Exotismo Ibérico con la Banda Municipal

Teatro Principal, Santiago de Compostela

Concierto de la Banda Municipal dirigida por su titular David Fiuza Souto, destacando como solista la oboísta Lidia Iglesias Vaamonde en el Teatro Principal- día 15, a las 12´00 h-, para un programa que ofrece un par de obras Serge J. Mathieu Lancen; el Camino Real, de un asiduo como Alfred Reed; Diferencias on a Old Spanish Song, de Yashuide Ito y de Aldo Rafael Forte, con su Dance Suite on a Spanish & Latin Rhythms. Lidia Iglesias Vaamonde, con una carrera ya consolidada, colaboró con nuestra Banda Municipal ya hace unas temporadas dentro de las Xornadas de Música Contemporánea 2017, para una sesión que repartía una miscelánea de encuentros entre las raíces latinas y el jazz de mejor escuela, en un cartel que incluía obras de Gleen Miller, sobre arreglos de Paul Murtha; también Alfred Reed, con la Second Suite for Band; Frank Tichelli, y su Blue Shades; Antonin Dvorak, y las Danzas eslavas, Op, 46, para completar Hidas Frigyes y sus curioso Coriolanus. Ballet, en forma de suite para banda, obra de 1980.

Serge J. Mathieu Lancen (1922/2005), tendrá el Concierto para oboe y la Symphonie Iberique, compositor parisino, notable pianista nacido en un ambiente familiar poco musical, aunque su madre era pintora, llegando a escribir su primera pieza a edad temprana, mientras ingresaba en el Conservatorio de París, en donde tuvo como maestros a la insigne Marguerite Long, ampliando también con Rose Lejour y Lazare Lévy, unos estudios que hubo de abandonar durante un período a consecuencia de los años de guerra. Volverá al Conservatorio para asistir a las docencias de Noël Gallon, Henry Busser y Tony Aubin, en armonía, contrapunto y composición, obteniendo su Primer Premio en 1949, antes de conseguir el Prix de Rome, por su cantata Bettina, en 1950. Una etapa productiva con resultados como el Concertino para piano y orquesta; Domino, para piano; las Trois chansons dans le style français, sobre la poética  de Jean Courçay, para flauta, voz y piano. De esa etapa, será la amistad que le acercará a su condiscípulo Désiré Dondeyne, un colaborador y colega de aventuras, que le descubrirá el mundo del repertorio para banda con el aliciente de que a partir de los años 60, centrará un mayor atención en este espacio creativo, siendo elegido en 1985, miembro del Comité Directivo de la Association for Symphonic Bands and Ensembles, sin olvidarse de su dedicación personal a los conciertos como solista y la composición dentro de los géneros más diversos. Su obra destaca por el profundo enraizamiento en los estilos franceses, por la calidad y el equilibrio conseguidos, acercándose en cierto modo al estilo de Les Six, en su neoclasicismo, emparentado con las influencias del jazz, en un intercambio fructífero de influencias, observables en obras como el Concerto pour flûte et orquester; la Mannhattan Symphonie- precisamente en colaboración de Désiré Dondeyne. O el Concerto pour contrebasse. También fue miembro de la SACEM, quien le tendrá en cuenta para algunos de sus importantes premios.

Alfred Reed- El Camino Real- habitual en las programaciones de la Banda, es un compositor de tendencia neoclásica, autor de más de doscientas obras, destacando igualmente como director por sus compromisos en los Estados Unidos. Nacido en Nueva York, pronto iniciará sus labores como estudiante, aunque en los años de la Segunda Guerra Mundial le verían destinado a servir en el 529th Army Air Force Band, una escuela de aprendizaje que supondría el dominio de nuevos patrones profesionales, compaginables con el período de formación en la prestigiosa Juilliard School of Music, en donde tendría como maestro a Vittorio Giannini, especializándose en el espacio de arreglista de gran prestigio, tras realizar su tesis de graduación, llegarán trabajos como los compromisos para las cadenas NBC y ABC, en un momento en el que se prestigiará por obras como la Rhapsody for viola and orchestra, ganadora del Luria Prize de 1959. Fue miembro del Beta Tau Chapter of Phi Mu Alpha Sinfonia, entidad dedicada a labores de cooperación entre artistas y aficionados, entre los años 1955/66, y ejerció la docencia en la University of Miami, en donde colaboró con el compositor Cliffton Williams, desde el año 1966 y editor de la Hansen Publcations. El apartado de su legado, está recogido por la Tokyo Kosei Wind, y en el espacio de obras para banda, merecen mención la Greensleeves, para Concert Band; A Northern Legend (1972); In Memoriam, and Elegy for the Fallen (1973); First Suite for Band; A Festival  Prelude (1962); A Jubilant Overture (1970); A Ceremonial Fanfare (1972); The Pledge of Allegianca, for Concert Band o la Ballade for saxo soprano y orquesta.

Aldo Rafael Forte- Dance suite on Spanish & Latin Rhytms (1993), obra en tres tiempos que describen corridas de toros, bailes latinos, detalles carnavalescos, obra que se dio a conocer por la Boston University Wind Ensemble y en nuestro país por la Banda Municipal de Barcelona, un compositor que también compuso trabajos como Impresions Prints (2000) que remite al mundo plástico de Manet y Renoir, en un intento de aproximación de estéticas o Dalí, en dos tiempos The Unicorne y Don Quixote, elaborada sobre armonías oníricas. Sus  raíces se reflejan en el conjunto de sus creaciones, como la Dance Rhapsodie para tuba y banda; Pastiche. Concert Dances for trombón band,  aceptando su herencia paterna, un maestro de guitarra clásica, que se constata en sus obras, en un creador que estudió en la University of Tennesse y en la South of Mississippi, mientras se especializaba en arreglos en la USAF Heritage of  American Band, de Virginia. Había tenido como maestros a Ross Lee Finney, William Presser y Robert Jager, añadiendo una etapa europea en la que trabajó con la Southwest German Radio Orchestra y la Orquesta Filarmónica Bouslau Martinu, de la República Checa. De entre sus obras reciente, destaca la Sinfonía nº 1 para banda, del año 2022. Sus registros están editados por los sellos Naxos, Klavier y Polyphonia, ejemplo de sus labores en espacios como el Carnegie Hall o el John F. Kennedy Center for Performing Arts of Washinntong.

Yasuhide Ito- Diferencias on a Old Spanish Song-músico nacido en Hamamtsu, y que tras su formación como pianista pronto se interesó por el repertorio para instrumentos de viento, con ejemplos como Gloriosa  o las Escenas Festales, entre otros trabajos como los dedicados al piano como Guru- Guru y la experiencia que más tarde llegará por su ópera Mr Cenicienta, sobre libreto del poeta Ryochi Wago, realizando lo más nutrido de su repertorio instrumental para la Tokyo Wind Band, con la que realizará una extensa gira por distintos países de Asia. Obras suyas son también The Symphony (1996), y las Melodies for Wind Ensemble, para la Tokyo Kosei Wind Orquestra, estrenó como solista obras de Trevor Wye, William Bennett, Steve Mead, Brian Bowman, Miura  Toru y Sugawa Nobuyen.

Ganadores del Concurso de Solistas CSMC

 Palacio de la Ópera, A Coruña

José Trigueros dirigirá el concierto de Ganadores de Concurso de solistas del Conservatorio Superior de A Coruña en el Palacio de la Ópera de A Coruña- día 13, a las 20´00h-, en el que destacarán  el trombonista Javier Fernández Arias, con estudios en la EAEM, con Jon Etterbbek y que tuvo como maestros a Raúl Galán Cerveró y Iago Ríos, pasó también por la docencia de Alessi, Enzo Torriziani, Stephan Schtz, Gyor Guyvicsan, Severo Martínez, Andrea Conti, Christian Lindberg, para probar experiencias profesionales de gran nivel.   El acordeonista  Nuno Estévez Pazó, fue ganador del Certamen Nacional de Acordeón en las modalidades senior y de cámara, uniéndose a la serie  de nuevos talentos de los que tenemos ejemplos inmediatos como la figura de María Zubimendi a la que seguimos recientemente en el ciclo Solos no CGAC, ofreciendo un destilado ejercicio de piezas que iban desde J.Mª Sánchez-Verdú, o Ramón Lazcano y barrocos desde D. Scarlatti o J.P. Rameau, e igualmente en la serie Contemporáneas, con su Trío Zukan, con el percusionista Gorka Catediano y el intérprete de txistu Jon Ansorena, en un repertorio de compositores de su entorno inmediato

En programa, el Concertino para trombón y orquesta nº 4, de Ferdinand David (1810/73) compositor alemán de talento precoz y que estudió en Kassel durante un período de dos años siguiendo la escuela de L.Spohr y Hauptmann, realizando su primera aparición en el Gewandhaus de Leipzig junto a su hermana Louise. Fue miembro del Köninstadt Theatre, de Berlín, en donde establecería buenas relaciones con Felix Mendelssohn y a partir de 1829, aceptó el cargo de tomar el liderazgo del cuarteto de la Nobleza para aceptar en 1836, un puesto en la Gewandhaus, dirigida por Mendelssohn, llegando a ser konzertmeister durante un extenso período con éxito notable. La docencia será otra de sus dimensiones artísticas, siempre afines a las del propio Mendelssohn. Promotor de una escuela, en la también merece considerarse la figura de L. Spohr, por la gran  habilidad y estilo, destacando como principales  alumnos Joachim y Wilhelmj. En su trayectoria, destacan cinco conciertos para violín, una serie de variaciones y  conciertos para otros instrumentos; una ópera Hans Wacht; un sexteto, un cuarteto para cuerdas, canciones dentro del género del Lied y su publicación Hohe Schule des Violinspiels.

Nikolai Chaikin- Concierto para acordeón nº 1, en Si b-  compositor que participó con la Orquesta de Instrumentos Tradicionales Folklóricos de la Radio de Kharkov, además de haber estudiado en el Conservatorio de Kiev, con L.N. Revutsky, en composición, y piano con A.N. Lufer, entregándose intensamente a la composición en los años de la Segunda Guerra Mundial en una amplia contribución a través también de importantes arreglos. Es especialmente conocido por su repertorio para bayan, instrumento de implantación en la tradición rusa, vigente en la actualidad por su aceptación que acompaña a todo tipo de festejos, un instrumento que fue ganando prestigio por las mejorías en la aplicación de recursos técnicos, aceptados por los folkloristas locales. Destaca su Sonata en Si m., escrita con N. Rizol, organizador del Cuarteto Bayan de la Filharmónica de Kiev, por su magnitud y complejidad. Su trabajo, en general, fue uno de los factores importantes en la formación de artistas, contribuyendo a la incorporación del bayan en el espacio de las grandes orquestas sinfónicas. Llegó a residir en Moscú como miembro de la Unión de Compositores de la URSS, mientras trabajaba en el Conservatorio. Uno de sus logros, había sido el tratamiento del uso de la mano derecha sobre los cinco dedos, llegando a ser elegido Vicepresidente de la Confederación Internacional de Academicistas. Su virtuosismo fue reconocido por todos los más prestigiados intérpretes y su Suite Ucraniana, fue pieza obligatoria en el Concurso Worldcup, celebrado en Bruselas en 1971.

Pieza orquestal para la sesión comprometida en esta cita de Ganadores del Concurso de Solistas del CSMC, que en principio anunciaba también la comparecencia de otra intérprete y que dejará espacio a una obra de especiales connotaciones para el compositor, en este caso Zoltan Kodaly, con clara formación autodidáctica hasta convertirse en paradigma de esa vanguardia rompedora de todos conocida, dejándonos un punto de encuentro y proyección hacia ese futuro que conserva su vigencia permanente con Béla Bartók, destacando en su personal criterio por la escritura de su método de composición. Obras que habitualmente tenemos entre nosotros como la Suite Hary Janos, para orquesta, en sus pasajes Preludio; El reloj musical de Viena; Canción; Batalla y derrota de Napoleón; Intermezzo para completar con Entrada del Emperador y de su corte. Para esta ocasión, Las danzas de Massazék, obra que dice del autor tanto como lo que se ofrece en las Piezas sobre un tema  húngaro o en las Danzas de Galanta, emblemáticas por excelencia como es bien sabido. Un trabajo orquestal pleno de guiños a fundamentos autóctonos, voluntad que mantendrá en la evolución y en el conjunto de su legado, pura invención y tratamiento de reconocibles estilemas de trazo y evolución, coincidentes con los lenguajes que se desarrollaban en aquellos años de consolidación y que el autor había tratado un tiempo atrás, vivamente influido por la presencia e influencia del maestro Béla Bartök. La Suite de danza Massazék, llegarán como arma arrojadiza en forma de testimonio a partir de materiales procedentes de temas de Transilvania, resueltas en forma de rondó, con tres interludios y una coda final.

Ramón García Balado

Música Práctica, en Contemporáneas

 Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

Un cuarteto para Contemporáneas con el grupo Música Práctica, en la Sala Ángel Brage, del Auditorio de Galicia- día 10 a las 20´30 h., formado por Fernando Buide-piano-, Alejandro Sanz percusión- Regina Laza- violín- Manuel Lorenzo-violonchelo y Abraham Cupeiro con su panoplia de instrumentos ancestrales, para un programa de incluye obras de Karlheinz Stockhausen, Carolina Shaw y Fernando Buide del Real. Abraham Cupeiro, sorprendente en la serie de conciertos en lo que colabora, bastantes perdidos en la memoria de los tiempos, se formó como trompetista en el RCSMM, para completar en el espacio de música antigua en la UAB, ampliando con ello la proyección de sus perspectivas, ya desde sus primeras andanzas probando con el Karnyx, como arma arrojadiza en lo sonoro, o el Tintignac, insólito ejemplar del que la historia dará noticia y la korna, de raíces autóctonas, descubierta por Carlos Tallón en las umbrías soledades de una fragua. De esa  panoplia, un legado de más de 200 instrumentos que han encontrado resultados en registros como Resoando no pasado, Compromiscuo- junto al acordeonista ruso Vadzim Yukhnevich-, el Concierto Misterio-de Wladimir Rosinski y la OSG-, Os sons esquecidos, para Warner Classics, con la RFG, Pangea, con la Royal Philharmonic O., Mythos, con esa misma orquesta, en una evolución que le llevó a actuar con primeras orquestas. Participó en el filme María Solinha y con la compañía 14th Street Music, para un trabajo de Hans Zimmer, candidato a un Óscar. La panoplia de Cupeiro, le ubicaría desde los inicios en el espacio del karnyx, gran trompa céltica de toques bélicos, instrumento hallado en Jutlandia en 1891, conocido hoy como caldero de Gundestrup, y que presenta a siete tañedores en pie que preceden a otros tres que lo tocan en forma vertical. Su longitud es superior a la de los propios músicos, siendo lo más llamativo su gran pabellón, la curvatura en el acampanamiento y la gran embocadura. Eran frecuentes los ejemplares con una testa de dragón o de caballo, aunque se conocían ejemplares con cabeza de lobo e incluso de delfín. Su configuración recuerda la del litus romano  y trompas análogas se encontraron en Dacia y en territorios del Asia Menor, en especial en la antigua Paflagonia.

Fernando Buide del Real- A constelación de Saxitario-, cabe en el contexto del programa que guarda como itinerario sonoro la propia agua, como símbolo de fluidez y transformación, desplazando su mirada hacia el cosmos convirtiendo el agua en río estelar sobre un lecho que enlaza la escucha íntima con la inmensidad del universo, desde ese interior a lo astral, atravesando aguas perceptibles y celestes. Un compromiso con la Quincena Donostiarra y la Fundación Cidade da Cultura de Galicia. Fernando Buide, se formó, con Leonardo Balada, quien influyó en su carrera futura  para continuar en la Yale University y en la Carnegie Mellon (Pittsburgh), definiendo su trayectoria por las más diversas propuestas estilísticas, merced a las sugerencias que recibe regularmente. Trabajos como Paxases, de la Fundación SGAE/AEO; el Concierto para órgano y orquesta, encargo de la ONE, junto a obras de Messiaen y Paul Dukas; A sombra de cristal, ópera sobre texto de Quico Cadaval, con María Hinojosa- soprano-, César San Martín- barítono- y el actor Víctor Mosquera; Mar ao norde, con obras de M.Tippet y J. Sibelius; A Amnesia de Clío, ópera con dirección escénica de Marta Pazos, dirigida por Paul Daniel y destacando como solistas Raquel Lojendio, Sebastià Peris y Marina Pardo, asistidos por el Orfeón Terra a Nosa, de Miro Moreira; Electra, experiencia de su etapa en Roma en las programaciones del CGAC, sobre complejas poéticas; Framentos del Satiricón, merecedora del VII Premio de Composición AEOS-Fundación BBVA; Movimiento para septeto, como parte de sus trabajos de temporada en las actividades de CGAC, entonces con el Taller Atlántico Contemporáneo, de Diego García Rodríguez, con una instalación electroacústica de Pablo Beltrán. A Constelación de Saxitario, es obra estrenada por Abraham Cupeiro y este grupo Música Práctica, en 2004, consecuencia de sus demandatarios dejando este trabajo multinstrumentista que ayuda a destacan la figura prolífica en lo sonoro del solista tan peculiar, maestro en el ámbito de la revitalización y descubrimiento de estos curiosos instrumentos con claras vinculaciones difíciles de ubicar en su perceptible momento histórico, que para la ocasión se ensambla con instrumentos contemporáneos, una experiencia que ya tuvo precedentes en convocatorias similares.

Carolyn Shaw- Thousandth Orange (2020)-, es violinista y  compositora norteamericana que se pronuncia en los ámbitos de nuestro tiempo, tras su formación en las Rice University y en la similar de Princeton, recibiendo la nominación Honoris Causa en Yale, y un Pulitzer Price, entre varios Grammy. Esta obra fue compuesta como cuarteto con piano, en la que lo sencillo se transforma en una experiencia rica y cambiante, en lo sonoro, con una gran progresión armónica y estable a partir del teclado por sus contrastes rítmicos dentro de su tejido de variaciones en una estructura que recuerda a la chacona: un mismo tema recurrente que revela nuevos matices, jugando con un descubrimiento de colores y texturas, que invitan a imaginar el fluir del agua y el golpeo sobre las rocas.  En su mente, el recuerdo permanente de los cuartetos con piano de Johannes Brahms y el recuerdo de su ejecución. Una aparición de renovados matices, se aboca a nuevos ángulos sonoros. Thousanth Orange, se apoya en esas pequeñas revelaciones oblicuas en las que el filtro del tiempo, abre una posible memoria musical, igualmente el título insinúa matices de color naranja desde los ángulos más imprevisibles.

Karlheinz Stockhausen- Tierkreis(Zodiáco), ciclo del que se toman: Piscis/ Escorpio/Cancer-, obra de 1975, un conjunto de 12 piezas de percusión como parte de su obra Musik im Bausch, cada una pensada para un signo zodiacal, miniaturas de aspecto sencillo y cantable, además de complejas según el criterio de su propia técnica y las versiones que resulten consecuentes. Un estudio profundo de los tipos humanos a los que se asocia  los propios signos que facilitan  esa imaginada afirmación. Tierkreis está pensado como un material sensible y abierto para cualquier instrumento, desde los solistas o los conjuntos amplios, en duraciones variables. Las instrucciones sugieren iniciar por el día del concierto repitiendo cada pieza un mínimo de tres veces, enriqueciéndola con variaciones e improvisaciones, adquiriendo un talante ritual, que le une con el signo astrológico y la experiencia de su tiempo. Los signos de agua- Cáncer, Escorpio y Piscis- destacan por sus melodías de perfiles introspectivos y fluidos, en contraste con otros más enérgicos. Cáncer, se muestra con intervalos cerrados y repetitivos; Escorpio se ofrece más incisivo y cromático con giros abruptos que insinúan tensión y misterio; Piscis se apoya en una melodía amplia y flexible, de carácter ensoñador, casi meditativo.

Ramón García Balado

Lieder por Franz-Josep Helig y Gerokd Huber en Amigos de la Ópera de Santiago

Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

Amigos de la Ópera de Santiago aporta de su ciclo de Lied, la actuación del dúo formado por el bajo Franz- Josep Helig y el pianista Gerokd Huber- día 5, a las 20´30 h-, con un repertorio que va desde lieder de F. Schubert a Hugo Wolf y otros estilos como las canciones por descubrir de Rudi Stephan y la Suite auf Verse von Michelangelo Buonarotti, de Dmtri Shostakovich.    Franz-Josep Helig, estudió en la Hochschule für Musik und Tanz Köln, con Claudio Nicolai para continuar en el Aalto Theater Essen (1995). Se especializó en roles de voz de bajo, con especial atención a repertorios wagnerianos, en roles como Fasolt, Rey Marke, destacando los elegidos dentro del ciclo de La Tetralogía, además de papeles como Fiesco (Simon Bocanegra); Rocco (Fidelio) o Arkel (Pelléas et Mélisande). Se presentó en coliseos de élite como la Wien Oper; Teatro alla Scala; Covent Garden; La Monnaie; Opéra de Paris o el Theater München.   Gerokd Huber,  se formó en la Hochschule für Musik und Theater Müchen, con Friedmann Berger, ampliando con Helmut Deuth, alumno de Fiescher-Dieskau, pianista que muestra una dilatada carrera por los artista a los que acompañó, en especial a Christian Gerhaher, que se une a la nómina de Ruth  Ziapak, Bernarda Fink, Diana Damrau o C. Kallisch.

Franz Schubert, con la selección de lieder partiendo de Der Wanderer D 489, sobre la poética de Schmidt von Lübeck, Der Unglückliche, una sensación de hostilidad y sufrido distanciamiento que preanuncia otra serie de piezas como la que ofrecerá en el ciclo Winterreise, o los Heine- Lieder. Auf der Donau D. 553, tomado de un poema de Mayhofer, amigo y confidente y para un lied en el que el piano, cobra una especial relevancia, como el resto de los escritos en este apartado, permitiendo una libertad en la propuesta de la tonalidad en preferencia. Auf der Donau 553 (Sobre el Danubio), nos lleva a través del discurso sonoro que ayuda a imaginarnos el fluir de las aguas del río, descrito en gran medida por anhelantes trinos de dobles corcheas propuestas por la parte grave del piano, en respuesta al canto de la voz del solista y que se expresa con un intenso grado de tensión. Fahr zum Hades D. 526, (Descenso a los infiernos) manteniéndonos dentro de la poética de Mayhofer, pieza que se enmarca en una pujante tonalidad de Re m., entre modulaciones y transformaciones junto a cambios de armonía y apuntes rítmicos, claramente expresivos, creando una recreación atmosférica.  Der Tod un das Mädchen D. 531 (La muerte y la doncella), lied que usará posteriormente en la composición del más célebre de sus cuartetos, un lied de asombrosa simplicidad y cuyo texto pertenece a Mathias Claudius (1740/ 1815), poeta alemán del XVIII, que aporta una naturalidad expresiva y un lirismo concentrado, como observamos en el conjunto de sus recopilaciones poéticas, alcanzando en el tratamiento de Schubert el punto álgido de su sensibilidad romántica. Prometeus D. 674, plenamente impregnado del estilo Sturm und Drang, y que nos sitúa en el parecer de Goethe, un héroe fáustico contemporáneo de Kronos y Ganymed. El piano cubre igualmente una importancia trascendental entre trémolos, acordes y acentuaciones rítmicas, cargados de fuertes contrastes.

Hugo Wolf-Grenzen der Menscheit y Abenbilder, 3 Oden von Lenau-, compositor que antepone el poema a la música, por su proximidad con Malher, sabrá hacerse a la tentación del mundo operístico en el transcurso de su vida creativa probando los géneros más diversos, repartidos entre los Sechs geistliche Lieder; Penthesilea, a partir de Kleist, y el conjunto de los Gedische von Mörike; Gedischt von Goethe, los tomados de von Eichendorff, Keller, Heine, von Scheffel; Gedischte von Eichendorf; los Wilhelm Meister; Mignon und Philine; West-Österlicher Diwan, Suleika o los Spanisches Liederbuch. Wolf enardecerá la poesía por la vía musical, distanciándose de la imperante hasta aquel momento siempre admitiendo la importancia establecida tanto por Schubert como por Brahms, aceptando su entrega irrenunciable compañeros de travesía como Mörike, Goethe, Eichendorff, Heine, ya desde su etapa inicial, para seguir con el grupo de poetas españoles e italianos, en donde llega a mezclar poemas barrocos y renacentistas. Aspecto a resaltar, como se observa en los lieder en programa, es el énfasis otorgado a los detalles de orden psicológico, aceptando que sabía sumergirse de forma intensa y profunda, en los aspectos más peculiares. El melodismo que recurre a recrear los más bellos paisajes, transcurre en selecciones como los Mörike Lieder; Der Gärtner; Auf eine Christblume  II; Lebe wohl; Fussreise; Gesang Weylas o Der Musikant de los Eichendorff- Lieder. Hay una línea en su obra que disocia el melodismo y las acentuaciones  métricas del texto, configurando con esmero la dirección evolutiva asociándola a las características métricas del poema hasta en sus más mínimos detalles: la melodía de las palabras, aspecto que pocos compositores habían tenido en cuenta con anterioridad a excepción de Robert Schumann, merece una absoluta consideración. La parte pianística por su cuenta, desarrolla sus propias líneas melódicas en contrapunto a esa línea vocal, lo que ayuda a producir verdaderos pasajes en diálogo entre las dos voces que se entrecruzan dentro de su propio discurso musical, en el que bastará con recurrir a temas como In der Frühe (Al alba) de los Mörike Lieder o Ständchen, el cuarto de los Eichendorff- Lieder, resolutivo diálogo a tres voces, bajo un diseño en ostinato, de la mano derecha, que aporta otra voz autónoma en la parte aguda mientras en medio se sitúa la parte vocal, y que evoca viejos recuerdos de un juglar que escucha cantar a una moza una serenata.

Rudi Stephan (Worms 1887/ Gorlice 1915), asimilable al movimiento del Neue Sachlichkeit, en esas ansias de renovación el cambio de siglo, tendrá en programa Zwei ernst Gesänge- cercanas a Brahms-, Am Abend y Momento vivere (1907), un compositor con estudios en Frankfurt y Munich, había tenido como principal maestro a Bernard Sekles, probando sus primeras experiencias en el Festival de Danzig (1912), donde su obra dedicada a Siete instrumentos para cuerda tendrá una gran acogida, probando con suerte en este espacio camerístico, que abrirá perspectivas en géneros orquestales, lieder, e incluso una ópera que se convertirá un clave de referencia Die ersten Menschen, estrenada en Frankfurt, por evidencias de etapa histórica, habría de competir con inmensos talentos, llegando a quedar en un segundo plano en cuanto a lo que supuso su vigencia histórica. Para mayor infortunio no llegaría a ver el estreno de la ópera que había compuesto ya que a consecuencia de avatares de guerra, perdió la vida en medio de la contienda. Sus obras en su conjunto, habían sido editadas por Karl Holl  pero como compositor sufriría un insalvable ostracismo durante un largo período.

Dmtri Shostakovich- Suite auf verse von Michelangelo Buonarotti Op. 145-un homenaje a aquel gran artista del Renacimiento con ocasión del quinto centenario de su nacimiento  y que consta de once movimientos basados en once sonetos. La selección y disposición de los textos obligan a pensar que esta composición es una obra sobre rasgos autobiográficos evidentes en la que aparecen rasgos reveladores. Al iniciarse el último movimiento, La inmortalidad, se escucha en el piano un tema ingenuo compuesto por el autor años antes, como sucede con las seis romanzas sobre textos de Marina Tsvetaieva, orquestó la suite pues evidentemente advertía la mayor necesidad de una riqueza de colores y de un sonido más pleno. Confiaría al bajo Yevgueni Nesterenko, un bajo notable, para el estreno de la obra que había debutado ocho años antes en Leningado al mismo tiempo que los estrenos de Cinco romanzas sobre textos de la revista Krokodil, mientras el cantante había  sido galardonado con el Premio Piotr Ilich Tchaikovski, una vozcon mucha experiencia y que ejercía la docencia en el Conservatorio de Moscú.   

Ramón García Balado