Encuentro de Plural Ensemble con Mercedes Zabala, en Contemporáneas

 Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

Concierto de la serie Contemporáneas con el Plural Ensemble de Fabián Panisello en  la Sala Mozart del Auditorio de Galicia- día 13, a las 20´30-, en un especial dedicado a la figura de Mercedes Zabala, agrupación con la que contamos regularmente en programaciones de obras de nuestro tiempo, como la ofrecida el pasado otoño en la convocatoria Vertixe 13 Reflexos 20/21 , en San Domingos de Bonaval, en homenaje a las figuras de Rodolfo Halffter y Antonio Machado, en un oferta de obras de se repartían entre Benjamin Britten, George Benjamin, Ethel Smith, Alicia De La Fuente, Helga Arias y Rodolfo Halffter. El grupo de Fabián Panisello, Plural Ensemble, participó en certámenes, como Présences (París); Ars Musica (Bruselas); la Quincena Donostiarra; el WDR de Colonia; el Konzerhaus de Berlín; el Klangspuren Schwaz (Tirol) y otros del ámbito internacional, con obras de Peter Eövöts, Marco Blaauw, Alda Caiello, J.M. López- López; Peter Csaba, Johannes Kalitzke, Hilary Summers o Toshio Hosokawa, realizando registros para los sellos Col Legno, Columna  Music, Verso, IBS o  NEOS.

Fabián Panisello estrenó obras de compositores actuales en Festivales como los de Donaueschigen, Bienal de Venecia, Otoño de Varsovia, Wien Modern, entre otros, debutando con formaciones como la OSG, Tonkünstler O.; al tiempo que ejerce la cátedra de Composición en la Escuela Reina Sofía, siendo también invitado por la Royal Academy of Music, la Eövöts Foundation, la Jerusalem Ac., y el Mozarteum de Salzburgo. Obras suyas fueron estrenadas por el Cuarteto Arditti, el Ensemble Modern, la Tonkünstler, habiendo estrenado trabajos como Die Judith von Shimoda, un compromiso del Festival de Bregenz, o dentro del mismo género, la ópera Le Malentendu e Les Rois Mages. En este espacio de obras en estreno, destacan el Concierto para trompa, de R. Vlatovic; Seven Japanese Sketches, (R. Ortega/Amaury Quartett); L´âge de la raison (P.Corrado, Syntax, Milan); Written in Blue (M. Blanco y la Sinfonietta ESMRS), resultado de sus compromisos como Compositor en Residencia en Grafenneg. Obras suyas cuentan con el aval de Peters Editions.

Mercedes Zabala, una de nuestras creadoras a la cabeza  de la vanguardia española, acapara este monográfico que a ella dedica el grupo. Es titular de Armonía en el Real Conservatorio de Música de Madrid, además de pianista integrante del Grupo Secuencia, en el que compagina labores de indagación en el mundo de las artes escénicas, incluyendo iniciativas de improvisación en toda su extensión. Desde la década del año 2000, se implicará en las formas de estudios de género, presidiendo con otras compañeras el Instituto de Investigadoras Feministas de la UCM. Fue Profesora del Conservatorio Teresa Berganza de Madrid, en donde dirigió el Departamento de Composición durante una década. Es invita regularmente a participar en cursos por los Centros de Mayor Prestigio. Resultado de estas experiencias, será el programa que hoy escucharemos.

Nieve sobre nieve (haiku) 2005, a efectos reales una visión en conjunto de las obras de los últimos veinte años, y que se despliega a través de un serie de claves poéticas junto a otros aspectos relacionados con el agua con su ausencia, partiendo frecuentemente de figuras poéticas y de referencias literarias. El agua, curiosamente, tuvo un notable protagonismo en dos de los conciertos anteriores de Contemporáneas, el del Trío Zukan-Gorka Catediano, Jon Ansorena y María Zubimendi- y en el de Música Práctica con el multi-instrumentista Abraham Cupeiro.  Nieve sobre nieve, introduce la poética de  Variaciones en blanco (2008), sobre la obra del mismo título de Ada Salas, poeta cuyos textos han sido puestos en atriles en más de una ocasión convirtiéndose por ello en un encargo del propio grupo, fruto preciso de una sentida colaboración y compromiso.
Thomas Bernhard deja razones en otras de las tres piezas,  inspirándose en su obra literaria Helada, hablaríamos de Sin pájaros (para viola y piano), encargo de la Fundación Ibermusica, para la temporada 2024/5 que será precedida de otro haiku,  Un pájaro en el jardín, resolviéndose en actitud claramente optimista en Implacable Ice (2012), también un encargo en esa ocasión, procedente de la pianista  Antoinette Loffredo, un trabajo destinado al Proyecto Internacional Antarctica y en el que el hielo de manifiesta como una fuerza de la naturaleza gracias a su dureza en el transcurso del camino de la propia  vida.

Al margen de estas presencias literarias en sus evocaciones, nos encontraremos con Omen (Presagio), forma de exilio en su expresión confiada para flauta baja- obra en estreno-, con destino al Festival Midt i Mars, de  Dinamarca con estreno en 2021. Desvío encargo en esta ocasión del Grupo Enigma en 2015, que no remite a la Segunda parte de El Quijote. Presentes están los desvaríos tomados de la narrativa que inspira la pieza, trazados a través de ideas musicales que nos trasladan hacia un espacio al que parece desear llevarnos, concluyendo en los dislates de las consecuencias postreras, manifiestas en el solipsismo peculiar del Caballero andante. Bipolar, 2022, encargo del Zahir Ensemble, pieza que debe entenderse en un doble sentido desde una perspectiva psicológica resultante de una oscilación anímica extrema, hacia una conclusión elaborada por diferentes ejes que se expresan entre las alturas, la gestualidad, la dinámica, las densidades, oponiéndose en un momento concreto de los dos universos  musicales, procedentes de otras obras en enfrentamiento. Cual (Un ciervo en el desván) (2024), es un crisol de referencias poéticas, teatrales y musicales, halladas de forma casi inconsciente el desván de la memoria personal de Chantal Maillard , en su poesía Lo que el pájaro bebe en la fuente y no es agua. En esencia, Chantal Maillard, nos acerca a un diálogo con fragmentos de Pierrot Lunaire, de Arnold Schönberg. Plural Ensemble, entre alusiones a pasajes de Feldmann, Eisler, Franco Donatoni, el propio Panisello y otros compositores, responde en este programa a un encargo del INAM, del año 2024, destinado a destacar la figura de Mercedes Zabala.

Ramón García Balado

Piccolo concerto de J. Bugallo Senra, por la Banda Municipal

 Teatro Principal, Santiago de Compostela

Sesión de la Banda Municipal dirigida por su titular David Fiuza Souto en el Teatro Principal- día 12, a las 12´00 h-, incluyendo en programa el Piccolo concerto para flautín de José Bugallo Senra, del que será solista quien fuera su alumno Adrián Silva Magdalena, para completar con una propia de repertorio de la  tradición centroeuropeas como son las Danzas eslavas Op. 46, de Antonin Dvorak, típicas del repertorio sinfónico al que también son afines las bandas populares. José Bugallo Senra, se formó en  los Conservatorios de Pontevedra y Vigo, especializándose en dirección de banda en la ISEB (Instituto Europeo Bandístico), en las materias de composición e instrumentación. Pasó por el CMUS de Lalín, probando también en el Proyecto Sharpmony, promovido por la Universidad de Extremadura. La obra que ofrece en programa, el Piccolo concertó, fue dirigida en su estreno por un director de prestigio, Marcel van Bree, en 2024. Igualmente, en su dilatada trayectoria, tuvo una etapa de estudios en Trento (Italia) y dentro de las agrupaciones de nuestra tierra en las que dejó recuerdo, recordaremos su etapa en la Banda de Muimenta, en la que se estuvo durante un período de cinco años, tras ocupar la plaza de J.L. Represas Carreira.

Adrián Silva Magdelena, pasó por la Banda Xuvenil de Barro, antes de especializase en los Conservatorios de Pontevedra y Vigo, en donde tuvo como tutor a Fernando Raña, destacando especialmente los años de consolidación adquiridos en la EAEM (Escola de Altos Estudos Musicais), en donde tuvo el privilegio de asistir  a las docencias entre 2004/7,  de Laurent Blaiteau o Luís Soto, miembros destacados de nuestra Real Filharmonia de Galicia, entre otras actividades, sobresale su participación como miembro en el Quinteto Rubato, agrupación con la que realiza frecuentes giras, que les llevan a países como Brasil, en donde tendrán la oportunidad de colaborar con formaciones como la Banda Filarmónica do Rio de Janeiro o la Banda Sinfónica de Cubatao. También merece mención su etapa de profundización con CODARTS Roterdam, en donde tuvo el beneficio de ampliar conocimientos técnicos con Merman van Kolemberg; Juliette  Hurel y Vicent Cortvint.

Antonin Dvorak, en la serie de las Danzas eslavas, repartidas en dos entregas, una primera que nos interesa para el programa de la matinal, la Op. 46 y una siguiente que compendia la Op. 72,  obras que siempre invitaron a los tratamientos más diversos, dejando oportunidad a los recursos en transcripciones para banda, una opción genuinamente frecuente y que no traiciona el espíritu del creador, confiando en el ingenio de quien se permita las libertades en libre ejercicio de fidelidad. Una experiencia a la que estamos acostumbrados aceptando que las piezas en su conjunto, ocho danzas para cada una de las colecciones, había sido escritas para el teclado, en la modalidad de cuatro manos, antes de decidirse por su definitiva orquestación, a través de una sugerencia propuesta por el editor Simrock, el mismo que a través de Johannes Brahms, había recomendado al moravo. En lo relativo al grupo de las Op. 42,  las números 1, 3 y 6, habían sido estrenadas como es preceptivo en Praga, bajo la dirección de un ilustre como Adolf Cech, piezas que se resuelven desde un Presto (en Do M.) Furiant; un Allegro scherzando (en Mi  m.); una popular Dumka de procedencia ucraniana; un Poco Allegro (en La b M.), especie de polca; un tempo di menueto (en Fa M.) susedska; un Allegro vivace (en La M. skocna; un Allegro scherzando (en Re M. skorna, para concluir en un Airoso Presto en Sol m., propuesto en la modalidad de Furiant. Especialista habría que sostendrían que en su evolución, el autor moravo se fijaba para el tratamiento de sus obras, se fijaba de forma especial en las melodías del habla cotidiana, y de forma notoria a lo largo de su trayectoria, tendrá refrendo en los años postreros de su vida, aspecto que abarcará en el apartado de sus obras sinfónicas y muy especialmente en las camerísticas para no olvidarnos del apartado de su óperas, como Rusalka, Kata Kavanova, La zorrita astuta o la escalofriante Desde la casa de los muertos. Dvorak anotaba escrupulosamente los estilemas que percibía en cada una de las frases que escuchaba, imprimiéndose de los matices más sutiles a los que concedería su propio sesgo, una labor dentro del contexto de esas raíces populares y que compartiría en cierta manera con Leos Janacek, o con Smetana. En las proximidades aparecerán Béla Bártok o Kodaly, una verdadera convulsión de estéticas de las que se beneficiarán culturas cercanas, que no se ciñen exclusivamente al mundo eslavo. Dvorak había tenido en su juventud la posibilidad de acercarse al magisterio de una autoridad como la de Josep Spitz, un músico que conocía en profundidad las tradiciones folklóricas por lo que lo sería extraño encontrarnos en el legado de sus obras sinfónicas, con una perfecta asimilación del color y del sabor impregnado de esas  tierras bohemias, llevadas a su máxima dimensión, aspecto que como bien sabemos, se ha convertido en una constante de su ingenio creativo.

Ramón García Balado

Rocío Marquez: Himno vertical, en Fiestra aberta

 Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

El ciclo Fiestra aberta recibe a la cantaora Rocío Márquez en el Auditorio de Galicia-día 11, a las 20´30 h-, acompañada por el guitarrista  Pedro Rojas-Ogáyar, dentro de un proyecto del INAEM, con una escenografía de Roberto Martínez, iluminación de Benito Jiménez, sonido de Javier Mora  y la colaboración de Carmelo Camacho. Nacida artísticamente con Gloria Muñoz, antes de trasladarse a Sevilla donde sería becada por la Fundación Cristina Heeren, que le permitiría tomar clases con José de la Tomasa y Paco Taranto, mientras obtenía la diplomatura en magisterio de la música por la Universidad de Sevilla, paso directo a la obtención de su primer galardón, la Lámpara Minera del Festival de Cante de Minas de la Unión, logrando cuatro primeros premios, una consideración que solo alcanzaría Miguel Poveda. Sus actuaciones la llevaron a cumbres y teatros a nivel internacional, dejando en su trayectoria trabajos como Sevillanas y vírgenes- de la colección Lamparas de Mina, junto a Esperanza Fernández; Aquí y ahora, para Séptimo sello; Tango, con el tenor granaíno J. M. Zapata y artistas como Poveda, José Mercé, Marina Heredia, Pasión Vega y Ángela Cervantes. Claridad, será un compromiso para Universal Music, con Alfredo Lagos, Jorge Pardo y Rosa Torres Pardo, para seguir con el Falla de La vida breve, con la ONE, dirigida por Josep Pons.  En la Fundación Juan March, en una de sus emblemáticas actividades, reservó con la pianista Rosa Torres- Pardo, una velada en la que interpretaron  canciones armonizadas de Lorca: Las tres hojas  y La tarara; una popular Debla; la Nana, de las Siete canciones populares españolas; El Amor brujo, de Falla y de Albéniz, para la pianista, El Corpus Christie en Sevilla, de la Suite Iberia.

 El peso de Mairena fue determinante en una primera generación de cantantes entre los que destacaban Arcángel, Estrella Morente, Mayte Martín y Miguel Poveda, algunos que no procedían de ninguna tradición flamenca a la hora de buscar raíces como las de Pastora Pavón La Niña de los Peines, pero casi de inmediato, nos encontraríamos con esta nueva hornada en la que cobró notable importancia esta onubense, Rocío Márquez, que supo superar todo complejo, dando un paso más adelante sin trabas a esa ansiada libertad creadora, una voz que se plantó asistida por el guitarrista Miguel Ángel Cortés, en el XVII Cante de Las Minas de La Unión. Para el analista Jesús Ruiz Mantilla, siempre habíamos tenido en mente al cantaor como artista intuitivo, a lo que ella respondería: Depende a quien se lo digas. Para mí, por encima de lo bueno y lo malo, es lo que soy. Si intentara cantar de otra manera o fingirlo sería absurdo. En mi generación no podemos abordar el arte como si hubiésemos conocido una guerra o pasado hambre. Los estudios, hoy en día son básicos. Hay que reformar el discurso, si nos quedamos con lo de otras épocas entramos en el desfase. En otro momento de la charla, recordaba ella que su abuelo tenía una taberna típica, con una cabeza de toro, y allí cantaban muchos hombres en la barra. No sé la cantidad de servilletas que guardo con las letras que escuché  o me soplaban mi tío Miguel, que me daba consejos. Por otro lado, me metieron en el Conservatorio para estudiar piano. Mi maestra de canto Gloria Muñoz, era soprano. No me quedo mucho en mi mundo, aprendo de los que voy conociendo y en esto me ayudó mucho Enrique Morente.

La convergencia con el gambista Fahmi Alqhai, cristalizó en su experiencia Diálogos de viejos y nuevos sones, una atractiva combinación de música antigua y  flamenco, que tendría un espectacular encuentro en la Bienal de Sevilla, en septiembre de 2016, en la que ambos estarían acompañados por el percusionista Agustín Diassera, el gambista había extraído todo tipo de recursos entre rasgueos a pizzicato, transportando un eco antiquísimo y un timbre añejo, con soluciones nada convencionales, Rocío, resultó el vehículo aterciopelado que trató las canciones de forma templada y muy ligada, según demandaban los textos, para transmitir la justa emoción, dulce, pero nunca empalagosa, manejándose con su voz alargada por la serie de melismas contenidos y elegantes.

Ritos y geografías para Federico García Lorca, resultaría la cátedra de vanguardia flamenca presentada en el Teatro Real,  con el maestro Pepe Habichuela y ella como sublime protagonista, una voz que atravesaba el tiempo y que nada más subir el telón, mostraría un plantel fascinante por el asombroso duende que embrujaría  a los asistentes, Lorca seguía siendo el canon como primer organizador del Primer Concurso del Festival de Cante Jondo, allá por 1922, marcando el camino a través del cual todo podía fundirse. Dentro de las ya mil veces atravesada senda que nos legó con sus canciones y poemas, ha entrado en el siglo XXI, cargado de bríos seductores y Márquez logró sacarlo a escena vestido de pureza y tradición, amparada en ese discurso por Pepe Habichuela y el arropamiento de los Mellis, a las palmas, para entregarnos una serena versión de El diamante, la profunda carga emocional de En el Café de chinitas o en La reyerta, de El Romancero gitano. Colegas de esa experiencia compartida, habían sido Carmen Linares, figura veterana dentro del flamenco, la presencia del equipo del Proyecto Lorca, concebido por la  cantaora junto a Pedro G. Romero, el sonido a cuatro bandas que formaron la cantaora y el pianista Daniel B.Morente, el saxofonista y clarinetista Juan M. Jiménez; las percusiones de Antonio Moreno, entre castañuelas, xilofones, en una llama novedosa dentro de una revelación nunca vista. Para completar el cuadro de profesionales cercanos al cante grande, un compositor clásico que supo encontrar en sus ancestros una permanente fuente de inspiración, se trataba de Mauricio Sotelo, autor de la obra escénica El público, pura inspiración lorquiana, quien no quiso perderse la oportunidad de estar presente en el ágape. Aquella simiente lorquiana impregnó las inquietudes indagadoras de Rocío Márquez, quien pretendía abrir nuevas dimensiones de esperanza para un arte musical en plenitud, siguiendo las tradiciones  del flamenco, siempre deudora de Morente y de los mejores clásicos, un dulce y sereno arte, en manos de esta figura seductora y ejemplar, que como podemos comprobar, comienza a marcar época.

Ramón García Balado

Rapsodias Africanas, para (En) Foco, con el protagonismo de Seckou Keita, intérprete de kora

 Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

Concierto que se anuncia como Rapsodias Africanas con obras de Seckou Keita, intérprete de kora, y que cuenta con arreglos de David Mantovani, con la RFG, dirigida por Clark Rundell, en el Auditorio de Galicia, día 10, a las 20´30 h-, con sesión previa de Preconcierto en la Sala Mozart- 19´45- a cargo alumnos del Curso Avanzado de Especialización Orquestal, dirigido esta vez por Timur Sadikov, una sesión en la que participarán las violinistas Caterina Barbosa y Marie E. Cooper, la viola Inmaculada de Muedra, el chelista Javier N.Casamayor y el contrabajista Nicolás García, para ofrecernos el Quinteto nº 2, en Sol M., Op. 77, de Antonin Dvorak, obra con influencias de Smetana, y que había sido  estrenada por el Cuarteto de Bohemia, composición en cuatro tiempos comenzando por el Allegro con fuoco, que en ciertos aspectos podrá recordar al Quinteto La trucha, de Schubert, destacando el diálogo entre el chelo y el contrabajo, y un desarrollo que se apoya en el tercer motivo de la introducción para alcanzar la coda en un più mosso, el Scherzo, Allegro vivace, resulta perfectamente simétrico con la aparición de ritmos de dumka, y un episodio central de gran expresión lírica; el Poco andante, aporta  una larga cantinela en el primer violín con respuesta del chelo en contrapunto, trenzando un magnífico acompañamiento y el Allegro assai final, nos traslada a una atmósfera ardiente y distendida, en un rondó de frases melódicas con detalles que se mezclan para combinarse mejor dentro de una vitalidad exuberante. Idea de su período eslavo por la estilización de las formas, un ejemplo que se mantendrá como afortunada experiencia en el catálogo de su legado camerístico ya desde el momento en el que Antonin Dvorak, era violinista en los atriles de la Orquesta del Teatro Provisional Checo de Praga, y componía obras como el Quinteto de cuerdas en La m. Op. 1, del que no se conocerá su destino, aunque no disimule cierto talante mozartiano, en el que asoma un finale, curiosidad que habrá de esperar por su edición hasta el año 1943.

Clark Rundell, formado en la University of Chicago con John Paynter, además de especializarse en trombón Frank Crisafulli, músico que dirigió agrupaciones como la Britten Sinfonietta, la Royal Northern S.O.; la Royal Liverpool Philharmonie, el Klanforum Wien y en el espacio de formaciones actuales, el Asko Ensemble o el Ensemble 10/10. Estrenó espectáculos operísticos como Clemencia de John Macmillan, en la Royal Opera House o Voces & Votos, de Orlando Gough, en el Festival Int. de Bergen que se añaden a títulos más frecuentes como A turn of screw, o Albert Herring, de Britten; Kata Ka´ta Kabanova, de Janacek, junto a The cunning Little Vixen; L´enfant et les sortiléges, de M.Ravel o La hora española.  Colabora con artistas como Louis Andriessen, con el que mantiene una regular frecuencias en trabajos como Vermeer Fotos; Steve Reich, R. Rodney, Brad Meldau, el Wayne Shorther Quintet, Toumani Diabete, Gary Carpenter, Steve Martland, Bob Brookmeyer o Lew Tabakin.

Seckou Keita, es intérprete del tradicional kora, repertorio de implantación preferentemente senegalesa y en esos países centroafricanos, músico perteneciente a una larga saga de arraigo familiar, y que comenzó su carrera con su tío Soto Sissokho, presentándose por ello en giras europeas de implantión multicultural, tanto a solo como con agrupaciones compartidas, trasladando su residencia a Inglaterra para participar en citas como WOMAD o el Festival de Música Sacra de Irlanda, recibiendo nominaciones a galardones de los Premios WOMAD, tras formar su propio grupo Keita Quartet, en 2004, que se ampliará a formato de quinteto, con la adición de su hermana Binta Susso, en el canto, mientras organizaba talleres de percusión y kora con el Music For Change, Creative Partnership y el WOMAD. Respecto a  la kora, instrumento asentado en Senegal, Gambia, Guinea-Bissau y Mali, supondrá para Keita, la posibilidad de realizar contribuciones para el desarrollo de sus afinaciones originales, a partir de 2002, teniendo en cuenta que cada uno de esos países tendrá sus evoluciones logradas a partir del paso de las generaciones, y que en su caso, encontrará resultados perceptibles en colaboración con su primo Aliou Gassama, quien crearía una  kora de doble cuello, que ambos compartirán. Históricamente solo los maestros- griots, detentaba el acceso a esas tradiciones, pero la evolución de los tiempos, trajo una considerable transformación en el límite de remarcar fronteras, abriendo espacios de confraternización con las corrientes evolucionadas del jazz. Rapsodias Africanas, resultará pues un diálogo sonoro a varias bandas, dejando a Seckou Keita ofrecer su magisterio a partir de los arreglos que le propuso David Mantovani.

La kora, instrumento de tradición en esos países, es un instrumento más atractivo del África negra occidental, una mezcla de laúd y arpa, que se ejecuta habitualmente como solista- al menos hasta donde hemos llegado-, o más comúnmente para asistir a los griots; también se toca en dúos, por ejemplo con el balafón- estilo de xilofón o en orquesta. Consta de una caja de resonancia formada por media calabaza de gran tamaño- entre 60 y 70 cm, de diámetro, cuya parte convexa está ampliamente rodeada por una piel tensada y sujeta con clavos de cobre. Cerca del mástil lleva un orificio circular con el contorno decorado con un dibujo similar al rosetón de los antiguos laúdes europeos, el resto de la caja aparece a veces adornada con motivos geométricos hechos con clavos. De la caja sale un largo mástil de madera, cilíndrico, al cual van atadas 21 cuerdas de tripa-algunas de las cuales son melódicas- por medio de anillas correderas de cuero. El puente, de gran tamaño (20 cm. de alto), lleva practicadas diez muescas sobre uno de los laterales y once sobre el otro, apareciendo así las cuerdas divididas en dos filas, razón por la cual a veces el instrumento es considerado como un arpa doble. Lleva también dos palos cortos que hacen las veces de agarradores, fijos en la caja de ambos lados del mástil. A veces se coloca sobre el puente una pieza para producir ruidos diversos, que suelen ser una placada de metal con pequeñas anillas sonoras en su contorno. Las notas producidas por las filas de cuerdas abarcan la extensión casi de tres octavas. La afinación del instrumento de Senegal encuadra en este modelo que difiere del arpa-laúd guineano, de 19 cuerdas cuya afinación se consigue con ayuda de las anillas que se deslizan por el mástil, permitiendo tensar las cuerdas a voluntad.

El entorno de la familia de los Keita, cuenta también con figuras como Salif Keita, músico que Hace tiempo puso en primera línea de divulgación su trabajo M´Bemba (Los ancestro) que llegó a presentarse en nuestro país con para en el Auditorio de Galicia, un proyecto asentado por la alegría de su discurso sonoro, en el que manifestaba  ciertas afinidades con las herencias de los gitanos sustentada en que los malienses tienen una cultura cercana a la árabe, la misma que lejanamente hallamos en Andalucía  y por esa vía encontramos un amalgama que facilita el acceso al flamenco, una propuesta para la que Salif Keita, recurría a los arreglos de Kanté Manfila, su principal maestro por una amistad que se remontaba a 1973, en M´Bemba, colaboraba con su kora Toumani Diabeté. Otro valor dentro de este apartado, es el guineano Mory Kanté, artista que cuida hasta el mínimo detalle su aparición en escenas confirmadas en el resultado de sus piezas, elaboradas a partir de un puñado de contagiosos y machacones ritmos soleados, también un dotado intérprete de kora y balafón, dejando fe en trabajos como Sabou, editado por Riverboot/Karonte, músico nacido en el seno de una familia de griots aunque considerándose como ejemplo de los tiempos modernos, esos griots que son los trovadores, historiadores, poetas, narradores y cuyo papel artístico no solo no ha desaparecido, sino que cada vez tiene mayor presencia en la sociedad africana, Griots o Jalis, asentados en el subcontinente negro y en el caso africano, en cuanto a Senegal, ha dejado personajes como Baaba Maal, Dudu N´Diaye Rosé, Kausu Kuyate, Ismael Lô, Touré Kunda, Xalam o Youssou N´Dour, la mezcla entre esas músicas africanas y andaluzas, no solo funciona perfectamente, sino que en el caso de Toumani Diabeté, parecería que este músico hubiese tocado flamenco a lo largo de toda su vida.

Ramón García Balado