Klangforum Wien y la JONDE, en el Teatro Principal

Teatro Principal, Santiago de Compostela 

Culmina el primer tramo de Contemporáneas de nuevo con la JONDE y el Klangforum Wien bajo la dirección de Isabel Rubio esta vez en el Teatro Principal- día 24, a  las 20´00 h-, con tres obras en cartel siempre en atención a compositoras actuales que para esta ocasión, nos reservan a Helena Cánovas, Nuria Núñez Hierro y Unsuk Chin. Helena Cánovas (1984)- ofrece The crossing place of a road and river (2025) con revisión un año después, pieza que transforma el recorrido entre dos recorridos en un espacio acústico cambiante donde los límites entre instrumentos y recursos electrónicos se disuelven continuamente. Cánovas se formó en el Conservatorio Superior de Aragón teniendo como maestro en composición y música electrónica a Markus Hechtle, y a Michael Beil, en las mismas materias, recibiendo el galardón  Carmen Mateu Young Artist European Award, como reconocimiento a su originalidad por su lenguaje creativo en el que también se incluye su visión escénica y teatral. Muestra una escritura genuina y sensible creando texturas sonoras que evidencian su atracción por la confluencia de las texturas sonoras. Recordamos de su pasada colaboración con el Grupo Instrumental Siglo XX, con obras de G.Crumb, Kaija Saarihao y Earl Kim, su obra Songs of Carolin, pieza en cuatro espacios, escrita para soprano, violín y arpa, basada en un poema de Karoline von Günderrot (La Safo del Renacimiento) y que era un encargo del Gilu Trío. La poetisa había entregado su cuerpo a las aguas del Rhin, a consecuencia de una decepción amorosa, un trabajo musical que indagaba la interacción entre la voz y los instrumentos, elaborada a través de pequeñas escenas.

Nuria Núñez  Hierro- Tendrá Metazoa, en una versión de la propia JONDE quien acabaría estrenándola, especialista en explorar el potencial de dualidad entre el intérprete y los instrumentos a través de las técnicas instrumentales distendidas, disponibles para la amplificación de la voz. En sus obras incorpora a menudo objetos sonoros con recursos escénicos para expandir sus posibilidades expresivas en atención a la recepción del oyente. Sus trabajos muestran un intenso vínculo con la naturaleza y los seres vivos, que resumen una manera de pensar a través del estudio de las redes del comportamiento animal. Formada en el Conservatorio Superior de Córdoba, ampliará en la Universität der Künste  Berlin, en la que obtendría un grado de Honor en los Estudios de Magisterio en Composición, antes de obtener una beca de investigación del Centro de Estudios Avanzados de Artes y Ciencias en Berlín (BAS, Graduiertenschule  UdK Berlin), a lo largo de dos años, siendo reconocida con el XXXIX Premio de Composición Reina Sofía  y el Primer Premio del Público del XV Festival de Primavera de Weimar al que se añade el Premio Roma, otorgado por la Academia de las Artes de Alemania (Villa Massimo/ Casa Bladi), con otro primero de la Fundación Autor- CNDM. Fue compositora en residencia de la Orquesta de Radio de Berlín, de la Academia de España, en Roma, en la Thomas Mann- Vila Aurora (Los Ángeles),  en la JONDE y en la Thüringer  Landesmusikakademie (Sondershausen), siendo su música interpretada por prestigiosos solistas y agrupaciones de vanguardia como el Ensemble Intercomtemporain,  fundado por Pierre Boulez; el Ensamble Ascolta ; B3; Brower Trío; el Taller Sonoro- con quien escuchamos en Contemporáneas, de hace un par de años, sus obra Alla ricerca disperata del sole; Cartografías efímeras y un estreno en forma de sorpresa. Junto a obras de Lula Romero, Elena Mendoza y Clara Ianotta. Taller Sonoro era una agrupación que recibimos en forma de sexteto-, igualmente la ONE y la Orquesta de la Radio de Berlín, la tuvo en cuenta en sus programaciones- Nuria se compromete con las creaciones enfocadas hacia nuevos públicos, en proyectos destinados a los aficionados más jóvenes como el Rapauke mach Musik, dejando curiosidades como las óperas Kleines Stück  Himmel o La Isla, un estilo de video-ópera, un encargo de la Fundación BBVA, a las que se añade El sueño del Señor Rodari, sobre texto tomado del teatro de sombras, destinado a la Academia de España, en Roma.

Unsuk Chin (1961)- Grafitti (2012/3- para la autora, un auténtico palimpsesto sonoro en el que las referencias estilísticas, las texturas y las perspectivas se suceden con una vitalidad cambiante y caleidoscópica. Esta compositora coreana, nacida en Seul, tuvo como excelentes apoyos en sus primeros años de estudios, ya con su padre que le ayudarían a enfocar su evolución en los fundamentos a través del piano, que en cierta forma, abordaría de manera autodidacta. Sus primeras apariciones en público, las realizaría acompañando himnos y cantatas en la iglesia presbiteriana donde su padre era sacerdote. Dos han sido los profesores que influyeron en su carrera, el coreano Sukhi Kang, que le enseñó las técnicas y tendencias occidentales y de las vanguardias europeas, entonces desconocidas en su país y que se extendían hasta Igor Stravinski, recibiendo una beca que le permitió estudiar en Hamburgo durante tres años, con el compositor Gyorgy Ligeti, lo que supuso un cambio definitivo después de ganar dos premios. El propio Ligeti, la forjó a un cambio de orientación en su carrera, apoyándose en un criterio decididamente poco ortodoxo. Siempre primaría la importancia del compositor húngaro, por sus planteamientos críticos y sarcásticos antes de su importante traslado a Berlín, en 1988, en donde trabajaría como  freelance en los estudios de música electrónica de la Universidad Técnica de Berlín, preparando el salto a su reconocimiento internacional con la obra Krostichon-Wortspiel (1991/3), que fue interpretada en distintos países y que supondría el comienzo de una larga carrera, nacida de permanentes encargos como la Fantaisie mécanique  (1994); para el Ensemble Intercontemporain; el cuarteto ParaMetaString (1996), para el Kronos Quartet; el Concierto para piano (1997), un encargo de la BBC, para la BBC National Orchestra of Wales; Miroirs des temps (1999), también encargo de la BBC, para el Hilliard Ensemble y la London Philharmonic Orchestra; Kalá , para solistas, coro y orquesta, un encargo de la Orquesta de la Radio Danesa y la Orquesta Sinfónica de Oslo, para recibir su estreno con la Orquesta Filarmónica de  Oslo y Alice in Wonderland, estrenada en la Ópera de Baviera.

Ramón García Balado

La JONDE y el Ensemble Modern

Casa das Máquinas, Santiago de Compostela

Tercer concierto en A Casa das Máquinas – día 23, a las 20´00-, con la  JONDE y al Ensemble Modern, en este ciclo de Contemporáneas y en ese espacio que se integró con fortuna en las propuesta de lo más variado, siempre sobre proyectos de duración no excesivamente extensa, la propia JONDE, garantiza su presencia en este ciclo como ya constatamos hace un par de temporadas también en colaboración con este Ensemble Modern y en otras actividades camerísticas junto al Trío Arbós y el clarinetista Joan Enric Lluna, aportando la iniciativa de proponer obras necesarias de nuestro tiempo. Un facto a tener en cuenta es precisamente la estadía en nuestra ciudad combinando actividades concertísticas que se extenderán hasta el próximo 6 de junio del año siguiente que tendrá como protagonista al Ensemble Música Práctica y la Escola Municipal de Música de Santiago de Compostela, en un programa participativo dedicado a Terry Riley, y su obra In C (1935), un paradigma de las tendencias minimalistas, resultado de una música en constante trans formación en una idea única e irrepetible para un ensemble nacido por la iniciativa conjunta de Fernando Buide y Alex Sanz y en el que participarán Joan Ibánez (flauta), Manuel Lorenzo (violonchelo), Alejandro Sanz (percusión), con estudiantes elegidos de la Escola Municipal de Música, dentro de una evocación abierta.

Para el concierto de esta fecha, Rebecca Saunders- Stirrings still II (para flauta, óboe, clarinete, contrabajo, percusión y piano (2008)- compositora nacida en 1967, actualmente una figura fundamental de la música inglesa de vanguardia que tuvo el privilegio de estudiar con Wolfgang Rihm, en los años noventa, antes de establecerse en Berlín, estrenando obras como su Quartet, para acordeón, clarinete, doble bajo y piano, una de sus aportaciones de referencia en el mundo camerístico y un modelo de cómo concebía el material sonoro en una sucesión de objetos sonoros concisos, secos e interrumpidos por períodos de silencio meticulosamente calculados. El propio silencio se convierte en un elemento especialmente importante trascendiendo el valor de las propias notas. La importancia de los sonidos, su fisicidad y ciertas influencias asimiladas de Giacinto Scelsi, en sus últimas tendencias, resultarán un signo distintivo en Rebecca Saunders, que siempre se mueve entre instrumentos que permitan amplias resonancias y reverberaciones con resultados como los obtenidos en Blue and Gray-para dos contrabajo- o la excelente primera propuesta de Stirring still (2006), perfectos ejemplos de una música que se mueve entre los registros extremos, que prefieren el choque de sus sonoridades para crear atmósferas no muy lejanas en muchos aspectos de los de Morton Feldman y que en lo literario evoquen los mundos de Samuel Beckett y Mark Rottko, que ayudarían a conformar su espacio sonoro. De ella, recordamos con la propia JONDE, con su grupo de cámara del Trío Arbós, Disclosure (2008), sobre un lenguaje distintivo en una referencia a su generación como alumna del aula de composición de Nigel Orborne y Wolfgang Rihm, una forma de sensualidad compleja y fascinante que incluía largas explicaciones sobre textos de Samuel Beckett, en Horn Always Came (1960), encargo de la Sección de Música Contemporánea del Conservatorio de Oberlin (Ohio), con la ayuda del Ensemble Musikfabrik y la Fundación Kunstiforum NRW.

Sofía Gubaidulina (1931/ 2025)- Quasi hoquetus (para viola, fagot y piano (1985)-, compositora que tomará el releovo de autores consolidados y de renombre internacional como Prokofiev y Shostakovich, asumiendo el papel que también desarrollaron músicos polacos como Penderecki o Goreckiy muy a diferencia de sus vecinos, su generación, la de Denisov, Grabowski o Silvertrov, no gozaría de la posibilidad de la promoción internacional como la que supondría el Festival de Varsovia. Tras la obligada etapa de aprendizaje y la asimilación de los estilos imperantes en los círculos musicales occidentales, su generación encuentra a mediados de los setenta, una salida a la falta de identidad delo lenguaje propio en forma de una gran diversidad de estéticas, frente al eclecticismo de Alfred Schnittke. Es ella autora  de un brillante formalismo heredado de un discurso unidireccional manifiesto en obras como Offertorium, Hommage à Elliot, Regocijáos, dentro de un gusto de asociaciones tímbricas insólitas que vemos en In Croce. La cantata Jetzt immer Schnee (En el presente siempre la nieve), de 1993, destaca especialmente el uso de los colores, las inflexiones y los registros de enorme originalidad por el tratamiento global de gran moderación sobre un tema basado en cuatro poemas de Guennade Aigui, que inspiraron a la compositora los problemas que agobiaban las angustias de su país en aquel momento, resulta Offertorium la obra más divulgada, el Concierto para violín y orquesta compuesto en 1980, que lleva dentro todos los valores y los defectos de su estética en la que sobresale el tema melódico de carácter modal de evidente grandeza. Nina Senk (1982)- Movimiento fluido (para flauta alto, violonchelo y piano (2007)- procura un movimiento continuo en el que la música fluye entre el equilibrio y la transformación, cediendo espacio a Ursula Mamlok (1923/2016)- Girasol (sexteto para flauta, clarinete, violín, viola, chelo y piano (1990)- compositora de la que tenemos noticia por sus oficios docentes con otras creadoras y que en esta pieza, alcanza una extraordinaria densidad expresiva mediante la economía de medios y la metamorfosis de un material reducido, constatación de este grupo de compositoras que comparten un espacio vivo en el que cada gesto, cada silencio y cada resonancia modifican la percepción del tiempo transformando la experiencia del oyente.

 Chaya Czernowin (19579- Lovesong (para flauta, óboe, clarinete, violín, viola, chelo, percusión y piano (2010)- compositora norteamericana donde trabaja en la Harvard University y que en la última convocatoria del Festival RESIS que promueve Hugo Gómez- Chao, reservó su obra Undersong para ser interpretada por SIGMA Project, un cuarteto de saxofones, obra sobre la que trabajó a lo largo de toda una década y que estrenaba en nuestro país, un compromiso en coproducción con Siemens, weit!  Neu Musik weingarten, para el respetado Festival de Otoño de Varsovia, a solicitud del propio SIGMA Project, para una obra que funcionaba de manera multisensorial e interdisciplinar. Su música se encuentra actualmente en un período muy intenso con un proyecto operístico sobre el que trabaja y que alcanzará hasta 2029, en esencia, la tecnología juega un papel importante en toda su aventura, utilizando incluso la voz amplificada con la intención de revelar los detalles extremadamente ínfimos, ajenos a un sondo vocal perfecto.

Ramón García Balado

Puccini: Tosca para el LXXIV Festival de Amigos de la Ópera, de A Coruña

Palacio de la Ópera, A Coruña

Tosca de Puccini vuelve esta vez al LXXIV de Amigos de la Ópera de A Coruña,- días 22 y 24 a las 19´ 00 h-, tras la producción ofrecida en la temporada del año 2000, en ese mismo lugar y en la que destacaron como solistas Margarita Lister (Tosca), Francisco Casanova (Mario Cavaradosi), Joan Pons (Barón Scarpia), con la Orquesta Sinfónica de Castilla y León, dirigida por Kamal Khan, en una producción del propio festival. Para esta cita, con una producción de la Opéra del Théâtre Métropole, de Metz, contaremos con Miren Urbieta-Vega (Tosca); Ragga Eldin (Cavaradosi), Carlos Álvarez (Scarpia), Javier Agudo (Angelotti), Valeriano Lanchas (Sacristán), Enrique Martínez (Spoletta), Pedro Martínez Tapia (Sciarrone), Daniela Quiza (pastor), Antonio Facal (Carcelero), junto al Coro Gaos, de Fernando Briones y el Coro Cantabile de Pablo Carballido y la OSG, dirigida por Paul Êmile Fourny y una puesta escénica de Patric Méeüs y vestuario de Giovanna Fiorentini.

Puccini tuvo conocimiento de La Tosca teatral de Victoriene Sardou a comienzos de 1889, en los Filodramáticos de Milán,  en interpretación de la mítica Sara Bernhardth, que daría pie a incontables especulaciones calando profundamente en su interés,  lo que motivo la tentación de convertirla en ópera, probando a ponerse en contacto con Giulio Ricordi y con quienes  serían sus libretistas Luigi Illica y Giuseppe Giacosa. Otra experiencia anterior sobre esta  obra nos llevaría a un trabajo de Alberto Franchetti, compositor unido a esa causa tras haber realizado dos óperas de cierto éxito: Asrael y Cristoforo Colombo, quien definitivamente claudicaría y la première pucciniana se ofrecería en el Teatro Constanzi (Roma), en enero de 1900, con las voces de Hariclée Darclé y los italianos Emilio de Marchi y Eugenio Giraldoni, con dirección de Leopoldo Mugnone, con un éxito dudoso antes de recibir la consiguiente aceptación en producciones posteriores. Luigi Illica (1857/1911), que había formado grupo con Arrigo Boito, llegó a escribir casi un centenar de libretos, cuatro para Puccini, entre los que se encuentran La Bohème, Mme Butterflfy o Tosca, mano a mano con Giuseppe Giacosa (1847/ 1906). Sardou acabaría alabando sus trabajos, gracias al tratamiento que sabría darle, reduciendo los cinco actos a tres, manteniendo la unidad de un texto bien tramado y condénsalos en los acontecimientos de un solo día, luchas de conflictos sociales y amorosos. El mundo del momento  no sonaba tan armónicamente como le hubiese gustado al compositor, para quien el trabajo no podía demorarse: Veo en esta Tosca una ópera que parece escrita especialmente para mí; no es excesivamente larga y es dramáticamente eficaz, permitiendo una música plena, escribió a Giulio Ricordi. El ambiente de su Tosca, no es ni romántico ni lírico, sino apasionado, penoso y oscuro. Aquí no se trata de buenos hombres amables, sino de miserables y mezquinos personajes como  Scarpia y Spoletta. Cavaradossi, el fugitivo, está enamorado de la bella Tosca, y Scarpia le hace torturar en presencia de la Diva.  Puccini no dudó en reducir los cinco actos a tres. En lugar de 23, fueron reducidos a nueve los personajes. Los tres famosos: Tosca, Cavaradossi y Scarpia, entre los que culmina el drama y junto a ellos, el estudio del grotesco-cómico Mesner  y el desdibujado Angelotti, al que se olvida después del Primer acto. Se afirma insistentemente que Tosca supone una aceptación secreta del verismo, un compromiso con el estilo de Cavalleria; o Andrea Chénier, una concesión. Música teatral en grado sumo, la impresionante tragedia amorosa se desenvuelve entre los pliegues de una pompa sombrío- solemne de un floreciente sonido melodioso, de pulso ardiente y fuerza diabólica. Pero junto a lo estridente y sórdido, se acompaña la belleza de una religiosidad totalmente ingenua que recorre la ópera. El antagonismo entre una acción que sobresalta el estado hipersensible, la música se extasía entre melodías. La presencia del elemento femenino que posee, recuerda el lirismo de otras óperas suyas.

Tres actos, primero en la Iglesia de Sant´ Andrea della Valle, que nos presenta al pintor Cavaradossi y que  descubre oculto a Cesare Angelotti, cónsul de la República de Roma, perseguido por razones políticas  tras  evadirse de presidio, recibiendo la promesa del pintor de ayudarle, y poco después aparece Tosca, amante de Mario y ambos acuerdan una cita para la noche. El anuncio de una victoria sobre Napoleón, atrae a los paisanos mientras en el templo se canta un Te Deum. Surge Scarpia, el pérfido policía que está obsesionado con Tosca.  Según acto, en el despacho de Scarpia, en el Palacio Farnesio, acusado de esconder a Angelotti, Cavaradosi, es sometido a tortura, mientras que Tosca, invitada a la sesión de tortura, no puede resistir esa situación, jurándose salvarle, acepta las tentaciones de Scarpia. El Tercer acto- Castillo San´t Angelo, Cavaradosi escribe una carta de despedida a Tosca, quien aparece confesándole que la anuncia ejecución, será simulada, lo que les permitirá huir. Los acontecimientos se precipitan ya que el  fusilamiento será real, y cuando Tosca se acerca comprende que fue engañada. La diva se acerca  a Scarpia, para vengarse con el asesinato del causante de tanta desgracia, supuestamente secundado por sus esbirros, y definitivamente Tosca se arroja al foso desde lo alto del parapeto.

Scarpia, quien desencadena la mayoría de los acontecimientos, se mueve como el amo absoluto, es un despiadado perseguidor de oponentes políticos liberales, al que se describe con los peores rasgos, tanto por Sardou como por propio Puccini.  Su turbia personalidad queda esbozada desde el comienzo de la ópera.  Tosca, es mujer apasionada, celosa, de carácter delicado y que ya descubrimos en otras óperas, una figura desmedida que reclama un auténtico papelón. Frente a ellos, Cavaradossi, una pobre víctima que su único y aparente delito, será el de querer ayudar al fugitivo Angelotti, un juguete entre el amor de ella y la perversión libidinosa de Scarpia. El tratamiento orquestal y armónico de Puccini, queda incorporado a la acción, otorgándole un tejido cromático y una indefinición tonal, que busca y logra con singular pericia.

Entre los números- Recordita armonía, del Primer acto- tras un breve diálogo con Cararadossi, compara la figura que aparece que recuerda a la marquesa Attavant, hermana de Angelotti. Un canto lánguidamente sutil con un aria que concluye en un tenso Si b.  Vissi d´ arte- Segundo acto-, súplica de Tosca, sobre una actitud de reproche contra sí misma, una especie de recitativo con una línea melódica acompañada a  contratiempo, un desliz que se convierte en una súplica de exclamación con un hiriente Si b agudo.  E lucevan le stelle- Acto tercero- lamento desesperado del que se siente condenado cuando más le aprieta el deseo; un recitativo bajo secundado por el clarinete que nos traslada a una época pasada, un apasionado encuentro de amantes.  Oh, dolci baci! Mágica melodía que abre y cierra el acto, evocando en la repetición un lamento y el grito contra la propia suerte: ¡Muoio disperato! E non ho amato mai tanto la vita!, una ascensión entre sollozos.   El fluir continuo se reafirma en el dúo  inicial Quale occhio al mondo- Cavaradossi suavizando los celos de Tosca, entrega absoluta de los amantes.  El Te Deum, fin del Primer acto, un apunte efectista en la voz de los presentes, con el repicar de las campanas, en oposición al canto de Scarpia. Cavaradossi aporta en el segundo acto un detalle de lucimiento en Vittoria!, pórtico de una cabaletta que reclama la libertad insultando a Scarpia.  El preludio del Tercer acto, descubre a un Puccini paisajista y melodista, con un fondo de campanas. Pueden destacarse en el Acto tercero el dúo de los protagonistas que cantan antes de la escena de fusilamiento el dúo de los protagonistas   O dolci mani, mansuete e pure, en un momento fatídico o el canto triunfal que entonan esperanzados, bien secundados por la orquesta.

Ramón García Balado