Júlia Cruz: JONDE y Klangforum Wien

Santiago de Compostela - 20/10/2026

Concierto de la JONDE y el Klangforum Wien, bajo la dirección de Júlia Cruz, para ofrecernos obras de Tania León, Elena Mendoza y Olga Neuwrtih. La JONDE, formación clave de estas propuestas del INAEM, nos invitaba a recoger el testigo de un ideario que viene manteniendo durante temporadas y de las que hace un par de años, conjuntamente con el Ensemble Modern, puso un eslabón definido de ideario programático.

Júlia Cruz fue Taki Alsop Conducting Fellow obteniendo un Segundo Premio del Blue Danube/Béla Bartók Opera Conducting Competition (2021), seleccionada como Conducting Fellow del Lucerna Festival e invitada como Guest Conductor de la Lucerne Festival Contemporary Orchestra hasta 2027. Estuvo asociada con Thomas Adès para una gira que culminaría en los BBC Proms, recibiendo invitaciones para colaborar con formaciones de élite, en las que también tienen cabida trabajos escénicos como Proyecto Zarza, del Teatro de La Zarzuela, de Madrid; el estreno nacional de Beatrix Cenci, en la Ópera de México; la colaboración con la O. F. de la UNAM o el Ballet de México, dirigiendo Ciudad Delirio, de Marcela Rodríguez, entre una producción de El Cascanueces, en el Auditorio Nacional, mientras oficiaba como directora asistente en el Teatro Real, para el estreno de Tejas Verdes, de Jesús Torres y una producción de La vida breve, de Manuel de Falla, además de dirigir L´elisir d´amore de Donizetti, en la Stara Zagora State Ópera, de Colombia y La Traviata de G. Verdi, en la Kolozsvári Magyar Opera.

Para el programa de la cita, Tania León (1943)- Rítmicas-, en este grupo de tres compositoras que planteaban programas muy personales bajo la pretensión de expandir los límites de la propia música y de la composición como espacio de diálogo entre las culturas en liza, ofreciendo cada obra un ejercicio de identidad que en este caso, confirma su realidad cultural, siendo esta compositora un ejemplo de tradición con estudios en La Habana, y su correspondiente traslado a los Estados Unidos para integrarse en el Dance Theatre of Harlem, que le permitiría obtener galardones como el Pulitzer y el Guggenheim. Siguió las docencias de Ursula Mamlok, Lazslo Halasz y Vicent Silva, para colaborar en obras de Leonard Bernstein, Seiji Ozawa y Kurt Masur, con la New York Philharimonic Orchestra.

Una compositora en su plena veteranía gracias a su evolución desde su mundo antillano a las corrientes de vanguardia confirmadas en su etapa neoyorquina. Rítmicas, aportaba una visión sobre la evolución de los patrones antillanistas, que remitía a tradiciones nacidas de que entremezclaban el son o el guaguancó como patrón de eje presentado en cada corte, determinado por pulsos irregulares dentro de un persistente ostinato y enérgico que, de alguna manera, nos insinuaba la música del Amadeo Roldán de los años treinta y un acercamiento a Edgar Varése en Ionitation por el planteamiento discursivo de los materiales rítmicos.

Elena Mendoza (1973), Zweig szenen (para viola y grupo instrumental), la teatralidad dentro de la dimensión social, de esta compositora de la que tuvimos una obra en interpretación del Taller Sonoro, en formación de sexteto y que dio a conocer Die Macht der Gewöhnheit, una compositora primera en obtener el Premio Nacional de Música (2010) y cuya contribución a la vanguardia española es primordial gracias a du colaboración compartida en el ámbito de la investigación, explorando profundamente los timbres y los aspectos dramáticos dentro de los procesos formales, bajo los que subyace un continuo cuestionamiento artístico de la realidad circundante.

Un intenso movimiento teatral resulta inherente a sus obras en las que integra instrumentistas, cantantes y actores, en un proceso escénico en estrecha colaboración con directores de escena. Zwei szenen, estrenada en el Festival de Schewtzzingen (2019), pieza en dos partes, se repartía entre Dum mors nosdividat, basada en La ciudad de las mentiras, especie de liturgia sonora propuesta por la alternancia de fragmentos vagamente susurrados por la solista en diálogo con el grupo instrumental, sobre un espacio de ambientación lumínica que acentuaría los contrastes pretendidos que se completaría en Kafkas Gemeinschaft, un reflejo de parábola universal que cristalizaría de forma hermética por el diálogo entre la solista y el grupo de acompañamiento. Una pieza en dedicatoria para el Ensemble Modern, en su cuarenta aniversario.

Olga Neuwirth (1968) Miramondo múltiplo…para trompeta y Ensemble (2006), un proceso de encuentro en transformación entre lo individual y lo colectivo, entre el pasado y el presente, convertidos en hilo conductor de este programa que realzó la heterogeneidad de las voces en su capacidad por renovar el lenguaje musical desde profundas experiencias personales. Olga Neuwirth, natural de Graz, en donde asimilaría sus patrones a seguir, tuvo maestros como Tristan Murail, en el IRCAM parisino, tras realizar su tesis sobre L´Amour à mort, filme de Alain Resnais, de sus años de formación en la Wien Universität für Arts, con Erich Urbanner. Tuvo una íntima relación artística y ética por su ideario con Luigi Nono. Con Elfried Jelinek, realizó un proyecto de colaboración sobre el filme Lost Highway, de David Lynch, y que sería resultado de sus experiencias con el Institut für Elekktrokurse Musik und Akustik, de Darmatadt, que sería estrenado por el Klangforum Wien.

Obra encargo del Festival de Salzburgo repartida en cinco espacios bajo el epígrafe de aria, una exploración de la memoria y la percepción desde una óptica en variadas perspectivas que mantienen un diálogo permanente entre solista y orquesta y que en su recurrente discurso divaga entre evocaciones que transitan desde Stravinski, Berg o Messiaen, con citas tomadas del jazz, en un laberinto de accesibles recuerdos que nos trasladan a una serie de piezas barrocas: Aria de´ll angelo; Aria del sangue fredda; Aria della pace y Aria del piacere, con un bis de universal dominio, el Aria Lascia chio pianga, de Händel, en su ópera Rinaldo. Un alarde de recursos expresivos de la solista de trompeta, en ese mundo de transfiguración continua, cerrando con un final sobrecogedor y enérgico. Las citas en liza, no era literarias sino que se entregaban a una complejidad claramente acorde con las urgencias de unas vanguardias acordes con este parámetro de contemporáneas.

Ramón García Balado

Contemporáneas

Jonde - Klangforum Wien / Júlia Cruz

Obras de Tania León, Elena Mendoza y Olga Neuwirth

Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

Foto © JONDE Courtiers

https://www.ritmo.es/auditorio/critica-julia-cruz-jonde-y-klangforum-wien-por-ramon-garcia-balado 

Concierto de la Banda Municipal con obras operísticas dirigidas por Javier Viceiro- Filgueira

 Teatro Principal, Santiago de Compostela 

Matinal operística en el Teatro Principal de la Banda Municipal de Santiago, en colaboración con Amigos de la Ópera de Santiago, dirigida por Javier Viceiro- Filgueira como especial invitado, para una sesión dedicada a repertorio operístico, en el que serán protagonistas la soprano Laura del Río y el barítono Nazar Mykulyak-día 25, a las 12´00 h-, con páginas de Georges Bizet, W.A. Mozart, Gioacomo Puccini, Richard Wagner y Franz Lehár-de quien disfrutamos en esta semana de una Tosca, dentro de las actividades de Amigos de la Ópera de A Coruña, en una producción del Téâtre de Metz Métropole (2019), destacando en los principales roles de la presencia de la soprano Miren Urbieta- Vega, el tenor Ragaa Eldin, el veterano barítono Carlos Álvarez, el bajo Javier Agudo, con la OSG, bajo la dirección de Oliver Díaz y una ostentosa puesta escénica del equipo formado por Paul-Émile Fournt, con los precisos complementos de Giovanna Fiorentini y Patric Méeüs,- , Giuseppe Verdi, Richard  Wagner y las coqueterías de Franz Lehar, en la opereta Die Lustwige Witwe.

 George Bizet- Carmen-, con el Preludio, el aria para barítono Votre toast, canción en forma de especie de brindis que precede a los triunfalismos de Toréador en garde, mientras que Carmen y Escamillo muestra su mutua atracción, para seguir con el aria para soprano Je dis que rien ne m´epouvante, completando con la Danse Bohéme,  en esta ópera de la en su estreno se le asignarían confusas dependencias wagnerianas que evidentemente no aparecen por ninguna parte, siendo una ópera genuinamente francesa gracias al equilibrado libreto de H. Meilac y L. Halévy, tomado del relato de Prosper Merimée, para su estreno parisino el 3 de marzo de 1875.

Mozart- Don Giovanni, ossia il dissoluto punito K. 527, aceptada como comedia en dos actos sobre libreto de su irrenunciable L. da Ponte con estreno en Praga, en octubre de 1787, espectáculo que se ofreció casi simultáneamente en dos ciudades daría argumentos a diversas versiones, arrastrando las inevitables consecuencias sobre su idoneidad en cuanto a la posibilidad definitiva. El telón de fondo de una Sevilla del siglo XVI, que nos permite asistir al asesinato del comendador, que había acudido a defender a su hija Donna Ana y había sido desafiado a duelo por el intrépido seductor Don Giovanni, respondiendo a ese patrón de universal arquetipo. De sus pasajes ilustres: Madamina! Il catalogo è questo; Finch´an dal vino; Lá chi darem la mano,  Deh, vieni alla finestra; O statua gentilissima y el portentoso final Già la mensa è preparata, un destilado de amarga crueldad, de los que tres de ellos estarán en el recital mañanero, desde las dos arias para barítono, al duetto.  Más Mozart si cabe, con Le Nozze di Figaro K. 492, comedia en cuatro actos, también con libreto de Daponte a partir del relato pleno de dobleces de P.A. C. de Beaumarchais, con estreno vienés a comienzos de 1786, para permitir las evoluciones de personajes como el Conde de Almaviva, Figaro- desfacedor de entuertos- Cherubino, gracejos a salto de mata; Don Barolo, medico de dolencias rebuscadas, Antonio, el jardinero, Curzio, un sospechoso juez;  la Condesa  Almaviva, apreciada por sus habilidades canoras; Marcelina, sobrina del jardinero o Don Basilio, un profesor de recursos contrastados. Para la sesión, se elige  duetto, Crudel! Perché finora, del acto tercero, que se desarrolla en el salón del palacio,  en el que el Conde medita sobre cómo obtener los favores de Susana, quien acaba encontrándose con Figaro.

Giacomo Puccini, a partir de un preludio sinfónico, que abordará Madame Butterfly, en el aria Un bel di vedremo, del segundo acto, tras pasar tres años y Suzuki, ofrece una muestra de su desesperación motiva por la pérdida de B. F.Pinkerton, el teniente de la armada americana, en esta ópera con estreno milanés a mediados de febrero de 1904, orientalismos que seguían ciertas modas oportunistas a través de un relato de D. Belasco y basado en otro de J.L. Long. Ópera ciertamente conmovedora, muy en el estilo del autor que no duda en desplegar su ingenio melódico en el que se concitan apuntes de imaginarios orientalismos prestados de una aparente tradición japonesa que le aporta aspectos meramente decorativos, a los que añade su personal visión, añadida a herencias francesas no tan distantes en el tiempo, desde hacía unas décadas no lejanas, en resumen, su ópera más romántica, si así podemos, entender, gracias a su cuidada labor instrumental y el refinamiento de las atenciones del interés en las voces solistas. Destaca de manera especial el conocido dúo; Viene la sera (llega la noche); Bimba dagli occhi o el aria Tu, tu, piccolo idio. De La Bohème, en otra de sus actitudes creativas en medio de un mundo de personajes desarraigados, el conocido vals de Musetta Quando m´en vo, elocuente aria para soprano, cargada de nostalgia y sentimiento.

Richard Wagner- Tannhäuser, Und der Sangekries auf dem Wartburg, monumento en tres actos con libreto del compositor y con un primer estreno en la versión de Dresde, el 19 de octubre de 1845, para repetir con la revisión parisina, el 13 de marzo de 1861, de la misma, el aria para barítono O dumein holder Abend stern, ópera por la que se pasean personajes de tiempos míticos como el Conde Hermann; Wolfram von Eschenbach; Walter von der Vogelweide; Heinrich der Schreiber; Reinmar von Zweter; Elisabeth; Venus y otros figurantes que resuelven sus enfrentamientos en el período del siglo XIII.  Sorprende la atmósfera chocante de la ópera por su capacidad de mantener la atención del aficionado a lo largo de espectáculo tan complejo como puede serlo en Der Fliegende Hollander (El holandés errante) que no dejará en suscitar ciertas críticas en lo relativo a su vigencia con el paso del tiempo y que incluso hallará afinidades con las curiosidades que ofrecía la Grand Opéra francesa, pujante en aquellos años, bien superada por el compositor que acabaría apostando por nuevas posibilidades.

Giuseppe Verdi- La Traviata-eternamente Violetta Valéry, la sufrida cortesana descrita por el libreto de F.M. Piave e inspirada en La dame aux camélias, de Alejandro  Dumas hijo, para convertirse en una de las grandes ópera de repertorio, capricho de aficionados y programadores de temporadas líricas, destinada preferentemente a una lírico-spinto, en claro enfrentamiento afectivo con Alfredo Germont. Primer gran éxito del autor auspiciado por la sensible fragilidad del personaje de Violetta, para este espectáculo que pretende desarrollarse sin solución de continuidad, tendiendo a una tendencia que apuesta por una especie de continuum musical. Es Violetta quien nos subyuga en su lamento Addio, del passato, mientras que desde la calle, llegan los alegres cantos del carnaval, con el coro Largo al quadrupede.

 Cierra la fiesta una página de Franz Lehár, de su opereta Die Lustwige Witwe, con el duetto Lippen schweigen, con libreto de Leo Stein (pseudónimo de Leo Rosenstein), y basada en la comedia L´Attaché d´ ambassade, de Henri Meilhac, traducida al alemán por Alexander Bergen  (Marie Gordon), bajo el título  Der Gesandtschaft-Attaché (1892), con una serie de personajes de nombre que sobre ellos resultan claramente elocuentes,  el barón Mirko Zeta; el Conde Danilo Danilovolich; Hanna Glavari; Raoul de St. Brioche; Sylviana; Niegus o los saltimbanquis Loló, Yo-Yú; Frú Frú; Clo Cló. Lehár había sido en sus años primeros hijo de un director de banda del Imperio austro-húngaro, que se forjó probando en distintas plazas militares húngaras, tras realizar sus estudios como violinista y como compositor en ciernes, sin adivinar el futuro de grandeza que le esperaba en Praga teniendo como profesores a Antonin Bennewitz, Josef Forster e incluso Antonin Dvorak, paso abierto a sus experiencias en bandas militares.

Ramón García Balado

Klangforum Wien y la JONDE, en el Teatro Principal

Teatro Principal, Santiago de Compostela 

Culmina el primer tramo de Contemporáneas de nuevo con la JONDE y el Klangforum Wien bajo la dirección de Isabel Rubio esta vez en el Teatro Principal- día 24, a  las 20´00 h-, con tres obras en cartel siempre en atención a compositoras actuales que para esta ocasión, nos reservan a Helena Cánovas, Nuria Núñez Hierro y Unsuk Chin. Helena Cánovas (1984)- ofrece The crossing place of a road and river (2025) con revisión un año después, pieza que transforma el recorrido entre dos recorridos en un espacio acústico cambiante donde los límites entre instrumentos y recursos electrónicos se disuelven continuamente. Cánovas se formó en el Conservatorio Superior de Aragón teniendo como maestro en composición y música electrónica a Markus Hechtle, y a Michael Beil, en las mismas materias, recibiendo el galardón  Carmen Mateu Young Artist European Award, como reconocimiento a su originalidad por su lenguaje creativo en el que también se incluye su visión escénica y teatral. Muestra una escritura genuina y sensible creando texturas sonoras que evidencian su atracción por la confluencia de las texturas sonoras. Recordamos de su pasada colaboración con el Grupo Instrumental Siglo XX, con obras de G.Crumb, Kaija Saarihao y Earl Kim, su obra Songs of Carolin, pieza en cuatro espacios, escrita para soprano, violín y arpa, basada en un poema de Karoline von Günderrot (La Safo del Renacimiento) y que era un encargo del Gilu Trío. La poetisa había entregado su cuerpo a las aguas del Rhin, a consecuencia de una decepción amorosa, un trabajo musical que indagaba la interacción entre la voz y los instrumentos, elaborada a través de pequeñas escenas.

Nuria Núñez  Hierro- Tendrá Metazoa, en una versión de la propia JONDE quien acabaría estrenándola, especialista en explorar el potencial de dualidad entre el intérprete y los instrumentos a través de las técnicas instrumentales distendidas, disponibles para la amplificación de la voz. En sus obras incorpora a menudo objetos sonoros con recursos escénicos para expandir sus posibilidades expresivas en atención a la recepción del oyente. Sus trabajos muestran un intenso vínculo con la naturaleza y los seres vivos, que resumen una manera de pensar a través del estudio de las redes del comportamiento animal. Formada en el Conservatorio Superior de Córdoba, ampliará en la Universität der Künste  Berlin, en la que obtendría un grado de Honor en los Estudios de Magisterio en Composición, antes de obtener una beca de investigación del Centro de Estudios Avanzados de Artes y Ciencias en Berlín (BAS, Graduiertenschule  UdK Berlin), a lo largo de dos años, siendo reconocida con el XXXIX Premio de Composición Reina Sofía  y el Primer Premio del Público del XV Festival de Primavera de Weimar al que se añade el Premio Roma, otorgado por la Academia de las Artes de Alemania (Villa Massimo/ Casa Bladi), con otro primero de la Fundación Autor- CNDM. Fue compositora en residencia de la Orquesta de Radio de Berlín, de la Academia de España, en Roma, en la Thomas Mann- Vila Aurora (Los Ángeles),  en la JONDE y en la Thüringer  Landesmusikakademie (Sondershausen), siendo su música interpretada por prestigiosos solistas y agrupaciones de vanguardia como el Ensemble Intercomtemporain,  fundado por Pierre Boulez; el Ensamble Ascolta ; B3; Brower Trío; el Taller Sonoro- con quien escuchamos en Contemporáneas, de hace un par de años, sus obra Alla ricerca disperata del sole; Cartografías efímeras y un estreno en forma de sorpresa. Junto a obras de Lula Romero, Elena Mendoza y Clara Ianotta. Taller Sonoro era una agrupación que recibimos en forma de sexteto-, igualmente la ONE y la Orquesta de la Radio de Berlín, la tuvo en cuenta en sus programaciones- Nuria se compromete con las creaciones enfocadas hacia nuevos públicos, en proyectos destinados a los aficionados más jóvenes como el Rapauke mach Musik, dejando curiosidades como las óperas Kleines Stück  Himmel o La Isla, un estilo de video-ópera, un encargo de la Fundación BBVA, a las que se añade El sueño del Señor Rodari, sobre texto tomado del teatro de sombras, destinado a la Academia de España, en Roma.

Unsuk Chin (1961)- Grafitti (2012/3- para la autora, un auténtico palimpsesto sonoro en el que las referencias estilísticas, las texturas y las perspectivas se suceden con una vitalidad cambiante y caleidoscópica. Esta compositora coreana, nacida en Seul, tuvo como excelentes apoyos en sus primeros años de estudios, ya con su padre que le ayudarían a enfocar su evolución en los fundamentos a través del piano, que en cierta forma, abordaría de manera autodidacta. Sus primeras apariciones en público, las realizaría acompañando himnos y cantatas en la iglesia presbiteriana donde su padre era sacerdote. Dos han sido los profesores que influyeron en su carrera, el coreano Sukhi Kang, que le enseñó las técnicas y tendencias occidentales y de las vanguardias europeas, entonces desconocidas en su país y que se extendían hasta Igor Stravinski, recibiendo una beca que le permitió estudiar en Hamburgo durante tres años, con el compositor Gyorgy Ligeti, lo que supuso un cambio definitivo después de ganar dos premios. El propio Ligeti, la forjó a un cambio de orientación en su carrera, apoyándose en un criterio decididamente poco ortodoxo. Siempre primaría la importancia del compositor húngaro, por sus planteamientos críticos y sarcásticos antes de su importante traslado a Berlín, en 1988, en donde trabajaría como  freelance en los estudios de música electrónica de la Universidad Técnica de Berlín, preparando el salto a su reconocimiento internacional con la obra Krostichon-Wortspiel (1991/3), que fue interpretada en distintos países y que supondría el comienzo de una larga carrera, nacida de permanentes encargos como la Fantaisie mécanique  (1994); para el Ensemble Intercontemporain; el cuarteto ParaMetaString (1996), para el Kronos Quartet; el Concierto para piano (1997), un encargo de la BBC, para la BBC National Orchestra of Wales; Miroirs des temps (1999), también encargo de la BBC, para el Hilliard Ensemble y la London Philharmonic Orchestra; Kalá , para solistas, coro y orquesta, un encargo de la Orquesta de la Radio Danesa y la Orquesta Sinfónica de Oslo, para recibir su estreno con la Orquesta Filarmónica de  Oslo y Alice in Wonderland, estrenada en la Ópera de Baviera.

Ramón García Balado