Banda Municipal: Da ópera ao folklore, en As Praterías

 Praza das Praterías, Santiago de Compostela

Invitación para el concierto en As Praterías, día 11, a las 20´00 h., de la Banda Municipal dirigida por Casiano Mouriño Maquieira, para un programa que destaca obras de Rafael Talens, G.Verdi, Pablo Sorozabal, Leonard Bernstein.  Rafael Talens, estará por Cançons de Mare, músico de Cullera que realizó estudios de clarinete, piano y dirección, entre Valencia y Madrid, obteniendo un premio de Investigación y composición Euterpe 2000, de canción folklórica, concedido por unanimidad de todas las sociedades musicales de la Comunidad Valenciana, tras haber tenido experiencias profesionales en distintos países europeos, desde Holanda a Suiza o San Petersburgo, entre sus trabajos para la voz, destacan Sicaria, estas Cançons de mare o Festívales, ocupando la cátedra de Armonía en el Conservatorio de Valencia y la vicepresidencia de la As. de Compositores Sinfónicos de la Comunidad Valenciana. En su obra, son perceptibles las influencias de Ravel por la cualidad de su mundo sonoro, además de la importancia de L.v. Beethoven, al que aprecia llegando hasta la veneración. Su forma de componer está basada en una armonía tradicional avanzada, pero con una gran pasión por la defensa absoluta de la melodía, con intención de fascinar al oyente en el espacio de las nuevas tendencias sonoras y rítmicas, ajeno a las influencias totalitarias, considerándose en lo primordial como un cuidado orquestador que aprecia detalladamente los valores tímbricos que toman especial importancia en las atenciones de músicas para banda, en la que destacan, Clasic concert; Fiestas en onda; Expresions simfoniques;  Els Pirris; Secuencias vibratorias; Semiotécnica; Troner o Valldigna.

 Giuseppe Verdi- Gran Final. Act. II, dell´a opera Aida-, ópera nacida a través de un libreto de Antonio Ghislanzoni, tomando un texto de Camille du Locle  y A. E, Mariette, abocada a dejar huella en la historia del género ya que en 1869, se abriría en El Cairo un teatro de ópera italiana, merced a la demanda del  Jedive de Egipto y cuyo resultado sería Aida, que tardaría en completarse según la urgencia de la demanda, su original formaría parte de los actos organizados para la ceremonia de la inauguración del Canal de Suez, en 1869, y su argumento se debió al egiptólogo francés Mariette, que había sido galardonado con el título de Bey, un libreto escrito en francés y en prosa por Camille du Locle y versificado en italiano por Ghislanzoni, con supervisiones del compositor. Espectacular como pocas, se abre desde su comienzo con un esplendido decorado para llegar con el aria de Radamés Celeste Aida.  La  apoteosis de la Gran Marcha, alcanza la mayor efectividad en las pretensiones de su desarrollo, momento primordial para el lucimiento de los directores  atentos a las exigencias del espectáculo, y que alcanza gran vistosidad en el grupo de trompeteros, que se exhiben en ostentoso paseo ante un nuevo grupo que entra. Un tema orientalizante, simula aspectos de relevancia acentuados por una solemnidad occidentalizante, en un brillante juego de contrastes. Verdi, en la escena del templo de Phta, creó un efecto sobresaliente en lo relativo a esa proclamada solemnidad, con inusitados intervalos melódicos que recrean formas orientales. Aida, Radamés, Amneris, resulta el triángulo amoroso que sobrevuela en esta ópera de gran aparato escénico, mientras el coro lanza gritos de venganza y muerte contra los invasores, resultando Amneris el personaje puesto en entredicho en sus acciones contra Aida, embargada entre sus problemas acabando por solicitar a los sacerdotes el perdón para Radamés, un momento de gran fuerza dramática en el que Verdi muestra una enorme intensidad que contrasta con el coro de sacerdotes quizás un tanto monótono. Amonsaro se manifiesta a la altura reclamada por la situación.

Pablo Sorozabal-La del manojo de rosas-zarzuela con libreto de Francisco Ramos de Castro y Anselmo Cuadrado Carreño,  estrenada en el Teatro Fuencarral, el 13 de noviembre de 1934, en su estructura musical se distinguen diferentes categorías de elementos musicales: romanzas convencionales, como No corté más que una rosa o No me importa  que con otro y Madrileñita bonita; dúos sentimentales, números de fox- trot y farruca, un pasodoble, que en su conjunto puede acercarnos al mundo de la opereta, con el matiz de que lejos de ocurrir en un país inventado o en el tiempo nebuloso, ocurre en ese Madrid del día, por lo que sus autores la presentaron como sainete, lo que causó cierta agitación en los círculos teatrales capitalinos., contribuyendo a que se aceptase como icono de zarzuela en el estilo de La verbena de La Paloma, en una plaza aseada y moderna del Madrid republicano, los libretistas con el compositor, supieron captar una instantánea de la vida capitalina, uno de los momentos más interesantes de la historia de aquel momento, más que por los personajes y el argumento, por el ambiente de una ciudad boyante, proletaria y urbana, muy distinta de la capital ruralizada y verbenera propia de tantas zarzuelas. Ciudad en la que se  respiraban los conflictos sociales de las clases medias. Cuando se estrenó la obra  había cundido el bulo de que Moreno Torroba, había sido el autor del libreto, aunque él mismo acabaría por desmentirlo, aceptando el rechazo por considerarlo poco lírico.

Leonard Bernstein- West Side Story- comedia musical de 1957, resultaría un espectáculo decididamente novedoso en cuanto a la composición de la obra, gracias al libreto de Arthur Laurents y la música de Bernstein, con letras de Stephen Sondheim y coreografía de Jerome Robins. Rara vez había sido tratado antes en el teatro musical un problema social tan cruel, con un realismo convincente y con tanta fuerza, con una verdad dramática de tal manera carente de concesiones. Nunca antes el ballet había sido empleado tan ampliamente ni se le había hecho jugar un papel tan vital en el desarrollo del argumento. Nunca había captado la música de una producción popular el carácter neurótico, las fuertes tensiones y la amargura de la obra, por una parte y de sus personajes por otra. West Side Story es el Romeo y Julieta de Shakespeare en un escenario de los tiempos presentes,  en vez de aquella Verona, el escenario resulta Manhattan, para encontrarnos con las pandillas de adolescentes en los márgenes de la marginación, los Jets y los Sharks, con  los que nos encontramos ya desde el comienzo del musical, excelentemente tratados en el filme de Robert Wise y Jerome Robbins.

Ramón García Balado

La RFG, en As Casa das Máquinas y el Convento de Conxo

 Casa das Máquinas/ Convento de Conxo, Santiago de Compostela

Dos conciertos de la RFG, con alumnos de la CAEO, en la serie de sesions nos barrios, que se reparten entre As Casa das Máquinas – día 11 y el Convento de Conxo al día siguiente, ambos a las 20´00, bajo la dirección de César   Ramos,  ganador de la plaza de director asistente, y que ofrecerá obras de Gioachino Rossini, Franz Schubert, W. A. Mozart, F. J. Haydn y Carme Rodríguez, quien nos cede su obra Arborescente, programa en la serie de Cometas, en el mes de diciembre de año pasado. César Ramos, presenta credenciales en estas dos actividades, un director premiado con el Rudis Martinus van Dijk, de los Países Bajos (2025), habiendo realizado su debut con la Residente Orkest, la Het Balleorkest y la Nacional de los Países Bajos, siendo asistente de Otto Tausk, y la O. Juvenil del Ulster, colaboró en formaciones como la Concertgebouw; la O.F. de la Radio Holandesa; la O. de Güeldres y la Overijssel de los Países Bajos, además de realizar masters con la Noord Nederlands Orkest. Dirigió la O. de Conservatorio de Amsterdam,  en un programa que incluía Petruska, de Stravinski y el Concierto para violín de Mathilde Wantennaar. Destaca por su defensa de las tendencias contemporánea, con grupos como Ask/Schönberg y Atlas Ensemble, fundando además Kon-Collective Ensemble y Ensemble La Habana (2019) y Ensemble Habana XXI, con la directora francesa Nathalie Marin. Sus años de estudio le llevan a su interés por el chelo, bajo la supervisión de Guido López- Gavilán y ejerció como asistente de la O.N. de Ballet, con una producción de La consagración de la primavera, en el Gran Teatro de La Habana (2018), entre 2019 y 2020, fue adjunto de la Orquesta Sinfónica de Matanzas, para ampliar con la Orquesta Nacional de Cuba, siendo Artist- in-Residence, de las ediciones Espiral Eterna, del compositor Leo Brouwer.

Carme Rodríguez- Arborescente, encargo de la RFG,  para una sesión compartida con obras de Arvo Pärt y Louise Farrenc, compositora y arreglista, se especializó  en la Escuela Universitaria de Artes y Espectáculos TAI de Madrid, y fue merecedora de galardones como el Concurso CreaClásica (2019), el Internacional María de Pablos, en dos de las ediciones, desarrollando sus trabajos entre Galicia y Madrid, con proyectos propios  y en colaboración, como la ONE, la OSG, la OSCL, Sonor Ensemble, Zoar Ensemble y otras formaciones de prestigio. Arborescente, es una pieza sinfónica que busca recrear musicalmente la expresión ramificada de crecimiento de la naturaleza, desde la sutileza de un punto de partida común cara a una exposición brillante de cada miembro del grupo. Ofrece influencias minimalistas, impresionistas y expresionistas, adecuándose a un momento de experimentación con las texturas que pretenden valerse de la fugacidad con el objetivo de abarcar lo que sucedería en un árbol a través de los siglos de desarrollo.

G. Rossini- obertura de Il signor Bruschino- las exageraciones en clave de farsa, en los fermentos del novísimo estilo que inaugura la  etapa de la ópera cómica moderna, donde los personajes abandonan la dimensión caricaturesca para convertirse en abstracciones cargadas de significados imprevisibles, mucho más intrigantes de los que las situaciones dramáticas parecían consentir. Las características morfológicas de esta música están tan perentoriamente definidas y son tan diferentes de las habituales que sorprende que no que no desataran reacciones tempestuosas, tanto en el consenso como en el disenso. Para Alberto Zedda, autoridad por excelencia, se trata de una farsa muy seria.

 Franz Schubert con dos tiempos de la Sinfonía nº 5, en Si b M. D. 485, el Primer movimiento Allegro, en el que por primera vez no hay introducción, quedándonos con cuatro compases, con tres acordes, de instrumentos de viento y un dibujo descendente de violines, que precede a la entrada del tema principal, que se lanza con un arrebatado entusiasmo optimismo sobre un acorde perfecto, y se divide en un agradable juego de cambios con las cuerdas y los instrumentos de viento, hasta alcanzar un tutti enérgico. El Allegro vivace  no se desliza por un posible entusiasmo desenfadado, sino por una carrera inflamada a través del primer tema, gracias a las cuerdas que anuncian una idea descendente y una cadencia en fortissimo, después de un corto período de silencio, aspecto típico en el estilo del compositor, que culmina con ingenio una obra sublime.

W. A. Mozart-Sinfonía concertante, en Mi b M. K. 297 b, en el primer movimiento, obra para instrumentos de viento, compuesta en abril de 1778, por un joven de 22 años, en su visita parisina, destacando entre sus instrumentos oboe, clarinete, fagot y trompa, junto a las cuerdas, una obra que para A. Einstein, resulta esplendente, brillante y grandiosa, que se preocupa constantemente de poner de manifiesto la habilidad de los intérpretes principales a lo que se confía la obra, destacando sus timbres particulares. Acababa el autor de llegar a París, en donde debía constituir uno de los homenajes destinados a los Concerts Spirituels, de Le Gros, junto a la Sinfonía Pariser K. 297, mientras mantenía sus vínculos con los músicos de Mannheim, a través de sus colegas el flautista Wendling, el oboísta Ramm, el fagonista Ritter y el trompista Punto. Para completar la relación de obras, el Concierto para trompeta, en Mi b M. Hob. VII 1,  de Franz Joseph Haydn, el maestro por excelencia, tratándose del último concierto y de su última obra orquestal, escrita para Anton  Weidinger, trompetista de la corte de Viena e inventor de unas trompetas con llaves capaces de tocar una extensión de dos octavas, de una forma justa y pura.

Ramón García Balado

Catarina Sofía Borges Barbosa, Nicolás García Galaz y Elena Rodríguez Oubina, en el Paraninfo da Universidade

 Facultade de Xeografía e Historia, Santiago de Compostela

Quinto de los conciertos que se vinieron ofreciendo en el Paraninfo da Universidade- día 10  a las 19´30 h., dentro de las Actividades de Fin de Curso de la Escola de Altos Estudos Musicais, y que en esta cita contará con tres intérpretes comenzando con Catarina Sofía Borges Barbosa, pianista,  quien pondrá en atriles un tiempo de la Sonata en La m. BWV 1003, de Johann Sebastian Bach,  el Grave, composición que ocupa el espacio de las tres sonatas y las partitas para violín solo, precisamente cuando ese instrumento era uno de los favoritos del autor, durante su estancia en la corte de Weimar, mientras atendía a las exigencias de la orquesta de la corte, hacía 1703, en donde encontraría grandes representantes de los estilos cultivados, especialmente los polífónicos adaptados al violín, como sería el caso de Johann Paul von Westhopff, quien lo introduciría en las tradiciones propias de aquellos instrumentos , familiarizándose con el uso de dobles cuerdas sumamente importantes, mientras que por variadas influencias, tendrá constancia del peso de las influencias italianizantes, perceptibles en las sonatas y en los conciertos, una base del repertorio propio de la pequeña orquesta de cámara de la corte, a partir de 1714. Las sonatas y partitas para violín solo, confirman el alto conocimiento del violín que poseía el Kantor de Leipzig, como la historia acabará reconociendo, un instrumento que hará a la vez la posibilidad del tratamiento de la melodía cantable con una profunda expresión armónica gracias a una técnica nacida del profundo virtuosismo del arco. La fecha de publicación del conjunto de estas obra, ubicadas hacia 1720, no resulta tan preciso en cuanto a esas fechas. Las tres Sonatas por su cuenta, se apunta hacia el estilo de la Sonata da chiesa, en cuatro movimientos claramente diferenciados. De la Sonata nº 2, en La m. BWV 1003, nos reservamos el Grave, fragmento particularmente animado en lo relativo a sus aspectos rítmicos, con cierto aire de toccata, entre sus grandes trazos, casi improvisatorios de escalas y de arpegios en fusas y semifusas, con una analogía de estilo entre esta introducción y la introducción de la Sonata I, en Sol m. Los demás tiempos de la sonata, son una Fuga, un Andante y un Allegro, que sería transcrito para teclado con el número BWV 964

W. A.Mozart, una vez más con el apreciado Concierto para violín nº 5, en La M. K. 219, una de las páginas más excelsas de su producción compuesta a finales de 1775, antes de su aventura de Mannheim y París, y que tras los precedentes modelos italianizantes de los trabajos anteriores de este estilo, el Turkish trasciende toda herencia para conseguir un ideario que no observa rastros de de duda entre las innovaciones necesarias en su distanciamiento de las fórmulas convencionales, tras el conjunto de esta entrega de conciertos dedicados al violín, abandona este género. Si bien este concierto se acepta como el resultado de una indiscutible originalidad, para agudos analistas se encuentran influjos y afinidades con otras páginas ilustres del repertorio violinístico, aceptando sin duda alguna las de Karl Philippe E. Bach, en concreto su Concierto en Re Mayor o G.Tartini. Camille Saint-Saëns, en una de sus piezas más divulgadas, la Havanaise, en Mi m. Op.83, pieza pareja a la Introducción  rondó caprichoso Op. 28, con toda su apariencia de obra de menor grado aunque acabaremos aceptando la realidad de haber alcanzado el reconocimiento de los aficionados, una composición que podrá engarzarse con la obra citada posteriormente, y que sería una dedicatoria a Díaz Albertini, quien sabría encumbrarla al éxito, un detalle para el lucimiento de la solista en toda su extensión, a sabiendas de que la versión con acompañamiento pianístico cubre con creces el interés de la obra, en lo primordial, resulta una especie  de rondó tratado sobre un tema lánguido y embaucador, que nos insinúa el estilo de una popular habanera, tan arraigada en el gusto general del aficionado medio y que en la pieza, se divide en dos episodios de notable virtuosismo. Kaija Saarihao- Calices-, en su versión para violín y piano,es obra de 2008, y fue estrenada por Laura Mikkola (piano) y Anti Tikkanen (violín) obra con precedente en el Concierto Graal Théâtre  (1995), destinado a los BBC Proms, la compositora finlandesa, se sentía atraída por Lindberg en Kraft y Kinetics, en cuanto a las prácticas de formas electroacústicas aunque debía bastante a los trabajos para la orquesta y la voz, bien cultivados por sus colegas de generación, aunque no se plantease un lenguaje desde la perspectiva neoclásica, en el que se encuentra su obra Graal théâtre o el L´ Aile du song. Catarina estará acompañada al piano por Simona Velikova tras recibir la tutoría de Nikolay Velikov.

Nicolás García Galaz, acompañado por la misma  violinista, recibió la tutoría de Carlos Méndez, y en su programa, el Intermezzo y tarantela Op. 9, de Reinhold Glière Morizovich (1875/1956), músico de origen belga y con estudios en el Conservatorio de Moscú, asistió a clases de Arenski, Tanaiev e  Ippolito- Ivanov, antes de entregarse a la docencia en los Conservatorios de San Petersburgo, Kiev y Moscú, en donde tendría como alumnos a Prokofiev, Miaskowski y Kachasturian, cuidando igualmente la dirección de orquesta, compaginado esas actividades con las que composición, identificándose de lleno con el llamado Grupo de los Cinco abundando en las labores de investigador y etnomusicólogo, oficio que le llevará a indagar sobre la herencia del canto popular, y que quedará reflejado en sus resultados para el ballet, como Krasny mak (La amapola roja) o en Medni vsadnik (El caballero de bronze). Obras de relieve serán su Tercera sinfonía (1911), o el Concierto para voz y orquesta (1943) en la que la soprano destaca por sus ardorosas coloraturas, en respuesta al tejido armónico. Giovanni Bottesini- Grand Allegro di Concerto Alla Mendelssohn- contrabajista y director de orquesta, además de compositor, había iniciado sus estudios en el Conservatorio de Milán donde estudió contrabajo con L. Rossi, abandonado sus estudios tras trabar con el luthier C.G. Testore, quien le ofrecería un pequeño contrabajo de tres cuerdas que le acompañaría en sus aventuras concertísticas, tras debutar en Génova en 1840, con el violinista L. Arditti, en largas giras, para continuar en La Habana puente de transición a otras capitales latinoamericanas. Regresaría a Italia y a París, en donde permanecería como titular del Téâtre des Italiens, durante dos años y el Teatro Bellini, de Catania, alternado las labores más diversas, fundando en Florencia la Sociedad del Cuarteto, como director de orquesta, estrenó en El Cairo Aida, de Verdi,  siendo conocido por la cantidad de obras destinadas al contrabajo, se le llegó a conocer como el Paganini del contrabajo, por su excepcional virtuosismo, en el conjunto de su legado, destacan obras de gran eclecticismo desde el melodrama hasta las formas sacras y sus óperas como Ali Babá o el drama Eros y Leandro, inspiradas en tradiciones italianas, de  gran inventiva y dominio formal.

Elena Rodríguez Oubiña, nos devuelve al Mozart del Concierto para violín en La M. K. 219, interesante desde el Allegro aperto, con su extenso preludio con sus dos temas contrastados, uno marcial, con sus arpegios ascendentes y su ritmo característico y el otro con una melodía más cantabile marcada por la solista, hasta alcanzar un punto de recapitulación que nos lleva a una cadenza que culmina la primera parte. Especial gancho tiene el tiempo alla Turkisch largo movimiento entrecortado con una idea que el autor pudo tomar de un ritmo de su ballet Il Gelosio del Seraglio, representado en Milán en el año 1772, el mismo año de Lucio Silla, más bien que una turquesería podrá tratarse de una serie de ritmo húngaros de czadas, muy acentuados y que encontramos también en páginas de su apreciado Franz J. Haydn. Johannes Brahms- Allegro ma non troppo- del Concierto para violín Op. 77, presentado en forma de sonata y que se manifiesta como un movimiento imponente de gran aliento sinfónico, el mismo que había compartido con músicos como Mendelssohn o Schumann, llegando hasta Max Bruch, ofreciendo tres temas desarrollados con un primero lírico al que sigue otro desenfadado e inquieto y apasionado para llegar a uno de gran virtuosismo.  La influencia de la música popular húngara resulta evidente, resultado de la profunda amistad que de largo, mantenía con Joachim, una obra compuesta en 1878, en plena madurez del compositor que traería como consecuencia una obra maestra, única en este género antes de volver al piano. Sergei Prokofiev, la Sonata para violín y piano Op. 93 bis, en su tiempo Moderato, obra que también tendrá su tratamiento para flauta y piano, de septiembre de 1942, mientras permanecía ubicado en Alma-Ata, en donde se uniría a Einstein, para el rodaje de Ivan El Terrible, obra camerística terminada en 1943, para presentarse en la Sala Pequeña del Conservatorio Tchaikovski, por Charkovski y Svistoslav Richter. David Oistrakj había estado presente en el estreno y quedaría seducido por la obra, tanto por su particular neoclasicismo como por su espíritu de  irresistible atractivo lo que animaría a sugerirle a su autor y que realizase la transcripción para violín y piano, que tendría su estreno el 17 de junio de 1944, en el Conservatorio de Moscú, por David Oistrakh, y Lev Oborin, trabajo que lograría eclipsar la versión original.

Ramón García Balado

Marie Esther Cooper Aubé, Lia Theotonio y Ana Lucía Pérez González, en el Paraninfo da Universidade

 Facultade de Xeografía e Historia, Santiago de Compostela

Concierto de Fin de Curso de la EAEM, y que continúa con la cuarta sesión en el Paraninfo da Universidade –día 9 a las 19´30 h-, con la violinista Marie Esther Cooper Aubé, quien tendrá en agenda un inicio con una pieza de un compositor canario Álvaro Lorente, con su obra Four Sketches for a Tired violin (2023), joven chelista talento que también destacó como contrabajista y que sobresale como pedagogo, y que estrenó obas  como la Leyenda de Laurinaga, o La leyenda de Canarias, estrenada por la Banda Sinfónica de Ingenio en el Auditorio Alfredo Kraus, bajo la dirección de José Buceta, suscitando el interés de directores como Víctor Pablo Pérez, Gordan Nikolick o José Brito, en el ámbito de la composición, manifiesta su interés por trabajar sobre la tradición con las posibilidades contemporáneas, mostrando un interés por maestros como Magnus Lindberg, Iannis Xenakis o Kaija Saariaho,   obras suyas tuvieron una especial atención del Ensmeble Lothar Siemens y la Orquesta Universitaria  Mastro Valle ULPCG y esta violinista que estará con nosotros. W.A. Mozart, con el Concierto para violín en Re M.K. 218, el cuarto de la serie, en una obligada transcripción, obra de juventud y de la que se nos ofrecen los tiempos Allegro y Andante cantabile, por lo que respeta al nombre de Strassburger-Konzert, dado porsu padre Leopold, parece que se debe al recuerdo de un aria popular, tal vez escuchada en aquella ciudad, Estrasburgo, durante uno de aquellos viajes tan productivos, tenía nuestro músico 19 años. Era el strassburger una danza popular, de gran aceptación en sociedad durante aquella  década de los setenta en Austria que describirá Caroline Pichler en sus recuerdos vieneses: Mientras en la gran sala se formaban los grupos de danzadores, en el centro de ese círculo algunas parejas bailaban el strassburger, que consiste en graciosos entrelazamientos de los brazos  y en coquetos movimientos del cuerpo, un concierto que para Alfred Einstein, es bastante diferente que los anteriores. Mostrando una sonoridad más sensual, cualidad que proviene de la elección de la tonalidad. Lili Boulanger, hermana de Nadia, tendrá un Nocturne para violín y piano, Lili siempre tuvo una salud frágil, pero contó con en entorno de un ambiente musical por su abuela materna, cantante de ópera. Su música destacó por la combinación de un talento prodigioso y una férrea voluntad de superación, llegando a ganar un segundo Prix de Rome por su obra Fausto et Hélène, en el año 1908, aunque encontraría cierta discriminación por su condición femenina, trabajó preferentemente el París, gracias a las atenciones que con ella tuvo Gabriel Fauré, tras su vuelta de Italia, en donde había tenido una beca que le permitiría componer el ciclo Clarières dans le ciel, más de treinta obras aparecen en su catálogo, con ejemplos como su ópera La Princesse Maleine, que quedaría incompleta y en su obra para la voz, siempre ocupando un primer plano, cobra un lugar de preferencia esos Clairiéres, trece poemas de la colección Tristesse, del simbolista Francis Jammes, especie de poemas metafóricos que nos hablan de esperanza, ternura, amor fugaz, soledad y desolación. Marie Esther Cooper Aubé, estará acompañada al piano por Simona Velikova, tras pasar por la tutoría de Ildikó Oltai.

La violinista Lia Theotonio, asistida al piano por la misma Simona Velikova, contó con la tutoría de Adriana Winkler, y comenzará su sesión con el Adagio de la Sonata para violín solo nº 1, en Sol m. BWV 1001, obra perteneciente a la serie de las tres Sonatas y las Partitas para violín solo, una de las preferencias del autor que cultivaba en el espacio de las formaciones de Weimar y Köthen, período en el que descubría los modelos italianos dentro del recurso de las técnicas de las dobles cuerdas que tanta influencia tendrán en el conjunto de sus obras para pequeña orquesta de cámara de la corte en la que sería apreciado, por sus labores como director. Bach encontró las condiciones favorables para responder a las exigencias requeridas junto al príncipe Leopold d´Anthalt-Köthen, quien se había traído de Italia un gusto preferente por esos trabajos camerísticos. Aunque el manuscrito de las sonatas y partitas para violín solo llevan fecha de 1720, no es segura tal asimilación ya que el año 1720, corresponde  a la fecha en la que Bach había realizado su recopilación en Köthen. Las obras fueron mal comprendidas durante el Romanticismo desde edición por Simrock, en Bonn esperando a que Mendelssohn y Schumann acaben añadiendo un acompañamiento pianístico para hacerlas accesibles al gran público. Las tres Sonatas  están escritas siguiendo el modelo de la Sonata da chiesa en cuatro movimientos. El Adagio de la Primera en Sol m. BWV  1001, resulta una obertura de notables pretensiones, una página emocionante que grandes trazos que adopta un estilo de fantasía improvisada. W. A. Mozart- Concierto para violín nº 5, en La M. K. 219 (Turkisch)- el más conocido de sus conciertos en particular por las dependencias de los anteriores de los antiguos modelos italianos deudores de las páginas de G. Tartini, P.Nardini y L. Boccherini que en los últimos trascenderá esas herencias estilísticas. Si bien este concierto pasa por ser una página indiscutiblemente original, son numerosos críticos los que se encuentran en la idea de los influjos y afinidades con otras obras, le acercan a K.P. E. Bach  o D. Ditersdorf y G.Tartini, en alguna de sus obras reconocibles. Para Parouty, si por un lado los conciertos para violín muestran una menor innovación respecto a los de piano, por el otro, sabe adaptarse con pasmosa habilidad al gusto del momento, el llamado estilo galante, importado de Francia, gusto que cultivará durante varios años, logrando a veces alterar sus estructuras. Según Greither este concierto se ha convertido en una de las obras más conocidas de Mozart , por su sustancia espiritual, su belleza melódica, su empleo seguro y brillante de las posibilidades expresivas del violín y sus movimientos fuertemente contrapuestos. Jean Sibelius- el Allegro moderato del Concierto para  violín en Re m. Op. 47, obra estrenada bajo la dirección de Richard Strauss en 1905, tras una cuidada revisión, mientras el autor disfrutaba de un retiro apacible y solitario en el norte de Helsinki, que ayudará a dar vida a la evolución de esta composición entre pasajes de dificil  ejecución aunque trágicamente convencionales. La parte solista demanda una técnica implacable rechazando todo virtuosismo inútil. El Allegro moderato, movimiento inicial, es de lejos el más complicado y el más interesante a través de sus tres temas con un primero bastante largo e incisivo que ayuda a la entrada de la solista, un segundo tema que en su versión orquestal subordina a la solista y un tercero con una pureza de línea confiada al violín, en registro agudo. En el centro del movimiento se presenta una cadenza de inhabitual relieve. Aleksey Igudesman (1973)-Appelmania-violinista ruso nacido en San Petersburgo y con carrera en Alemania, tras  estudiar con Samantha de Leon y Roman Mosler, pasó por la Academia Yehudi  Menuhin, en donde tuvo como maestro a Boris Kusechnir, y dinamizó la Orquesta Juvenil de Austria, junto a Sebastian Gürtler,   realizando proyectos como du obra Uruguay  con la obra The Cybor Conductor. Se relacionó con músicos como Gidon Kremer, Julian Rachlin, Viktoria Mullova, Janine Jansen, Vadim Repin o Pavel Vernikov, a los que dedicó obras, al tiempo que realiza giras exitosas con al pianista Hyung Ki Joo. El cine es otro de los espacios en los que trabaja, con documentales dedicados a J.Rachlin y Misha Maisky, con la participación de John Malkovich y Roger Moore.

La oboísta Ana Lucía Pérez González, presenta dos obras, el Dúo concertante para oboe y piano, de Antal  Dorati que se ofrece como Libero, rubatissimo (lento, quasi una cadenza), Antal Dorati, director de orquesta húngaro, nacionalizado estadounidense, y que falleció en Suiza el 12 de noviembre de 1988. Nacido en un ambiente musical por sus propios padres, formado en la Ac. de Música de Budapest, donde estudiará chelo y piano, antes de probar en la dirección como asistente en la Wien Universität, para continuar en la Ópera de Budapest (1924/8), mientras mostrará interés por los trabajos de investigación musicológica dentro del folklore, estudiando  con Béla Bartök y Z. Kodaly, y dirigiendo igualmente obras de Stravinsky como El canto del ruiseñor o Oedipus Rex. Fue asistente de Fritz Bush, en Dresde antes de ocupar la plaza de Münster (1929/32), recorrerá el mundo hasta llegar a Nueva York, después de dirigir a los Ballets Rusos en Montercarlo. Dotado de una portentosa imaginación, le veremos presentado obras de Bartók y Kodaly, además del acostumbrado repertorio clásico. Schuller le dedicó los 7 Estudios sobre cuadros de Paul Klee y entre importantes estrenos, destacan el Concierto para viola, de Bartók; el Concierto para orquesta, de Schuller; Visages d´Axel, de Niggs; Zodiac, de Bennett; el Concierto para orquesta, de Roberto Gerhard; la Sinfonía Serena de Paul Hindemith o dos de las sinfonías de W. Schumann.  Fernando Buide, con el Adagio para oboe y cuerdas, uno de nuestros compositores más activos, doctorado en la Yale University y en la Carnegie Mellon de Pittsburgh, fue galardonado con el Premio AEOS-BBVA, en su séptima edición, mereciendo mención su nutrido catálogo, que va desde Mar ao norde, a su Concierto para órgano, estrenado junto a obras de Olivier Messiaen-Hymne pour grande orchestre y la Sinfonía en Do, de Paul Dukas, en el ciclo sinfónico de la Orquesta Nacional de España; Fragmentos de Satiricón, recibiría el VII Premio de Composición de la AEOS-Fundación BBVA e importante acogida tendrá su ópera A sombra de Cristal, con la soprano María Hinojosa y el barítono César San Martín, con el actor Víctor Mosquera, con puesta escénica de Quico Cadaval, junto a otra obra  escénica como A Amnesia de Clío, dirigida por Paul Daniel con las voces de la soprano Raquel Lojendio; el barítono Sebastià Peris; la mezzo Marina Pardo y la participación del Orfeón Terra a Nosa, de Miro Moreira, con puesta escénica de Marta Pazos, ofrecida en la temporada 2019/20. Buide fue residente de la Real Academia de España, en Roma y profesor de la Yale University

Ramón García Balado