Carus Trio, en el Curso Airas Nunes

 Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

Concierto en la Sala Mozart del Auditorio de Galicia- día 7 a las 20´30 h-, con el Carus Trío integrado por Luís López Jorge- violín-; Revaz Khaindrava- cello- y el pianista Julius Backer, para escucharles en obras de Clara Schumann y L. van Beethoven. Músicos que estudiaron en la Hochshule für Musik und Tanz, en Colonia bajo el impulso de Trío ATOS, Alexander Melnikov, y Anthony Spiri, desde 2024, disfrutan de una beca de la Fundación  Werner Richard- Dr. Carl Dörken. Destacan entre sus maestros, Ariadne Daskalakis, Annette von Hehnan, Thomas Carroll, Claudio Martínez Mehner, Andreas Steier, Alexander Melnikov y Robert Levin    Ludvig v. Beethoven con el Trío en Si b M. en sus tiempos Allegro con brio; Adagio; Tema con variazioni: Allegretto, obra que comienza con un tiempo garboso para seguir con un Adagio- la parte más entusiasta de la obra- para llevarnos a la conclusión en forma de allegretto. El trío fue compuesto indistintamente para piano, clarinete o violín y chelo, cuando el autor frisaba la treintena, con el aliciente de que los tres solistas se reparten las variaciones como buenos colegas, entre cuadros más o menos hoscos y un balanceo de detalles juguetones y meditativos, que parecen abocarse hacia un final. Para mejor perspectiva, las variaciones se reparten en una especie de mélange, estilo muy admirado en tiempos del compositor, que ya había terminado el Quinteto Op. 16; las Sonatas para piano Op. 10; los tríos para cuerda Op. 9 y las Sonatas para violín Op. 12. , obras de diversa importancia constructiva y expresiva. El tema de las variaciones está claramente tomado de El amor marinero (o El corsario por amor), de J. Weigl, obra representada en Viena en octubre de 1797, y  en el momento de la publicación del trío, el editor Artaria declaró haber sugerido personalmente al compositor aquel tema en concreto para las variaciones- especialmente el aria Pria ch´io l´impegni, aunque el autor no terminará por admitirlo. Sobre el Adagio, comentaría Pestelli: Si el tema principal entonado por el violonchelo sigue siendo rico, en medio de su progreso interrumpido, en impresiones vocales, el núcleo más personal de esta página reside en la parte central: es solo un breve inciso propuesto por el piano y repetido por los instrumentos de cuerda, pero envuelto por arpegios fluidos, con una respiración casi sinfónica o, en cualquier caso, más amplio que el que suele haber en la música destinada al género camerístico. El anuncio de la publicación del trío, se debe a una nota aparecida en el Allgemiene Musicalisches Zeitung,  el 3 de octubre de 1798, etapa en la que compuso dos obras para piano, y el Op. 16, obras que presentan homenajes a otras obras mozartianas como el Quinteto K. 452 y el Trío de Los bolos .  K 498, obras maestras en su género y difícilmente superables, que hubiesen supuesto duras trabas para otros músicos. Un alumno suyo F. Ries, que también lo había sido de Damiel Steibelt, dejará para la memoria una divertida anécdota en relación con su primera interpretación, de las que serían protagonistas los dos maestros, entre la cascada de curiosas apreciaciones, en particular en cuanto al uso del tremolando que acabaría por acerlo famoso por sus efectos chocantes.

Clara Schumann, a la que escucharemos por una par de obras muy apreciadas, tendrá el Trío con piano Op. 17, en Sol , obra notable y fecunda como nos cuenta Joan Chisssell, de un período realmente intenso, obra con todo concluida de  forma apresurada, entre abundantes alteraciones, a tiempo para el primer ensayo que se ofrecería el 2 de octubre de 1846; su diario reflejaría el entusiasmo y la alegría que motivaron las posibilidades reales de abordarlo sin temores, mientras conseguía mantener en alto los estados ciclotímicos de su apreciado Robert, siempre sería su apoyo incondicional, y ese diario lo confirmará: No hay felicidad mayor que la de componer algo y luego escucharlo. El trío tiene algunos pasajes muy bonitos y creo que es bastante satisfactorio desde el punto de vista forma. El 18 de noviembre, aparecerá un comentario autocrítico: Esta noche interpreté el Cuarteto para piano de Robert Schumann y mi propio Trío, en que cada vez encuentro más inocente y cuando recibió la copia de la obra publicada, en septiembre de 1847, se  sintió mortificada: Hoy recibí las copias impresas  de mi Trío, pero no me agrada mucho. Comparado con el de Robert, sonaba sentimental y amanerado.

Ramón García Balado

Santiago Cañón-Valencia, solista del Concierto para chelo Op. 104, de A. Dvorak, con la RFG

 Centro Cultural Afundación, Vigo

Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela 

Sesión para completar la temporada de la RFG, con un par de citas comenzando por el Centro Afundación de Vigo- día 3, a las 20´00 h-, y presentarse en su sede, en Auditorio de Galicia, de Santiago, al día siguiente a las 20´00 h., con charla abierta del ciclo Conversando con…de la que serán protagonistas el director de la orquesta Baldur Brönnimann y el solista que nos visita- 19´45 h-, un programa que anuncia la obra de lo que fueron el apartado de Cometa, esta con  I Love sounds just they are, de Octavi Rumbau Masgrau, quien tuvo como maestros  Enric Palomar, Yosihisa Taira o Agustín Charles, ampliando en el Conservatorio de París, en el IRCAM y en el ESEM. Recibió encargos de la Fundación Tapiès y del Festival Mixtur, quienes galardonarían sus trabajos, a los que se añadirán el Premi Mompou; el Dolors Calvet i Prat, el Berliner Operpreis, con una atención destacada por su obra Belvedere de Escher, que recibiría el XXXVIII del Reina Sofía, que pondría en atriles la O. S. de RTVE, con la pianista Noelia Rodiles.

 Santiago Cañón-Valencia, chelista colombiano, recibió premios como el XXI  In. Tchaikovski, el Starker Foundation; un tercero Reina Sofía; el de Jóvenes  Lennox y los Casals, Sphinx, Johansen, Cassadó y Adams, su carrera profesional le llevó a colaborar con formaciones como la O. Mariinski, con V. Gergiev; La Frankfurt Rundfunk, con Christophe Eschenbach; la O. F. de Bruxelas, con Stéphane Denéve; la SWR Symphonioruchester, con Andris Poga; la O.S. de San Petersburgo, con Nikolai Alexeev; la Orpheus C. O., La O.S. de Amberes, con Muhai Tang o los Moscow Soloist, y la Chamber O. , con Yuri Bashmet, en esta tendencia a incorporar obras para el chelo, destacan trabajos como el estreno del concierto de Carlos Izcaray; el Segundo concierto, de A. Ginastera; la Rapsodia nº 4 (A los cuatro elementos), de Jorge Pinzón, para el Festival de Cartagena y el de chelo, de Gulda, con la Auckland C. O., mentores suyos, fueron Henryk Zarzycki, James Tennant, Andrés Díaz  y Wolfgang Emanuel Schmidt, en la Kroberg Akademie, de Alemania.

Alberto Ginastera, con las Variaciones concertantes Op. 23, obra estrenada por Igor Markievich, una elección para sus cursos de dirección en Salzburgo, a petición de Amigos  de la Música de Buenos Aires, período en el que la Orquesta de Louisville, le proponga obra de sus composiciones de temple nacionalista, la Pampeana nº 3, una especie de pastoral sinfónica que contará con la dirección de Paul Klecki, para responder a su colaboración en la propuesta de actividades en el Trigésimo Festival Int. de Música Contemporánea, de Estocolmo y que repetirá Antal Dorati, en el Festival de Venecia, tres años después. Las Variaciones concertantes Op. 23, recibirían un gran recibimiento en su presentación, llegando a tener cuatro tratamientos coreográficos, repartidos entre Nueva York, Buenos Aires, Santiago de Chile y Burdeos, contando con valoraciones por parte de la crítica especializada como la que llegaría a calificarla como un trabajo en forma de Variaciones para virtuosos, por su lógica construcción. Igor Markevith, había recibido también la invitación para abordar la composición, un maestro ruso nacionalizado italiano y establecido en Francia, en donde recibiría asesoramientos de Nadia Boulanger, llegando a trabajar con Rieti, antes de que Giaghilev le encargue el ballet El traje del rey (1929), experiencia de la que saldrán sus labores como director de la O. del Concertegebouw, en un período convulso, tendrá el beneficio de ocupar la titularidad de Maggio Musicale Fiorentino, comenzando a partir de entonces una carrera de gran prestigio, entre las que le encontrarnos en la O.S. de La Habana; la O. de Radio y Televisión, de España y otras actividades repartidas entre México y nuestro país, con una visita a Santiago de Compostela. Problemas auditivos, le obligarán a dejar la batuta, decantándose por la docencia, pero de esas labores creativas, merecerán mención su Concierto para piano; la Partita para piano y orquesta; la Cantata sobre un tema de Cocteau o el oratorio  Paraíso perdido y una recreación sobre la Ofrenda musical, de J.S. Bach.

Antonin Dvorak- Concierto para chelo y orquesta en Si b . Op. 104-, estrenado por Leo Stern, bajo la dirección del autor, en 1896, última obra americana, también de notable popularidad. Otro había sido el solista pretendido, Hanus Wihan, uno de los grandes talentos del momento, aunque el desacuerdo entre ambos, traería como consecuencia un cambio en la preferencia, El Allegro parte de una exposición bitemática tradicional, realzada por un solo de clarinete, con clara inspiración brahmsiana, antes de encontrarnos con la presencia de la trompa en pianissimo, recreando una ambientación misteriosa, dejando al solista una larga presencia a lo largo de todo el tiempo, casi como acompañante del grupo orquesta, dentro de una instrumentación sonora marcada por los tutti, predispuesta a combinaciones de timbres aislados en respuesta al chelo, hacia una respuesta tensa en un pasaje Molto sostenuto.  El Adagio ma no troppo, ofrece un trío  de oboe, clarinete y fagot, de traza un tema popular y casi místico, en el que destaca la importancia del chelo, entre frases ornamentales ascendentes, que sugieren una dolorosa queja gracias a sus apoyaturas de notas conjuntas. La reaparición del tema inicial con las trompas, sobre un fondo en pizzicatos de cuerdas, se traduce en una atractiva Quasi cadenza de un clima de serena actitud.  El Allegro moderato, tiempo final, anuncia un aire de marcha acentuada por las cuerdas  graves, con respuesta en staccato de las trompas, preparando una irrenunciable vuelta del chelo solista, que sienta su protagonismo necesario, merced a su naturaleza rítmica. Un tema de continuación, a partir de ritmos con puntillo, nos ubica en una melodía intensa entre rasgos de tresillos de semicorcheas, hasta un tutti que nos traslada a una repetición del segundo tema del movimiento en stretta, con respuesta de chelo, flauta y oboe, un episodio consecuente, en Andante, parece evocar el Adagio ma non troppo, en el espacio de una modulación distinta, camino del final expresado por una considerable orquestación, gracias a una fanfarria de trompas. La coda en pianissimo, permite acercarnos a recuerdos de temas anteriores, con un tenso crescendo que concluye la obra.

Ramón García Balado

Esteban Batallán, la trompeta en su período de transición

Santiago de Compostela - 21/05/2026

Esteban Batallán fue solista del Concierto para trompeta, en Mi b M, de J. Nepomuk Hummel, con una aparición desde el palco en forma de refuerzo para la obra de Honneger, a modo de guiño curioso, incluyendo el estreno la serie Cometa de Sismos, de Nuria Núñez Hierro, para completar con Parallel Universes, de Britta Byström y la Sinfonía nº 2, de Arthur Honneger, teniendo como directora a Zoe Zenoidi  Nuria Núñez Hierro, se dio a conocer por obras como Unvollendete Wege, estrenada por la ONE y su Coro, artista que fue miembro en residencia de la Rundfuck-Sinfonieorchester Berlin, participando intensamente en compromisos enfocados a un público más joven, con resultados como Rapauke macht Music, de la RSB Berlin, o la Suite für einen Sommernachtstraum, presentada en la Haus des Rundfunk, de Berlín. Obra clave, será la ópera La isla, merecedora del Young Audience Awards, vinculada a proyectos educativos, y que tendrá continuidad en Kleines Stück Himmel, por encargo de la Deutsche Oper Berlin, punto a apertura a su inclusión en la Opernaus, de Wuppertal; también la ópera de cámara El sueño del Sr. Rodari.

La Fundación BBVA, hizo posible la concesión de una de sus becas Leonardo, para creadores culturales, que traería como consecuencia la composición de su ópera La isla, en forma de video-ópera, y que se incluiría en el Festival ENSEMS (Valencia), preparando los galardones otorgados en los YAM Awards; el Jeunesses Internationals o el European Network for Opera Music & Dance. Sismos, en su brevedad, era un ejemplo de elementos tímbricos que se expresaba por procesos de acumulación y liberación de energía entre sutiles cambios de dinámicas, generando un paisaje imaginario re ruidos residuales en donde confluían sonidos abiertos en constante movimiento de creación y destrucción.

Britta Byström -Parallels Universes, estreno en España- es una compositora sueca formada con Pär Lingren y Bent Sorensen, especializada en géneros camerísticos y cuyas obras merecieron la atención de la O. Gürzenich, Sinfónica de la BBC, O. S. de Detroit, O. de la Radio Sueca, al tiempo que dedicaba obras para solistas como Malin Broman, Rick Stotijn, Radovan Vlakovich o Janine Jansen, recibiendo premios como el Little Chirst Johnson; el Carin Malmlöf- Forssling, y en especial el dedicado a su obra, el Concierto para viola A Walk After Dark, ganadora del Ellen Nisbeth. Obras suyas destacadas, serán Infinite Rooms, un concierto para violín, viola contrabajo y orquesta, inspirada en el artista japonés Yayoi Kusama; la obra que hoy se incluye en programa; la ópera de cámara Gállábartnit, con libreto de Rawdna Carita Eira; Sera, para Orquesta de cuerda; Der Vogel der Nacht für orkestre; Brev i april, para grupo instrumental; el Barón de los árboles, para percusión y orquesta o la ópera de cámara Si perdiste tu equipaje, sobre libreto de Niklas Törnlund. Parallel Universes, encargo de los BBC Proms, estaba inspirada en las teorías expuestas por el cosmólogo Max Tegmark, que remitía a la existencia de universos paralelos, que musicalmente se manifiesta en una forma de cuatro partes diferentes, tras usar capas orquestales que se enfrentan en apariciones sucesivas.

Esteban Batallán, en calidad de miembro principal de la Chicago Symphony Orchestra, cargo que ostenta desde 2019, por nominación de Ricardo Muti, tuvo en programa, el anunciado Concierto de trompeta en Mi b M., de Johann Nepomuk Hummel, y ya había estado en nuestro Auditorio en noviembre de 2021, para un programa dirigido por Marc-Leroy Calatayud, en el que sería protagonista del Concierto para trompeta en Mi b M. Hob.VII, de F. J. Haydn y muy especialmente por su obra Nightfall, inspirada en la obra To Diz with Love, que su admirado Arturo Sandoval interpretó en una gala de los Boston Pops, con John Williams, en 1993, dedicada a su mentor Dizzy Gillespie, y que trataba de ser un segundo tiempo de un concierto para fliscornio y cuerdas, antes de convertirse en una pequeña pieza musical de tipo sinfónico, un instrumento, si cabe, menos utilizado, y que se apoyaba en una melodía sencilla, melosa y cantabile, acompañada por sutiles armonías de violines, violas y chelos, con un ritmo latente y continuo, de los contrabajos, en los que cabía espacio para una relajada meditación. La obra tendrá reedición en 2014, con sección ampliada de vientos y percusión, que intercalaba un juego melódico del instrumento solista, alternando un rico diálogo más rico armónicamente.

Batallán actuó con programas en repertorio que van desde Tomasi, a Jolivet o Telemann e incluso J.S. Bach, por los Conciertos de Brandemburgo. El Concierto de J. Nepomuk Hummel en Mi b M, obra que sufrirá apaños de Anton Weiginder en cuanto al recurso de llaves en esa etapa de transición, es obra de 1803, ofrecida en los tiempos Allegro con spirito, dentro de la forma sonata, sobre una entrada heroica y marcial, profusamente acentuada, con detalles que recuerdan a Mozart, entre arpegios mayores y menores, mientras la trompeta confirmaba su protagonismo; el Andante, mostró un clima elegíaco que nos remitió al mundo de la lírica operística, apoyándose en la importancia de las cuerdas en pizzicati, de impregnaciones graciosas y contagiosas. Una sencilla transición, nos trasladó al Rondó Finale, que se enlaza con el tiempo precedente. Una idea que nos ayuda a entenderle como una figura de paso entre los compositores de la época. Para el bis, en esta gala plena de poderío sonoro, tratando la obra de Hummel como ejemplo de transición de lo que supuso la incorporación de válvulas de traerían un salto de época, Batallán desafió las coloraturas que Mozart nos brinda en Der Zauberflöte, en Der Hölle Rache de La Reina de la Noche.

Arthur Honneger- Sinfonía para cuerdas nº 2, H. 153-, cuatro tiempos en respuesta a un encargo de Paul Sacher, en conmemoración del X Aniversario de la O.C. de Basilea, y confiada a Ernest Ansermet. El Molto moderato. El Allegro, creaba un clima agobiante sobre un pasaje obsesivo, tratado por la viola, con cuatro temas muy rítmicos, que insinuaba una especie de Rondó asimétrico, con una escritura polifónica muy detallista y elaborada, que cierra en un pasaje en pianissimo. El Allegro mesto, particularmente sosegado, semejaba un aire de romanza o lied íntimo y concentrado, que se trasladaba a un desarrollo en piano o mejor, en pianissimo, en una actitud de ruptura, antes de subir el grado de acentuación hacia un fortissimo, de un posicionamiento de intensa gravedad. El tercer tiempo, Vivace non troppo-Presto, resultó tenso por su tratamiento destacando un ritmo ostinato de tresillos, mientras los violines entonaban una actitud acorde con el ideario del compositor y que cerraba la obra con un reclamo de trompeta ad libitum, con oboe o clarinete, a la par con los primeros violines.

Ramón García Balado

 

Esteban Batallán. Real Filharmonía de Galicia / Zoe Zenoidi

Obras de Britta Byström, Johann Nepomuk Hummel, Nuria Núñez Hierro y Arthur Honneger

Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

Auditorio de Ferrol

As rúas do vento ceibe en el Auditorio de Galicia

Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

Concierto en el Auditorio de Galicia en el Auditorio de Galicia, en colaboración con Amigos de la Ópera de Santiago,- día 30, a las 20´30 h., bajo la dirección de David Fiuza Souto que presenta un programa que se anuncia como As rúas do vento ceibe, sobre las poéticas de Rosalía de Castro, Manuel María y Celso Emilio Ferreiro, contando con el protagonismo de la  mezzosoprano Julia Portela Piñón, y la Orquestra Sinfónica de Pontevedra, fundada en 2006, con el colectivo de voces, que integran el Coro de Cámara Thalassa, de Marín; el Coro do Hospital de Lugo; el Coro Lírico de Vilagarcía de Arousa; la Coral Solfa de Compostela; A Sociedade Coral Polifónica de Pontevedra además del Coro Xuvenil integrado por: IES A Xunqueira, As Voces Terra Chá, de Lugo y Pequenos Cantores do Ferrol. A Orquestra Sinfónica de Pontevedra, nació en el seno de A Asociación Cultural da Orquestra Filarmónica Cidade de Pontevedra, en 2006, presentándose al año siguiente bajo la dirección de Javier Viceiro Filgueira, disponiendo entre sus trabajos registros representativos de su trayectoria, Aos que levaron no bico un cantar; el dedicado al 150 Aniversario do Conservatorio de Pontevedra, o Lingua Guapa, cantos que contan, sobre la poética de Fina Casalderrey, en colaboración  con Néstor Blanco.  Un contexto cultural, el de Pontevedra, que nos traslada a los años de creación de la O. Filarmónica de Pontevedra (1921), con su presentación oficial en el Teatro Principal, unas fechas en las que la capital, recibió la visita del Cuarteto Rosé, de Viena, además de estrenar un nuevo piano de marca Blüthner. Recibiría la ciudad la vistita a artistas de élite a lo largo de los años como J.Iturbi, L. Querol, Magda Taglaireferro, Wanda Landowska, Chritian Farras, Henryk  Szeryk, Salvatore Accardo, Agustín León Ara, Alirio Diaz, Nicanor Zabaleta, Julius Katchen, Gaspar Cassadó, R.Aldlescu o Pierre Fournier.

Julia Portela Piñón, mezzosoprano, se  formó en el Judith Nelsson Young Artist  Proggramme, la Guildahall School, la Royal Acccademie of London, antes de presentarse en certámenes como el Concurso  Viñes; el Hans Gabor Belvedere, contando con una carrera en la que ya optó por roles líricos que van desde el barroco al romanticism-verismo incluído- y recitales líricos como los que ofrece con la pianista Olga Kobekina. Entre sus roles, Idomeneo, de Händel; L´Incoronazzione di Poppea; La hora española, de Maurice Ravel; el Compositor, de Ariadna auf Naxos, de Richard Strauss; Rita, de Gianni Schichi, de G. Puccini, por citar lo más frecuentes, al tiempo que mantiene su interés por la canción el trabajos como el colectivo del Liceu, de Barcelona, con Alex Ollé, los estilos de canción que la animaron a interesarse por las culturas de procedencias más diversas

Xosé Carlos Seráns Olveira, responsable de la parte musical en cuanto a la composición, fue director de la Banda de Santiago  entre 2009/2013, como nos presenta Beatriz Cancela Montes en su trabajo La Banda Municipal de Santiago (Música en las compostelanas rúa desde 1848) nacido en Ribeira, su carrera musical se inicia con  tal solo 11 años ingresando en la Banda de Caamaño (Xuño, Porto do Son, A Coruña). Será tras su incorporación al Servicio Militar, cuando emergen sus ansias de pasar a ingresar en el Cuerpo de Bandas de Música de la Armada. Entrando a formar parte de la Banda de Música del Tercio Norte, de Ferrol, a la que pertenece hasta 1987, cuando gana por oposición la plaza de tuba de la Banda Municipal de Santiago de Compostela, permaneciendo ligado a ella hasta la actualidad, lo que le convierte en uno de los veteranos por excelencia. Fue nombrado solista tuba solista en 1998, y entre el 1 de octubre de 2009 y el 30 de septiembre  de 2013, director de la misma.  Compagina su cargo en la compostelana agrupación con la de dirección de otras  agrupaciones bandísticas: Banda de Música de Catoira (1988/2004); Banda Municipal de Padrón (1995/2000), la Banda Filarmónica de la Federación de Bandas  de Músicas Populares, desde 2005; y otras agrupaciones corales . También desplegó una vigorosa faceta como docente y factotum de diversos y consolidados proyectos escolares de música y asociaciones e incluso campamentos musicales. Como complemento a todo ello, goza de una sólida formación conformada además  de una educación de base, por la cantidad de cursos recibidos y los impartidos por él mismo. Como arreglista, destacan las regulares transcripciones que recibimos en las programaciones de temporada, realizadas sobre compositores clásicos y otros de mayor arraigo popular. Obras como las del maestro Ángel Brage, en cuya escuela se formaron compositores gallegos, del siglo pasado, Astor Piazzolla, el renovador del tango moderno por excelencia; otras obras como Celtia; obras de Bizet, González Arroitia Jáuregui. Seráns es  por mérito un compositor prolífico que disfruta de un extenso catálogo en el que destacan el Soneto á Terra Cha; A Saleta e Rosas, estrenada en 2005; Apreixar o vento; Poema Ausencia , estrenada en 2007 o la  Fantasía Rianxeira, po citar algunas de su carrera. Fue premiado en distintos concursos de composiciones para banda, su ámbito natural de trabajo, también quintetos, en especial para metales, estrenados en Madrid, mientras recibe invitaciones para dirigir otras bandas, compatible con su participación en jurados y certámenes. Como director, había ocupado la plaza de Casiano Mouriño Maquieira, entre 2007/9, para cederla a Juan Miguel Romero Llopis (2013/16), quien actualmente viene ejerciendo una labor primordial en la Banda de A Coruña, que en fechas recientes colaboró con el Festival Resis, de Música Contemporánea.

Ramón García Balado