La soprano Chen Reiss, solista de los Vier Letze Lieder, de Richard Strauss

 Palacio de la Ópera, A Coruña

Concierto de la OSG dirigida por Alexander Liebreich contando con la soprano Chen Reiss para los Vier Letze Lieder de Richard Strauss, con un programa que se completa con As marxes, de Mario García Cortizo y la Sinfonía nº 5, en Re m. Op. 107 (De la Reforma), de Félix Mendelssohn, en el Palacio de la Ópera de A Coruña- día 30, a las 20´00 h.-, una cantante con experiencia en coliseos como la Ópera Estatal, de Viena; el Royal Opera House Covent Garden, la Ópera Estatal de Baviera, el Teatro alla Scala, le Téatre des Champs Élysées, el Maggio Musicale Fiorentino, la Wiener Festwochen, o los españoles Teatro Real y Liceu de Barcelona. Colaboró en el filme Das  Perfume, de Tom Tykwek, con la Berliner Fhilharmonie, dirigida por Simon Rattle, destacando por su roles cercanos obras de Richard Strauss, además de papeles como Zerlina, Ginevra (Ariodante), con William Christie; Marzellina (Fidelio) o Illia (Idomeneo), con Christian Eschenbach.

Mario García Cortizo, aporta As Marxes, por vez primera con la OSG, especializado en estilos contemporáneos centrados en proyectos de cierto riesgo, que se maneja entre la improvisación, la investigación y una predisposición de orientación en esos espacios. Se formó en la ESMuC, (Escuela Superior de Catalunya), y el Conservatorio Koninklijk Den Haag, de Holanda, que le supondría un notable desarrollo de su carrera, presentando obras en el Teatre del Liceu (Barcelona), Festival Peral Palau, Mediterrània de Manresa, Mercat de les Flors, Festival  Grec, IVAEM (Instituto Valenciano d´Art Modern,  Festival del Grec, Internacional de Sâo Paulo, Teatro Circo Price (Madrid), recibiendo el Premio Martín Códax, por Un solo solo solo (2023), por la mejor música contemporánea; el premio del Festival Cans, por Conte trencat (2020); O neno e a sardiña (2023), recibiendo becas de investigación e innovación de las Artes Escénicas OSIC (Generalitat de Catalunya), participando en Residencias Artísticas en el Pazo de Mariñán, de la Diputación de A Coruña. Es miembro de la Academia Galega de Artes Audiovisuais y de Musimagen. Estrenó obras en el Festival Resis, y colaboró con artistas como Pierre Boulez, Paquito D´Rivera, Michael Nyman, Lang Lang o Carlos Núñez. Con el Taller de Compositores, que realizó con la RFG, en un proyecto de Baldur Brönnimann y Ramon Lazcano, participó en otro proyecto en el que se incluyó una obra suya, Faramontaos 1952.

Richard Strauss- Vier Letze Lieder- una muestra de la capacidad del autor para seguir componiendo en esa fase final que nos deje tan solo 7 Lieder, aunque de sublime calidad, y que en esta ocasión se complete entre los años 1947/8, un año antes de su muerte, pesaba la conciencia de una situación al límite, siendo los tres primeros compuestos sobre la poética de Hermann Hesse y el último que remitiría a Eichendorff, dos generaciones que no podían ser más opuestas. Una calidad en el punto álgido de esta carrera que viene a cerrar los ciclos de Schubert, R. Schumann, Hugo Wolf, Johannes Brahms o Gustav Mahler. Se trataba de superar las penurias de una guerra que dejaría secuelas. Tras comenzar con el poema Im Abendrot, como primer tanteo, se planteará culminar un ciclo que supondría un ejercicio de conciencia, tomando la poética de Hermann Hesse: Frühling; Bein Schafengehen y September, completando la obra en septiembre de 1948, mediando el editor en el orden respecto a la fecha de composición, y terminado con el Lied de Eichendorff, compuesto en primer lugar, la última frase del ciclo nos dice Ist dies etwa der Tod? (¿es acaso la muerte?). Esta frase nos muestra un emotivo adiós a  la vida, pero al igual que ocurre con Franz Schubert, en su Winterreise, es un adiós que nos lleva a una muerte serena, en ningún caso dramática. El ciclo está escrito para registro vocal que inspiró a la voz femenina, a la que convierte en un indiscutible instrumento dentro de su orquesta. Sus untuosas y luminosas modulaciones, crean un clima propicio a ese estilo romántico tardío, que cultivó en los años finales,. Frühling (Primavera), es una alabanza a la estación del año, sobre el poema de Hermann Hesse, un Lied estrófico y variado que nos muestra la gama de colores y sonidos; September (Septiembre), también de Hesse, marca perfiles otoñales a través de resplandecientes modulaciones, que nos van trasladando a la serenidad, puesto que la juventud se fue disipando; Beim Schafengehen (Al irse a dormir), resulta el último Lied sobre poema de Hesse, con una línea vocal que se convierte en mayor protagonista, gracias a una actitud de gran amplitud de tesitura; Im Abendrot (Eichendorff), conserva en la distancia las afinidades con Robert Schumann, por el que se sentía atraído y que nos presenta a dos personajes en medio de la naturaleza, compartiendo desventuras que descubriremos en su poema sinfónico Muerte y transfiguración.

Félix Mendelssohn- Bartholdy-  Sinfonía nº 5, en Re m. (De la Reforma)– obra por la que no sentía especial afecto y que solo la dirigió en una audición privada, con éxito mediano, obra abordada en 1829, con motivo del tricentenario de la Confesión de Ausburgo (1530, manifestando el íntimo conflicto de distintas razones tanto políticas como religiosas, las dos tendencias creadoras del compositor, entran en conflicto por la imposibilidad de unión entre la tradición alemana, procedente del coral luterano y un lenguaje decididamente más moderno, como resultado, una imperfecta experiencia que tardaría en instalarse en los programas de concierto, tal cual había sucedido en sinfonías anteriores, resultando evidentemente más austera a consecuencia de los préstamos procedentes de la liturgia protestante, curiosamente perfectamente integrados. Los dos movimientos extremos, abundan e ilustran el tema elegido, denunciando aspectos retóricos carentes de la necesaria originalidad e inspiración. En conjunto, la orquestación conserva su belleza con ciertos aspectos sombríos y pinceladas hirientes y metálicas. El Andante. Allegro con fuoco,v resulta grave y solemne a través de las ideas litúrgicas encadenadas por secuencias (Magnificat, del tercer tono, Nunc Dimittis gregoriano), elemento fácilmente reconocible a través de las notas en ascensión, de un tema de la Iglesia de Dresde, que Wagner usará en Parsifal. El Allegro vivace (Si b), resulta un tipo de Scherzo de acentuada pronunciación ligera en el que los chelos protagonizan la segunda parte, hacia un trío cantabile relajante. El Andante (Sol m.), queda como una frase lírica y confiada en las cuerdas, en un estilo muy del autor, un estilo de Romanza sin palabras. El Coral y Finale, es un tiempo primordial por su recurrencia a tema luterano Ein Burg ist unser Gott (Nuestro Dios es una poderosa muralla), canto religioso utilizado por Johann Sebastian Bach, en su Cantata BWV 80, presentada aquí bajo la forma de un coro instrumental en las maderas a las que se unen los instrumentos de metal. El Coral en la conclusión, se resuelve como un Maestoso de notable impacto sonoro, acentuado con un tema de apoteosis que describe el himno orquesta, argumento de la propia Sinfonía (De la Reforma).

Ramón García Balado

La JONDE y el Ensemble Modern (II)

Santiago de Compostela - 23/10/2026

Tercer concierto en A Casa das Máquinas, con la JONDE y Ensemble Modern, en este ciclo de Contemporáneas y en ese espacio que se integró con fortuna en las propuesta de lo más variado, siempre sobre proyectos de duración no excesivamente extensa, la propia JONDE, garantiza su presencia en este ciclo como ya constatamos hace un par de temporadas también en colaboración con este Ensemble Modern y en otras actividades camerísticas junto al Trío Arbós y el clarinetista Joan Enric Lluna, aportando la iniciativa de proponer obras necesarias de nuestro tiempo. Un factor a tener en cuenta es precisamente la estadía en nuestra ciudad combinando actividades concertísticas que se extenderán hasta el próximo 6 de junio del año siguiente que tendrá como protagonista al Ensemble Música Práctica y la Escola Municipal de Música de Santiago de Compostela, en un programa participativo dedicado a Terry Riley, y su obra In C (1935), un paradigma de las tendencias minimalistas, resultado de una música en constante trans formación en una idea única e irrepetible para un ensemble nacido por la iniciativa conjunta de Fernando Buide y Alex Sanz y en el que participarán Joan Ibánez (flauta), Manuel Lorenzo (violonchelo), Alejandro Sanz (percusión), con estudiantes elegidos de la Escola Municipal de Música, dentro de una evocación abierta.

Para el concierto de esta fecha, Rebecca Saunders- Stirrings still II (para flauta, oboe, clarinete, contrabajo, percusión y piano (2008)- compositora nacida en 1967, actualmente una figura fundamental de la música inglesa de vanguardia que tuvo el privilegio de estudiar con Wolfgang Rihm, en los años noventa, antes de establecerse en Berlín, estrenando obras como su Quartet, para acordeón, clarinete, doble bajo y piano, una de sus aportaciones de referencia en el mundo camerístico y un modelo de cómo concebía el material sonoro en una sucesión de objetos sonoros concisos, secos e interrumpidos por períodos de silencio meticulosamente calculados. El propio silencio se convierte en un elemento especialmente importante trascendiendo el valor de las propias notas. La importancia de los sonidos, su fisicidad y ciertas influencias asimiladas de Giacinto Scelsi, en sus últimas tendencias, resultarán un signo distintivo en Rebecca Saunders, que siempre se mueve entre instrumentos que permitan amplias resonancias y reverberaciones con resultados como los obtenidos en Blue and Gray-para dos contrabajo- o la excelente primera propuesta de Stirring still (2006), perfectos ejemplos de una música que se mueve entre los registros extremos, que prefieren el choque de sus sonoridades para crear atmósferas no muy lejanas en muchos aspectos de los de Morton Feldman y que en lo literario evoquen los mundos de Samuel Beckett y Mark Rottko, que ayudarían a conformar su espacio sonoro. De ella, recordamos con la propia JONDE, con su grupo de cámara del Trío Arbós, Disclosure (2008), sobre un lenguaje distintivo en una referencia a su generación como alumna del aula de composición de Nigel Orborne y Wolfgang Rihm, una forma de sensualidad compleja y fascinante que incluía largas explicaciones sobre textos de Samuel Beckett, en Horn Always Came (1960), encargo de la Sección de Música Contemporánea del Conservatorio de Oberlin (Ohio), con la ayuda del Ensemble Musikfabrik y la Fundación Kunstiforum NRW. Stirring still II, era pieza en forma de collage sobre líneas en pianissimo de los solistas, fundidas entre ellas, con un planteamiento que planeaba sobre una impresión de fragilidad que dejaba una alternativa de ecos observables desde múltiples perspectivas, con una sensación estática en su proyección sonora.

Sofía Gubaidulina (1931/ 2025)- Quasi hoquetus (para viola, fagot y piano (1985)-, compositora que tomará el relevo de autores consolidados y de renombre internacional como Prokofiev y Shostakovich, asumiendo el papel que también desarrollaron músicos polacos como Penderecki o Goreckiy muy a diferencia de sus vecinos, su generación, la de Denisov, Grabowski o Silvertrov, no gozaría de la posibilidad de la promoción internacional como la que supondría el Festival de Varsovia. Tras la obligada etapa de aprendizaje y la asimilación de los estilos imperantes en los círculos musicales occidentales, su generación encuentra a mediados de los setenta, una salida a la falta de identidad delo lenguaje propio en forma de una gran diversidad de estéticas, frente al eclecticismo de Alfred Schnittke. Es ella autora de un brillante formalismo heredado de un discurso unidireccional manifiesto en obras como Offertorium, Hommage à Elliot, Regocijáos, dentro de un gusto de asociaciones tímbricas insólitas que vemos en In Croce. La cantata Jetzt immer Schnee (En el presente siempre la nieve), de 1993, destaca especialmente el uso de los colores, las inflexiones y los registros de enorme originalidad por el tratamiento global de gran moderación sobre un tema basado en cuatro poemas de Guennade Aigui, que inspiraron a la compositora los problemas que agobiaban las angustias de su país en aquel momento. Quasi hoquetus, es obra del período de madurez que indaga los recursos expresivos tomando la línea melódica de la técnica del hoquet medieval elaborada con un lenguaje actual, resaltando los aspectos abruptos y las interrupciones del discurso sonoro, plagado de contrastes desde la entrada de la viola apoyada en un juego de armónicos delicados y el fagot con sus incisivos y descarnados detalles tímbricos, hasta la recepción del piano de gran fuerza expresiva.

Nina Senk (1982)- Movimiento fluido (para flauta alto, violonchelo y piano (2007)- procura un movimiento continuo en el que la música fluye entre el equilibrio y la transformación, compositora de Ljubliana y merecedora de galardones como el Erste Bank Kompositionpreis y que ejerce como directora artística de los Konzertini abonma Ribnica o de los Compositora en Foco, de la Sinfónica de Aachen. La obra elegida, nos llevaba a 2007, cuando seguía la escuela de Matthias Pintscher, en Munich, cuyo resultado serían experiencias como esta obra, tratada sobre pasajes de transición delicados, dentro de un concepto que culminaría en obras abordadas en las exigencias de esta idea, ofreciendo yuxtaposiciones de bloques contrastados, un resultado de una estructura rítmica particularmente estricta, definidas por largas secciones que presumen una visible impregnación jazzística.

Ursula Mamlok (1923/2016)- Girasol (sexteto para flauta, clarinete, violín, viola, chelo y piano (1990)- compositora de la que tenemos noticia por sus oficios docentes con otras creadoras y que en esta pieza, alcanza una extraordinaria densidad expresiva mediante la economía de medios y la metamorfosis de un material reducido, constatación de este grupo de compositoras que comparten un espacio vivo en el que cada gesto, cada silencio y cada resonancia modifican la percepción del tiempo transformando la experiencia del oyente. Tras lograr una beca de la Mannes School Music, se trasladó a Nueva York, donde amplió estudios con Roger Sessions y Stefan Wolpe, cuyo resultado sería la preferencia por la escritura de obras camerísticas, curiosamente con claras preferencias al neoclasicismo en el marco de tendencias seriales, que en esta pieza resultaba un ejercicio de notable virtuosismo basado en técnicas de variación, con múltiples secciones, un encargo de la Serge Koussevitzky Music Foundation, para el Griffin Ensemble. Un primer tema con dos episodios enlazados, en forma de passacaglia, con suaves densidades y que se resolvía en un final transformado con motivos de quintas en trío, en un vistoso talante de trino, que enmarcaba la idea de la obra.

Chaya Czernowin (19579- Lovesong (para flauta, oboe, clarinete, violín, viola, chelo, percusión y piano (2010)- compositora norteamericana donde trabaja en la Harvard University y que en la última convocatoria del Festival RESIS que promueve Hugo Gómez- Chao, reservó su obra Undersong para ser interpretada por SIGMA Project, RITMO realizaría una entrevista a la compositora en el número 1006, del mes de junio, un cuarteto de saxofones, obra sobre la que trabajó a lo largo de toda una década y que estrenaba en nuestro país, un compromiso en coproducción con Siemens, weit! Neu Musik weingarten, para el respetado Festival de Otoño de Varsovia, a solicitud del propio SIGMA Project, para una obra que funcionaba de manera multisensorial e interdisciplinar. Su música se encuentra actualmente en un período muy intenso con un proyecto operístico sobre el que trabaja y que alcanzará hasta 2029, en esencia, la tecnología juega un papel importante en toda su aventura, utilizando incluso la voz amplificada con la intención de revelar los detalles extremadamente ínfimos, ajenos a un sondo vocal perfecto. Lovesong, era obra cuya música ofrecía una paleta de gestos cercanos a una mano imaginaria de una ejecución de un instrumentista expandiéndose dentro de una creciente resonancia, en un flujo que remitía a un ánimo de exaltación, propuesto por las aportaciones de cada uno de los solistas.

Ramón García Balado

Contemporáneas

Jonde / Ensemble Modern

Obras de Chaya Czernowin, Sofía Gubaidulina, Rebecca Saunders, Nina Senk y Ursula Mamlok

Casa das Máquinas, Santiago de Compostela

Foto © JONDE Courtiers

https://www.ritmo.es/auditorio/critica-la-jonde-y-el-ensemble-modern-ii-por-ramon-garcia-balado 

El bosque de Grimm, por la Compañía La Maquiné

Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

Tres sesiones por la Compañía La Maquiné, agrupación teatral para los conciertos didácticos en el Auditorio de Galicia-días 29, 30 y 31, las dos primeras destinadas a centros educativos, entre las 10 y las 12 horas, y la tercera en concierto familiar, a las 18 horas, en un espectáculo que cuenta en la parte creativa con el protagonismo de Joaquín Casanova y Elisa Ramos, siendo Casanova el director escénico y responsable de los detalles de iluminación y destacando Elisa Ramos y Maite Campos como intérpretes, en una adaptación musical de José López- Montes  quien se hará cargo de la dirección de este trabajo que toma como referencia Ma mère l´ Oye (Mamá Oca), de Maurice Ravel. Una agrupación que destaca por sus trabajos con títeres abordando su interés sobre títulos tradicionales como Caperucita roja, Pulgarcito, Blancanieves o Cenicienta, destinados preferentemente a un público infantil, con atención a renovadoras experiencias escénicas realzadas por los detallismos de los aspectos gestuales tomados de los cuentos  de hadas con atención desde sus comienzos a los relatos de Charles Perrault y los hermanos Grimm. José López-Montes, es un compositor que se especializó en el tratamiento de las tímbricas y los armónicos de la música en sus fundamentos, con aproximación a las creaciones algorítmicas y las tecnologías de espacialización y sinestesia, ya desde sus comienzos con trabajos como Tres guerreros, encargo de la O. Ciudad de Granada, para continuar en su colaboración con Pablo Heras-Casado en el ballet La mitad de la verdad está en los ojos, tras recibir su formación con Francisco González Pastor, previo a su traslado a la Hochschule Musik und Theater Zürich, en donde tuvo como maestros a Gerald Bennett y Michael Jarrell, siendo premiado por la SGAE, por sus indagaciones en trabajos de electroacústica; Le Ton-beau de Frank, fue uno de sus eslabones de dinamización, destinado a Forblichflügel, al que seguirán el Último estudio para Atanos, compromiso para IBEM (Francia), participando en colaboraciones con el Institute for Computer Music and Sound Technology, de la Zürich University; Badlands for the Skies, será un trabajo destinado para voz, chelo, cintamagnética ambisónica y proyección multimedia, destinada al Museum for Gestaltung Zürich, además de participar en los proyectos de XX Aniversario del Guggenheim de Bilbao (2017), con Chasmata, a medias con el compositor Ángel Arranz, un trabajo para  ensemble de saxos, entre otras iniciativas de relevancia, fue la colaboración con los astronautas Pedro Duque y Paulo Nespoli, en un salto que sobrepasa  las iniciativas más acostumbradas dentro de los experimentalismos más comunes.

Maurice Ravel- Ma mère l´Oye-, obra nacida al amparo del piano a cuatro manos en una colección de piezas infantiles que desde siempre encandilaron al aficionado incluso en su tratamiento sinfónico e una suite para orquesta realizada por el propio autor, en 1911, con estreno el 20 de abril del mismo año, en la Salle Gaveau, con Jeanne Leleu y Geneviève Durony, y de la que serían dedicacarios los hijos de amigos suyos,  en un traslado a la inspiración de aquello eternos relatos de memoria imperecedera, logrando en esa versión orquestal un deslumbrante resultado apoyándose en Perrault, Marie Leprince de Beamont o la Condesa de Aulnoy, consiguiendo con ello eclipsar ese trabajo inicial pensado para el piano a cuatro manos, obritas plenas de fantasía y poesía conseguida a través de la simplificación de la escritura, un espíritu de sencillez e ingenuidad pueril, repartida entre sus tiempos Pavana de la bella durmiente del bosque, entre dulces acordes y suaves armonías;  Pulgarcito, un sinuoso y tortuoso camino de terceras, con una melodía de suave expresión; Laiderronnete (Feucha)- Emperatriz de las pagodas –relato de Mme d´Aulnoy- una chinería en toda regla en estilo de marcha que guarda afinidad con las Estampas, de Claude Debussy; Conversación de la Bella y la Bestia- relato de Mme Leprince de Beaumont, a modo de vals moderado que describe un charloteo amoroso y que por su trazado, evoca las Gymnopédies, de Erik Satie, para cerrar con El jardín de las Hadas, pausado y grave, en una ostentosa apoteosis, con efluvios perfumados.

Ma mér l´Oye, se había ofrecido con gran éxito en el Théâtre de les Arts el 21 de enero de 1912, el que sería año de sus ballets tras abandonar Jacques Rouché la posibilidad de llevar a cabo L´Heure Espagnole, cediendo pues a los cuadritos de esta obra, dejando una especie de divertissement,  un recuerdo de un procedimiento pensado para la ópera Schérezade, en un estilo de intriga inconexa que entrelazada Petit Poucet; La Belle et la Bête y Serpentin Vert, en la Belle au Bois endormant, mediante el agregado de un preludio. Los decorados de Drésa, hicieron maravillas, más aún en la evocación de su vestuario, que simulaba confusión en un acercamiento al Siglo  de Las Luces; la coreografía de Jane Hugart, resultaba una rigurosa intriga, que haría las delicias de Nijinski, quien diría al autor: Es así como se baila en familia. Ravel no abandonó nunca ese siglo de fantasías sin detenerse en las gracias de la Restauración, ya que amaba sus juegos, sus modas, sus muebles y sus frivolidades, incluso hasta su ridiculez, como en el caso de la respuesta positiva de Mme Trouhanova, para danzar Los valses nobles y sentimentales, a los que procuró darles un marco de salón típica de 1820. Un camino que nos ayuda a comprender las dos versiones sobre Ma Mère l´Oye, las Cinc pièces enfantines, para piano a cuatro manos, en los tiempos Pavane de la Belle au bois dormant; Petit Pocet; Laiderronette, impératriz del Pagodes; Les Entretiens de la Belle et la Bête y Le Jardin féerique.   La versión de ballet, con la orquestación del autor, un encargo de Jacques Rouché, de casi media hora, usa una instrumentación orquestal entre timbales, percusión, xilófono, campanólogo, tam -tam, celesta, arpa y cuerdas, obra que se estrenará en París a comienzos de 1912, en el Théâtre de Les Arts, bajo la dirección orquestal de Gabriel Grovlez, contando con partes añadidas a la suite precedente, el Prélude, la Dance du rouet y los Interludes, entre diferentes escenas para facilitar los cambios de decorados, que se conservan en un manuscrito de la colección de Madame Alexandre Teverne.

Ramón García Balado

JONDE y Ensemble Modern, en Contemporáneas

 Santiago de Compostela - 21/10/2026

El Ensemble Modern, al que ya tuvimos compartiendo actividades con la propia JONDE, es una formación nacida en 1980, teniendo su sede en Frankfurt y que para esta convocatoria presenta un colectivo integrado por 18 músicos procedentes de distintos países cultivado un amplio espectro de de obras en repertorio, aspecto que cultivan en sus giras que les llevan desde los Estados Unidos, Japón o países europeos, en colaboración con proyectos de similares ambiciones en calidad de formación invitada, habitualmente aportando obras de estreno o encargo, bastantes como demanda de los entes institucionales que demandan sus trabajos, primando la colaboración con los propios artistas en un calculado proyecto de precisión.

Hablaremos de compositores como George Benjamin, John Adams, Heinz Holliger, Rebecca Sauunders, Gÿorgy Ligeti, Unsuk Chin, Karlheinz Stockhausen, Hans Zender, Mark-Anthony Turnage, Brian Ferneyhough, Heiner Goebel, Vito Zuraj, Peter Eövös, Hans Werner Henze o Brigitta Muntendorf. Desde 2020 disponen de su propio sello discográfico con el que han registrado más de 150 obras y a partir de 2003, crearon la International Ensemble Modern Accademy, centrada en proyectos de carácter pedagógico de formación musical que fomenta los proyectos de creación artística . En 2024, el Ensemble Modern fue galardonado con el León de Plata de la Biennale Musica di Venencia. El orden previsto de las piezas no se atuvo a lo previsto en un principio, ajustándose a condicionamientos que lo propios intérpretes irían optando a medida que probaba la evolución de las mismas en los ensayos del programa a tratar.

Kaija Saariaho (1952-2023): Cendres (para flauta alto, chelo y piano (1998), la finlandesa que por infortunios de la vida, no llegó a ser artista en residencia de la RFG, tal como estaba previsto, Saariaho había recibido la herencia de Sibelius y aspectos de Shostakovich por su fertilidad creativa, a lo que se uniría su admiración por Henri Dutilleux, y los oficios de los músicos centroeuropeos, y el manejo de nuevas tecnologías procedentes de las experiencias adquiridas en el IRCAM, de Pierre Boulez que se confirmará en un destacado catálogo en el conjunto de sus obras privilegiando indistintamente las formas instrumentales y vocales gracias a su capacidad e imaginación en lo relativo a la acentuación de atmósferas poéticas.

Podremos recordar obras suyas como D´om le vrai sense, dirigida por Baldur Brönnimann y el clarinetista Kari Kriikku, escuchada en abril de 2024, junto a obras de Erich Wolfgang Korngold y Kurt Weill, casi un homenaje a su figura. De la finlandesa destacan obras como Du cristal…à la fumèe, sobre un tejido sonoro sensual; Verblendungen, de trazos vigorosos o la ópera de notable divulgación L´ amour de loin, sobre texto de Amin Maalouf. Cendres fue encargo de la Gesellschaft für Neue Musik Ruhr y del Kultürburo de Hessen para el Wolpe Trío, una idea de análisis del espectro sonoro basado por momentos en el uso de la microtonallidad disponiendo cada instrumento de una tensión que auspiciaba el tratamiento de alturas, rítmicas, articulaciones y colores que la convertían en un modelo de idiomatismo que manifestaba su propio talante.

Carme Rodríguez: Unha estrela danzante (para clarinete, trompa, viola, contrabajo, percusión y piano), compositora con presencia frecuente en este ciclo como ya nos ofreció en la pasada cita con Alalá das Paixases Verticais, integrada en el registro Kaleidoscope del Isabel Pérez Dobarro, una pieza programática que epitomizada la costa gallega, tierra natal tanto de la compositora como de la propia intérprete, enraizando la tradición del Alalá, el canto solista y melismático que establecía un juego de contrastes dinámicos que entretejían un rico tapiz a través de la inspiración en la tradición autóctona. Unha estrela danzante, era una pieza que se inspiraba en el Nietzche de Así hablaba Zaratustra, a través de la coexistencia del orden y el caos, que se iría transformando entre pasajes armónicos, rítmicos y tímbricos en un diálogo que divagaba hacia una exploración de previsibles estructuras regulares que permitía aflorar una inestabilidad que se transformaba desde el interior de la propia obra.

Younghi Pagh- Pan (1945): U mul (El muro) (para flauta, clarinete, violín viola, chelo, contrabajo y percusión), un dialogo intercultural, dentro de esta ambición de descubrir la genuina dimensión de una épica popular libre y refinada. composición que por propia decisión, estaría destinada para el cierre del concierto, el título de la obra se presentaba como una metáfora de la profundidad interior y de la memoria, en sintonía con el pensamiento taoísta, cuyo desarrollo lineal se estructuraba mediante procesos sonoros contemplativos centrados por el timbre y las resonancias, especie de combinación de gestos inspirados en las tradiciones coreanas entremezcladas con las técnicas contemporáneas occidentales que ayudaban a recrean texturas ricas y sutiles, en las que las percusiones animaban a una escucha introspectiva y evocadora.

Cathy Milliken (1956): Three steps (para trompa, violín y violonchelo), ofrecida en cuarto lugar, era una pieza escrita en 2010, una manera de adentrarse en una dimensión simbólica, breve pieza comenzada con una apunte de trompa que animaba a la entrada de sus dos compañeros de cuerda a través de una imagen de inspiración tomada del Angelus Novus, en el que ambos instrumentos de cuerda, se repartían el motivo de inspiración, quizás ubicándose como los brazos y las alas de un ángel que se convertía en una peculiar danza de renovación o de muerte, una dualidad que mostraba entre guiños las deliberadas ambigüedades, convirtiendo los instrumentos de cuerda en sugerencias figuradas del Angelus Novus, en este especie de trío equilibrado que llega a la resolución de forma armónica y equilibraba.

Hilda Paredes (1957): Juegos prohibidos (para clarinete, violonchelo y piano), obra de 2019, que se plantea en el espacio de la dimensión ética, una meditación que se apoyaba en la realidad cotidiana de México, el drama de sus sufridos conflictos fronterizos con el gigante del Norte avasallador, una combinación de un distanciamiento forjado desde su país de origen en el que la conciencia artística se encuentra con perspectivas sin posibles ilusiones, la obra en sí misma, no guardaba afinidad con vínculos folkloristas, pendiente en grado distinto del uso de texturas enérgicas y sonidos de mágicas evocaciones. Para ella, escribir la obra, consistía en una respuesta a una petición de Vincent Domínguez, quien pondría sobre el guión un trabajo de profundas dimensione sociales mexicanas frente a los Estados Unidos, a través del recurso de un mundo de infancia traumatizado por separaciones destructivas.

Hannah Kendall (1984): Vera (para clarinete, violín, viola y violonchelo), compuesta en 2008, escuchada en tercer lugar, vendría marcada por una intensidad narrativa, una compositora con formación en la Exeter University, que se interesaría por la indagación de arreglos musicales y la profundización de universos inmersivos, que le facilitarían sus trabajos de libertad creativa a través gestos opuestos de sobrada intensidad. Vera, es una obra de dimensión episódica que otorga argumentos tanto a las tímbricas como a la gestualidad al margen de la tonalidad tradicional, desplegando un tejido de capas textuales a través de la cual aparecen los solistas y que se apoyan un juego de técnicas extendidas y variaciones que generan procesos multicontrastantes, con alternancia de pulsos y pasajes libres, impulsados mediante células en ostinato que dinamizan el discurso entre asomos de melodismo fragmentario integrado dentro de una armonía que se maneja como agregado sonoro, una forma que se articula a través de metamorfosis de breves motivos al tiempo que la carga expresiva se resuelve en contrastes dinámicos remarcados por la importancia de los silencios.

Ramón García Balado

Contemporáneas

JONDE / Ensemble Modern

Obras de Kaija Saariaho, Carmen Rodríguez, Younghi Pagh-Paan, Cathy Miliken, Hilda Paredes y Hannah Kendall

Casa das Máquinas, Santiago de Compostela

Foto © JONDE Courtiers

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