The New Bach Trío en el IX Festival Clas Cla͐s, de Vilagarcia de Arousa

 

Auditorio Municipal, Vilagarcía de Arousa 

Concierto del IX Festival Clas Cla͐s, de Vilagarcía de Arousa con The New Bach Trío en el Auditorio Municipal- día 22, a las 21 h-, para un programa que anuncia obras de Johann S. Bach, Benedetto Marcello, Astor Piazzolla y un estreno de Claudio Constantini, en una sesión que tiene como cabecera el reclamo De Leipzig a Buenos Aires. Claudio Constantini fue merecedor de un Global Music Award  (2021) y un Latin Grammy , autor de obras como el Concierto para bandoneón y orquesta, presentado por la Orquesta Joven de Andalucía y la O. S. de Málaga, o la obra Tacoma, puesta en atriles por la O.S. de Seattle, en una gala conjunta con la Rhapsody in Blue, de G. Gershwin. Para el concierto de esta velada, contaremos aquí el estreno de su obra Tango suite para bandoneón y contrabajo, una composición que nos lleva al año 1983. Miriam Hontana, intérprete de viola y violín, fue alumna de Sergei Fatkulin , de Ana Valderrama y Luís del Valle, ampliando en repertorio barroco con Olivier Foures e Hiro Kurosaki.  Colaboró con formaciones como La Ritirata, En Júpiter, Looking Back, Concertus König, Tiento Nuovo y Forma Antiqva, Grabó las 4 Estaciones de Vivaldi, con el organista Daniel Oyarzábal. Ismael Campanero, contrabajista, fue miembro de la O. del Festival  Schleswig Holstein, y participó con agrupaciones como Il Pomo D´Oro, Arcangelo, Monteverdi Choir, English Concert, Le Concert de Nations o La Ritirata. Con Miriam Hontana y Daniel Oyarzábal, ofreció hace tres años una sesión barroca, en las actividades de la Fundación Juan March, de Madrid.

Dos obras de J. Sebastian Bach, la Fantasía cromática y fuga en Re m. BWV  903, obra especialmente apreciada por Bielefelder Katalog y de la que existen abundantes grabaciones, la mayoría de las ediciones como la de Reger, están sobrecargadas de consejos bienintencionados y H. David, tuvo a bien analizar con detalle su estructura, opiniones que se añaden a la de G. Mantel, quien realizó soluciones precisas. La fecha de conclusión de la obra nos sitúa  en 1730, en Köthen, uno de los históricos especialistas del autor, Spitta, hablará de su carácter rebosante en el que domina el espíritu del Sturm und Drang, una obra que ha facilitado un grandioso perfeccionamiento y unas audacias interesantes en sus modulaciones que producen un efecto estremecedor. La fuga desarrolla con primor la esencia cromática en su correspondiente medida  y la forma fugada resulta genialmente audaz, por su ímpetu demoníaco. De la Suite (Ouverture), en Re M. BWV 1068, la más conocida de las cuatro, que tendrían como creador de J.Jacob Froberger, tendremos su Air, la página especialmente brillante por su talante grandioso y su planteamiento sonoro, de gran belleza de recursos, página que no pudo evitar el ser transcrita para las formaciones orquestales más diversas en puja con la original, un Air que prepara la entrada de una enérgica gavota en su doble exposición.

Benedetto Marcello- Concierto para oboe en Re m (en arreglo para trío)- Andante, Adagio y Presto, músico nacido en un entorno familiar propicio entre melómanos venecianos y que tuvo como maestros a G.Tartini , en violín y F.Gasparini y A. Lotti, en composición, consiguiendo cierta notoriedad como compositor, siendo elegido miembro de la Ac. Filarmónica de Bolonia, ingresando como Driante Sacro, de la Arcadia, de Roma, fue reconocido en Europa por su obra Estro Poético- Armonico, 50 paráfrasis sobre los salmos de su compañero G.A. Gustiniani,  recibió el sobrenombre de nobile Veneto dilettante di contrapunto  aunque él se definía a sí mismo como Musices Princepens, como aparece en su epitafio de Brescia. En su actitud, se dirige a sus contemporáneos y cultivados entusiastas como un ejemplo de esfuerzo de abordar los salmos hebreos, tanto por la poesía como por la propia música. Destacaría por sus largas introducciones diferentes a las de la Camerata Fiorentina, prestando atención al Dialogo della musica moderna (1581) de V. Galilei. La recuperación de la música antigua, le llevará a un procedimiento de composición cercano a la monodia. Un b.c., acompaña a una, dos o a veces varias voces, con acompañamiento instrumental aunque no siempre tiene una simple función de acompañamiento. El más conocido de sus trabajos, es Teatro alla moda, de ub estilo brillante y satírico con una imagen colorista de la vida teatral, que aporta en especial aspectos satíricos.

Astor Piazzolla, con dos composiciones emblemáticas, Adiós Nonino e Historia del tango, un a modo de suite de pinceladas historicistas repartida en tres cuadros, Bordel (1900); Café (1930) y Nightclub (1980), el tango en su evolución y transformación a lo largo del siglo. Mostró siempre una especial querencia por Adiós Nonino, un reto y una propuesta que no encontrará un equivalente por su significación, obra de un tono intimista, casi fúnebre y que sin embargo, rompería con todo. El día que estrenó la obra con uno de sus Quintetos, los músicos y el autor comentarían: Con esto no va a pasar un carajo, no le va a gustar a nadie. Esa era una época en el Quinteto, en el que casi todos los temas del repertorio  tenían la polenta de Calambre, Los Poseidos, Lo que vendrá…En cambio, Adiós Nonino terminaba al revés, como la vida, se iba yendo. A la gente le gustó de entrada. Sería porque tenía un aire de misterio, una melodía que contrastaba  una parte rítmica muy fuerte, después el cambio de tono y un glorioso final con su desenlace triste. Quizá gustó por eso, porque era diferente  a todo. Insistirá en la abundancia de arreglos de esta obra impagable y que en su percepción se quedará con el realizado por el Octeto Electrónico. Es algo extraño, ese conjunto le producía los mejores recuerdos. Hay también dos arreglos que le calaron en profundidad, el del Noneto y el postrero del Quinteto, que por momentos le parecería perfecto, en cuanto a su sonido y elaboración. Otros puntos clave de referencia junto a Adiós Nonino, serían Los Poseídos, Revirado, La Camorra o Lunfardo, todos ellos rondando el espíritu de Tanguedia, no resulta extraño que en su vida, se hayan cruzado Nadia Boulanger, Alberto Ginastera, Carlos Gardel o Anibal Troilo, tocados en conjunto por la varita mágica del impulso creativo.

Ramón García Balado

El Bambú Ensemble en el IX Clas Cla͐s de Vilagarcía de Arousa

 Salón García, Vilagarcía de Arousa

Concierto del IX Festival Clas Cla͐s de Vilagarcía de Arousa en el Salón García-día 21, a las 21´00 h.- con el octet, que nos dejarán obras de Reinhold Gliére Moritsetvich, Dmitri Shostakovich y Javier Martínez Campos, una agrupación nacida en el seno de la JONDE y de la Joven Unión Europea ENYO, que tuvieron como principal maestro a Cibrán Sierra, miembro del Cuarteto Quiroga, uno de los veteranos a nivel europeo, autor de un manual de obligada consulta, El cuarteto de cuerda (Laboratorio para una sociedad ilustrada), editado por Alianza Música. El ourensano Cibrán Sierra, cabeza de esta agrupación señera, es uno de los violinista de mayor relieve, cimentado por su responsabilidad en la colección de Stradivarius decorados del Palacio Real de Madrid, un cuarto también residente del Museo Cerralbo, siendo invitado a colaborar con importantes orquestas y grupos de tradición históricamente informados, lo que le permite impartir clases magistrales en instituciones académicas de gran arraigo. El octeto Bambú Ensemble, recibió un reconocimiento inmediato en el Auditorio Nacional, en la Fundación Juan March, en el CNDM, y en los Martes Musicales de la Fundación Vital. Su programa de esta sesión, se anuncia como Paixón e Xuventude, para un programa destinado a un octeto que tomará tres obras de compositores que comenzarán con Glière Reinhold Moritsevitch- Octeto de cuerda Op. 5, en Re M-, compositor nacido en Kiev, el 11 de enero de 1875, un maestro que compaginaría períodos históricos claramente distanciados, desde la etapa final del zarismo agónico, y la era soviética en la etapa más pujante, nacido en un medio propicio por su propio padre, artesano y luthier, profesional, proveniente de Lieja, recibiendo una educación luterana, de una familia de judíos conversos. Disfrutó del beneficio director de asistir a las docencias de Arenski, de Taneiev y de Ippolitov- Ivanov, en el Conservatorio de Moscú, obteniendo su licenciatura en 1900, con la ópera en un acto Cielo y Tierra, sobre un libreto de Lord Byron; tras algunos años, acabaría ejerciendo la docencia y la dirección del Conservatorio de Kiev, trabajo que mantendrá hasta 1920, teniendo como alumnos suyos a  Knipper, Lyatoschinski, Miaskovski y Khatachatourian, período en el que trabajará intensamente, y del que saldrá el apartado de sus obras más representativas, mientras que abordaba sus tres primeras sinfonías, una primera compuesta en los  comienzos de su carrera en su tierra; una segunda abordada en Berlín (1908) y una tercera titulada Ilia Mouronmetz, terminada en 1911, un estilo de poema sinfónico de casi una hora y medio, sobre una leyenda ucraniana, siendo calificada por Leopoldo Stokowski, como un definitivo monumento de cultura eslava, con ciertas similitudes aceptadas hacia la Sinfonía Alpina, de Richard Strauss, a la que precedería en cuatro años. No muy lejos quedará  el estilo sinfónico de Alexander Scriabin, o la escuela nacional rusa. Gliére colaborará con las iniciativas del llamado espíritu del Proletkultur signo de identidad del período que le tocó vivir, con señas de identidad como el ballet Red Poppy, o Le Coquelicot (1927), siendo saludado como el primer ballet soviético tanto por su temática como por los aspectos musicales propiamente dichos. Sabría usar el canto con raíces revolucionarias simplificando con agudeza el ingenio de su escritura, dentro de los cánones de las renovadas orientaciones en lo relativo a la escritura, tema que se reflejará en la escritura de sus óperas nacionales con influencias de Azerbayán y Oubekistán, en especial en la serie de sus siete ballets, inspirados en Puschkin, Gogol y Lope de Vega. Destacan sus conciertos para arpa; para soprano coloratura y los dedicados al violonchelo y trompa, definitivo testimonio de su talento tanto real como enigmático, compartido con una considerable abundancia de obras camerística o las dedicadas al piano, además de sus ricas melodías, que muchas de las veces acabaría acompañando él mismo, tal cual si fuesen un jardín secreto guardado con esmero.

Dmtri Shostakovich- Dos piezas para octeto de cuerdas, Op. 11- amplísimo catálogo el de las obras dedicadas a este género,  quien ya había descubierto el legado de otros grandes maestros como Béla Bartók, Krenek, Hindemith, Stravinki o el Grupo de Les Six, asumiendo los recursos que le ofrecieron la serie de los cuartetos beethovenianos; destinado en un principio a la carrera pianística, instrumento con el que practicaría toda su vida, pudo seguir la escuela de Nikolaiev, además de los cursos de Maximilian Steinberg, manteniendo una actividad frecuente en todos los frentes creativos, en particular en este espacio camerístico, compartido con el sinfónicos. Modélicos resultan la serie de sus cuartetos de cuerda, y las piezas para otras combinaciones como el Quinteto para piano y cuerdas, en Sol m. Op. 57. Las dos piezas para octeto de cuerdas Op. 11, fueron dedicadas a la memoria de Kurchakov, en 1925, en forma de Preludio y Scherzo convirtiéndose  en un claro homenaje a Johann Sebastian Bach, dentro de un rasgo sarcástico, premonitorio de la polca de La edad de oro, así como de los salvajes scherzos, de las Sinfonías primera y segunda, una pieza que dura poco más de diez minutos y que sigue en su catálogo a corta distancia del Trío nº 1, en Do m. Op. 8. Siempre aceptó la influencia beetoveniana en el conjunto de sus obras, en particular en la serie de sus cuartetos.

Javier Martínez Campos-Serenata para cuerdas-, es un joven compositor con formación en la Robert Schumann  Hochschule Düsseldorf, y con Gregor Korsch en el Royal Concertgebouw, de Amsterdam, tras sus estudios en nuestro país en la Academia CEDAM, de Madrid, en la Fundación Luis Vuitton, con Gautier Capuçon,  y en el Conservatorio de Getafe, con Mª Nieves Collado, en el ámbito de la composición, tuvo como maestros a J.Medina, A. Romero, M.Seco, Zulema de la Cruz, A. Carretero, María Paula Milona, además de asistir a masters de Anner Bylsma, Ángel Luís Quintana, Pieter Wispelwey, Dimas Moreno, W. E. Schmidt,  y otros maestros/compositores  como de Leonardo Balada, Sánchez- Verdú, Ferrer Ferrán, entre otros. Se especializó en chelo barroco con Gaetano Nasillo y Josetxu Obregón, miembro del grupo de música antigua La Ritirata. Había estudiado la especialidad de chelo durante un largo período (2005/11), con Miguel Jiménez, integrante de la Orquesta Nacional de España.

Ramón García Balado

El pianista Domenico Codispoti, en el Museo das Belas Artes de A Coruña

 Museo das Belas Artes, A Coruña

Tercer concierto del XXV Ciclo Música para unha época, del Museo das Belas Artes de  Coruña- día 21, a las 12´00 h., con el pianista Domenico Codispoti, entre obras de F. Schubert y L.v. Beethoven y la correspondiente visita guiada, esta vez dedicada O Romanticismo na pintura, un intérprete apreciado por su virtuosismo, y al que se valora por su acercamiento al pianismo de Alfred Cortot y al de Claudio Arrau, e incluso al de Gÿorgy Sándor, en una trayectoria que le permitió colaborar con primeras orquestas del ámbito internacional, además de las frecuentes colaboraciones con músicos de nuestro entorno inmediato, intercambiando pareceres con agrupaciones como la English Chamber Orchestra; la Lucerner Sinfonierorchester, la London Chamber Orchester, la Sinfónica de la Radio de Varsovia, la O. Filarmónica Italiana, la S. Nacional de Islandia, la O. F. de Brno, la OSG, con directores como K. Karabits, R. Gamba, Ch. Warrem- Green, D. Ang, R. Forés, T. Koutnik o A. Straszynski. Grabó para importantes sellos discográficos, tanto en repertorio orquestal como camerístico. Pianista nacido en 1975, comenzó sus estudios con B. Mezzena, antes de ampliar con Joaquín Achúcarro, en los Estados Unidos, en la Southern Methodist University y actualmente, imparte labores docentes en el Conservatorio Guido Cantelli.  

L.v. Beethoven-Sonata en Do M. (Waldstein) Op. 53- concebida en un principio para tres movimientos y dotada de un Andante con variaciones en la parte central que el autor excluiría por razones de equilibrio estructural por lo que en definitiva quedará conformada en los tiempos Allegro con brío; Introduzione: Adagio molto; Rondó:Allegretto moderato. A parte de la importancia objetiva de esta obra, ocupa junto a la coetánea Apasionata Op. 57 una posición simbólica en el corpus de las sonatas; por una parte, resulta el vástago compositivo de las últimas del Op. 31, y por otra, el primer ejemplo acabado del denominado segundo estilo, auténtico pórtico de la nueva manera. La búsqueda de una inédita dimensión tímbrica, o la explotación de inhabituales registros innovadores al igual que la libre inspiración ardiente, avalan rasgos más trasparentes del lenguaje que desde este momento marcarán el futuro de páginas venideras. Obra dedicada al conde Ferdinand von Waldstein (de ahí su nombre), un joven mecenas y protector, será la consecuencia de su estancia en Bonn, poco antes de que se estableciese en Viena, en el año 1804, estableciendo relaciones artísticas con los editores Breitkopf & Härtel, un período propicio para otras composiciones como la Sinfonía Heroica o los primeros bocetos de la ópera Fidelio y otros apuntes de dos de sus sinfonías, la Quinta y la Sexta. Aquel Andante rechazado, sería editado individualmente como Andanti favor y que llevaría el número de catálogo WoO 57, en opinión de Riezler, no había ninguna razón de importancia para volver a incluir el Andante original en esta sonata, sabía el autor sobradamente los argumentos que le llevarían a esa determinación. Para abundar sobre este asunto, esta sonata Waldstein será también conocida como Aurora, un juego de equívocos que no precisará mayores explicaciones dejando los argumentos en manos de sus editores. A. Casella puntualizará que los primeros compases de la obra, parecen pertenecer al mundo del ruido más que al de la música; el hacer surgir paulatinamente de una sonoridad caótica y lejanísima un fogonazo de luz cegador, tal es, en su opinión, el sentido expresivo de esta obra, que podría haber dado origen perfectamente al subtítulo de Aurora. El conde Waldstein, dedicatario de la sonata, llegó a Bonn  en 1788, oportunidad en la que conocerá al compositor quedando maravillado por la personalidad del artista, estableciendo desde entonces una profunda amistad con él, dejando como resultado una sociedad aristocrática que ambos formarían: Lese-Gessellschaft (Sociedad de Lectura).

Franz Schubert-Seis momentos musicales D. 780- piezas que parecen haber sido reunidas en 1827,  pese a que dos de ellas, la Tercera y la Sexta, podrían tener un origen más antiguo. Una primera edición tendría su título en francés- Moments musicals- y en bastantes lugares se mantendrá esa fidelidad. En su orden de seguimiento, partimos de un Moderato en Do M., con aire de minueto que enriquece el material melódico aparentemente más sencillo por sus recursos gracias a una ingeniosa inventiva que nos traslada a una fanfarria. Cuenta con un trío misterioso y ensoñador que se desarrolla sobre tresillos de corcheas, cerrando en una sencillez son coda, en La M., para pasar a un Andantino, en La b M. que ofrece una dulce y graciosa canción de cuna, con ritmo de barcarola que vagamente evoca una voluptuosa noche estival interrumpida por una sección central coloreada por aires magiares, tiernos y perfumados. El Allegro moderato en Fa m. muestra con agilidad una deliciosa danza sobre un tema elegante y espiritual adornado por acompañamientos mordaces y sutiles que alternan modos mayores y menores. Un sencillo epigrama sonoro cercano de nuevo al espíritu de la música húngara, un perfecto juego de equilibrio ya conocido por otra obra como fue un Album musical, editado en 1823, con la firma Sauer & Leidesdorf.  El Moderato en Do sost. m., es tiempo en el que los especialistas encontrarán influencias bachianas, en concreto de alguno de sus Preludios, que se observa en la cascada de semicorcheas ligadas.  El Allegro vivace, en Fa m. resulta un breve scherzo de modulaciones agitadas y audaces sobre un ritmo dactílico y con una atmósfera apasionada y casi demoníaca, llena de contrastes dinámicos. El Allegretto, en La b M, había aparecido en la colección Sauer & Leidesdorf, de 1825, un tierno encanto vienés unido a un incomparable refinamiento armónico marcado por sus exquisitas modulaciones, ubicándonos en un momento que nos traslada a un fortissimo en acordes al que responde un trío solemne y resignado.

Ramón García Balado

Generación Sinfónica: Cita de formaciones juveniles de la OSG

 Palacio de la Ópera, A Coruña

Formaciones de base como la Sinfónica Infantil de la OSG, los Conservatorios de la Provincia o el Coro Cantábile nos invitan a un concierto en el Palacio de la Ópera- día 21, a las 19´00 h-, para un programa entre grandes barrocos como Johann Sebastian Bach, Marc- Antoine Charpentier, páginas de W. Amadeus Mozart, una selección de la ópera Carmen, De G. Bizet y un contemporáneo, como John Rutter, destacado arreglista y compositor de anthems y otras obras dentro de la tradición popular, autor del que se nos ofrecerá dos piezas características de su estilo como All the things bright and beatiful y Look at the World. Es director de grupos corales como los Cambridge Singers, y que editó obras suyas para la firma Collegium Records, en sus comienzos grabó el War Requiem, de Benjamin Britten, tras haber tenido como maestro de preferencia a David Willcock, tras haber abordado la composición de un Requiem y un Magnificat, encuadrando su  estilo junto a músicos como John Taverner, Howard Shelley, Brian Chapple y Nicholas Snowman, para el Fox Valley  Festival Chorus, preparó la presentación de su Requiem, en una sesión conjunta con el de Gabriel Fauré. Es autor de la ópera infantil Bang!, destacando otras obras como Cityscape, Reflections, Angel´s Carols, Candelights Lullaby, además de una importante selección de arreglos realizados a través de procedencias de los géneros más diversos.

Marc-Antoine Charpentiere-Prelude del Te Deum, en Re M. H. 146-obra compuesta a comienzo de los años 1690, posiblemente con motivo de la dedicatoria para la Iglesia de Saint- Paul des Jésuites, en donde el compositor ejercía la plaza que le había escogido para sus labores y cuya obertura, en un salto de siglos se convertirá en la célebre reclamo de las retransmisiones de los eurovisivos reclamos para todo tipo de eventos, obra en conjunto para ocho solistas (dos por cada voz), y un grupo instrumental de flautas, oboes, trompetas y timbales. Obra que se abre con ese ostentoso Prélude, que reúne a todos los instrumentos de la orquesta al estilo de todas las marchas guerreras, de aquella época, remarcadas por el poderío sonoro de las trompetas naturales (en su original), a las que responde un ritmo en forma de respuesta que redunda en un estilo de rondeau.

 Johann Sebastian Bach, con dos de sus obras, un coral de Wachet auf, ruft uns die Stimme BWV 140, obra para el Domingo 27 después de la Trinidad, a partir de un texto anónimo que usa tres estrofas del himno homónimo de Philipp Nikolai (1599), para cuatro de sus números y citas de la cantata del Cantar de los cantares. Un domingo del que solo se conserva esa cantata en virtud de que ese domingo de la Trinidad, solo es posible si la cantata cae entre el 22 y el 26 de marzo, lo cual sucedió en vida de Bach en cinco ocasiones, dos en su infancia (1690 y 1693), siendo entonces organista en Armstadt, y otras dos durante su cantoría en Leipzig, 1731 y 1742. Descartadas las tres primeras como fecha de composición de la cantata, de las dos restantes se inclinan los investigadores, con una casi absoluta seguridad, por 1731, para ser repuesta en 1742. En 1731, cayó dicho domingo en 25 de noviembre. El autor del texto se basaría en una triple fuente. La página elegida para este concierto, resulta una de las más populares del autor, que contaría además con un sinfín de versiones, aceptando la organística realizada por el compositor con el número BWV 645 dentro de la los seis Corales Schübler, por el nombre del editor, amigo del compositor.  De la cantata Herz und mund und tat und Leben BWV 147, es una obra con textos de distintas procedencias, destinados a la Fiestas de la Visitación de María, grupo de tres fiestas celebradas por la liturgia luterana, con mucha solemnidad en la época de Bach,  en la etapa de Leipzig, tras haber recibido una primera forma en Weimar, donde iban destinadas al cuarto domingo de Adviento de 1716, ya que la ciudad ducal no restringía ese estilo de interpretaciones. Un pasaje resultará fundamental tras la novena aria de bajo, que convoca a todos los instrumentos disponibles que arropan a una voz densa, con una entrada de oboes, en torno al canto Ich will von Jesu Wundern singen, reafirmado con toques marciales hacia el canto Opfer (Ofrenda) y la nota Feuer (fuego), que se entrega al coral final idéntico al que cerró la primera parte  Jesu bleibet miene Freude.   

W. A. Mozart- Ave verum Corpus K.618-,  se distingue de las precedentes composiciones litúrgicas por su carácter noble y doliente que le emparenta con los motetes italianizantes y que miraban todavía a la más antigua tradición sacras gracias a su plasmación perfecta el conjunto de cada una de las partes, atestiguando elocuentemente su profunda religiosidad. Obra estrenada en Viena el 18 de junio de 1791, resultando uno de los rarísimos ejemplos  de música sacra posterior a su traslado a Viena, representando una importante muestra del nuevo lenguaje musical que había escogido un tratamiento menos sofisticado y si cabe hasta más popular. Con motivo de esta fecha, suprimida en tiempos del emperador José II, y restablecida por su sucesor Leopoldo II, el músico quiso mostrarse como solícito con su amigo Stoll, Kapellmeister de la iglesia parroquial, ofreciendo una de las obras sublimes y de gran altura, por su especial aura.   De su firma, la obertura de su ópera Mitridate, rey del Ponto K. 87, fruto de su primera estancia en Italia en 1770, en donde entraría en contacto con los ambientes musicalmente más avanzados e iluminados  y  en cualquier caso no faltos de calor y entusiasmo, desde la perspectiva musical, estamos ante una ópera que se expresa a través de sus 21 arias, un dúo y un coro final, ofreciendo aspectos de una inmadurez propia de sus inevitables lagunas de juventud, un músico de tan solo 14 años, que verá como esta ópera se estrene entre Bolonia y Milán.

Una selección de Carmen, de Georges Bizet, obra que las dudas que arrastraba, fue un éxito desde el comienzo, siendo estrenada en marzo de 1875, en la Opéra Comique, parisina, durante casi cuarenta representaciones gracias en parte a la colaboración de los libretistas Henri Meilhac y Ludovic Halévy, quienes no serían muy fieles al texto original, logrando crear unos personajes de notable personalidad, algunas de sus óperas quedarían a mitad de trayecto, producto de una carrera intensa con ejemplos como esta Carmen sobre el relato de Prosper de Merimée, un reconocido hispanista que había realizado escritos sobre leyendas e historias de tradición española.

Ramón García Balado

Marco Pereira con la RFG, en el Festival de Espinho

 Festival de Espinho, Portugal

Concierto dentro de las actividades del 52 Festival de Espinho, con Marco Pereira como protagonista- día 20, a las 21´30 h., para un programa que incluye Mar ao norde, de Fernando Buide, el Concierto para violonchelo y orquesta, en Mi m. Opus 85, de Edward Elgar y la Sinfonía nº 2 , en Re M. Op. 43, de Jean Sibelius, un chelista nacido en el entorno de Viana do  Castelo, para ampliar en Lisboa, con Paulo Gaio, y en la Academia Nacional Superior de la O. de Lisboa, para  seguir en el Centro Reina Sofía, con Paulo Lima y con Natalia Shakovskaya y con Gary Hoffman, incorporándose a los proyectos del Centro Katarina Gurska, maestros suyos, fueron también Philipe Muller, Ivan Monighetti, probando en el espacio camerístico con la formación del Cuarteto Matosinhos. Recibió galardones como el Liezen Wettbeweberb, impartiendo la docencia en la Universidad de Aveiro, en Minho. Profesionalmente, se presentó en el Barbican Centre; la Fundación  Calouste- Gulbenkian; el Concertgebouw, de Amsterdam ; el Palau de la Música o el Auditorio Nacional, entre otros

Mar ao norde, de Fernando Buide, es obra ofrecida por la RFG, dirigida por Paul Daniel en una sesión que incluía la Tercera Sinfonía en Do M. Op. 52, de Jean Sibelius, el Alalá, de Gabriel Erkoreka- de la serie Cometas- y los Cuatro interludios marinos, de Benjamin Britten. La pieza de Fernando Buide había sido estrenada por Paul Daniel, en el mes de abril, de este año, un ejemplo a seguir de su período de formación en el Carnegie Mellon, culminación de su necesario doctorado, que dejará excelente resultados en la Yale University, después de sus primeros estudios en Oviedo, maestro suyo de importancia, había sido Leonardo Balada, teniendo también como referencia a Roberto Gerhard, dilecto continuador de Arnold Schönberg, además de la cita obligada de músicos como Martin Bresnick, Aaron Kernis o Ezra Ladermann, disfrutando de consideraciones como el Premio AEOS-BBVA- en séptima convocatoria-; el Michael Friedmann de investigación de la Yale o un Premio Harry Harcher, en composición orquestal (2006)  a los que se añade el nombramiento de Compositor en Residencia, de la Real Academia de España, en Roma, en calidad de becado  y en La Fundación Barrié de la Maza.

Mar ao norde, es obra en un tiempo único a través de sus 12 minutos de duración, que se inspira en el poemario de Álvaro Cunqueiro, editado por la revista Nós, en 1932, una inmersión en temáticas marinas en vistas a la nocturnidad que se plasman de lleno en este trabajo, a través de la importancia propuesta por los chelos, que gozan de un papel preponderante en medio de unas emociones acuciantes, en un ostensible enfrentamiento con la orquesta, en un diálogo sin reposo, con ciertos pasajes que ayudan a invertir los roles principales, conservando los chelos un peso de mayor relieve.

Edward Elgar-Concierto para violonchelo y orquesta, obra estrenada por Félix Saldmon, en el otoño de 1919, bajo la dirección del autor, atento al ideario de una orquestación ligera, siguiendo las pretensiones de la propia obra, a partir del trazado de una especie de un ligero recitativo que se presenta como moderato, un Adagio que nos pone en las intenciones que ayudan entendernos con el discurso conjunto de lo que ayudará a confirmar esta composición en el transcurso de los cuatro movimientos, adentrándonos con soltura hacia un tema sin alardes ni sobradas pretensiones, antes de la entrada del solista que estará asistido por las violas, dentro de un forma ABA, con un pasaje central en 12/ 8 en manos del clarinete que se expresa en Sol M. sobre un curioso juego de ornamentos que nos trasladan al  segundo movimiento tras una orquestación puntillista, estamos ante un Allegro molto, en Sol M., en un planteamiento en estilo libre de sonata que se ofrece que resulta un moto perpetuo, ante la entrada de una forma de Adagio que se expone en su desarrollo dentro de una amplia melodía. El Finale se encadena directamente, en una forma de Allegro ma non tropo, en estilo de rondó libre que concluye modulando a Mi m., una idea de continuidad, ofrece una propuesta en una escala descendente que aborda un humorismo que sorprende al oyente, preparando un final dentro de un escueto episodio que sugiere un apacible detalle cercano al Adagio, para encontrarnos ante lo que resultará de forma un tanto abrupta merced al discurso sonoro del violonchelo, mezclado con intervenciones de la orquesta.

Jean Sibelius-Sinfonía nº 2, en Re M. Op. 43-la más apreciada del autor y que fue compuesta en Rapallo, durante una de sus estancias en Italia, obra  en su esencia abiertamente romántica, al igual que la precedente. El Allegretto, en Re M, resulta desconcertante por su talante fragmentario, destacando su aire improvisatorio, con un desarrollo en tempo tranquilo que se convertirá en un espacio en estilo que se expresa con un aire en manera de largamente, realizando una síntesis que intensifica la serie de elementos anteriores, tomados de registros instrumentales en sí mismos más homogéneos, con predominio de las cuerdas, antes de ceder el testigo a los instrumentos de metal. La reexposición, repetirá el tema pastoril del comienzo, abreviando el ritmo inicial de once notas, diminuendo y silencio. El Tempo andante ma rubato, de talante concentrado queda marcado por la importancia de los violochelos y los contrabajos en pizzicato, a los que se sobreponen una melodía estremecedora, parcialmente modal, con el protagonismo del fagot, al que responden las secciones de cuerda divididas-Andante sostenuto-en una tonalidad más efusiva de Fa sost. M., arropados por diversos motivos en la zona grave de la orquesta, entrecortados por el protagonismo protagonizado de los metales. El Vivacissimo, es un tiempo incisivo y y provocador, dentro de un permanente movimiento en 6/8, que recorre de forma insistente los registros extremos en esta forma de scherzo, también los timbales introducen un  apunte de preparación para un breve trío, lento e suave,  y un oboe que se expresa en un clima agreste camino de una serie de repeticiones variadas del scherzo que prepara  el Finale, con cuatro temas, cargados de motivos secundarios, destacando un tranquilo meditativo, en manos del oboe, que será relevado por otros instrumentos de madera y cuerda con un tema más breve ofrecido por instrumentos de metal. En particular, una sinfonía que confirma el llamado romanticismo nacionalista.

Ramón García Balado