Roman Simovic: Concierto nº 1, para violin, de Magnus Lindberg

 Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

Teatro Afundación, Pontevedra

Magnus Lindberg, compositor en residencia aporta su primera colaboración con la RFG con su titular Baldur Brönnimann, en el Auditorio de Galicia, en la primera experiencia que llegará hasta la participación con el Taller de composición en mayo, dentro de lo que será su presencia en el Resis.LabIV, festival que promueve Hugo Gómez- Chao, para las dos jornadas de esta cita-también la sesión de Conversando con…, disfrutando del protagonismo de Brönnimann- día 5 a las 19´15, previa al concierto que comenzará a las 20´00 h.- y una segunda sesión en el Teatro Afundación de Pontevedra, al día siguiente.   Magnus Linberg tendrá el Concierto nº 1, para violín y orquesta, teniendo como solista a Roman Simovic, en un programa que se completa con la Sinfonía nº 7, en Re m.Op. 70 B.141, de Antonin Dvorak.  Roman Simovic, recibió el ICMA Award, tras actuar en coliseos como el Carnegie Hall y el Teatro Mariinski, recibiendo premios como el Rodolfo Lipizer, el Sion-Valais, el Henri Wieniaski, el de la Royal Ac. of Music y llevó a registro obras como la integral de Paganini, la integral de sonatas para violín, de E. Ysaÿe,  el Concierto para violín, de Miklós Rozsa, dirigido por Simon Rattle y el Segundo de Béla Bartók, con Kevin Kohn Edusei, dispone de un Antonio Stradivarius, cedido por Jonathan Moulds.

Magnus Lindberg, tuvo como maestros a Einojuhani Rautavaara y Paavo Heininien, quienes le ayudaron en la ampliación de sus planteamientos, teniendo como resultados la colaboración con otros músicos fineses como Kaija Saariaho, Esa Pekka Salonen, Hämeeniemi, Kaipainen, antes de trasladarse a Paris, para ampliar con Franco Donatini, Vinko Globokar, Gérard Grisey, Brian Ferneyhough, Helmut Lachenmann y York Hölley. Pronto realizó obras de gran nivel como Action- Situation- Signification y Kraft, situadas en el entorno de Esa Pekka Salonen y del colectivo Toimii Ensemble, vendrán después el tríptico Kinetics (1988), Marea (1990), Joy, Aura o Arena y el Primer concierto para violín y orquesta (2002/3), la obra coral GRAFFITI, Tempus Fugit- conmemorativa de la independencia de su país- Seht die Sonne- dirigida por Simon Rattle, con la O.S. de San Francisco. El Concierto nº 1, fue estrenado por Lisa Batiashvili, intérprete formada en la Hochschule für Music and Theatre (Hamburgo), alumna  de Mark Lubotski y que siguió la escuela de David Oistrakh.   Lindberg (1958), fue en parte heredero de Dutilleux y Lutoslawski, teniéndoles como una genuina referencia, especialmente en el ámbito orquestal, en el espacio de la segunda mitad del siglo XX, por las estéticas que llegarán a la llamada Escuela de Darmstadt, que le influyó de manera determinante desde los comienzos que le acercarán a las tendencias espectrales, interesándose cada vez más por el planteamiento de identidades sonoras suficientemente claras y reconocibles, como para crear nuevos fenómenos de polaridad tonal. Destacan sus obras por una gran invención polifónica y polirritmica o la progresión de su discurso en una notable direccionalidad, basada en los registros extremos, de donde surge un sonido que parece ampliarse sin desmayo, en una especie de convulsión, acertando a unir con eficacia los legados de Edgar Varese, Olivier Messiaen o el puntillismo y el tratamiento granulado de la moderna escuela francesa- Hugues Dufourt. Michaël Levinas o el griego Iannis Xenakis- será a partir de los noventa cuando su lenguaje se expanda en nuevas perspectivas, como es el caso de Aura, una dedicatoria a W. Lutoslawsli; en Feria, el peso de la tradición y las renovadoras técnicas, aparecen transfiguradas por un impulso de luz y entusiasmos desbordantes; Corrente II, se supedita a un continuum de ritmos en permanente enfrentamiento, una idea que se aproxima a las tendencias minimalistas, con un manifiesto acercamiento a las variantes expresionistas ya tratadas en sus primeros años, tanteando con rigor en obras de escritura de un acceso más naturalista, despojándose de una sofisticación excesiva. Joy se convertiría en uno de sus primeros bastiones gracias al manejo de dos orquestas enfrentadas, plagadas de sobresaltos que transformarán su imaginable unidad en las largas secuencias tonales; Kinetics, o Marea, un tipo de magma sonoro, ayuda a crear una gran plasticidad que nos acerca a los modismos de las formas impresionistas, entre la tecnología y la corriente  espectral. Sus pasos le llevaron sucesivamente desde las discontinuidades que permitían las asunciones asumidas desde las brillantes propuestas recibidas de sus primeros maestros citados a las evidencias logradas dentro del serialismo y las tendencias espectrales, reflejadas en obra como las destinadas a instrumentistas solistas, como los dos conciertos para violín, los destinados al violonchelo, los conciertos para piano- el segundo, para Yefim Bronfman y el tercero, para Yuja Wand-, un músico con experiencia en participar en actividades en residencia- New York Philharmonic O. (2009/12)-, en donde presentó el trabajo orquestal Al largo o el realizado con la O.S. SWR (Stuttgart) y la London Philharmonie O., grabando para la Deutsche Grammophon, Sony o Da Capo, logrando el Prix Italia; el Nordic Music Prize, el Koussevitsy Price, el Royal Philharmonic Society Prize y el Wihuri Sibelius Prize (2003).

Antonin Dvorak- Sinfonía nº 7, en Re m. Op- 70-, un compromiso con la Real Sociedad Filarmónica de Londres y un agradecimiento a ser nombrado socio de honor, que le supondría una revisión de de sus resultados para  beneficiar los aspectos nacionalistas, marcados por sus simpatías hacia J.Brahms, en una dedicatoria a Hans von Bülow, el Allegro maestoso, sorprende por su gravedad sobre un tema reducido a cargo de los chelos y contrabajos en frases austeras y que insinúan una densa carga de energía que alcanzará una fuga de reconocibles trazos gracias a un melodía procedente de la obertura de su obra Husitska, preparando un tema repetido entre trompas y respuesta en las maderas, para aceptar otro tema con aires brahmsianos que asimilaremos a una cantilena de chelo tomado del Andante del segundo concierto para piano de su estimado Brahms, un material propicio para su desarrollo, que facilita una coda que nos ubica a los argumentos del comienzo.   El Poco adagio, fue un tiempo modificado antes de ser impreso, antes de resultar una página modélica, desde la entrada de violines con respuesta de flautas y oboes, que impregnan un tiempo que se cierra con arabescos de cuerdas y maderas, acentuado por las trompas y un crescendo con renovados perfiles brahmsianos ayudando a una condensación de la escritura.  El Scherzo-Vivace, típicamente eslavo, destaca por el protagonismo de dos temas complementarios hacia un diálogo con el grupo de otros instrumentos, llevándonos a una coda enigmática en la que se encuentran detalles de un posible germanismo.   El Allegro final, se resuelve con un planteamiento rapsódico ya desde su entrada gracias a sus aportaciones zíngaras de pura vitalidad y prestancia, con una parte central que divide el material temático acentuado los timbres orientalistas, el final del movimiento resulta majestuoso y optimista.

Ramón García Balado

El bosque de Grimm, por la Compañía La Maquiné

Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

Tres sesiones por la Compañía La Maquiné, agrupación teatral para los conciertos didácticos en el Auditorio de Galicia-días 29, 30 y 31, las dos primeras destinadas a centros educativos, entre las 10 y las 12 horas, y la tercera en concierto familiar, a las 18 horas, en un espectáculo que cuenta en la parte creativa con el protagonismo de Joaquín Casanova y Elisa Ramos, siendo Casanova el director escénico y responsable de los detalles de iluminación y destacando Elisa Ramos y Maite Campos como intérpretes, en una adaptación musical de José López- Montes  quien se hará cargo de la dirección de este trabajo que toma como referencia Ma mère l´ Oye (Mamá Oca), de Maurice Ravel. Una agrupación que destaca por sus trabajos con títeres abordando su interés sobre títulos tradicionales como Caperucita roja, Pulgarcito, Blancanieves o Cenicienta, destinados preferentemente a un público infantil, con atención a renovadoras experiencias escénicas realzadas por los detallismos de los aspectos gestuales tomados de los cuentos  de hadas con atención desde sus comienzos a los relatos de Charles Perrault y los hermanos Grimm. José López-Montes, es un compositor que se especializó en el tratamiento de las tímbricas y los armónicos de la música en sus fundamentos, con aproximación a las creaciones algorítmicas y las tecnologías de espacialización y sinestesia, ya desde sus comienzos con trabajos como Tres guerreros, encargo de la O. Ciudad de Granada, para continuar en su colaboración con Pablo Heras-Casado en el ballet La mitad de la verdad está en los ojos, tras recibir su formación con Francisco González Pastor, previo a su traslado a la Hochschule Musik und Theater Zürich, en donde tuvo como maestros a Gerald Bennett y Michael Jarrell, siendo premiado por la SGAE, por sus indagaciones en trabajos de electroacústica; Le Ton-beau de Frank, fue uno de sus eslabones de dinamización, destinado a Forblichflügel, al que seguirán el Último estudio para Atanos, compromiso para IBEM (Francia), participando en colaboraciones con el Institute for Computer Music and Sound Technology, de la Zürich University; Badlands for the Skies, será un trabajo destinado para voz, chelo, cintamagnética ambisónica y proyección multimedia, destinada al Museum for Gestaltung Zürich, además de participar en los proyectos de XX Aniversario del Guggenheim de Bilbao (2017), con Chasmata, a medias con el compositor Ángel Arranz, un trabajo para  ensemble de saxos, entre otras iniciativas de relevancia, fue la colaboración con los astronautas Pedro Duque y Paulo Nespoli, en un salto que sobrepasa  las iniciativas más acostumbradas dentro de los experimentalismos más comunes.

Maurice Ravel- Ma mère l´Oye-, obra nacida al amparo del piano a cuatro manos en una colección de piezas infantiles que desde siempre encandilaron al aficionado incluso en su tratamiento sinfónico e una suite para orquesta realizada por el propio autor, en 1911, con estreno el 20 de abril del mismo año, en la Salle Gaveau, con Jeanne Leleu y Geneviève Durony, y de la que serían dedicacarios los hijos de amigos suyos,  en un traslado a la inspiración de aquello eternos relatos de memoria imperecedera, logrando en esa versión orquestal un deslumbrante resultado apoyándose en Perrault, Marie Leprince de Beamont o la Condesa de Aulnoy, consiguiendo con ello eclipsar ese trabajo inicial pensado para el piano a cuatro manos, obritas plenas de fantasía y poesía conseguida a través de la simplificación de la escritura, un espíritu de sencillez e ingenuidad pueril, repartida entre sus tiempos Pavana de la bella durmiente del bosque, entre dulces acordes y suaves armonías;  Pulgarcito, un sinuoso y tortuoso camino de terceras, con una melodía de suave expresión; Laiderronnete (Feucha)- Emperatriz de las pagodas –relato de Mme d´Aulnoy- una chinería en toda regla en estilo de marcha que guarda afinidad con las Estampas, de Claude Debussy; Conversación de la Bella y la Bestia- relato de Mme Leprince de Beaumont, a modo de vals moderado que describe un charloteo amoroso y que por su trazado, evoca las Gymnopédies, de Erik Satie, para cerrar con El jardín de las Hadas, pausado y grave, en una ostentosa apoteosis, con efluvios perfumados.

Ma mér l´Oye, se había ofrecido con gran éxito en el Théâtre de les Arts el 21 de enero de 1912, el que sería año de sus ballets tras abandonar Jacques Rouché la posibilidad de llevar a cabo L´Heure Espagnole, cediendo pues a los cuadritos de esta obra, dejando una especie de divertissement,  un recuerdo de un procedimiento pensado para la ópera Schérezade, en un estilo de intriga inconexa que entrelazada Petit Poucet; La Belle et la Bête y Serpentin Vert, en la Belle au Bois endormant, mediante el agregado de un preludio. Los decorados de Drésa, hicieron maravillas, más aún en la evocación de su vestuario, que simulaba confusión en un acercamiento al Siglo  de Las Luces; la coreografía de Jane Hugart, resultaba una rigurosa intriga, que haría las delicias de Nijinski, quien diría al autor: Es así como se baila en familia. Ravel no abandonó nunca ese siglo de fantasías sin detenerse en las gracias de la Restauración, ya que amaba sus juegos, sus modas, sus muebles y sus frivolidades, incluso hasta su ridiculez, como en el caso de la respuesta positiva de Mme Trouhanova, para danzar Los valses nobles y sentimentales, a los que procuró darles un marco de salón típica de 1820. Un camino que nos ayuda a comprender las dos versiones sobre Ma Mère l´Oye, las Cinc pièces enfantines, para piano a cuatro manos, en los tiempos Pavane de la Belle au bois dormant; Petit Pocet; Laiderronette, impératriz del Pagodes; Les Entretiens de la Belle et la Bête y Le Jardin féerique.   La versión de ballet, con la orquestación del autor, un encargo de Jacques Rouché, de casi media hora, usa una instrumentación orquestal entre timbales, percusión, xilófono, campanólogo, tam -tam, celesta, arpa y cuerdas, obra que se estrenará en París a comienzos de 1912, en el Théâtre de Les Arts, bajo la dirección orquestal de Gabriel Grovlez, contando con partes añadidas a la suite precedente, el Prélude, la Dance du rouet y los Interludes, entre diferentes escenas para facilitar los cambios de decorados, que se conservan en un manuscrito de la colección de Madame Alexandre Teverne.

Ramón García Balado

Júlia Cruz: JONDE y Klangforum Wien

Santiago de Compostela - 20/10/2026

Concierto de la JONDE y el Klangforum Wien, bajo la dirección de Júlia Cruz, para ofrecernos obras de Tania León, Elena Mendoza y Olga Neuwrtih. La JONDE, formación clave de estas propuestas del INAEM, nos invitaba a recoger el testigo de un ideario que viene manteniendo durante temporadas y de las que hace un par de años, conjuntamente con el Ensemble Modern, puso un eslabón definido de ideario programático.

Júlia Cruz fue Taki Alsop Conducting Fellow obteniendo un Segundo Premio del Blue Danube/Béla Bartók Opera Conducting Competition (2021), seleccionada como Conducting Fellow del Lucerna Festival e invitada como Guest Conductor de la Lucerne Festival Contemporary Orchestra hasta 2027. Estuvo asociada con Thomas Adès para una gira que culminaría en los BBC Proms, recibiendo invitaciones para colaborar con formaciones de élite, en las que también tienen cabida trabajos escénicos como Proyecto Zarza, del Teatro de La Zarzuela, de Madrid; el estreno nacional de Beatrix Cenci, en la Ópera de México; la colaboración con la O. F. de la UNAM o el Ballet de México, dirigiendo Ciudad Delirio, de Marcela Rodríguez, entre una producción de El Cascanueces, en el Auditorio Nacional, mientras oficiaba como directora asistente en el Teatro Real, para el estreno de Tejas Verdes, de Jesús Torres y una producción de La vida breve, de Manuel de Falla, además de dirigir L´elisir d´amore de Donizetti, en la Stara Zagora State Ópera, de Colombia y La Traviata de G. Verdi, en la Kolozsvári Magyar Opera.

Para el programa de la cita, Tania León (1943)- Rítmicas-, en este grupo de tres compositoras que planteaban programas muy personales bajo la pretensión de expandir los límites de la propia música y de la composición como espacio de diálogo entre las culturas en liza, ofreciendo cada obra un ejercicio de identidad que en este caso, confirma su realidad cultural, siendo esta compositora un ejemplo de tradición con estudios en La Habana, y su correspondiente traslado a los Estados Unidos para integrarse en el Dance Theatre of Harlem, que le permitiría obtener galardones como el Pulitzer y el Guggenheim. Siguió las docencias de Ursula Mamlok, Lazslo Halasz y Vicent Silva, para colaborar en obras de Leonard Bernstein, Seiji Ozawa y Kurt Masur, con la New York Philharimonic Orchestra.

Una compositora en su plena veteranía gracias a su evolución desde su mundo antillano a las corrientes de vanguardia confirmadas en su etapa neoyorquina. Rítmicas, aportaba una visión sobre la evolución de los patrones antillanistas, que remitía a tradiciones nacidas de que entremezclaban el son o el guaguancó como patrón de eje presentado en cada corte, determinado por pulsos irregulares dentro de un persistente ostinato y enérgico que, de alguna manera, nos insinuaba la música del Amadeo Roldán de los años treinta y un acercamiento a Edgar Varése en Ionitation por el planteamiento discursivo de los materiales rítmicos.

Elena Mendoza (1973), Zweig szenen (para viola y grupo instrumental), la teatralidad dentro de la dimensión social, de esta compositora de la que tuvimos una obra en interpretación del Taller Sonoro, en formación de sexteto y que dio a conocer Die Macht der Gewöhnheit, una compositora primera en obtener el Premio Nacional de Música (2010) y cuya contribución a la vanguardia española es primordial gracias a du colaboración compartida en el ámbito de la investigación, explorando profundamente los timbres y los aspectos dramáticos dentro de los procesos formales, bajo los que subyace un continuo cuestionamiento artístico de la realidad circundante.

Un intenso movimiento teatral resulta inherente a sus obras en las que integra instrumentistas, cantantes y actores, en un proceso escénico en estrecha colaboración con directores de escena. Zwei szenen, estrenada en el Festival de Schewtzzingen (2019), pieza en dos partes, se repartía entre Dum mors nosdividat, basada en La ciudad de las mentiras, especie de liturgia sonora propuesta por la alternancia de fragmentos vagamente susurrados por la solista en diálogo con el grupo instrumental, sobre un espacio de ambientación lumínica que acentuaría los contrastes pretendidos que se completaría en Kafkas Gemeinschaft, un reflejo de parábola universal que cristalizaría de forma hermética por el diálogo entre la solista y el grupo de acompañamiento. Una pieza en dedicatoria para el Ensemble Modern, en su cuarenta aniversario.

Olga Neuwirth (1968) Miramondo múltiplo…para trompeta y Ensemble (2006), un proceso de encuentro en transformación entre lo individual y lo colectivo, entre el pasado y el presente, convertidos en hilo conductor de este programa que realzó la heterogeneidad de las voces en su capacidad por renovar el lenguaje musical desde profundas experiencias personales. Olga Neuwirth, natural de Graz, en donde asimilaría sus patrones a seguir, tuvo maestros como Tristan Murail, en el IRCAM parisino, tras realizar su tesis sobre L´Amour à mort, filme de Alain Resnais, de sus años de formación en la Wien Universität für Arts, con Erich Urbanner. Tuvo una íntima relación artística y ética por su ideario con Luigi Nono. Con Elfried Jelinek, realizó un proyecto de colaboración sobre el filme Lost Highway, de David Lynch, y que sería resultado de sus experiencias con el Institut für Elekktrokurse Musik und Akustik, de Darmatadt, que sería estrenado por el Klangforum Wien.

Obra encargo del Festival de Salzburgo repartida en cinco espacios bajo el epígrafe de aria, una exploración de la memoria y la percepción desde una óptica en variadas perspectivas que mantienen un diálogo permanente entre solista y orquesta y que en su recurrente discurso divaga entre evocaciones que transitan desde Stravinski, Berg o Messiaen, con citas tomadas del jazz, en un laberinto de accesibles recuerdos que nos trasladan a una serie de piezas barrocas: Aria de´ll angelo; Aria del sangue fredda; Aria della pace y Aria del piacere, con un bis de universal dominio, el Aria Lascia chio pianga, de Händel, en su ópera Rinaldo. Un alarde de recursos expresivos de la solista de trompeta, en ese mundo de transfiguración continua, cerrando con un final sobrecogedor y enérgico. Las citas en liza, no era literarias sino que se entregaban a una complejidad claramente acorde con las urgencias de unas vanguardias acordes con este parámetro de contemporáneas.

Ramón García Balado

Contemporáneas

Jonde - Klangforum Wien / Júlia Cruz

Obras de Tania León, Elena Mendoza y Olga Neuwirth

Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

Foto © JONDE Courtiers

https://www.ritmo.es/auditorio/critica-julia-cruz-jonde-y-klangforum-wien-por-ramon-garcia-balado 

La JONDE y el Klangforum Wien, dirigidos por Júlia Cruz, en Contemporáneas

 Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

Concierto en la Sala Ángel Brage- día 20,  a las 20´00h-, con la JONDE y el Klangforum Wien, bajo la dirección de Júlia Cruz, para ofrecernos obras de Tania León, Elena Mendoza y Olga Neuwrtih, perteneciente a la serie de sesiones que abarcan hasta el día 24, tras la apertura ofrecida por Arxis Ensemble con motivo de la presentación del XVI Premio Gaos, estrenando  Sonora- una fisura da poesía de Chus Pato, de Aitor Vázquez, con el protagonismo de la soprano Margarita Rodríguez. La JONDE, formación clave de estas propuestas del INAEM, nos invita a recoger el testigo de un ideario que viene manteniendo durante temporadas y de las que hace un par de años, conjuntamente con el Ensemble Modern, interpretaron en dos actividades de las cinco que tuvieron en cartel, bajo la dirección de Pablo Rus Broseta, obras de Mauricio Sotelo, Gÿorgy Ligeti, Helga Arias y George Benjamin, para ampliar en una segunda entrega con obras de Pierre Boulez, María de Alvear, Hugo Gómez- Chao- promotor del certamen RESIS, que se ofrece en A Coruña como centro de divulgación-, y otra obra de Jörg Widman. El resto de actividades, se habían dedicado a los conciertos camerísticos con el Trío Arbós y el clarinetista Joan Enric Lluna, entre obras de Tomás Marco, Teresa Catalán, Rebecca Saunders, Alberto Carretero, Guillaume Conneson en un primer bloque, para seguir en otros dos que se repartían entre obras de vanguardistas que iban desde Thomas Adès a Toshio Hosokawa, Salvatore Sciarrino, Gérard Grisey, Gabriela Ortiz o Mario Davidovsky. La JONDE tuvo el privilegio de haber sido dirigida por maestros como C. Mª Giulini, Krystof Penderecki, Elihau Inbal, López Cobos, Josep Pons, Ernesto Halffter, Vasily Petrenko, Gianandra Noseda, Fabio Biondi, Gunther Schuller, Nuno Coelho, Alberto Zedda o Christopher Hodwood y James Conlon, colaborando con solistas como Elisabeth Leonskaia, Christian Zacharias, Rafael Orozco, Asier Polo y otros grandes de la profesión. Mantiene una relación estrecha con la Fundación Ferrer, para difundir el Premio Reina Sofía de Composición al servicio de jóvenes becados. Orquesta formada en 1983, tuvo como directores a Edmond Colomer, Llorenc Caballero, José Luís Turina y desde 2020, su directora artística es Ana Comesaña.  El Klangforum Wien, tendrá su necesario espacio de ampliación el próximo día 24, con la dirección entonces de Isabel Rubio, reservando obras de Helena Cánovas, Nuria Núñez Hierro y Unsuk Chin, en el Teatro Principal.

Júlia Cruz, fue Taki Alsop Conducting Fellow obteniendo un Segundo Premio del Blue Danube/Béla Bartók Opera Conducting Competition (2021), y seleccionada como Conducting Fellow del Lucerna Festival e invitada como Guest Conductor de la Lucerne Festival Contemporary Orchestra hasta 2027. Estuvo asociada con Thomas Adès para una gira que culminaría en los BBC Proms, recibiendo invitaciones para colaborar con formaciones de élite, en las que también tienen cabida trabajos escénicos como Proyecto Zarza, del Teatro de La Zarzuela, de Madrid; el estreno nacional de Beatrix Cenci, en la Ópera de México; la colaboración con la O. F. de la UNAM o el Ballet de México, dirigiendo Ciudad Delirio, de Marcela Rodríguez, entre una producción de El Cascanueces, en el Auditorio Nacional, mientras oficiaba como directora asistente en el Teatro Real, para el estreno de Tejas Verdes, de Jesús Torres y una producción de La vida breve, de Manuel de Falla, además de dirigir L´elisir d´amore de Donizetti, en la Stara Zagora State Ópera, de Colombia y La Traviata de G. Verdi, en la Kolozsvári Magyar Opera.

Para el programa de la cita, Tania  León (1943)- Rítmicas-, grupo de tres compositoras que plantean programas muy personales bajo la pretensión de expandir los límites de la propia música y de la composición como espacio de diálogo entre las culturas en liza, ofreciendo cada obra un ejercicio de identidad que en este caso, confirma su realidad cultural, siendo esta  compositora un ejemplo de tradición con estudios en La Habana, y su correspondiente traslado a los Estados Unidos para integrarse en el  Dance Theatre of Harlem, que le permitiría obtener galardones como el Pulitzer y el Guggenheim. Siguió las docencias de Ursula Mamlok, Lazslo Halasz y Vicent Silva, para colaborar en obras de Leonard Bernstein, Seiji Ozawa y Kurt Masur, con la New York Philharimonic Orchestra. Una compositora en su plena veteranía gracias a su evolución desde su mundo antillano a las corrientes de vanguardia confirmadas en su etapa neoyorquina. Elena Mendoza (1973)- Zweig szenen  (para viola y grupo instrumental), estreno en nuestro país-, la teatralidad dentro de la dimensión social, de esta compositora de la que tuvimos una obra en interpretación del Taller Sonoro, en formación de sexteto y que dio a conocer Die Macht der Gewöhnheit, una compositora primera en obtener el Premio Nacional de Música (2010) y cuya contribución a la vanguardia española es primordial gracias a du colaboración compartida en el ámbito de la investigación, explorando profundamente los timbres y los aspectos dramáticos dentro de los procesos formales bajo los que subyace un continuo cuestionamiento artístico de la realidad circundante. Un intenso movimiento teatral resulta inherente a sus obras en las que integra instrumentistas, cantantes y actores, en un proceso escénico en estrecha colaboración con directores de escena.

Olga  Neuwirth (1968)-Miramondo múltiplo…para trompeta  y Ensemble (2006), también estreno en España- un proceso de encuentro en transformación entre lo individual y lo colectivo, entre el pasado y el presente, convertidos en hilo conductor de este programa que realza la heterogeneidad de las voces femeninas en su capacidad por renovar el lenguaje musical desde profundas experiencias personales. Olga Newwirth, natural de Graz, en donde asimilaría sus patrones a seguir, tuvo maestros como Tristan Murail, en el IRCAM parisino, tras realizar su tesis sobre L´Amour à mort, filme de Alain Resnais, de sus años de formación en la Wien  Universität für Arts, con Erich Urbanner. Tuvo una íntima relación artística y ética por su ideario con Luigi Nono Con Elfried Jelinek, realizó un proyecto de colaboración sobre el filme Lost Highway, de David Lynch, y que sería resultado de sus experiencias con el Institut für Elekktrokurse Musik und Akustik, de Darmatadt, que sería estrenado por el Klangforum Wien.

Ramón García Balado