La Real Filarmonía de Galicia, dirigida por César Ramos, en el XIII Festival Bal y Gay

 Igrexa do Campo Santa María do Campo, Ribadeo

Concierto de la RFG, dirigida por su director asistente en la Igrexa de Santa María do Campo (Ribadeo), en las actividades del XIII Festival Bal y Gay- día 13, a las 21 h.),con obras de Georg Muffat, F.J. Haydn, H. Duparc, Carme Rodríguez y Wolfgang A. Mozart, comenzando precisamente con G. Muffat (1653-1704), obra que ya tuvimos en el programa de actividades de la temporada anterior, contando con Amandine Beyer, como directora y solista, entre obras de J.P. Rameau, Jean- Marie Leclair y Justin Heinrich Knecht. Muffat, ofrece el Concerto grosso nº 12, en Sol M (Propitia Sydera), en sus cinco  espacios, un compositor y organista que cultivaba indistintamente un estilo de confluencia entre las influencias francesas e italianizantes, conciertos detalles de ciertos débitos germanos, músico que sufrió un desconocimiento durante un extenso período puesto que pertenecía a un momento en el que los grandes nombres era Lully o A. Corelli, el compositor había nacido en un ducado independiente a caballo de territorios franceses e italianos. Propitia Sydera (Astros estelares favorables), es un concerti grosso, que alcanzó una importante notoriedad en beneficio del autor, y que fue editado en 1701, como parte de la colección Exquisitioris harmoniae instrumentalis gravijundae (Selección de harmonía instrumental, exquisita, seria y placentera), obra perteneciente a uno de los géneros más importantes de música instrumental del Barroco en el que destaca un grupo de solistas calificados como concertino, dos violines, chelo y bajo continuo, enfrentados a un tutti orquestal.

F. J. Haydn, con una obra de un estilo claramente a la sombra, sus óperas, que raramente se programa, a excepción de las citas dedicadas a las llamadas músicas antiguas, bajo el reclamo de planteamientos historicistas. Óperas como L´Infidelità delusa; L´Incontro improviso o  Il mondo della luna, de la que se ofrece su obertura. Obra estrenada en Esterhaza el 3 de agosto de 1777, con motivo de las celebraciones de las bodas del Conde Nikolaus Esterhazy, segundo hijo del príncipe, con la condesa Maria Anna von Weissenwolf, una ópera que ha sobrevivido gracias a cuatro fragmentos autógrafos que se conservan en Budapest, Cracovia, París y Berlín, y tres copias de época, en Brno, Bruselas y Viena.  El libreto, como los de Lo speziale y Le pescatrice, está inspirado en Goldoni, que también había sido utilizado musicalmente por Piccinni o Paisiello, célebres en aquellos tiempos. Una ópera con aspectos cómicos remarcando los detalles bufonescos y un cinismo disimulado.

Henri Duparc- Aux étoiles (A las estrellas)- obra que escuchamos a la RFG, dirigida por Paul Daniel, en una sesión en la que destacó como solista el trombonista Peter Moore, para la obra Stargazer (Astrónomo), concierto para trombón y orquesta.  Duparc se había interesado por la música desde su adolescencia mientras estudiaba con los jesuitas en Vaugirard, gozando al mismo tiempo del beneficio de seguir la docencia de César Franck, en piano. Después de la  guerra franco- prusiana, su vida cambiará para bien, reuniéndose en su ciclo de entusiastas y artistas, entre los que se encontraban Gabriel Fauré, Edouard Lalo, Chausson, Saint- Saëns, Castillon o Chabrier, medio en el que se creará la Société Nationale de Musique, de la que Duparc sería secretario, dedicándose de lleno a la composición como actividad exclusiva que traerá en consecuencia obras como la Suite d´orchestra o Poème nocturne. De su regular presencia en aquellos medios artísticos, vendrá su cotidiana colaboración con Vicent D´indy, con resultados como la  ópera La Roussalka- nada que ver con la de Antonin Dvorak-, basada en un poema dramático de Puskin. El wagnerismo imperante, también dejara apuntes perceptibles en su evolución creadora, alcanzado en buena medida a esos intentos operísticos no siempre conseguidos. En la década efusiva de los noventa, trabajará sobre Aux étoiles, especie de nocturno que siempre le dejará insatisfecho, obligándole a revisiones frecuentes hasta que Ernest Ansermet se interesó por ella.

Carme Rodríguez-Arborescente, un encargo de la RFG, para la serie de sus Cometas, que supuso un estreno absoluto, compositora natural de Ribadeo, especializada igualmente en arreglos e iniciativas similares, obras suyas han merecido el interés de formaciones como la OSCYL; Sonor Ensemble; Zoar Ensemble o el  Grupo Instrumental Siglo XX. Arborescente, resulta una pieza sinfónica que busca recrear musicalmente una expresión ramificada de crecimiento de la naturaleza, desde la sutileza de un punto de partida común, cara a una exposición brillante de cada miembro del conjunto. Se observan en la obra influencias minimalistas, impresionistas y expresionistas, adecuadas a un momento de experimentación  textual de la compositora que pretende valerse de la fugacidad para condensar la expansión que ocurriría en un árbol a través de los siglos de desarrollo. Arborescente, estrenada el 4 de diciembre  de 2025, nos permitió compartir una charla previa con la compositora, en la serie de actividades previas de Conversando con….,charla compartida con el director Baldur Bronnimann, en un programa que incluía obras de Arvo Pärt, Grazyna Bacewicz y Louise Farrenc.

 W. A. Mozart-  Sinfonía nº 41 K, 551, conocida como Sinfonía Júpiter, escrita durante el conflictivo verano de 1788, obra situada entre las Sinfonías K. 543, y la K.550, obra de considerables dimensiones en la que sobresalen los variados problemas contrapuntísticos armónicos y tímbricos que se resuelven de la manera más natural y reconfortante. Obra que es síntesis de los momentos precedentes con respecto a la luminosidad de la K. 543  y la inestabilidad de la K. 550. Pese a la elaborada configuración constructiva y la olímpica monumentalidad, que supondría para el editor publicarla como Júpiter, la partitura no olvida un ideal  de sencillez, de ligereza, de transparencia, que se consigue a través de su infrecuente orquestación, que podrá dejar la impresión con claras afinidades con las formas camerísticas. Para Paumgerner resulta como un canto triunfal, espléndido y consciente por sus propias  fuerzas, que se eleva por encima de los dolores terrenales en un supremo haz de luz. La  alegría de ser, de constreñir jugando la materia dentro de los límites de la forma nobilísima tal cual es el significado de esta obra. De ahí el rico tematismo del primero al último movimientos en una compleja elaboración de los desarrollos.

Ramón García Balado

Concierto de alumnos del LXVIII Curso de Música en Compostela

 Hostal de los RR.CC., Santiago de Compostela

Concierto de alumnos del LXVIII Curso de Música en Compostela en el Hostal de los RR.CC- día 11, a las 19´30 h-, en un homenaje a Manuel de Falla en una de las actividades de especial relieve, comenzado por Xunyue Zheng - violinista procedente de China- y Juan Carlos Cornelles,  pianista, quienes pondrán en atriles una pieza procedente de La vida breve, en la versión de Fritz Kreisler, para el que Elgar había escrito su Concierto para violín, Ysaÿe, que le dedico la sonata para violín solo, Op. 27, nº 4 y Rachmaninov, las Variaciones sobre un tema de Corelli, maestro del que se apreciaba según Marc Pincherle el dominio de un arco imaginativo y poderoso dotado de una sonoridad calurosa y con un talante lleno del sentido del humor, tras sus estudios fundamentales de Viena con Anton Bruckner y en París con Joseph Massart y Léo Delibes, llegando a sufrir un fatal accidente en Nueva York, que le obligaría a un largo retiro, en todo momento supo ser un hombre generoso que entre sus curiosidades se cuentan las imitaciones caricaturescas presentado obras disimulada como si fuesen obras originales. De la Cátedra de Piano, de Josep María Colom y Patrín Barredo, Irene Pérez de Miguel, La canción de Manuel de Falla, estrenada en Granada en el Salón de la Chimenea Italiana del granadino Palacio de Carlos V, espacio que acoge espectáculo de gran reclamo, pieza que el autor confesaría haber escrito con una actitud intimista el 2 de abril de 1900, aunque tardase en llegar a la imprenta hasta 1980, una primera interpretación pública aparece en junio de 1971, en ese mismo salón, en una charla- concierto, con el pianista Manuel Carra, tan cercano a nuestras actividades, compartiendo fecha con uno de los críticos históricos, Enrique Franco. Patricia Matei, nos deja la Danza de la Molinera, de El sombrero de tres picos, el ballet en tres partes sobre argumento de los Martínez Sierra, y que se estrenaría en el Teatro Alhambra, de Londres, un ballet de profunda inspiración surgida por la fascinación que sobre él ejercía Noches en los Jardines de España, que atraería de forma especial a Serguei Diaghilev, un verdadero personaje de un mundo casi imposible quien había llegado a nuestro país como coreógrafo y promotor, sentando plaza en Madrid, además de asistir en Barcelona a varias representaciones de El corregidor y la molinera. Daniel Carmona, dará cuerpo a la Fantasía Bética, todo en ella destila un aire monumental por su lenguaje, sus ritmos, las cadencias y las modulaciones, su voluntad transgresora se anuncia desde los primeros compases, de pinceladas agrestes, sobre un auténtico virtuosismo entre cascada de acordes que dejarán paso a un largo y repetitivo desarrollo pletórico de contrastes y claroscuros que se amansan en un pasaje ensoñador de perfiles jondos

Del aula de chelo de María de Macedo y José Enrique Bouché, recibimos a Esteban Barlow, acompañado por el profesor repertorista Ángel Huidobro, para seguirles en la Melodía y Romanza, una primera estrenada en el Salón Quirell de Cádiz, con el chelista Salvador Viniegra con el autor al piano, una consideración con el chelista y que sería fechada el 19 de junio de 1987, aunque tardía en escucharse hasta dos años después. Un primerizo ensayo tratado por el autor como un Andantino de líneas claras y transparentes que el intérprete conservaría en su memoria. La Romanza se dio a conocer en el domicilio particular de este chelista, el 14 de julio, de 1899, también en colaboración con Manuel de Falla,  de nuevo un Andante como indicación imbuido por un aire tardo-romántico, trabajo con el que concluye sus años de estudio, bajo la asistencia de José Tragó, quizás de mayor insistencia expresiva, típica de una suave romanza, muy a tono con las posibilidades de este tipo de obras que no tendrán gran presencia en su catálogo.

Del aula de guitarra de José María Gallardo del Rey, Lucía Terán López (España) y Daniel Sánchez Seijo (España), con la Danza Española, de La Vida Breve, su obra dramática en dos actos y tres cuadros, sobre libreto de Carlos Fernández-Shaw, estrenada en Niza en 1913, curiosamente en francés, curiosas razones contractuales y que le abrirá camino, para Falla, será la primera de sus obras con las que se sintió identificado, toda una garantía para un estilo de ópera en la que sus grandes personales la dotan de una hipersensible identidad, hablaríamos de El Tío Salvaor, Salud, un destilado de señorío, Carmela y Manuel, irrenunciable la colaboración del libretista, poeta de reconocida solvencia que también colaboraría con Amadeu Vives, y con Ruperto Chapí. Con La Vida Breve–La vie breve- estrenada en Niza, preparará el salto a París donde lograría repetir el éxito, antes de repetir en Madrid.

Del aula de canto, de María José Montiel, la soprano Lara Husges (Alemania), con Preludios de Canciones de Juventud, con estreno de la soprano Eloisa Minoves acompañada por el compositor, pieza menor que se inserta dentro de las convenciones estéticas de estilo salón, imperante en el cambio de siglo aunque alejada de obras de mayor talante como las Siete canciones populares españolas o las estilizada austeridad del Soneto a Córdoba, Psyché, esos Preludios fueron estrenados en Cádiz, apreciados por su brevedad y sincretismo. La soprano Nuria Sánchez, la mezzo alemana Polina Dolinsky, el tenor japonés Yuki Urata, acompañados por la profesora Itziar Barredo, redondean con la guinda de las Siete canciones populares españolas, estrenadas en el Ateneo de Madrid, el 14 de enero por Luisa Vela, irrenunciablemente acompañada por el autor,  más que remitirse a un canto severo de esos cantos populares, extrae de ellos el ritmo, la modalidad, las líneas  y motivos ornamentales característicos, las cadencias modulantes, eludiendo cualquier otro tipo de artificio, para lograr una concisión subyugante. Canciones populares,  que resulta una verdadera cima quintaesenciada  del folklore en su origen, sin perder detalle de su esencialidad. El Manuel de Falla de El paño moruno; la Seguidilla; la Murciana; la Asturiana; la Jota; la Nana; la Canción y el Polo. Para Jaume Pahissa, esas canciones tienen un origen en una cantante española que había tomado parte en La Vida Breve, y que le pidió consejo para la elección de diversas piezas para completar un recital.

Ramón García Balado

Patrín García-Barredo, pianismo de Manuel de Falla, en el LXVIII Curso U.I. de Música en Compostela

 Conservatorio Profesional de Música, Santiago de Compostela

 Indagación en forma de charla a cargo de Patrín García-Barredo en el Conservatorio Superior Profesional de Música- día 10 a las 16´30 h.-, bajo el reclamo  Música y y pianismo en la Fantasía Bética de Manuel de Falla. Patrín García- Barredo, a la que tuvimos como concertista el año pasado interpretando obras de Enrique Granados, con los Valses poéticos, Frederic Mompou, con Suburbis; Manuel Carra, con Siete cantos en estilo popular; Cristóbal Halffter, con El ser humano muere solamente cuando lo olvidan e Isaac Albéniz, con dos piezas de la Suite Iberia, se formó en el Conservatorio Superior de Música de Madrid, donde obtuvo el Grado Superior, con el Premio Fin de Carrera, siendo becada por la Chase Mannhatan Bank, la Philharmonia Orchestra of London, el Ministerio de Cultura Español, el Leverhume Trust, ampliando en sus estudios con F. Wibaut, en la Royal Academy of Music, de Londres, con Josep Colom, en la Universidad de Alcalá de Henares, con F.Solter y D. Varsi, en la Music Hochschule de Karlsruhe, ampliando al mismo tiempo con Paul Badura-Skola, Joaquín Achúcarro, Vlado Perlemuter, Bruno Canino, Dmtri Bashkirov, F.Rados y Maria Joâo Pires. Su carrera como concertista la llevó a los centros por excelencia desde el Teatro Real, al Palacio de Música de Cantabría, el Auditorio Nacional, el Palau de la Música Catalana, entre giras europeas que ayudaron a consolidar su carrera colaborando con formaciones como la O.S. de Munich, la O. Bach de Moscú, la Westdeutscher Rundfuck, la Süddeutcher Rundfuck, y participó en la grabación de la integral de sonatas para piano de Mozart. En 2017, obtuvo el título de Doctor Honoris Causa, por la Universidad Alfonso X El Sabio, en Madrid, en donde presentó su tesis: La labor del intérprete previa a la realización de una obra musical, especializada en la docencia, complementa esta labor con sus compromisos artísticos, siendo invitada a impartir cursos y talleres en diferentes ciudades españolas de forma regular en citas como Música Activa, en Aragón; De mar a mar, en Andalucía o Forum Musikae, realizando colaboraciones con la Universidad de Los Andes, de Bogotá o la Summerakadekie del Mozarteum, de Salzburgo.

La Fantasía Baética, de Manuel de Falla, es para Federico Sopeña es obra con la que se cambian los signos de una composición curiosamente impopular, sabido es que Arthur Rubinstein la abandonó y solo el autor desde su querida Granada, consultaría con pianistas españoles como Pilar Bayona o Ricardo del Pueyo, comenzaría a que el reto fuera posible, para llegar a ser lo que hoy es una realidad en el repertorio de todos los pianistas españoles importantes, a los que hay que añadir su frecuencia en los programas de Concurso Internacional PalomaO´Shea. Componente fundamental de la estructura del exotismo en una relativa brevedad que se hace máxima intensidad con los números de la Suite Iberia, de Isaac Albéniz. La salida a la forma grande, es obra de los que pasaron por la Schola Cantorum, con Joaquín Turina a la cabeza, pero no podemos olvidar que lo mejor del piano del sevillano, el de Mujeres españolas, por ejemplo, no es excepción a la norma de la brevedad intensa. Hay que distinguir entre fantasía, como un signo de improvisación, casi siempre virtuosística, con espontaneidad no castigada de la fantasía obra de duración intermedia que arranca en parte de la Fantasía cromática de Johann Sebastian Bach y de la Fantasía en Do m. de W.A. de Mozart, para hacerse grande y peleona contra el formalismo, en tres cimas del piano romántico: la Fantasía del viajero, de Franz Schubert; la Fantasía en Do m., de Robert Schumann o la Fantasía en  Fa m., de Chopin. La Fantasía Bética liga directamente con El Amor Brujo, y pone un poco entre paréntesis la andalucía alegre de El sombrero de tres picos. El punto de partida es algo que pertenece radicalmente al exotismo: la danza.

Falla lo ahonda hasta espiritualizarlo de manera singularísima, porque en la inexorable primacía del ritmo, se logra un carácter mágico de encantamiento: la colocación del bellísimo intermedio en forma de guajira adquiere función de contraste, las conversiones de la danza en copla son precisamente el signo del carácter telúrico. La fuerza mágica de encantamiento de esa insistencia obsesiva viene de la enorme originalidad y actualidad del piano, radicalmente espacial, hecho de tensión contra la misma fluencia del tiempo sin excluir la real violencia: la irrupción de los glissandi sobre el arpegiado nos hace recordar aquello de las alas de arpa, en apreciación de Joaquín Rodrigo, las esencias de la guitarra trascendiendo punteados y rasgueados, intercambiando las esencias de la copla y de la danza creando un piano único que Federico Sopeña veía a través de un sencillo análisis mucho menos complicado. La Fantasía Bética es una doble despedida al tema andaluz y a Madrid. El sueño de Granada se realiza y no es una simple despedida. Muertos sus padres y garantizada la compañía de por vida de María del Carmen, ¿qué le podía ilusionar de Madrid? Lo que sí se podía reprochar al Madrid de estos años es una real indiferencia, cuando no hostilidad salvo excepciones. Todo ello es anterior al éxito europeo de El sombrero de tres picos, pues las críticas al Corregidor y la Molinera, fueron efectivamente simpáticas, pero no trascendentes. Hay un real consuelo en la amistad con Adolfo Salazar, que si en principio le vemos como discípulo que consulta sus obras, pronto siguiendo una ley ineludible, siendo un crítico volcado sobre su obra.

Ramón García Balado

Fotografía ©Xaime Cortizo 

José Sierra Pérez: El decálogo musical de Manuel de Falla, conferencia sobre un ilustre gaditano

 Hostal de los RR.CC., Santiago de Compostela

José Sierra Pérez impartirá una charla en la Capilla del Hostal de los RR.CC. en el LXVIII Curso U.I. de Música en Compostela-día 10, a las 19´30 h., centrada en el Decálogo  musical de Manuel de Falla, Doctor por la Universidad de Alcalá de Henares  y Premio Extraordinario por su tesis doctoral La música escénica de Antonio Soler, en el marco del Monasterio de El Escorial, además de realizar estudios de Musicología en el Conservatorio Superior de Música de Madrid, donde también curso composición y dirección de orquesta, completando estudios de Filosofía y Teología en el Monasterio de El Escorial, con un master en Archivística por la Universidad Complutense de Madrid. Es especialista en música española del Renacimiento y del Barroco, desarrollando su labor con el maestro Samuel Rubio, máxima autoridad en la herencia  de Antonio Soler, colaborando en la publicación del Catálogo del Archivo de Música de San Lorenzo el Real de El Escorial, manteniendo una estrecha actividad docente vinculada con el Real Conservatorio Superior de Música de  Madrid, donde es Catedrático de Rítmica y Paleografía durante más de tres lustros. Desempeñó importantes cargos en la Sociedad Española  de Musicología, en la que fue Secretario General y Vicepresidente, participando en Congresos Nacionales e Internacionales, centrado su investigación en el Patrimonio Musical del Real Monasterio de El Escorial, sobre el que publicó trabajos de referencia y estudios críticos, consolidándose  como uno de los especialistas en este ámbito.

El decálogo musical de Manuel de Falla, término de compleja definición, podrá llevarnos a un enfoque de una ubicación condicionada por el asunto a tratar. El Falla analizado por Eduardo Molina Fajardo, en su publicación Manuel de Falla y El  cante jondo, comenta: Tenía Manuel de Falla, al llegar a Granada, una estampa recia, profunda y jonda. Pablo Picasso le había retratado aquel mismo año sentado  en una silla campesina, las manos cerradas, en tensión, el busto enhiesto y el rostro expectante, como si escuchase una lejana soleá, como si él mismo, ambientado, pespunteado de ayes angustiosos, estuviese modulando una muda y soterrada canción. Picasso firmó el dibujo el día 9 de junio de 1920 y tres meses más tarde el compositor gaditano se establecía en la colina de la Alhambra. Otro retrato de ese  tiempo, el que trazó en 1919, Daniel Vázquez Díaz , que nos muestra también a un Falla muy andaluz, con cierto diluido aire de torero antiguo, pensante y reconcentrado. Ambas representaciones del autor de El Amor Brujo, nos ofrecen ya un hombre físico distinto al parisiense y al madrileño, una cabeza con  gesto senequista, noble, de perfiles romanos. El amplio bigote característico de su anterior época había sucumbido poco antes de tomar el tren, con destino a Granada. Quizás había sido la Morilla, quien habría sembrado en su corazón infantil la mostaza del cante jondo. Quizás allí, en la amplia casona gaditana, de cierres altos blanquísimos, la Morilla, sirviente de la casa del niño Manuel de Falla y Matheu, lanzó el dardo de una queja angustiosa, aprendida entre los breñales de la Serranía de Ronda, de donde procedía la moza y que quedó volando ya en la vida del compositor, enhebrado a él por un hilo misterioso.

Falla fue una referencia básica para la generación de jóvenes de la Segunda República y respondiendo a una encuesta realizada en 1929, por La Gaceta Literaria, entre distintas personalidades de las artes, las ciencias y las letras, sobre la juventud española, Falla señala a su juicio: Lo cierto es que sin las dificultases invencibles que nuestros compositores, encuentran en España, la expatriación no les hubiera tentado como suprema esperanza y que gracias a ella, puestos en contacto directo con la música europea, que le forjaría a ver lo que le faltaba a la nuestra para adquirir un valor universal, trabajaron con fe y entusiasmo, encontrando eficaces estímulos, amistades cordiales y, al fin, la publicación y ejecución frecuente de sus obras: ese indispensable campo experimental  para la formación del artista. Resulta interesante constatar las coincidencias conceptuales que se dan entre las ideas de Falla, con las manifestadas al año siguiente en la Residencia de Estudiantes, en Madrid, y con Gustavo Pittaluga, en nombre de los jóvenes músicos  españoles que luego se llamarían Generación del 27 o al menos una parte de ella representativa. Falla abogaba por un arte grande y puro, con técnica recia y flexible, al mismo tiempo en un sentido de depurada y audaz renovación: arte del que se elimine todo aquello que el tiempo ha corrompido y en el que, en cambio, resplandezca cuanto resplandezca cuanto representa un valor eterno, fundamental e intangible. Y todo esto, hecho sin miras egoístas, con generosidad, para que cumpla el Arte la única razón de su existencia.  Pittaluga, en una charla compartida con otros compañeros de generación, del Grupo de los Ocho, en la Residencia de Estudiantes coincidía entre otras consideraciones en la importancia del conocimiento técnico, pero no una técnica al mismo tiempo férrea y flexible, que permitía avanzar de forma innovadora; el compositor de hoy debe olvidar tanto los viejos tratados como los nuevos, pero después de haberlos aprendido. Aquellos jóvenes que habían sido Salvador Bacarisse Rodolfo y Ernesto Hallfter, Julián Baustista, Juan José Mantecón, Fernando Remacha, Rosa García Ascot y él mismo. Años más tarde y cuando casi todo este grupo había emprendido el forzoso camino del exilio (no se trataba de su dulce expatriación), Julián Bautista ratificará ese papel de inspirador, de referencia inmediata, que se atribuía a un maestro sobre el que pesa el concepto que enlaza con el vínculo tradicional con el lenguaje universal. En Buenos Aires, Falla se impregnará de aquel universalismo puede que distanciado, ciudad que era desde las primeras décadas del siglo, receptora de una burguesía de gran capacidad económica, con cantidad de emigrantes que abonarían ese perfil, y un escritor de consideración apreciable, sería la de Eduardo Blanco Amor, personaje a la búsqueda de sí mismo. Recordaba entonces las ocasiones que pudo asistir a espectáculos de artistas como La Pavlova, Nijinsky; Sigfried Wagner, dirigiendo óperas de su padre; exposiciones de los impresionistas franceses; conferencias de un joven Ortega y Gasset o Clemenceau o asistir al teatro en cinco idiomas.

Ramón García Balado

Nicola di Giorgi, ganador del Concurso de guitarra Savarez, del LXVIII Curso U. I.de Música en Compostela

 Hostal de los RR.CC. Santiago de Compostela

El Concurso de guitarra Savarez, del XVIII  Curso U.I. de Música en Compostela, día 6 de agosto, tuvo como ganador a Nicola di Giorgi, por su interpretación de las obras Espejo Tornasolado, una dedicatoria de Tomás Marco al profesor de la Cátedra del instrumento José María Gallardo del Rey (1961), un maestro que se gradúo en el Conservatorio de Sevilla, con las máximas distinciones, especializándose en Música de Cámara y perfeccionamiento técnico, en  Cursos con Regino Sainz de la Maza, Andrés Segovia y José Tomás, para ampliar en interpretación Luís Coleman, en los Cursos Universitarios de Música en Compostela y en 1987, lograría el Primer Premio del Concurso Internacional de Guitarra Infanta Cristina de la Fundación Francisco e Inocencio Guerrero. Uno de sus primeros éxitos artísticos le llegaría por su estreno en la Bienal de Arte Flamenco de Sevilla, en 1990, con la Orquesta de Cámara Reina Sofía, interpretando el Concierto para guitarra y orquesta, de Manuel Castillo. Este autor había compuesto interesantes obras para guitarra en la década de los ochenta, como Kasidas del Alcázar, Sonata y Tres preludios, estrenada con Narciso Yepes. El propio José María Gallardo de Rey, comenzó a mostrar su talento como compositor a principios de los años noventa, con los primeros registros discográficos, a los que se añadirán compromisos para el cine, con películas destinadas al Pabellón Español de la Exposición Universal de Sevilla,  de 1992, y su pieza Noches de San Lorenzo- evocación de la localidad madrileña de San Lorenzo de El Escorial, fue elegida obra obligatoria en el Concurso de Guitarra, de San Moscú. En la misma época, se ganó un gran prestigio internacional como concertista de guitarra, especialmente en los Estados Unidos, en donde grabaría y divulgaría el Concierto romántico, del guitarrista y musicólogo Craig H.Russell (1951). En 1994, iniciaría una fructífera colaboración con la soprano Teresa Berganza, con la que realizó giras por toda Europa. Dos años después, participó en el estreno mundial, en el Teatro Imperial de la localidad francesa de Compiègne, de la ópera Llanto por la muerte de Ignacio Sánchez Mejías, compuesta por el griego Stavros Sharacos, sobre el poema de Federico García Lorca. Al año siguiente, recibió en Francia el Premio Diapasón d´Or, por su registro Al Ayre español, que por su título nos traerá a la memoria el nombre de uno de nuestros grupos de música antigua, grabado en la Iglesia de La Villete de París, con una selección de obras de Gaspar Sanz, Santiago de Murcia o Issac Albéniz y Manuel de Falla, ese mismo año, tocó la pieza de Isaac Albéniz Torres Bermejas, con motivo de la conmemoración del septuagésimo aniversario de Mstilav Rostropovich, en el Téâtre des  Champs Elysées parisinos, compartiendo escenario con músicos como Penderecki y Yehudi Menuhim, cerrando el mítico Festival de Guitarra de Sevilla, organizado por la Asociación Guitarrística América Martínez.  Joaquín Rodrigo, pieza en forma de fandango las cercanías del neocasticismo para completar sus dos piezas, las mismas que previamente había interpretado Lucía Terán López, en representación española en un ligero cambio de seguimiento para entrar con alumnos de la Cátedra de piano, en este caso Josep María Colóm y Patrin Barredo.

Aires de Domenico Scarlatti y del Padre Antonio Soler, pero en la conveniente lectura pianística, en esta ocasión con Patricia Matei- Sonata K.386, en Fa m.- y Juan Sáez-Sonata nº 84, en  Re M.-, pero en este curso de conmemoración de aniversarios, Pilar Marijuán, con la Romanza sin palabras Je ne veux plus te voir, de Marcial del Adalid, efectivamente auto de páginas inmemoriales en estilo de mélodie, como las Nouvelles méditations poétiques o Le Dernier Chant du pèlerinage d´Harold y su punto culminante en la Sonata fantástica Op. 30, maestro que había podido beneficiarse de sus estudios con Moscheles, mientras llegaría a editar pequeñas muestras de composiciones para la Sociedad Artística y Literaria de A Coruña. Si este curso pudo cubrir fechas conmemorativas como el Homenaje a Monserrat Torrent, con Juan de la Rubía, en el órgano de San Paio de Antealtares o la conferencia de Oriol Pérez Treviño, Monserrat Torrent. La Dama del  órgano, disponible para los fieles a esta ilustre centenaria, gracias a le editorial Ficta. José Pérez Sierra, ampliará sobre el Decálogo musical de Manuel de Falla. Isabel Pérez Dobarro asistida por el titular de la Cátedra de piano, Josep Colom, dedicó su conferencia a iluminarnos sobre la figura de Santiago de Masarnau (1805/82), facilitándonos el acercamiento a esta maestro con proyección internacional, gracias al cuaderno que auspiciaba la Sociedad de San Vicente de Paúl con documentados estudios como los firmados por Laura Cuervo Calvo-, Gemma Mª Salas Villar, Claudia Dafne Carrión o Ana Vega Toscano- Santiago de Masarnau en el repertorio pianístico español., Patrín Barredo también quiso centrarse en los misterios de la Fantasía Baeteica de Manuel de Falla. El piano, no podría renunciar a la Suite Iberia, de Isaac Albéniz, y para ello, dos páginas elegidas, la de Daniel Carmona- con El Puerto- y la de Jorge Martínez- con El Polo- a la búsqueda del necesario idiomatismo.

La Cátedra de Canto de Mª José Montiel, no podía dejar de evocarnos una lejana fecha de cursos precedentes, en un sentido homenaje al borde de llanto en recuerdo de Ana María Sánchez, sobre el melodismo impregnado de profundo sentimiento que tan bien supo ofrecernos Antón García Abril, siempre en familia entre los miembros de curso. Para comenzar y manteniendo la pauta, de nuevo Tomás Marco, de quien recuperamos la obra con la que se inauguró el Auditorio de Galicia, Campo de Estrellas, en estreno absoluto con la Orquesta Nacional de España, dirigida por Odón Alonso, junto al Concierto para piano y orquesta nº 22, en Mi b M. K.482, con Joaquín Achúcarro y la Sinfonía nº 1 (Titán) de Gustav Mahler, en esta velada, dos piezas del propio Tomás Marco: Come un aria italiana, de Ojos verdes de Luna-leyendas de Becquer-, en la voz de Lara Hüsges y La Rosa, escrita en origen para la mezzo Teresa Berganza con motivo de su nombramiento como Académica de Bellas Artes. Nuria Sanchez, optó por la Aureana do Sil, de Frederic Mompou, maestro desde tiempos inmemoriales de nuestro curso. Polina Dolisnky, llegada de Alemania para darle el encanto cercando a lo jondo, de  Cantares (Poema en forma de canciones) antes de que el japonés Yuki Urata, una vez más, en este curso, descubriese su señorío en el estilo de la romanza, con la contagiosa Bella Enamorada, de El último suspiro, evidentemente con la firma de Reveriano Soutullo y J. Vert.

Ramón García Balado