Antonio Martín Hernández, Javier Nicolás Casamayor Camacho y Lola Olmo, en el Paraninfo da Universidade

 Facultade de Xeografía e Historia, Santiago de Compostela

Tres intérpretes para el concierto de Fin de Curso de la EAEM, en el Paraninfo da Universidade- día 2, a las 19´30 h- el clarinetista Antonio Martín Hernández, el chelista Javier Nicolás Casamayor Camacho y la percusionista Lola Olmo. Antonio Martín Hernández, tendrá la Sonata para clarinete y piano en Fa m. Op. 120, de Johannes Brahms, obra en sus tiempos Allegro Apasionato, con su pasión reconcentra en la que emana un perfecto equilibrio definido por la abundancia de apuntes melódicos y una milagrosa floración de seis ideas temáticas , con una coda de una dulzura confidencial; el Andante un poco adagio, se reparte en tres partes moderadamente desarrolladas dentro de un elevado tenor melódico, tiempo de excepcional gracia y de una dimensión meditativa; el Allegretto gracioso resulta una especie de scherzo apaciblemente pastoral, de un efecto inconfundiblemente personal con un aire danzante; El Vivace, observa por el contrario un forma de rondó que toma cuerpo a través de episodios libremente construidos y encadenados, una forma rapsódica que hace difícil cualquier intento de análisis. Estamos en el grupo de dos sonatas para esta combinación y  que en esta es fácil la ideal y transparente coherencia de un retrato psicológico que asciende desde las tinieblas a la luz a través de una sutil y gradual clarificación del estado  de ánimo, un retrato muy del gusto del autor. Jean Françaix, con el Tema con variaciones, obra de 1974, de un compositor que ha dejado un rico legado de obras camerísticas como Divertissement, los quintetos, el octeto , para clarinete, trompa, fagot, dos violines, viola, chelo y contrabajo, repertorio en el que ha logrado sus mejores trabajos , mientras que dentro del género lírico, sería apreciado por ballets, algunos ofrecidos en la Ópera de París y óperas como El Diablo cojuelo, estrenada en la casa de la Princesa de Polignac; La mano de gloria, La princesa de Cléves y el trabajo para el cine Si Versalles m´etait conté, además del oratorio El Apocalipsis de San Juan. Había sido alumno de Nadia Boulanger, desde 1922, mientras era pianista acompañante de conciertos en ciudades francesas, presentado de joven una sinfonía que estrenaría Pierre Monteux, que recibiría una respuesta de rechazo.  Para acompañarle, la pianista Eriko Ishimoto, un clarinetista que procede del aula de Vicente López.

El chelista Javier Nicolás Casamayor, el Adagio y Allegro para chelo y piano,  Op. 70, de Robert Schumann, obra que tuvo distintas versiones como la destinada para trompa y piano, que se encontraría en la inspiración del compositor y que dejará razones en la Romanza y Allegro, Schumann sentirá la plenitud de estas posibilidades y que en algún momento recordará al Adagio de su Segunda Sinfonía, resultando un nocturno apasionado de gran poesía que se encadena a un Rondó  vivo y excitante, de tipo concéntrico A-B-A-CA-B-A, rico en trazos brillantes, tresillos de notas repetidas, arpegios y sonidos llenos de atractivo. El director Ernest Ansermet, hizo una orquestación del acompañamiento pianístico que  el virtuosismo concertante del instrumento solista justificaba plenamente la idea.   F. Joseph Haydn,  con dos  tiempos del Concierto para chelo y orquesta nº 2, en Re M. composición objeto de duda durante mucho tiempo, en lo relativo a su autenticidad a pesar de que la partitura había sido editada según el manuscrito original del autor, como Op. 101, por André Offenbach, en 1804, y por tanto en la vida de Haydn, se creyó que era obra de Anton Kraft, primer chelista de la orquesta del príncipe Esterhazy, desde 1778, el concierto ha pasado por diversas vicisitudes, siendo transcrito para flauta por Carl Friedrich Ebers,  y en 1890, el compositor y musicólogo belga François August, modificó y amplió su sencilla orquestación – dos oboes, dos trompas y cuerdas-,  adaptándola al gusto de finales del siglo XIX, versión falseada  estuvo vigente hasta avanzados los años treinta del siglo XX. El descubrimiento de la partitura original en 1953, la fechada en 1783, y conservada en la Biblioteca Nacional de Viena, disipó todas las dudas que arrastraba la obra, restituyendo la evidencia de su genuino autor. El Allegro moderato comienza con un tema pausado y melódico; el Adagio se abre con un movimiento de tres notas tomadas del tiempo anterior.

Lola Olmo, alumna de Vicente Faus, ofrece piezas de percusión de autores por desconocer para la mayoría  de los aficionados, Russell Wharton, con Kingdoms , para caja, electrónica y vídeo, especialista en multimedia y arreglista, con obras premiadas como The Cavaliers Drum August Corps, Premio Fred Sanford, también Rhytms, merecedora del WGI Percussion Independent World, músico de Tennessy, recibió la primera consideración del BOA Grand Nation, y su evolución artística le permitió relacionarse con artistas como John Fatoya, Kevin Bobo, Michael Spiral, Steve Houghton, F.Q. Phan, Aaron Travers, Joey Carter o Martin Blessinger.  Peter Klatzow (1945/2024),- Dance of earth, para marimba sola, pieza de 1988, compositor sudafricano que ejerció en la Universidad de Ciudad del Cabo, y en la Waterford School Kamhlaba (Swazalandia), recibiendo asesoramientos de Bernard Stevens, en composición y de Gordon  Jacobs, en orquestación además de piano con Kathleen Long, pasó un periodo por Italia en el año que surgió el Covid 19, lo que le obligó a volver a su país mientras fue preparando obras como Still Life with moorberams, de 1975; Piano pieces; moments of Night, largo ciclo repartido entre 1968 y 1982, los seis sin conciertos para marimba, su especialidad por excelencia, en realidad, dentro del conjunto de su legado, se aprecia el compromiso con Paul Klee, al que se siente próximo por las texturas de sus colores. Luis Tabuenca- Corrección (solo para vibráfono y acompañamiento de gota de agua) compositor con formación en el CSMA de Zaragoza, y en la ESMUC, de Barcelona, pasaría por Amsterdam y San Diego, en los Estados Unidos, asistiendo a las docencias de Steven Schick, Philippe Manoury, Mark Dresser, Rebecca Saunders, Carola Bauskoft, Christian Diesersein, Tristan Murail, Miquel Bernat o A. Schubert, logrando un alto nivel de resultados en su especialidad de percusionista, tras ser compositor en residencia en centros neoyorquinos, en la Universidad de Colombia, y en le Hochschule der Kunst, de Berna. Javier Álvarez (1956/2023)- Temazcal- un salto oceánico en búsqueda de culturas mexicanas ancestrales, entrega una pieza sobre una idea musical salida de los chamanes que cultivaban antiguos ritos, con un tratamiento electrónico acompañado por maracas, arpa, guitarra, contrabajo (en pizzicato) y percusiones, compositor que estudió en la Universidad de Wisconsin y en el Royal College de Londres, con John Lambert, ampliando en la Guildhall School of Music and Drama; la Accademie of Music, de Malmöe y la Universidad de Hertfordshire. Temazcal, pieza sorprendente por la paleta de sus recursos sonoros, nos traslada a un espacio imaginario a través de una cascada de melodías encadenas con un soporte de glissndi engarzados por la parte electrónica a través de breves células binarias que se convierten en un caleidoscopio de un espectro preciso en cuanto al requerimiento de las  tímbricas requeridas.

Ramón García Balado

Conciertos de fin de curso de la Escola de Altos Estudos Musicais en el Paraninfo da Universidade

 Facultade de Xeografía e Historia, Santiago de Compostela

Cinco serán los conciertos que podrán seguirse en el Paraninfo da Universidade-19´30-, que comenzarán con la sesión del día 1, en la que participarán dos alumnos, pertenecientes al aula  de Laurent Baiteau quien ejerció como tutor, y para esta cita, contaremos con el acompañamiento pianístico de Haruna Takebe.  La flautista Carmen Bajo Jurado, contará con obras de J. Sebastian Bach, André Jolivet y Gabriel Gaubert. Carmen Bajo Jurado, tendrá para iniciar  la Sonata para flauta y piano, en Mi m. BWV 1014, de J.Sebastian  Bach, obra asimilable al período de Köthen y que pertenece a las pocas dedicadas a esta combinación de solistas, un grupo de tres muy en el estilo italianizante pensando en las exigencias para el clavecinista, las posibilidades a las que obligaba su tiempo, pensando en la combinación armónica adaptada a  la técnica de la inventiva del instrumento siguiendo la inventiva del compositor.  La Sonata en Mi m. BWV 1034, observa el estilo de sonata da chiesa, siendo publicada por primera vez en 1865, por la casa Peters,   de Leipzig. Con el título engañoso de sonata para flauta o violín.  El Adagio ma non troppo, resulta una de las páginas más cautivadoras centradas en el espacio de la flauta, siendo a la par, una de las más líricas. La flauta auspicia su elocuencia sonora, gracias a un diseño cuidado, añadiendo un desarrollo particularmente emotivo, propuesto sobre un bajo continuo gratamente animado. El Allego, consigue subyugarnos por su largo talante concertante, dentro de una alegría a la altura de sus ambiciones expresivas, contando con el instrumento de teclado que se retorna en forma de canon, antes de que la flauta se manifieste en contrapunto en una cascada de semicorcheas. El Andante, en Sol M., se introduce por seis compases del teclado que descompone acordes marcados por la escritura de corcheas contando con la flauta que colabora con un aire tierno de pinceladas pastoriles, en un retorno muy armonizado.  El Allegro, resulta un verdadero movimiento de concierto, destacando el tema de la flauta que elabora un tema vivo, en una serie de saltos de notas repetidas, con respuesta del teclado, en bellas imitaciones.  

André Jolivet- Chant de Linos-fundador de la Sociedad de Música de Cámara, con Olivier Messiaen, Daniel Leseur, George Migot, Paul Le Flem, entre otros, una sociedad que se presentaba como La Espiral, en donde saldrá con sólidas credenciales el Grupo Jeune France, abundante será el catálogo de su obra camerística, rica y muy expresiva que ocupará toda su vida  hasta la serie de instrumentos a solo como la Suite rapsódica, las Églogas o la Suite en concert para violonchelo solo. La pieza que tendremos, es del año 1944, obra dedicada al concurso que presidiría Jean Pierre Rampal, y de la que él mismo realizaría una transcripción para violín, viola, chelo y arpa. Rampal, dispuso de una flauta que pertenecía al conde de Rémusat, un instrumento muy puro y del que nunca se separaría mientras se orientaba al mundo de la dirección orquestal, especialmente con la Scottish Chamber Orchestra, desde 1981. Estrenó obras también de Martinu, Françaix, Mauricio Ohana o Poulenc.

Philippe Gaubert- Nocturne et Allegro Scherzando, para flauta y piano-un músico que se crío en un ambiente de obligada supervivencia en lo relativo a estas materias, por lo que bastante tendría de autodidacta, interesándose en un principio por el piano y la flauta, mientras probaba como artista en lugares de alterne como bares y como  pianista de cine, en aquello tiempos que daban de sí a este especie de animadores en la sombra. Jules García, le permitiría  acceder al Théâtre Nacional de L´Opera, una etapa clave en su vida, llegando a recibir el prestigioso Prix de Rome de 1905, pero el maestro por excelencia de su carrera, sería Paul Taffarel, quien se fijó en el de manera un tanto casual. André Messeger, le invitó a incorporarse a la Societé del Conservatoire y Albert Rousell, le dedicó la pieza Jouers de flute.  La pieza elegida pertenece a un triptico de tres composiciones dedicadas a Paul Taffanel, Marcel Moyse y Jean Boulze, que en su conjunto, reciben influencias del estilo camerístico de Gabriel Fauré y las formas impresionistas.

Nicolás Concheiro Veleiro, alumno del aula de Thomas Piel,  selecciona tres piezas para esta sesión. Un par de ellas tomadas de Enrico Mainardi (1894/1976), chelista y compositor, y que serán el Notturno para violonchelo y piano y la Rapsodia italiana para violonchelo y piano, músico precoz que obtuvo un reconocimiento en su juventud, iniciando su carrera entre el reconocimiento del gran público tanto en su presencia como solista o en las obligaciones docentes, pudo repartirse con holgura entre los frentes más diversos aunque en la actualidad que haya quedado en un segundo plano. Destacó como solista en grupos de cámara, junto a profesionales como E. Donànyi, Ilbebrando Pizzetti, E. Fischer o C. Zecchi. Desde 1933, dio cursos de perfeccionamiento en su especialidad de chelista en la prestigiosa Accademia di Santa Cecilia, para extenderse en otros países desde capitales como Berlín, Salzburgo o Lucerna, contribuyendo en las especialidades más avanzadas, por lo que su figura como docente superará a la tan estimada como compositor. Conviene tener en cuenta sus trabajos como director de orquesta, que ayudaría a popularizar su imagen, pero manteniendo el interés destacado por su obras camerísticas dedicadas al violonchelo: El Concierto para violonchelo y cuerda (1966); el Cuarteto (1951); la Sonata quasi fantasía, para chelo y piano (1962) o los Seis estudios trascendentales (1923/53).  Paul Hindemith- Phantasiestück para chelo y piano, en Si M. obra encuadrable en el grupo de las tres del Op. 8 (Capricho, Pieza en forma de fantasía y Scherzo, de 1917, editadas en los comienzos de su carrera, influenciadas claramente por un estilo postromántico y sumetidas a las dependencias de autores como Gustav Mahler, Reger y Claude Debussy, quedando cercanas al ciclo de Variaciones, sobre una chanson americaine, A frog he went a courring (1941). Hindemith había sido un gran virtuoso de la viola tras forjar su formación en el onservatorio de Frankfurt, con Arnold Mendelsohn y Bernard Sekles, la mayor parte de su música camerística, se desarrollara entre 1935 y 1945, destacando las Sonatas para piano, órgano y arpa; las doce sonatas a dúo; el Cuarteto con clarinete; los Cuarteto quinto y sexto; ofreciendo en conjunto una evolución más libre y detallada desde la libre politonalidad e incluso con indagación de aspectos atonales alcanzando la tonalidad avanzada perfectamente controlada. Dejó un tratado testimonial: Unterweisung im Tonsalz,  que pone en juego los doce sonidos de la escala cromática.

Ramón García Balado

Orfeón Terra a Nosa, sesenta aniversario, en la Igrexa de San Francisco

 Igrexa de San Francisco, Santiago de Compostela

El Orfeón Terra a Nosa, conmemora su sesenta aniversario con una serie de conciertos que culminan en la Igrexa de San Francisco- día 31, a las 21´00-, con un programa que abarca obras desde Niccolò Zingarelli a Saverio Mercacante, J.C. Arriaga, G. Puccini y G.Donizetti, acompañado por su orquesta de cámara, bajo la dirección de Luís Martínez, teniendo como solistas a las sopranos Aida López y Ana Melikova; al tenor David Ferreiro y al barítono Pablo Nieves. Agrupación nacida al amparo del Padre Feijoo, en 1966, convirtiéndose e la veterana por excelencia, tras obtener galardones como el Primero de Polifonía de Torrevieja (1974), y realizando registros con la RFG o la OSG, con sus titulares correspondientes, siempre recurriendo a las temáticas de sus preferencias desde el Codex Calistinus, a la inspiración popular gallega, Juan Montes, Paulino Pereiro; Motetes, de Marcial del Adalid; especiales como el oratorio La Creación de F.J. Haydn, con la Orquestra da Comunidade Autónoma de Galicia, dirigida por Enrique Ricci y el bicentenario mozartiano(1991), con La Misa de la Coronación en Do M K. 317 y el Requiem en Re m. K. 626, con la Xoven O. de Galicia, de Joam Trilho, o maestros de capilla de la Catedral compostelana, como la Misa Solemne Unus Deus, de Melchor López, dirigida por Ros Marbà y destacando como solistas Nuria Rial, Miro Moreira, Mark Tevis y Gabriel Pérez-Bermúdez. En su 40 aniversario, Terra a Nosa, acompañado por la Capela Compostelana, también había realizado una gira, contando en programa  Vespro della Beata Vergine, de Claudio Monteverdi. Larga trayectoria pues y que actualmente está dirigido por Luís Martínez, quien siguió las docencias de Miro Moreira, Dominique Velard, Owen Reese, Peter Philips, Pier Paolo Scattolin, Arthur Carneiro, Constatin Alex, Bernard Valentin, Tu Shi Chiao o el maestro José López Calo. Fundador de Vox Stellae, al tiempo que colabora con la Capela Compostelana, Capela Antica, Capela da Catedral de Santiago o esta agrupación con la que está desde el octubre de 2023.

Niccolò Zingarelli (1752- 1837), con un par de piezas, el motete Christus factus est y la obra sobre la poética de Onofrio Minzoni Quando Gesù co´ll ultimo lamento, músico que había tenido entre sus alumnos a Bellini, Mercadante y Patrella, tras formarse en el Conservatorio napolitano de Sta Maria de Loreto, para triunfar en la ópera con Montezuma, que llevaría por teatros  de prestigio. Fue organista en la Capilla de la Santa Casa, de Loreto, antes de pasar a San Pedro de Roma, además  de las obras líricas, destacó por sus oratorios como La passione di Gesu Cristo; Meleagro, Il figliol, Baldovino o La riedficazione di Gerusaleme, entre otras misas.

Saverio Mercadante (1796/1870)  con Le sette ultime parole di nostro signore sulla croce, en sus ocho tiempos, desde la introduzzione, para coro y solistas hasta la Parola settima, obra que ocupa un mayor espacio, destacado compositor de óperas, tendría el compromiso de sus oficios sacros en la Capela de Novara, para la que iría destinado este oratorio, en el que se observan claros distanciamientos del peso de las demandas belcantistas, tan comunes en su colegas de generación, logrando con esta obra una aceptación inmediata. El Mercadante que ganará a los aficionados por obras como Il Giuramenteo, Le due ilustri rivali, Elena da Feltre o La Vestale, que conservará su vigencia a lo largo de los siglos y que por su personalidad, será un claro precursor de G.Rossini, junto a los grandes talentos como Mayr, o el anteriormente citado Zingarelli, se aceptan con creces sus pretensiones innovadoras, sin claros sobresaltos, gracias a sus rasgos estilísticos, auspiciados por una magistral factura, pendiente de las exigencias dramáticas del conjunto de su obras, óperas suyas, como Il Giuramento  e Il Bravo, remiten a libretos de Victor Hugo- Angelo tyran de Perdue- y J.F, Cooper -La Venitienne-quizás parte de la cumbre de los trabajos líricos,  que le convertirán en el ejemplo por excelencia de la escuela napolitana, dentro del que caben la serie de composiciones sacras, a la espera de posibles reediciones, un compositor que en sus años postreros, asistió a un período de menor consideración, por su actitud de repliegue, y que se constató en Orazi e Curiazi, Statira, Violetta y en Pelagio.

Juan Crisóstomo Arriaga (1808/26), compositor en centenario, tendrá O salutatis hostia, para tres voces masculinas y conjunto de cuerdas, obra de 1823, músico asentado en París y que recientemente en el Teatro Arriaga de Bilbao, se homenajeó con el grupo La Ritirata, de Josetxu Obregón, el capítulo de sus obras vocales, se conservan gracias a las ediciones que de ellas se han hecho, y que destaca por trabajos como dos arias; Edipo y Medea, la  escena dramática  Erminia, dos dúos All´ Aurora y Agar et Ismaël, destacando por su calidad dramática ésta última, que se conserva en forma manuscrita, obra estrenada en la Salle Gaveau, parisina en 1927, en un trabajo de consideración a este músico de vida corta, antes de hacerse en Bilbao, cuatro años después. Erminia, escena lírico-dramática, en un acto y dos cuadros, para soprano y orquesta, fue estrenada también en Bilbao, el 27 de enero, de 1888, año en el que se dará a conocer el duetto para tenor y bajo con acompañamiento de orquesta All´Aurora, cuyo título original sería Ma tante Aurore con texto en francés de Charles de Longchamps, obra con tres movimientos simples y un estilo dentro de la tradición clásica.

Giacomo Puccini- Requiem SC 76-, obra para órgano, viola o coro, encargo del editor Giulio Ricordi, de 1905, para conmemorar el cuarto aniversario del fallecimiento de Giuseppe Verdi, a propuesta del Consiglio d´Admintrazzione de la Casa di Riposa  di  Milano , con estreno el 27 de enero en la Capella della Casa di Riposa, con una recuperación muy posterior, el 20 de marzo de 1980, en el mismo lugar. Incursión dentro de un género en el que solo compuso por estricto compromiso y por razones de personal afecto, una interpretación posterior, se ofrecería en el Conservatorio de Milán,  en el mes de diciembre de 1974.

Gaetano Donizetti- Tunc acceptabis A. 703 – quien tendría en mente a Bellini, para piezas de este estilo, en el que también incluiría esta Fuga Finale: Tunc Accetabilis, sobre un  tema incisivo y perspicaz, que alterna legato y stacatto, de importante exigencia técnica. Las obras sacras del autor, partirían de un Ave Maria, a demanda de Fernando I de Austria, con la esperanza de probar fortuna, al igual que otros compositores italianos del momento, y en el que entregaría por necesidad composiciones de carácter litúrgico, marcadas por su árido escolasticismo en los coros, un vago sentimiento operístico y un brillo en los solos, con diferencia de las urgencias de los textos. Obras como Dixit Dominus, que recurre a una inspiración mozartiana, un ideario que comenzará a decaer, después de 1824.

Ramón García Balado

As rúas do vento ceibe en el Auditorio de Galicia

Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

Concierto en el Auditorio de Galicia en el Auditorio de Galicia, en colaboración con Amigos de la Ópera de Santiago,- día 30, a las 20´30 h., bajo la dirección de David Fiuza Souto que presenta un programa que se anuncia como As rúas do vento ceibe, sobre las poéticas de Rosalía de Castro, Manuel María y Celso Emilio Ferreiro, contando con el protagonismo de la  mezzosoprano Julia Portela Piñón, y la Orquestra Sinfónica de Pontevedra, fundada en 2006, con el colectivo de voces, que integran el Coro de Cámara Thalassa, de Marín; el Coro do Hospital de Lugo; el Coro Lírico de Vilagarcía de Arousa; la Coral Solfa de Compostela; A Sociedade Coral Polifónica de Pontevedra además del Coro Xuvenil integrado por: IES A Xunqueira, As Voces Terra Chá, de Lugo y Pequenos Cantores do Ferrol. A Orquestra Sinfónica de Pontevedra, nació en el seno de A Asociación Cultural da Orquestra Filarmónica Cidade de Pontevedra, en 2006, presentándose al año siguiente bajo la dirección de Javier Viceiro Filgueira, disponiendo entre sus trabajos registros representativos de su trayectoria, Aos que levaron no bico un cantar; el dedicado al 150 Aniversario do Conservatorio de Pontevedra, o Lingua Guapa, cantos que contan, sobre la poética de Fina Casalderrey, en colaboración  con Néstor Blanco.  Un contexto cultural, el de Pontevedra, que nos traslada a los años de creación de la O. Filarmónica de Pontevedra (1921), con su presentación oficial en el Teatro Principal, unas fechas en las que la capital, recibió la visita del Cuarteto Rosé, de Viena, además de estrenar un nuevo piano de marca Blüthner. Recibiría la ciudad la vistita a artistas de élite a lo largo de los años como J.Iturbi, L. Querol, Magda Taglaireferro, Wanda Landowska, Chritian Farras, Henryk  Szeryk, Salvatore Accardo, Agustín León Ara, Alirio Diaz, Nicanor Zabaleta, Julius Katchen, Gaspar Cassadó, R.Aldlescu o Pierre Fournier.

Julia Portela Piñón, mezzosoprano, se  formó en el Judith Nelsson Young Artist  Proggramme, la Guildahall School, la Royal Acccademie of London, antes de presentarse en certámenes como el Concurso  Viñes; el Hans Gabor Belvedere, contando con una carrera en la que ya optó por roles líricos que van desde el barroco al romanticism-verismo incluído- y recitales líricos como los que ofrece con la pianista Olga Kobekina. Entre sus roles, Idomeneo, de Händel; L´Incoronazzione di Poppea; La hora española, de Maurice Ravel; el Compositor, de Ariadna auf Naxos, de Richard Strauss; Rita, de Gianni Schichi, de G. Puccini, por citar lo más frecuentes, al tiempo que mantiene su interés por la canción el trabajos como el colectivo del Liceu, de Barcelona, con Alex Ollé, los estilos de canción que la animaron a interesarse por las culturas de procedencias más diversas

Xosé Carlos Seráns Olveira, responsable de la parte musical en cuanto a la composición, fue director de la Banda de Santiago  entre 2009/2013, como nos presenta Beatriz Cancela Montes en su trabajo La Banda Municipal de Santiago (Música en las compostelanas rúa desde 1848) nacido en Ribeira, su carrera musical se inicia con  tal solo 11 años ingresando en la Banda de Caamaño (Xuño, Porto do Son, A Coruña). Será tras su incorporación al Servicio Militar, cuando emergen sus ansias de pasar a ingresar en el Cuerpo de Bandas de Música de la Armada. Entrando a formar parte de la Banda de Música del Tercio Norte, de Ferrol, a la que pertenece hasta 1987, cuando gana por oposición la plaza de tuba de la Banda Municipal de Santiago de Compostela, permaneciendo ligado a ella hasta la actualidad, lo que le convierte en uno de los veteranos por excelencia. Fue nombrado solista tuba solista en 1998, y entre el 1 de octubre de 2009 y el 30 de septiembre  de 2013, director de la misma.  Compagina su cargo en la compostelana agrupación con la de dirección de otras  agrupaciones bandísticas: Banda de Música de Catoira (1988/2004); Banda Municipal de Padrón (1995/2000), la Banda Filarmónica de la Federación de Bandas  de Músicas Populares, desde 2005; y otras agrupaciones corales . También desplegó una vigorosa faceta como docente y factotum de diversos y consolidados proyectos escolares de música y asociaciones e incluso campamentos musicales. Como complemento a todo ello, goza de una sólida formación conformada además  de una educación de base, por la cantidad de cursos recibidos y los impartidos por él mismo. Como arreglista, destacan las regulares transcripciones que recibimos en las programaciones de temporada, realizadas sobre compositores clásicos y otros de mayor arraigo popular. Obras como las del maestro Ángel Brage, en cuya escuela se formaron compositores gallegos, del siglo pasado, Astor Piazzolla, el renovador del tango moderno por excelencia; otras obras como Celtia; obras de Bizet, González Arroitia Jáuregui. Seráns es  por mérito un compositor prolífico que disfruta de un extenso catálogo en el que destacan el Soneto á Terra Cha; A Saleta e Rosas, estrenada en 2005; Apreixar o vento; Poema Ausencia , estrenada en 2007 o la  Fantasía Rianxeira, po citar algunas de su carrera. Fue premiado en distintos concursos de composiciones para banda, su ámbito natural de trabajo, también quintetos, en especial para metales, estrenados en Madrid, mientras recibe invitaciones para dirigir otras bandas, compatible con su participación en jurados y certámenes. Como director, había ocupado la plaza de Casiano Mouriño Maquieira, entre 2007/9, para cederla a Juan Miguel Romero Llopis (2013/16), quien actualmente viene ejerciendo una labor primordial en la Banda de A Coruña, que en fechas recientes colaboró con el Festival Resis, de Música Contemporánea.

Ramón García Balado