AZRAQ: Obras de Sánchez- Verdú, Gubaidulina y C.Debussy en Bonaval

 San Domingos de Bonaval, Santiago de Compostela

Concierto de Vertixe 13, por el Zahir Ensemble, trío formado por Alfonso Rubio (flauta), Jean Sautereau (viola) y Bleuenne Le Friec (arpa) en San Domingos de Bonaval- día 16, a las 12´00 h-, bajo el reclamo de AZRAQ (Azul), para ofrecernos obras de José Mª Sánchez- Verdú- Azraq- estreno en Galicia; Garden Joy and Sorrow, de Sofía Gubaidulia, también en estreno en Galicia y la Sonata en trío, de Claude Debussy, para flauta, viola y arpa. Continuidad con respecto al de la jornada de ayer, entre dos compositores de irrenunciable reconocimiento en la actualidad y un maestro del impresionismo como es Claude Debussy, a través de su Sonata en trío, obra tildada de visionaria y primordial integrada en el ciclo de otras seis composiciones de género camerístico de las que solo llegaría a completar tres de ellas, eligiendo para este caso una formación poco frecuente pero que permitiría probar en un mundo sonoro de peculiares evocaciones, en reparto logrado por la búsqueda de un equilibrio entre esos tres instrumentos, constatable en su fresco lirismo de peculiares perfiles. Esta segunda sonata, fue completada a finales de 1915, al mismo tiempo de lo hacía con sus Estudios para piano. Destinada para flauta, oboe y arpa, conocerá la sustitución del oboe por una viola. Para el autor, quedaban dudas en su resolución: No sé si hay que reír o llorar ¿quizás ambas cosas? Ciertamente, esos instrumentos casan sus timbres admirablemente en una sutil alianza de libertad de intenciones y de estructura. La Pastoral, primer tiempo, crea una entrada que ofrece una atmósfera común entre todas las partes; la flauta apunta a un desenvolvimiento fluido gracias a un elemento temático propuesto por el tono principal en Fa M., para divagar entre distintas transformaciones que nos llevan a un pasaje central  vivo y gozoso, en un orden completamente modificado en forma de una interrogación de sorpresa un tanto chocante.  El Interludio (Tempo di minueto), efectivamente un ., se anima por la libertad de melodismo, con un tema lánguido. El  arpa retoma en su momento ideas que fueron pasando, alcanzando un episodio de gran colorido antes de ceder a la coda propuesta por el tema del minuetto, que queda definitivamente en suspendo antes de dar el salto al Final, un Allegro moderato ma risoluto, vigoroso en su contexto expresivo, en el que la flauta cobra una notable dimensión. El apunte Un poco più mosso en Re m. modal, alcanza una superposición de armonías politonales que se completará en un Finale hacia un Reprise de una alegría dionisíaca en modo mayor, interrumpido por tres compases de nostálgica actitud que evoca la Pastoral

José Mª Sánchez- Verdú- Azraq (2002), para flauta, viola y arpa-,  obra que proviene del árabe que significa azul, plena de significados simbólicos y marcada por un horizonte profundamente esquivo, un ejemplo más de su trayectoria por esa tentación de aproximación a las tradiciones islámicas en una idea que conserva los referentes de una actitud ante las fuentes de investigación, un compositor ya familiar entre nosotros por la frecuencia con la que asistimos a estrenos suyos, tanto en certámenes de propuestas contemporáneas como en programaciones de temporada. Azraq  aprecia las transformaciones de las materias cromáticas y el significado de los silencios que con clara precisión toman protagonismo en las notas, realzando especialmente el valor de las microtonalidades sutiles, que se entrelazan dentro de unas texturas densas.  Se acepta en su evolución, una proximidad a compositores como Salvatore Sciarrino o a G. Scelsi y en lo posible, hasta Luigi Nono, merced al uso del empleo de bloques sonoros monolíticos que insuflan el mundo de su obra, fuertemente asentada en una obsesión por la mediterraneidad, presente de forma continua, que contribuyen a la amplitud de su lenguaje afortunadamente refrescante. Obras referenciales como Paisajes del placer y de la culpa y en gran medida en la rotunda Quabiyyat, auténtico manifiesto estético, que recurre a la incorporación de un canto basado en las ricas ornamentaciones de ancestrales liturgias hispanas Maqbara o el ritmos y timbres procedentes del árabe Quasid 7, también en las obras de pequeño formato, se conserva esa tendencia creativa, es el caso de Arquitecturas de la ausencia, para ocho violonchelos, en dos coros; Arquitecturas del silencio, para acordeón solo, idea del carácter primigenio del autor, que forja su propio horizonte en un lenguaje de vanguardia, con evidentes influencias de las tradiciones de Al- Andalus; Alquibla, puente irrenunciable en su escalada a lo sublime; Qabryyat Taqsim, hasta llegar a la ópera Aura, escrita a partir de un texto de Carlos Fuentes y que le acerca a Luigi Nono, en su Prometeo.

Sofia Gubaidulina (1935/2025)- Garden Joy of Sorrow (1980), para flauta, viola y arpa-por pura pertinencia, un modelo de solemne espiritualidad, que hace referencia a la obra poética del escritor austríaco Francisco Tanzer y que encarna de forma magistral un lenguaje profundamente austero a la par que meditativo, con un simbolismo que descubrimos a partir de las insinuaciones aportadas por el propio texto. El jardín, al que alude el título, se consuma en una dimensión interiorizada, en la que la propia música se ofrece como una reflexión sobre la dualidad de la vida: la alegría y el dolor; lo efímero y lo eterno, y toda la serie de contrastes imaginables. Los sonidos se suceden con casi imperceptibles delicadezas, como si cada gesto instrumental estuviese investido de un sentido transcendental.  Sofía Gubaidulina, había ganado el BBVA Fronteras del Conocimiento  de 2017, ante un jurado que destacaría sus extraordinarias cualidades musicales y humanas a la par que espirituales  aceptando que según su trayectoria, se sentía como una creadora que era de un lugar en el que se encuentran enfrentados Oriente y Occidente. Su familia era también un cruce, por su padre, tártaro en sus orígenes. Ella estudió en la Academia del Conservatorio de Kazan, hasta 1954, mientras soportaba las presiones del llamado realismo socialista, influencias de aquellos años de juventud, recibiendo con fortuna el apoyo de Dmtri Shostakovich, período en el que además, recibiría noticias de las vanguardias emergentes en los países europeos. A partir de los setenta, comenzaría a  ser conocida a nivel internacional.

Ramón García Balado

Plural Ensemble de Fabián Panisello: Reflexos 20-21, en Vertixe 13

 San Domingos de Bonaval, Santiago de Compostela

Actividad de Plural Ensemble de Fabián Panisello, dentro de Reflexos 20-21  Vertixe 13- San Domingos de Bonaval- día 15, a las 18´00h-, en un especial conmemorativo con motivo del 125 aniversario del nacimiento de Rodolfo Halffter y el 150 del de Antonio Machado, agrupación que tuvimos en la edición de las Xornadas de Música Contemporánea 2022 Poñer o foco, en colaboración con el pianista Alberto Rosado. Para esta sesión, Helga Arias , con obra de encargo del Plural Ensemble, destinada a clarinete, flauta, violín, chelo y piano, compositora bilbaína de la que tenemos referencias no tan distantes en la programación de las Xornadas de Música Contemporánea del pasado curso- Caleidoscopio-, por su obra Traces of the Blast (In Aftermatch of Explision), encargo de la JONDE,  para esta compositora que fue alumna de Mario Garuti, en el Conservatorio Verdi de Milán y de Beat Furrer, en la Kunt Universität Graz, especializándose en electroacústica con Javier Torres Maldonado, en el Conservatorio A. Boito (Parma) y Karlheinz Essl (Universität für Musik und darstellende Kunst Wien, contando con un catálogo de obras que avala la editorial Babel Scores. Su doctorado lo realiza en la Universidad Anton Bruckner de Linz, y es profesora de composición en la HfM de Würburg. En aquella convocatoria de esta compositora, también habíamos disfrutado de un obra de George Benjamin Three inventions, escrita para un ensemble de 24 intérpretes, un encargo de la filántropa y fotógrafa Betty Freemann, para el Festival de Salzburgo (1995), pieza en tres espacios de planteamientos contrastados.

George Benjamin, pianista y alumno de Olivier Messiaen, es compositor prolífico que dominada el ámbito de las propuestas vanguardistas del entorno parisino, merced a su relación con las propuestas del IRCAM, cuyo resultado serán trabajos como Antara, para 16 intérpretes y electrónica (1987 y revisada en 1990, que revelaba un trabajo curioso y refrescante. At First Light, para orquesta de cámara de 14 músicos, que supuso su primer éxito reconocido; Ringed by Flat Horizon (1979/80); A Mind of Winter, para soprano y orquesta (1981); Jubilation, para orquesta y coro de niños; Upon Silence, para mezzosoprano y cinco violas; también para mezzo, y grupo de cuerdas, dos trabajos sobre poemas de William Butler Yeats; Sudden Time, para gran orquesta; Palimpsest II, para orquesta, en una declaración por parte del autor, por sus pretensiones de alcanzar la pura abstracción, con ciertas similitudes con Maurice Ravel, al que admira profundamente atendiendo a verificables contrastes que se expresan con evidencia en los recursos tímbricos y en la idea de sus estructuras, procurando conseguir los mejores resultados en la esencialidad para alcanzar un equilibrado desarrollo.

Ethel Smyth- Allegro moderato (de la Sonata para violín y piano en La m. (1887)-, la generación de compositoras británicas entre las que destacan Elisabeth Stirling; Ann Sheppard Mounsey o Caroline Orgen. Ethel Smyth (1858/1944), compuso en especial trabajos para el medio escénico, en el que acabaría obteniendo una considerable aceptación internacional, compartida con otras labores literarias dentro de una actitud feminista reivindicativa dentro del movimiento sufragista. Sus estudios se habían iniciado interesándose por la obra de Richard Wagner, por sus estudios en el Conservatorio de Leipzig, uno de los más prestigiados en la Europa de su tiempo, aunque llegó a tener problemas con sus profesores y decidió apuntarse a la docencia del maestro austríaco Henrich von Herzogenberg, director del Bach Verein (Leipzig), amigo de Johannes Brahms y Clara Schumann, entrando así en el círculo de músicos como Grieg, Dvorak y Tchaikovski. Pronto comenzaría a componer obras camerísticas y orquestales, con perceptible influencia brahmsiana, gracias a sus recursos y que dejarán resultados en la editora Breitkoft & Härtel. En su etapa final, tendría relación con el Grupo de Bloomsbury, por su relación con Virginia Wolf, de la que conservamos un epistolario.

Rodolfo Halffter (1900/87)- Homenaje a Antonio Machado (1944), para piano-obra que sigue a Danza de Ávila Op. 9, escrita en 1936, y que venía de un largo silencio de trabajos para el piano, un homenaje a Antonio Machado Op. 13, que dará a conocer en 1944, en la Sala Schiefer (México), el 29 de noviembre de aquel año, por el pianista Miguel García Mora, sin llegar a conseguir entre los especialistas un detenido estudio de la obra. Su preferencia o tendencia hacia la miniforma, que entre otras cosas, caracterizó al Grupo de Madrid, parece tener una excepción en el primer tiempo de esta página. Para el compositor, su opinión le lleva a recordar que en vida del poeta, había pensado en escribir unas canciones sobre versos suyos. Posteriormente se decidió por una serie de páginas pianísticas. En conjunto y en varios detalles, quizás sea esta obra la más lograda de Halffter en el domino del teclado, como afirmaría Adolfo Salazar. Un tributo en estos pentagramas, en los que se respira la identidad y delicadeza del mensaje artístico en la lírica de Antonio Machado, por su fuerza interior, hacia un neoclasismo soleriano y escurialense.

Benjamin Britten- tema Sacher, para violonchelo (1976)- el autor en el último año de su vida, para una obra que se confiará a Mstislav Rostropovich y que tendría en mente a Paul Sacher, fundador de la Schola Cantorum Basiliensis asociada con el mundo de la investigación musicológica, que nos lleva hasta los fundamentos de la música antigua, aunque con entrega se dedique a las posibilidades de las músicas de vanguardia, encargando obras a compositores como Béla Bartók, A. Honneger, Stravinski, Richard Strauss, F.Martin, Petrassi, Malipiero, J. Ibert, L. Berio, Rihm, Takemitsu, Martinu y el apreciado Benjamin Britten, con motivo de sus 70 años, en la obra Cantata académica. Tema Sacher, será obra que interesará a Rostropovich para su estreno en la Tonnhalle de Zurich, obra de profunda carga emocional, de un artista que sabría hacerse apreciar igualmente por su colaboración en trío con Guilels y Kogan, mientras realizaba un trabajo impagable como director artístico del Festival de Aldenburg, el que fundó Benjamin Britten.

Alicia Díaz De La Fuente (1967), aporta también un encargo del Plural Ensemble, para clarinete, flauta, violín. Chelo y piano. Premio Nacional de Música (2022), alumna de Antón García Abril, en composición y órgano, estudio en Alcalá de Henares , con José Luis Delás, y en el IRCAM  parisino. Tuvo como maestros a Marc André Dalavie, N. Schnell, J. Harvey o R. Reynolds, siendo premiada en los certámenes Jacinto e Inocencio Guerrero y en el INAEM, ofreciendo un amplio catálogo de composiciones en su mayoría para formaciones camerísticas de tamaño medio, obras como Ecos del pensamiento, Segundo premio de la SGAE, en la que colaboró Pilar Jurado; Blenda, para la Cameratta Transylvánica, de Pieralberto Cattaneo; En el azul, para orquesta, destinada al V Festival de Música Joven de Segovia; Mundo del agua, para Plural Ensemble; Siluetas sobre fondo de silencio, para la Brancusi Gallery (Moldavia); El destino de Euterpe, destinada a Marsella; Redes de tiempo; En lo más hondo de la noche o La face de la verité, para órgano y recitador, para J. P. Boston y C. Riot.

Ramón García Balado

In Vain, de G. Friedrich Haas, por Vertixe Sonora, para DOAUDIBLE25, en Bonaval

 San Domingos de Bonaval, Santiago de Compostela

 Dos conciertos en el proyecto DOAUDIBLE25, de Vertixe Sonora, esta vez con una obra que ya tuvimos en las Xornadas de Música Contemporánea (Poñer o foco), de 2022, entonces con interpretación del JONDE FOCUS, que en una primera serie de cinco sesiones, habían comenzado con una cita que añadía la charla de Rosa Mª Fernández, centrada bajo el reclamo de Cartografías do plural, que abarcaba un período de piezas tomadas de los siglos XX/XXI, y que siguiendo la dirección de Fabián Panisello, incluía La Profondeur, de G. Friedrich Haas; Solar, de Kaija Saariaho; Soltice, de Fabián Panisello y City Life, de Steve Reich. In Vain, se ofrece en esta ocasión en el San Domingos de Bonaval- día 10 a las 23´00 h., para repetir al día siguiente en  el Centro Penitenciario de Teixeiro (A Coruña), incorporando a los internos del centro, a partir de las 17´00 h., una iniciativa que se realiza gracias al apoyo de la Consellería de Cultura de Galicia, los Conservatorios de Galicia, la Universidade de A Coruña y el centro do Cárcere de Teixeiro.

Rosa Fernández, estudiosa y musicóloga, nos había en su comentario para la fecha citada, que G.Friedrich Haas es un compositor austríaco que reside en los Estados Unidos, nacido en Graz (1953), menos conocido fuera del centro de Europa que Breat Furrer, pero igualmente importante. Cursó estudios en su ciudad natal y de composición primero allí y después en Viena, siendo uno de los  discípulos de Friedrich Cerha, compositor de interesante obra aplastado por el estigma de haber sido quien finalizó la ópera Lulú, de Alban Berg. Completó sus estudios acudiendo a los cursos de Darmstadt, y haciendo también una estancia de Composición e Informática en el IRCAM (Pierre Boulez), en París, Fue posteriormente profesor en la misma Universidad donde estudió, en la Facultad de Música y Arte Escénicas de Graz, para seguir en Basilea; ha sido compositor en residencia en distintas orquestas e instituciones (entre ellas, el Festival de Lucerna) y desde 2013, es profesor de Composición de la Universidad de Columbia (Nueva York). Es quizás, uno de los compositores que ha tenido un mayor reconocimiento en vida, de todos los tiempos; su música ha sido alabada e interpretada por Simon Rattle o Susanna Mälkki. Ha tenido encargos desde la Filarmónica de Berlín, hasta Viena o Nueva York, y ha sido distinguido entre otros premios como el Ciudad de Viena (2012), el de Salzburgo, al año siguiente y es uno de los pocos compositores que tiene también un interesante número de ensayos de musicología, tanto de procedimientos y técnicas: la microtonalidad, la  música espectral etc…como la trayectoria de otros  compositores, desde Schubert a Boulez o Nono. Haas tiene un uso muy particular del espectralismo, al que se adhiere como compendio de sus recursos de sus años de formación con Grisey, pero siempre con un altísimo componente emocional. Es un compositor que experimenta con los sonidos, que rechaza los sonidos procedentes de la tradición temperada, la que nace de los intervalos derivados de la escala diatónica. Él trabaja con la  microtonalidad y explora en su música las distintas posibilidades de la densidad de la masa sonora al servicio de la emoción humana (un concepto este que comparte con Kaija Saariaho). Aunque pueda parecer un autor totalmente volcado en la innovación del lenguaje, Haas no rechaza la tradición, antes bien, al contrario, la incorpora como hacen otros compositores como J.Manuel López, Nuria Giménez o Elena Mendoza. In Vain, juega y pivota entre elementos contradictorios, o al menos contrarios de oscuridad y luces y también entre consonancia y disonancia, entre partes instrumentales y partes individuales, etc…Una música que canaliza las emociones más dramáticas y las pulsiones más directas, con una obra definida como un sombrío universo sonoro, trabajando los aspectos más interesantes de la integración en los sonidos, en especial en lo que se ha llamado la percusión lumínica, un ritmo que se crea a través de las luces y que de forma combinada, produce una suerte de polirritmia.  In Vain resulta un viaje inquietante y lento, desde la oscuridad a la luz, dentro de una obsesión al mismo tiempo metafórica, partiendo de un material extremadamente reducido, con una atención obsesiva sobre las pequeñas variaciones de tono (por debajo de un semitono), la ausencia de melodías ordinarias  y la disolución del ritmo en permanentes aceleraciones y desaceleraciones, además de los limitados modos de articulación

Vertixe Sonora, para este compromiso, se presenta con un formación integrada por 24 músicos Cardinais 25 (Academia Vertixe Sonora), con la dirección de Francesc Prat, y Julio Cabo con Clara Saleiro- flautas-; Daniel Vega y Pablo Piñeiro- clarinetes-; Simón Lewis y Jorge Fuentes- trompa-, el oboísta Ismael Vaquero, la fagotista Sandra Ochoa y el saxofonista Pablo Coello. George Friedrich Haas, se engloba en el grupo de compositores que ayudaron a sobrepasar fronteras por su onirismo tenebroso y con perfiles de angustia, con obras claves como In Vain (2000), para 24 instrumentistas, con el obligado marco de sus exigencias dentro de las demandas de las formas espectrales, aspectos que compaginará con colegas de generación que actualmente resultan imprescindible para comprender la evolución contemporánea de la música austríaca, compositores como Oswald Egger, quien trabaja mano a mano, con Michael Pisarro y Antoine Beuger; Wolfgang Mitterer (1958), quien busca la confluencia con otras tendencias como las vanguardias jazzísticas , dejándonos ejemplos con Guernica (teatro musical) Matador, para pequeño ensemble y apoyo electrónico o Radio Fractal/Beat Music. Andreas Weixler (1963), Interactive Love Bytes o Jade y Broken Bowls 4.  Clemens Gadenstätter (1966), fundador del Ensemble Neue Musik Wien y autor de Musik für Orchesterensemble, para cinco grupos orquestales. Johannes Maria Staud, estudioso de la obra de Palestrina y que se dedicará a seguir las escuelas de Karl Heinz Stockhausen, Luigi Nono o Pierre Boulez.  Franz Koglmann, un trompetista cercano a Paul Bley, Gary Peacock y Lee Konitz o nombres como los de Jörg-Martin Willnauer, Gerhard  Schedl, Gerd Kühr, Karlheinz Essl y George López.

Ramón García Balado

DOAUDIBLE25, por Vertixe Sonora, en algunas de sus actividades

 Museo do Mar, Vigo

Para próximas fechas Vertixe Sonora anuncia algunos de sus inmediatos proyectos comenzando el día 15, a las 19´00 h.-, en el Museo do Mar de Galicia (Vigo), para continuar en el mes de mayo, en dos espacios que se reparten entre San Domingos de Bonaval, el día 10 y al día siguiente en el Centro Penitenciario Teixeiro de Curtis (A Coruña), que contará con otra de las formaciones con intérpretes que colaboran para la ocasión con esta formación de carácter abierto, y que para entonces preparan In Vain, de George Friedrich Haas, bandera de vanguardismos y que ya tuvimos en las Xornadas de Música Contemporánea 2022 (Poñer o foco), en la serie de sesiones de la JONDE FOCUS (Anos 2008/2013), con el Plural Ensemble, dirigido por Fabián Panisello, con obras del propio Georg Friedrich Haas, Kaija Saariaho, Fabián Panisello y Steve Reich, para el concierto que ofrecerán entonces, contarán con 24 músicos de la Academia Vertixe Sonora, dirigida por Francesc Prat, y destacando entre sus intérpretes Julio Cabo y Clara Saleiro- flautas-; Daniel Vega y Pablo Piñeiro-clarinetes-; el oboísta Ismael Vaqueiro, la fagotista Sandra Ochoa, el saxofonista Pablo Coello y como intérpretes de trompa, Simon Lewis y Jorge Fuentes. Georg Friedrich Haas (Graz), tuvo como maestro a Gösta Newirth e Ivan Erörd, en composición, antes de ampliar en repertorios microtonales en la Wien Hochschule für Musik, con el insigne Friedrich Cehra, siendo galardonado con el Premio Sandoz (1992), merced a un estilo que muestra afinidades con el de György Ligeti, en esas materias de la micropolifonía, los microintervalos y la indagación de la serie de los armónicos. Fue miembro fundador del colectivo Die andere Seite, pero información más detallada se reserva para las jornadas de esas fechas.

El concierto que tendremos el martes día 15, se engloba para el título genérico de A arte do Guzheng, que tendrá como protagonistas a Niu Yiran- recitadora-; Vid Veljak- chelista-; el Hong Kong  Musik Ensemble: Angus Lee (director y flauta), Linus Fung- clarinete-; William Lane- viola-; Karen Yiu-percusión-y Chiu Tan-Ching, con el guzheng, entre sus manos, especie de cítara tradicional china y perfecto símbolo del taoísmo perteneciente a las llamadas clases populares. Vertixe Sonora, punto de equilibrio en esta aventura que entremezcla culturas menos habituales de lo común, estará integrado por el saxofonista Pablo Coello, el pianista David Durán; Nuno Marques, guitarra eléctrica y el violinista Roberto Alonso Trillo. El arte del Guzheng, reclamo de perspectivas, procede de una colaboración entre la Bienal de Zagreb; el Honk Kong New Arts Developement Council HKETO; la Acción Cultural Española(PICE); la Embajada Española de Croacia y la Deutscher Akademicher Austrauschlester (DAAD). Reclamo por excelencia nos ubica en el mundo de las cítaras chinas, en esta ocasión representadas por el Gugin, instrumento de siete cuerdas y sonido grave a la par que reposado con un profundo valor simbólico que representaba el refinamiento aristocrático y el buen gusto, que se acerca a la sensibilidad del pensamiento de Confucio, modelo de una manera de posicionamiento vital. El Guzheng, en contraposición, nos descubre sus posibilidades expresivas desarrolladas a partir de un instrumento de puentes móviles y más cuerdas en su manejo, aproximadamente unas 21, instrumento asimilado a las clases populares y con un fondo de cultura taoísta, que nos traslada a los Reinos Combatientes (V a C.), siempre con las pretensiones de distanciarse de los límites comúnmente establecidos, los rígidos protocolos o parámetros similares, en esa intención de situarse en una integración con las emociones más sencillas. El proyecto resume la indagación de la realidad del contexto musical en un clima de ambiciosa concordia entre Vertixe Sonora y el Hong Kong New Musik Ensemble que deja como resultado obras en estreno de Sonia Mutic (Croacia/Serbia); Agnus Lee (Hong Konk); Camilo Méndez (Colombia) y Pilar Miralles (España/Finlandia). Obras que serán: Angus Lee- hic/nunc-; Li Quinzhao- Wulling Chung-; Sonja Mutic- Spektrum…spekrtra-, para ensemble amplificado con electrónica y voces imaginarias-; LI Quinzhao- Yujiao Ao (Orgullo de pescadores), recitado y guzheng-; Camilo Méndez- Disappeared Quip(u); Broken & Forgoten, para ensemble; Li Qinzhao- Ru Meng Ling (como en sueños)- y Pilar Miralles-Done for the day, también para ensemble. DOAUDIBLE25, cuenta con la promoción de la Consellería de Cultura da Xunta de Galicia, en colaboración con  Vertixe Sonora, en esta búsqueda de encuentros éntrela música y otros ámbitos del arte y la cultura, dentro de un permanente desafío.

Las culturas ancestrales chinas del período indagado, nos lleva a la categoría de los instrumentos de seda, que alcanza un número sorprendente y en especial en el espacio de las cítaras de múltiples cuerdas con puentes móviles como había sido el caso del Se, de 25 cuerdas  y el Cheng, de 13. Durante un largo período, igualmente destacará la importancia del célebre ch´in, de siete cuerdas, instrumento asociado con la figura de Confucio y en consecuencia con la vida intelectual de su cultura. Una mirada de soslayo a cualquier colección de pinturas paisajísticas chinas de períodos posteriores tropezará de manera inevitable con esa figura de un Sabio barbudo que o bien está sentado tras su ch´in, contemplando el paisaje, o bien va caminando seguido de un aprendiz que transporta ese hermoso instrumento. A diferencia de las demás cítaras chinas, el ch´in no tiene puentes, sino que se toca pisando las cuerdas a lo largo y entre 13 posiciones marcadas con puntos de marfil, en un lado del instrumento. Si bien el ch´in se toca de manera divisiva, sus siete cuerdas están afinadas de acuerdo a los principios cíclicos (Do, Re, Mi, Sol, La, Do, Re). Autores habrá que aseguren que los numerosos efectos de glisando, los armónicos y otras pulsaciones especialmente ejecutadas por ambas manos, se adoptaron durante el período internacional, derivándolos de las ornamentaciones gamaka indias.

Ramón García Balado

How can I help you: Vertixe Sonora, en Contemporáneas

 Auditorio de Galicia, Sala Mozart. Santiago de Compostela

 

Tercer concierto en el ciclo de Contemporáneas que podremos seguir en el Auditorio de  Galicia-día 11, a las 20´30 h.-, con la participación de Vertixe Sonora que ofrecen su programa bajo el título de How can I help you, cuyo trabajo responde a la labor creativa de José de Avellanal y Bernat Pont, una investigación para ensemble controlado por mediante software de Inteligencia Artificial. Vertixe Sonora harán posible sus resultados para este grupo de plantilla variable según los programas elegidos en las propuestas de vanguardia y que para la cita estará integrado por Pablo Coello-saxofón-; Iago Ríos- trombón-; Rubén Barrios-guitarra eléctrica-; Roberto Alonso-violín-, Carlos Méndez-contrabajo-; David Durán- teclados-; Diego Ventoso- percusión- y la presencia de los propios interesados en electrónica, video e iluminación Bernat Pont y José del Avellanal.

José del Avellanal, con sede en Suiza, se especializó desde joven en los géneros multimedia y las artes escénicas, indagando en las narrativas sonoras y sus distintas posibilidades en su proximidad a la gestualidad, sus obras, suscitaron el interés de especialistas como Les Percussion de Strasbourg; Ex Esentia Ensemble; Arxis Ensemble; Philipp Lamprecht (Meltar Ensemble); Oliver Janes (BCMG) o Weston Olencki, atendiendo a certámenes como el Festival Resis (A Coruña); Foresty (Montaldeo, Italia), siendo galardonado como primer premio del Festival WE-NOW. Su formación se completó en la Hochshule  der Künste Bern, con Simon Steen-Andersen,  Franciska Baumann y Daniel Glorer, y en composición en el Royal Northern College of Music, con Emily Howard y Steven Daverson.

Bernat Pont, centra su especialización en tendencias multidisciplinares y performativas probando dentro de los estados de ánimo más distanciado, confirmación que se confirma en sus colaboraciones con agrupaciones como Ensemble Shockwave; Ensemble Vortex; Kebyart Ensemble y en proyectos musicales en tentativas de investigación como Arda Yurdusev, Corentin-Barro, Ludmilla Mercier o Violeta García. Es miembro de BMC3io, grupo de improvisación libre y del grupo Cocaine Hippos. Recibió el KÖSTER- PREIS, del Festival de Bremen, por su producción SWANGATE, un trabajo dedicado al canto de los pájaros y la animatrónica. Es graduado en Práctica Creativa de Composición por la Hochschule der Künste-Bern , tras seguir cursos en el IRCAM parisino y en la Escuela Superior de Música de Catalunya.

Vertixe Sonora, es una formación nacida en 2011 con la idea de promover iniciativas de vanguardia que les ha permitido presentarse en los certámenes europeos e internacionales de primera línea. Han sido merecedores del Premio Martín-Códax (2016) y su labor fue recogida en los documentales Sonutopías, de la USC (2014), siendo de especial interés el último trabajo dedicado al 60 aniversario del añorado Enrique X. Macías, cuya obra se conserva en la propia USC, por cesión de la familia del compositor. Su cd con obras de los finalistas del XXVI Premio de Jóvenes Compositores SGAE-CNDM, se realizó gracias al sello WERGO o el ciclo Die Wanderung, de la compositora Lula Romero, para NEOS y The Dimension of the Fragile, un monográfico sobre el compositor Víctor Ibarra, que se añade al dedicado al colombiano Camilo Méndez (2023). Recordaremos los años como formación estable del CGAC,  compartiendo proyectos de temporada en ciclos con el TAC, de Diego García.

 En el reciente ciclo Vertixe 12, un proyecto del propio grupo, les tuvo como artífices de distintos conciertos repartidos entre el Nemonon (Pontevedra), el Auditorio Martín Codax (Vigo), el MARCO (Vigo), Sirvent (Vigo) y el Museo das Belas Artes (A Coruña), en colaboración con el ISCM (International Society for Contemporary Music), fundada en 1922, durante el Salzburger Festspiel, por iniciativa de miembros de la Segunda Escuela Vienesa. Vertixe 12, ofreció sesiones como la ofrecida el 27 de noviembre por Vertixe Sonora, en el Auditorio Martín Códax (Vigo), bajo el reclamo Desprazamentos da Codia, una visión telúrica que el grupo realizaría tomando obras de Camilo Méndez- Cartography of Music Spaces-, para ensemble de 9 intérpetes; Rubén Soto Kemp- Créatrures-, para voz, guitarra eléctrica y piano; Ji Won Seo-The Wonderfull Johnny- para guitarra eléctrica, fagot, cuarteto de cuerdas y multimedia; Mateu Malondra- Withing Modular Objets-, para ensemble; Leonardo Idobro- Crust shifting-para ensemble de 12 músicos y Christian Winther Cristensen-Song from the beach-, para voz y ensemble de 15  músicos.

How can I help you resulta un espectáculo multimedia en estreno en el entorno de Inteligencia Artificial Eliza, un diseño de Joseph Weizenbaum, en el MIT en los años sesenta, repartido en cinco partes, una reflexión sobre la I.A. y la comunicación, en esta reflexión concedida a Vertixe Sonora por los creadores  José del Avellanal Carreño y Bernat Pont, que aportan la indagación de resultados entre el hombre y la maquina, conectada por Chat GPT, desde las primeras experiencias con la I.A. La fascinación por Eliza creada por Weizenbaum ya en los sesenta, sobre sus objetivos clave, permite una versión de programa que llegó a calar profundamente en aquellos años en la amplitud de dimensiones que se observarán en ámbitos distintos, que forjará el interés de otros profesionales de la comunicación. Joseph Weizenbaum (1923, Berlín /2008, Ludwigsfelde), fue un investigador en el campo de la Inteligencia Artificial, profunda y controvertida, ratificada en el Instituto Tecnólogico de Massachusetts, resolutivo centro avanzado en la investigación y amplificación del tratamiento de estas tendencias. El mismo Joseph Weizenbaum, acabarían siendo en un breve espacio de años, uno de los renombrados críticos del desarrollo de la Inteligencia artificial, en la manera en cómo se utilizaba en las tecnologías y en las posibilidades propuestas por sus colegas igualmente avanzados, merced a sus promesas ciertamente exageradas. How can I help you añadirá argumentos para seguir ciertos itinerarios.

Ramón García Balado