid, el 17 de agosto de 1699: Murió Don José Marín, de ochenta años, conocido dentro y fuera de España, por su habilidad en la composición y excecución de la música. Este músico fue redescubierto por Pedrell, quien se deshizo en elogios hacia sus obras, considerándolo el músico español más indígena de todo el siglo XVII. Su música sigue considerándose muy interesante. Las fuentes principales para conocer su faceta como compositor, son el Cancionero de Cammbridge, el manuscrito Gayandos-Barbieri, y las composiciones procedentes de otros manuscritos,  guardados en la Biblioteca Nacional de Madrid.

Juan Hidalgo-  Esperar,sentir, morir; Ay, que me río de amor; Ay que sí, ay que no; Tropicábanlas amor; De las luces que en el mar, intercaladas con una pasacalle, de Gaspar Sanz, turolense con asentamiento en Madrid y con Estudios en Salamanca, viajaría por Italia, en donde tendría importante predicamento, en su calidad de guitarrista, tras haber ganado la consideración profesional como músico al servicio de Don Juan de  Austria para el que escribiría el tratado Instrucción de música sobre la guitarra española y método desde sus rudimentos hasta tañerla con destreza, publicado entre 1674 y 1697, obra que no solo era un tratado del instrumento, sino que contiene numerosas canciones populares y danzas españolas. Gaspar Sanz había estudiado en Italia con Caresana, Benevoli y Ziani. Hidalgo, es capital en importancia en la música del XVII, pero esplendor especial conserva su zarzuela barroca La púrpura de la rosa, verdadero capricho de especialistas  en músicas con criterios historicistas, como podemos comprobar en la actualidad por las veces que pudimos acceder a ellas, obra que había sido todo un acontecimiento en el Coliseo del Gran Retiro, en el mes de enero de 1660, para celebrar el matrimonio de la Infanta Teresa, con Luís XIV, de Francia. En esencia, será uno de los compositores teatrales a tener en cuenta, obras que se añaden a las de obligación sacra y piezas instrumentales  en estilo de canciones que mantendrán su interés especialmente en estos años de recuperación historicista. Fue conocido fundamentalmente, como era obligado, por ese capítulo de obras profanas, la importante serie de tonos humanos y las mentadas comedias o autos sacramentales, de los que se reconoce su autoría al menos en nueve de ellos. Sobresalía por si vinculación con la Real Capilla.

Para el día  12, en la Casa da Cultural de Ourense, a las 20´00 h.,  actividad ilustrativa a través del mundo del cine abarcando todas épocas que han tenido refrendo en el llamado Séptimo arte, mostrando el mundo del arpa o las arpas y que tuvieron un claro protagonismo que se nos presenta bajo el reclamo Travellig para el arpa con detalles musicales detallistas, que impartirá el arpista Manuel Vilas, director del grupo Ars Atlántica, con presencia habitual en certámenes de esta índole, como el recientemente clausurado De Lugares e  Órganos, que promueven Belén Bermejo y Andrés Diaz, que en su cita ofrecieron su programa dedicado a Cidades de Ouro e Prata. Música entre España e o Vicerreitorado do Perú, proyecto cuidadoso de investigación que recuperaba un patrimonio musical hermosísimo y casi olvidado, de los siglos que abarcaban desde el XVII al XIX,un diálogo vivo entre la Metrópoli y el antiguo Vicerreinado del Perú, material procedente de ciudades como Ayacucho o Cuzco, material musical heredado del mundo andino, como yaravíes o el singular harawi, de tradición incaica, que en esos conciertos convivían en un espacio pleno de contrastes, colores y memorias ancestrales que Manuel Vilas contribuyó a recuperar en  el disco Yaya Kuntur (Padre Condor), serie de himnos en latín y quechua, interpretados por la cantante Magali Revollar y el tenor Diego Blázquez. El concierto en De Lugares e Órganos, habían sido protagonistas la propia Magali Revollar; el organista Marco Brescia; la gambista Sara Ruíz; Alan López, guitarra y Manuel Vilas como arpista con instrumento vicerreinal peruano y dirección.

Ramón García Balado

Karl-Heinz Steffens: Obras de Mozart y R. Schumann con la OSG

Palacio de la Ópera, A Coruña

Karl- Heinz Steffens dirigirá a la OSG en el Palacio de la Ópera de A Coruña ofreciendo en programa le Sinfonía nº 36, en Do M. K.425 (Linz) de Mozart y la Sinfonía nº 4, en Re m. Op.120, de Robert Schumann-días 8 y 9, a las 20´00 h.-, un maestro con fundamentos en la Jugenorchester Rhinelandplatz y que siguió el magisterio de Ulf Rodenhäuser, en la Musik Academie, de Stuttgart, tras especializarse como clarinetista en el Staats Theater, de Frankfurt, antes de integrarse en la Rundfunk Sinfonie Orchestra, de Baviera, entre los años 1989/96 y ocupar la plaza de primer clarinetista en la Berliner Philarmonie Orchestra. Recibió asesoramientos de Lorin Maazel, Kurt Masur y Sir Colin Davis, probando experiencias en el género camerístico con profesionales como Wolfgang Sawallish, el propio Maazel, el Cuarteto Auryn, el Fine Arts Quartet o el Leipzig Quartet, y participó en certámenes como el Schlewig- Holstein y en el Festival de Salzburgo y ejerce la docencia en la Academie Hanns Eisler (Berlin) y en la Escuela Superior Reina Sofía, de Madrid.

Wolfgang Amadeus Mozart- Sinfonía nº 36, en Do (Linz) K.425- quizás una de las primeras grandes sinfonías de la etapa vienesa, producto de un descanso estival, acompañado por su padre Leopold  por su hermana y su compañera Constanze, recibiendo entonces una generosa acogida, en especial por parte de conde Thun, siempre predispuesto a otorgarle un trato de favor y admiración. Obra resuelta en el breve espacio de menos de una semana y con cierta inspiración en su maestro F. J. Haydn, que ayudará a perfilar sus aspectos academicistas, detalle que reconocerán los especialistas más agudos, obra que efectivamente, no podrá compararse con otras posteriores que vendrán casi de inmediato, pero manteniendo un vigor y un ardor que se expresaba dentro de un diálogo meditativa. En propia confesión, admitiría que ante la urgencia apremiante de su estreno, se vio obligado a escribirla bajo los condicionantes de un tiempo apremiante.

Comienza con un preludio en forma de Adagio. Allegro spiritoso, en el marco de una especie de canto en unísono, encadenado en un juego de imitaciones entre los primeros y segundos violines, en respuesta con fagotes y oboes, en un diálogo que ayuda a realzar la calidad de sus matices, hasta alcanzar un acorde de dominante que nos ubica en el Allegro spirituoso, que se manifiesta con un tema extenso, llegando a un tutti que mucho tiene de ritornello, imponiendo una energía de suma importancia. Un nuevo ritornello, más amplio, abunda en modulaciones hacia un ostentoso forte dramático que impone la coda.  El Andante, ofrece un tema delicado con un ritmo de siciliana, en el que destacan la importancia de los instrumentos de viento sobre pizzicati, en manos de los bajos, al borde de una entrada de tresillos con aire danzarín, que deja argumentos para un ritornello y que introduce detallados aspectos expresivos.  El Minueto, aparece en dos partes de manifiesto encanto sobre ritmos descendentes en la primera aguda y grave, y en la segunda, con imitación entre las cuerdas; violines y oboe, aportan un trío de una frescura apacible, antes de llegar al Presto, ligero y de clara elegancia, sujeto por un ritornello final expuesto tras un desarrollo realzado por una cadena de timbres instrumentales, que preparan la recapitulación. Verdadero ejercicio de credibilidad en una obra que se creía de circunstancias, pero que confirma el grado de maestría formal.

Robert Schumann- Sinfonía nº 4, en Re m. Op. 120-, obra en la que despliega una considerable energía, en medio de abundantes dudas circundantes, aunque cronológicamente será la Segunda, fue anunciada al principio como tal, antes de tener una revisión diez años después, para publicarse en 1853, y para entonces, ya se conocían otras dos sinfonías, la compuesta en Do- Segunda- y la Tercera, en mi bemol, de modo que esta, se convertirá en la Cuarta. Su pasión no había perdido pujanza, ya que en el meollo de los años cuarenta, de clara referencia con la evolución de tanteo con esta obra, el autor había abordado su primera incursión coral con orquesta-Tragödie-; un tríptico de poemas sobre H.Heine, que no llegó a completar y que terminaría utilizando en sus Romanzen und Balladen Op. 64; una  canción que acabará incorporando a Schlummerlied, en las Albumblätter, op. 124, que tendrán edición en 1854 o también esbozos de una ópera, que no llegarán a buen puerto, mientras sí componía un oratorio sobre El Paraíso y la Peri. Schumann, no renunciaba a sus tentativas como teórico musical, a través de sus escritos en la Neue Zeitchrift. En cuanto a esta Sinfonía nº 4, en Re m. op.120, nos hallamos ante un trabajo que se ofrece sin solución de continuidad, y cuyo primer título había sido Fantasía Sinfónica, tras su presentación en Leipzig, en 1841, obra que pretendía un ideario de mayores pretensiones, para encumbrar las exigencias de ese estilo sinfónico.

La Introducción-Allegro, demuestra precisamente la necesidad de distanciarse de los patrones estilos tradicionales, con el tema Allegro, elaborado dentro de forma de sonata, en los primeros temas, en los que el segundo pasa al relativo Fa mayor, en medio de numerosos motivos secundarios que se le asimilan, apareciendo de súbito un tema principal que anima todo el movimiento el toda su extensión, entre numerosos dibujos audaces de una intensa vitalidad, con una conclusión de apariencia triunfal, que se rompe bruscamente con un acorde en Re m.  La Romanza, en La m., ofrece una delicada melodía, particularmente expresiva, gracias al protagonismo del oboe, doblando a los violonchelos y que será desplazada por un tema ofrecido en la introducción, que se mantendrá en toda su extensión, tiempo que se encauza hacía un Scherzo, que remite a ideas procedentes de la obra en su conjunto. El Finale, anunciado de forma pausada, resulta un Andante, de 16 compases, que se explaya a modo de movimiento conclusivo en el contexto de una sonata libre, que recupera el tema principal y del que saldrá un Vivace elaborado sobre dos motivos de importante desarrollo, permitiendo a Schumann el objetivo de una recapitulación con una idea brillante  y cerrando con una stretta presto de pinceladas heroicas.

Ramón García Balado