Silvia Rozas Ramallal: Concierto para flauta nº 1, en Sol M. K. 313, de W. A. Mozart

Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

 Auditorio de Ourense

Concierto dirigido por Agata Zajac, con el encargo de la serie Cometa, de Helena Cánovas Parès,  ofreciendo en programa el Concierto para flauta nº 1,  en Sol M. K. 313, de W. A. Mozart interpretado por Silvia Rozas Ramallal  y la Sinfonietta, de Francis Pulenc, en el Auditorio de Galicia- día 5 a las 20´30 h-, contando con la sesión previa de Conversando con…la participación de ambas protagonistas- 19´45 h-, para repetir el viernes en el Auditorio de Ourense, a las 20´00h., Helena Cánovas Parès conoció estrenos suyos con el Ensemble 2021 (Forum Neue Musik), autora también de la ópera Das Mädchen- All days for future, siendo premiada en el certamen Carmen Mateu, de la Fundación Castell Young Artists European  Award de Perelada, ampliando su experiencia en trabajos como la ópera Don Juan no existe- producida por el Teatre del Liceu, el Teatro Real y el Teatro de la Maestranza de Sevilla, sobre libreto de Alberto Iglesias, destacando como cantantes la soprano Natalia Labourdette; el tenor Pablo García López y el barítono David Oller , compartiendo labores de asesoramiento con Beat Furrer, Chaya Czernovic, Tristan Murail, Sofía Gubaidulina, Ivan Fedele y Alberto Posadas. Se perfeccionó en Colonia con Markus Hechtle y en medios electroacústicos con Michael Bein.   

Silvia Rozas Ramallal, flautista, colaboró en curso pasado en las Xornadas de Frauta de Galicia promovidas por Luís Soto y realizó masters en la Universität der Kunste Berlin, con Christian Fassbaender y un curso de perfeccionamiento del Bachelor Hochschule für  Musik Hans Eisler, además de estudiar en la Deutsche Oper Berlin, la Hamburger Symphonyker y en la European Union Youth. Colaboró con la orquesta de la Ópera de Hannover, la NDR Radiophilharmonie; la Badischer Staatskapelle Karlsruhe; la Komische Oper Berlin, y en su primera experiencia con la Joven de la OSG, mientras se formaba en la EAEM, recibiendo reconocimientos como el Deutche Musikwetbewerb, el Flûte Maxence Leneu, de Niza o el Severino Gazzelloni. La directora Agata Zajac, se formó como violinista antes de probar en la batuta  en la Poznan Acacady of Music, de Polonia (2020), y en el Mills William Junior Fellow; el Royal Northern College of Music de Manchester y fue asistente de Ludovic Morlot, en la Orquesta de Barcelona i Nacional de Catalunya, también en la Elbphilharmonie Orchestra, de Hamburgo, para seguir con la Britten Sinfonietta, la Orquesta del Teatro de Hallé; la Grazer Philharmoniker; la Orchestre de La Picardie. Siguió cursos de Paavo Jarvi, Jorma Panula, J. Schlaefli, Mark Heron. A. Hernus, Marin Alsop, Peter Eövöts, siendo asesorada e invitada  por Andris Nelson.

W. A.Mozart- Concierto para flauta nº 1, en Sol K.313-, obra de juventud procedente de sus primeros años en Mannheim adonde había ido acompañado por su madre el 30 de octubre de de 1777, asunto del que queda constancia por su correspondencia mantenida con su amigo y colega el flautista J.B. Wendling dejando con ello jugosas noticias entre consejos y otra serie de intimidades dentro de su estilo ciertamente chocante, habiendo establecido entonces un curioso contrato con el magnate holandés De Jean, una especie de musicólogo y apasionado por los oficios musicales, propios de un entusiasta entregado y generoso. Estamos en un período en el que abundaban obras de este estilo, como los cuartetos para este instrumento, en concreto los K. 285, K. 285a y 285b, en claro destino al estimado De Jean y que hallaría continuidad en el K.313, precisamente en el espacio de esta modesta producción en forma de entrañable compromiso directo, resultando una página cuidadosa y perfectamente resuelta, gracias a esa flauta que abunda en ideas sobradas y detallismos de notable virtuosismo, en un logrado equilibrio entre la flauta y el conjunto orquestal. En su esencia, mantiene los hábitos cultivados en Salzburgo y para Paumgarten, la serie de conciertos para este instrumento, revelan las perfectas aptitudes del compositor, para buscar los entresijos sonoros de la flauta, instrumento con el que por veces parecía tener una relación un tanto incómoda. Para Alfred Einstein, su trato con los instrumentos de viento respondería en general a una serie de trabajos ciertamente ocasionales, en el sentido más genuino del término, compuesto con la única finalidad de dejar la impresión más acorde con el gusto de los destinatarios y las preferencias de los aficionados, teniendo en  cuenta que esos instrumentos de viento exigirían a sus intérpretes una actitud claramente indulgente, dejando como resultado una escritura simple pero también atractiva en su desarrollo, con un notable ingenio melódico, siempre a tenor del espacio en el que propone la composición.  Obra en sus tiempos: Allegro maestoso; Adagio ma non troppo y Rondó (Tempo di minuetto, de la que nos quedará como confesión: Aquí no tengo ni una hora de tranquilidad. Sólo puedo escribir de noche, de lo que se deduce que no puedo levantarme temprano. Y además, no siempre se está  en un estado propicio para el trabajo. Naturalmente, con prisas podría escribir en cualquier momento; pero se trata de una obra que va a ser conocida en todo el mundo y concedo mucha importancia a que no se  me avergüencen, pues llevará mi nombre…Una misiva dirigida a su propio padre, Leopold

Francis Poulenc- Sinfonietta-, composición escrita mientras se enzarza con la serie de mélodies escritas sobre poemas de Apollinaire, la recopilación de los Calligrammes, la obra partía en sus esbozos de un posible trabajo camerístico para el Quatour Calvet, pero que definitivamente se quedará en un ansiado intento sin mejores resultados, los editores Chester, atraídos por el aprecio al músico, tomarán como revancha el estímulo para probar en el intento de un nuevo compromiso y por esta vía vendrá una aventura creativa por encargo de los BBC en el espacio  de sus Thrid Programm, de 1947, dejando como resultado precisamente una verdadera sinfonía, ayudado para la ocasión por Auric, colega del Grupo de Los Seis,  como resultado definitivo no faltan rescates de piezas suyas, incorporadas de forma libre, además de reconocibles autocitas. Aubade; detalles de Sextuor; la Figure humaine, en su Toi ma patiente, que acabará desechando, en lo que supondrá su única obra sinfónica y que recibirá un menor reconocimiento con respeto a otras obras concertantes, como el Concierto para piano, en el que se vislumbra su absoluta madurez. Cuatro sin los tiempos de la Sinfonietta: Un Allegro inicial de un trazado elegante expresado en su forma tradicional de sonata; un Scherzo, para el segundo tiempo, en la típica alternancia ABA para ceder entrada a un Andante lírico marcado por du melodismo bemolizado camino del Final, un claro ejemplo de autocomplacencia resolutiva otorgando un mayor colorido

Ramón García Balado

Alexandra Dariescu, solista del Concierto en Sol M., de M.Ravel

Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

Auditorio de Ferrol 

Alexandra Dariescu será solista del Concierto para piano en Sol M. de M. Ravel junto a la Pavana para una infanta difunta del compositor francés, el estreno en España de Stars,  de Mary Howe, la Suite de Pelléas et Mélisande, de Gabriel Fauré y la pieza de la serie cometa, encargo confiado a Lula Romero, en el Auditorio de Galicia- bajo la dirección de Johanna Malangré (quien será protagonista de la sesión Conversando con… en la Sala Mozart- 19´45 h.), día 22, a las 20´30 h-, repitiendo mañana en el Auditorio de Ferrol, a las 20´00 h., una pianista que recibió la beca Constantin Silvestri, tras su estreno con la O.F. de Moldavia, y que ampliaría con la beca de la Royal School of Music, presentándose en 2006 en el Bridgewater Hall, con el Concierto nº 15 de Mozart, con Andrea Ridder, en el Royal Northern College of Music, tras seguir las docencias de Mark Ray, Nelson Goerne, Alexander Melkinov y Dina Parakhine y seguir masters de la Guildhall School of Music and Drama, con Ronan O´Hora. Se presentó en certámenes como el Festival de Verbier, la Ac. de Villecroze, la Ac. Tibor Varga o el Festival de Gstaad, mientras seguía las docencias de maestros como D. Bashkirov, Menahem Pressler, Gabor Takács-Nagy, Philippe Cassard o Boris Berman. Joanna Malangré, titular de la O.N. de Picardie, es asistente de la O. de Lucerna y titular del Festival Hidalgo, graduada en las aulas de Johannes Schläfli (Zurich) y tras recibir asesoramientos de maestros como Bernard Haitink, Paavi Jarvi, Nicolas Pasquet o Reinhard Goebel, directora que ya estuvo con la RFG, en la serie (EN) Foco, estrenando De mar a mar, de Jacobo Gaspar, junto a las Danzas concertantes de I. Stravinski  y la Segunda Sinfonía, en Do M. op 61  de Schumann, contando con la presentación de la musicóloga Rosa Fernández.

Lula Romero, con obras para Cometa, cuenta con estudios en Graz después de haberse formado en el Conservatorio Manuel Castillo (Sevilla), en donde también ejercerá la docencia, y haber ampliado en el Royal Conservatoire (La Haya), con maestros como Giulius Bergeijk y Cornelius de Bondt, mostrando una actitud creativa ambiciosa en cuanto a planteamientos estilísticos, que han permitido ver estrenadas sus obras por grupos como Vertixe Sonora, KNM Ensemble Berlin, Nieuw Ensemble, Ligeti Akademie Ensemble o Zafraan Ensemble, dejándonos en preferencia obras de género camerístico de amplio espectro con Displace; Derive, Entmûndigung o Desencuentros. 

Para un programa habitual por las obras elegidas, una elección en estreno español de la norteamericana Mary Howe (1882/ 1964), con Stars  (1927), pianista y compositora  nacida en un ambiente musical propicio, ya que su madre Katherine Cornick Thomas era una conocida soprano, una de aquellas familias asentadas en Virginia, y su padre era un eminente filántropo. Su vida transcurrió en New Port (Rhode Island), recibiendo clases de la notable pianista Hermine Seron, antes de seguir el magisterio en París de Nadia Boulanger una vez asentada su carrera en Peabody, con Richard Strube, Ernest Hutcheson y Harold Ranfolph. Formó un dúo de larga trayectoria con Anne Hull (1920/35) e hizo posible la creación de la O. Sinfónica Nacional de Washintong, colaborando con Elisabeth Sprague Coolidge, además de compartir labores con Amy Beach, en la Asociación de Mujeres Compositoras de Estados Unidos, además de dinamizar el Departamento Musical de New York (Centro Kennedy). Destacan obras suyas como Poem; Sand; Pastoral de Primavera, violín y 13 instrumentos; Profecía 1972; Castellana, para piano y orquesta; la suite Potomac River y ciclos de lieder como los Goethe Sieben Goethesliedchen o las canciones tomadas de textos de R. Maria Rilke.

Ravel la Pavane pour une Infante défunte que conquistaría la estima de los salones, la admiración del público y en especial en su versión para piano entre las damas, aunque recibiese un juicio severo del autor, abocado a la versión orquestal hábil cuyo título entusiasmará a los aficionados a través de generaciones, podría hablarse de una imitación de Chabrier o de Fauré sin llegar a hacer una obra que ensombrezca otras de su ingenio. Un gusto arcaizante compuesta en dedicatoria para la princesa Edmond de Polignac  de la que Ricard Viñés  dará su primera interpretación  y cuya versión orquestal de 1910, se ofrecerá en los Conciertos Hasselmans parisinos a finales de 1911, bajo la tutela de Alfredo Casella, obra pausada y grave mostrando una paleta de recursos nítida y transparente ya desde los compases iniciales en medio de un clima de melancolía rodeada de colores apagados que reflejan afinidades con otros compositores de su época en esa estética impresionista que confirmamos en el Concierto para piano y orquesta en Sol M. calificado casi como divertimento por su virtuosismo que le acercará a las proximidades del jazz. Tres tiempos: Allegramente, confiado a la flauta piccolo a la que sigue un ritmo alegre y animado, el piano está expresándose entre arpegios que se superponen en dos tonalidades abocando a largos pasajes hacia el Adagio assai con su forma clásica que toma el modelo del Lento del Quinteto para clarinete de Mozart. La belleza en su conjunto se sustenta en la ambigüedad rítmica y las extrañas armonías además del  juego de las disonancias que dan cauce a este tiempo. El Presto en Sol M., plantea cuatro acordes con el piano en una carrera acelerada y tensa, entre fatídicos golpes del solista mezclados con respuestas de entusiasta volubilidad preparando motivos de posible inspiración folklórica en los que el solista muestra la dimensión de su protagonismo. Obra original por el uso que hace en su desarrollo de instrumentos como las trompetas, las trompas en permanente diálogo con el piano solista. Un concierto que sigue siendo obra maestra de Maurice Ravel,  gracias a su investigación sobre los medios tratados en lo relativo a la orquestación, añadiendo con sabiduría y conocimiento el necesario dramatismo en el reparto de los tres tiempos.

Gabriel Fauré-Suite de Péleas et Mélisande Op. 80 –obra deudora de la estética simbolista de Maurice Maeterlink, y de la obra homónima de Lugné Poe, estrenada en Londres por la actriz Mrs Patrick Campbell, por no hablar de la ópera de Claude Debussy. Fauré compuso su obra en mayo de 1898, para estrenarla en el espectáculo del Teatro Príncipe de Gales, de la que hará la suite sinfónica. Un Preludio Quasi adagio, con la cuerda cantando un primer tema de sublime delicadeza con un misterio que nos traslada a un fortissimo e allargando seguido de un descenso cromático que se traduce en un aire dramático que precede a una coda. La Hilandera resulta un breve andantino quasi allegretto para seguir con la Siciliana (Allegro molto moderato) escrita para la obra El burgués gentilhombre,  que quedo sin terminar. El molto adagio, que anuncia la muerte de Mélisenda nos descubre la Canción de Mélisenda,  de la  que el autor realizó la música de Eva y un segundo tema de La hilandera. Una marcha fúnebre, completa con un ritmo obsesivo mientras la música se eleva con una actitud contundente, en la tonalidad de Re m., con una coda que concluye el drama. Obra estrenada el 3 de febrero de 1901, en los Conciertos Lamoureux parisinos,  dirigida por Camille Chevillard, pero sin la Siciliana y la obra como idea, conserva en su desenvoltura el talante del simbolismo de Maeterlinck.

Ramón García Balado

Prokofiev: la Cenicienta en la Gala de Reyes de la RFG

Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

Dos sesiones en concierto para esta Gala de Reyes de la RFG en el Auditorio de Galicia con una primera destinada a los abonados y público en general- día 5, a las 20´30 h-, y una segunda para el día siguiente a la misma hora para los aficionados que se decidan por esa fecha. Gala que pone un espectáculo de nuestra RFG dirigida por su titular Baldur Brönnimann, contando con la dramaturgia  de Lorena Conde, y las actrices Belén Constenla y Lidia Veiga. Lorena estudió Filoloxia Hispana y goza de un postgrado de Arte Dramático de la USC, recibiendo el EASD Mestre Mateo, además de colaborar en producciones como Captatio Benevolentiae, Matrioska, un Premio María Casares y el de poesía González Garcés. Belén Constenla realizó trabajos para el CDG, la TVG, la TVE, destacando en trabajos como Lagarta, lagarta; Teatro do Morcego; Ollomoltranvía; Teatro do Atlántico; Espello cóncavo; Teatro do Noroeste o Teatro do Aquí. Lidia Veiga, natural de Arzúa, se formó en la ESAD (Escola Superior de Arte Dramático de Galicia y recibió igualmente el Premio Mestre Mateo de 2021, participando en la gala XXII de ese certamen junto a Miguel Canalejo, en el Coliseo de A Coruña. Fue también Premio María Casares y fue candidata a los Premios Max de 2024.  En medio de fechas revueltas debido a ingratos acontecimientos ajenos a la propia orquesta, bueno será actualizar datos tras el río revuelto ocasionado por intencionadas opiniones con respecto a la responsabilidad artística y el proyecto asumido por el director Brönnimann. Voces hay que se pronuncian con un seguro de aplomo en cuanto a los programas que prestan una atención desmedida a los repertorios contemporáneos, esas voces que hablan de la Filarmónica cuando quiere referirse a Filharmonía- curioso lapsus-, y que con y absoluto conocimiento de causa- supuestos aficionados en bastantes ocasiones que rara vez se les ve en el Auditorio de Galicia- insisten con contundencia que estamos ante la presencia de una realidad catastrófica, al borde de un insalvable abismo, que anuncia las trompetas apocalípticas. Para respuesta inmediata, la confirmación recibida por el propio Consorcio confirmando la realidad objetiva en lo relativo a la situación  económica, el número de abonados y la situación de entendimiento entre el director y los miembros de la RFG.

Sergei Prokofiev, había compuesto en su infancia el Galop Hindú, con tan solo cinco años, antes de probar como alumno del forjador de escuela Nikolai Rimski-Korsakov, a partir de 1904, para ampliar con Liadov, en el Conservatorio de San Pertersburgo, logrando en 1911 el Premio Rubinstein, paso previo a su amistad mantenida durante años con  Stravinski y Diaghilev, recibiendo como primer premio el Rubinstein por el Concierto para piano, que tendría continuidad hasta el número 5 Op. 55, compuesto en Berlín (1932), a los que se añadirán los dedicados al violín y al chelo y la Sinfonietta concertante para chelo y orquesta en Mi m. Op. 125 (1950/2), estrenado en Copenhague. El tiempo dejará sorpresas como el ballet Chout (Le Bouffon); L´amour des Trois Oranges (El amor de las trs naranjas); Le Pas d´Acier- un ballet de 1927; Le Fiel Prodigue, otro de sus ballets, a los que se une Sur le Borysthème, el último de ellos, en medio de óperas como Madeleine; L´Ange de Feu; Le Jouer; las óperas Guerre et Paix y Simeon Kolko o los ballets Nuits d´Egypte y Roméo et Juliette.

La Cenicienta (en ruso Zóliushka), es un ballet que cuenta la historia de una modesta doncella cuya sencilla virtud conquista el amor del hermoso príncipe, siendo posible que algunos pasajes resulten paralelos entre los cuentos de hadas y los recientes sentimientos de su vida con Mira, hasta entonces una oscura estudiante de literatura. Una vida apacible y tranquila en el campo, en Krátovo, no lejos de Moscú, mientras efectuaba revisiones amplias del libreto, preparado anteriormente por Nikolai Volkov, el autor de otros como los ballets para Asáfiev- La llama de París y La fuente de Bakhchisarai o Espartaco, de Katchaturian. Cenicienta había sido demandado por el Teatro Kirov, en el invierno anterior, tras el gran éxito adquirido por Romeo y Julieta, dejando como rédito esta Cendrillon (Cenicienta), que al igual que la anterior, se reparte en tres suites sinfónicas, sin pretender en opinión del autor, una simple reunión de números, teniendo en cuenta que bastantes habían sido recompuestos y reoquestados por necesidades de proyecto artístico. Una primera Suite Op. 107, que se reparte entre los números: Introduccion; Paso de los chacales; Disputa; El Hada Abuela y el Hada de Invierno; Mazurka; Partida de Cenicienta al baile; Vals de Cenicienta y Medianoche. Con seguridad la más apreciada de las tres suites. La Suite nº 2 Op. 107, en la que se desarrollan los números: Los sueños de Cenicienta; La lección de danza y la gavota; el Hada de la primavera y el Hada del verano; la Bourrée; la Llegada de Cenicienta al baile; el Gran Vals, para completar con el Galop. La Suite nº 3 (Op. 109), se reparte entre los números que comienzan con la Pavana; la Cenicienta y el Príncipe; Las tres naranjas; El Pais del Sur (la Tentación); la Oriental; el Príncipe encuentra a Cenicienta; el Vals lento y el final con Amoroso. El ballet durante un tiempo había sido postergado antes de completarse definitivamente, un período marcado por la Guerra y las amarguras de los bombardeos, detalle del que Prokofiev nos dejará testimonio en sus escritos: De vez en cuando se estrellaba un bombardero alemán y, todavía, cargado con sus bombas, que no se habían arrojado, estallaba un enorme estruendo. Los blancos haces de luz de los reflectores llenaban el cielo. Los reflectores, las trazadoras verdes que seguían a los cazas, las bengalas amarillas lanzadas por los alemanes: todo eso era un cuadro horrible en su belleza. De manera que el primer verano que Sergei Prokofiev y Mira pasaron juntos, estuvo muy lejos de ser pacífico. Por desgracia, el comienzo de lo que el músico ansiaba, que fuese una vida más tranquila, coincidió casi con exactitud con el principio de una etapa horrenda y agotadora de la historia soviética. Durante los años que siguieron, Prokofiev, como otros artistas rusos, tendrían una existencia nómada desplazándose cada vez más al este, para huir del rápido asedio alemán. A pesar de las penurias de las que se daba noticia cotidiana, o tal vez a causa de ellas, esos años de cruel guerra fueron una etapa de excepcional productividad para el compositor,  dejando obras como la ópera La guerra y la Paz; una de las grandes sinfonías, la Quinta, en Si b M. Op. 100 o la banda sonora para el filme de Eisenstein Iván el Terrible.

Ramón García Balado

Cantamos! Real Filharmonía de Galicia en colaboración con corales

Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

Proyecto participativo con la Real Filharmonía de Galicia y una selección de coros de Galicia, en compromiso con la Federación de coros de Galicia y Amigos de la Ópera de Santiago, contando con la presencia de otras agrupaciones corales que  se  añaden al evento como el Coro de Cámara Thalassa de Marín; el Coro da Asociación Músico Crisanto, de Rábade (Lugo); el Coro da Asociación de Amigos de Santiago (Lugo); el Coro Asubío (Santiago de Compostela); el Coro da Escola Municipal de Música de Santiago, el Coro Crescente de Voces Graves y Sons de Solovio, con  y alumnos de la EAEM, que se ofrece en el Auditorio de Galicia- día 18, a las 20´30, destacando la sesión Conversando con.. 19´45 h., en la Sala Mozart que tendrá como invitado al director de la cita Javier Fajardo- para repetir al día siguiente en una propuesta para el público en general. En programa, oberturas y coros de paginas escogidas de W.A. Mozart, Gioacchino Rossini, Giuseppe Verdi, Gaetano Donizetti y Georges Bizet. Protagonistas del evento, el barítono Milan Périsic, galardonado con el Primer Premio del curso pasado del VII Concurso Compostela Lírica, presidido por Arturo Reverter y en el que participaron Patrick Canan, Aquiles Machado, Elisabete Matos, Graziela Valceva Fierro, Celestino Varela y el pianista Maciej Pikulski.  Milan Perisic, barítono serbio, es un cantante con experiencia profesional que recibió galardones como el Concurso Josep Palet, tras su formación en el Conservatorio Giuseppe Tartini de Trieste, presentándose en coliseos como el Teatro Real y formar parte del elenco de óperas como Anthony & Cleopatra, de John Williams; La nariz  (Dmtri Shostakovich); Athanaël (Thaïs), de Jules Massenet; Iago o el Conde Luna, de G. Verdi; Marcello (La Bohème); L´enfent et les sortilèges (M. Ravel). Para la cita compostelana de 2024, había reservado Ya vas luyblu, de Pikovaia Dama (La Dama de Picas y L´Orage s´est calmé, de Les Pecheurs de perles, de G. Bizet.   La mezzo Andrea Rey, se formó en el CMUS Manuel Quiroga , con la soprano Conchi Rodríguez y en Vigo con José Antonio Campos, y en la Escuela Superior de Canto madrileña, con Susana Cordón y con la repertorista Irene Alfageme, se inicio con La Carroza Real, en el Teatro Real de Madrid, en la IV edición Crescendo de Amigos de la Ópera de la capital, ampliando en roles como Carmen de G. Bizet, Dido and Eneas (H. Purcell); L´enfant et les sortilèges (Maurice Ravel); Die Zauberflöte (Mozart); Le Nozze di Figaro, del salzburgués; zarzuelas como La Gran Via, de Federico Chueca; oratorios como el Magnificat (J.S. Bach), el Stabat Mater (Pergolesi) y proyectos recientes como la pasada temporada en el ciclo Novas Voces Galegas, de Amigos de la Ópera de A Coruña, con el pianista Aurelio Viribay . El director Javier Fajardo, con presencia activa en el Coro de la OSG; estuvo al frente de Joven Coro de la Universidad de Valladolid (2017/ 2024), tras obtener el Premio del Concurso Towards Polhyphony de Wroclaw (Varsovia) y un Tercero del Aegis Carminus de Koper (Eslovaquia),  estuvo con el Kammerchor de Stuttgart; el Klassischor Philharmonie; el Rundfunckchor Berlin; el Cor de Cámara , del Palau de la Música Catalana, el Coro Calderón de Valladolid, tras probar el magisterio de profesores como Marco A. García de Paz, Gary Graden, Frieder Bernies, Simon Halsey o Gijs Leenars. 

En programa, comenzando por W.A.Mozart, la obertura de Le Nozze di Figaro, y las piezas Non son più y Giovani liete, fiori spargete, para pasar a Così fan tutte con Rivolgete a lui lo sguardo. Gaetano Donizetti prestando Roberto Devereux con All´afflito e dolce il pianto y el Giuseppe Verdi de La traviata con la vistosa Di Provenza il mar y la Marcha triunfal, la apoteosis sonora de Aida, completando la primera parte. Ya en la segunda, Giacomo Puccini con en Intermezzo de Manon Lescaut, dejando espacio a George Bizet, con L´Orage s´est calmé, de Los pescadores de perlas. Camille Saint-Saëns, en otro tema de gran reclamo Mon couer s´ouvre à la voix, repitiendo Bizet con Carmen: L´ amour est un oiseaux rebelle (la Habanera); Votre toast, je peux vou le tendre y la entusiasta Marcha de los toreadores. Recurriendo a las notas de Carmen Tubío Barreira, Così fan tutte ossia la scuola degli amanti, el aria que tendremos está escrita para barítono que fue sustituida antes de su  primera representación, aceptando que los libretos de Da Ponte, aportan una mayor profundidad al género bufo. Donizetti es uno de los representantes más destacados junto con Bellini de la corriente operística decimonónica conocida como belcanto, aquella en la que el objetivo principal es la búsqueda de la belleza vocal, con grandes frases melódicas y sin estridencias.  Quien fue figura  crucial de la ópera italiana de la segunda mitad del siglo XIX, al  igual que Wagner, fue Giuseppe Verdi, autor de 26 óperas a lo largo de su dilatada carrera. La traviata forma parte de la denominada trilogía verdiana junto con Rigoletto e Il trovatore, estrenada en el Teatro La Fenice (Venecia) en 1853, y es una de las primeras óperas situadas en el momento presente a su estreno y por eso se vincula con el momento contemporáneo. Giacomo Puccini, con el Intermezzo de Manon Lescaut, fue la tercera ópera del compositor y su libreto se basa en la obra L´histoire du chevalier des Griux et Manon Lescaut, ya desde Francia, en primer lugar escucharemos Los pescadores de perlas, de Georges Bizet y se trata de un drama lyrique, donde los protagonistas son los conflictos íntimos y no tanto los argumentos épicos o históricos de la Grand Opéra, ópera que pertenece a la corriente del exotismo y aborda el tema del amor prohibido en torno de un triángulo amoroso en un ambiente oriental. Mon couer s´ouvre à la voix, de la ópera Samsón et Dali, de Camille Saint-Saëns, es la única de sus 13 óperas  que forma parte del repertorio, ópera en tres actos, con libreto de Ferdinand Lemaire, recorre el relato bíblico de Sansón y Dalila, perteneciente al Antiguo Testamento y con la idea previa por parte del autor de componer un oratorio. Diversos problemas dificultaron su estreno en Francia, dándose a conocer en Weimar, gracias a la mediación de Franz Liszt, en traducción alemana.

Ramón García Balado

Carme Rodríguez, en la serie Cometa, con la RFG

 Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

Círculo das Artes, Lugo 

Concierto de la RFG con su titular Baldur Brönnimann, para dos conciertos que repartirán su programa entre obras de Carme Rodríguez-en Cometa, con Arborescente- y seguir con  Arvo Pärt, Grazyna Bacewitz y Louise Farrenc, en el Auditorio de Galicia- día 4, a las 20´30 h., con charla previa de Conversando con…en la Sala Mozart, con Brönnimann, a las 19´45 h.- y completar al día siguiente en el Círculo das Artes, de Lugo, a las 20´00 h., Carme Rodríguez, compositora de notable actividad, estuvo en las actividades de nuestra formación con el trabajo de orquestación de una obra de Augusta Holmes, en tres tiempos: Le désir, A Trianon y En Chemin, junto a obras de Alban Berg y J.Brahms, en marzo de 2023 y más recientemente en el certamen de Contemporáneas en las propuestas de Compostela Cultura, con Alalá das Paisaxes Verticais, en el concierto de la pianista Isabel Pérez Dobarro, obra de la que será dedicataria y que evoca a través de sus notas, el canto melismático de la forma musical del alalá en sus transformaciones. Carme se especializó en bandas para filmes, teatro y artes escénicas logrando con ello recibir importantes encargos que ayudaron a su promoción artística, con una presencia frecuente en citas de músicas de nuestro tiempo.

 Arvo Pärt, con una obra clave y representativa Fratres, pieza dentro de lo que dio en llamarse silencio creativo, obra testimonial por su planteamiento estético en cuanto al uso de los motivos que la definen, para conocer su estreno por el Hortus Musicum, recalcando los detalles sonoros del uso de valores tímbricos producto resultante del tratamiento sonoro conocido como tintinabulación, un a modo de recursos apoyados en las ancestrales formas de polifonías góticas de procedencia franco- flamencas, apoyándose en un particular tratamiento de tríadas. Su resultado, vendrá gracias a una labor de indagación a través de los enfoques musicales de amplio espectro desde la más sencilla combinación a las combinaciones camerísticas más libérrimas. Pärt será uno de las figuras señeras de las tendencias actuales en las corrientes de los países nórdicos, en las se dan cita Jaan Rääts, Eino Tamberg, Kuldar Sink, Raimo Kangro o Erkii- Sven Tüür, en su caso, la herencia de géneros de la iglesia sacra ortodoxa  impregna en gran medida la evolución de sus propuestas, dentro de una clara búsqueda de la simplificación estilística forjada a golpe de un necesario voluntarismo expresivo, que nos aproxima a un tono casi beatífico, con fundamentos en los materiales practicados por Usvoltskaia, aunque en esa compositora sus planteamientos nos trasladen a períodos más ancestrales, se acepta que la línea melódica tratada por este compositor, podrá asumirse como un criterio más diletante, con una técnica más repetitiva, modelo al que se acercan los creadores señeros de la escuela minimalista, en su caso al servicio de la necesaria reflexión meditativa. Tabula rasa y Fratres, abundan en ese ambiente de proyección mística sujeta por un tejido armónico que le llevan a un lenguaje que se alimenta de los recursos más elementales en cuanto a la creación de su lenguaje, obras como su Segunda Sinfonía (posiblemente deudora de Shostakovich); Perpetuum mobile, una aproximación si cabe a los modismos del Continuum, de Gÿorgy Ligeti); el tono profusamente elegíaco de Cantus- un homenaje de Benjamin Britten-; De Profundis, para cuatro voces, órgano y percusión  o el Te Deum (1989).  La corriente renovadora de los compositores de los países bálticos, nos deja la relación de estos creadores, todos ellos con procedencia de Estonia, a los que se añaden sus vecinos de Letonia y Lituania, embebidos en tradiciones arraigadas en sus propias historias y que actualmente comienzan a tener una presencia contrastada con otros países que nos resultan afortunadamente familiares, cimentadas en benefactoras impregnaciones compartidas entre todos ellos. Estonia tendrá en beneficio de distanciarse de las dependencias rusas, en especial a partir de 1991, contando entonces como maestro de referencia a Erkki-Sven Tüür. En los años 40, se presentaría como cabeza de vanguardia la Orquesta Sinfónica de Estonia, fundada por Tartu, mientras que el compositor Juhan Simm (1885/1959), haría posible la creación del Coro de la Universidad.

Grazyna Bacewicz (1909/ 69)- Concierto para orquesta de  cuerdas-, se enmarca dentro de las corrientes neoclásicas tras pasar por las docencias de Nadia Boulanger, siendo una de las representantes necesarias de la tradición polaca, liderando con ello las opciones más avanzadas superando la opresión de los medios circundantes que condicionaban su libertad, incorporándose a los movimientos que pujaban por su libertad. Llegó a instalar sus laboratorios de experimentación de música electrónica realizando conciertos en los Festivales de Otoño, de Varsovia, padeciendo las consecuencias inevitables de enfrentamientos políticos, que afectará a sus posicionamientos artísticos. Fue violinista y alumna de Carl Flesch, prestigiado pedagogo, llegando a ser solista de primeras orquestas, estrenando su Primer concierto para piano aunque preferentemente trabajó para pequeñas agrupaciones camerísticas y para solista, alcanzando un total de cuatro sinfonías, obras para coro , siendo una de sus obras  de importancia Music for Strings, Trumpets and Percussión (1958) recibiendo el Primer Premio de la UNESCO de París (1990). Su música es atonal dentro de diversas modalidades en las corrientes de los años cincuenta, su mejor período compositivo, experimentado posteriormente con otros procedimientos en las propuestas de las vanguardias. La Segunda Guerra Mundial marcó su carrera, que la obligó a refugiarse en un área rural, sin que dejase de componer siempre atenta a su personal lenguaje. Aspecto digno de mención, será su interés por la escritura de relatos, con los que lograría importantes galardones. En la serie de sus obras, destaca también Pensieri notturni, obra nacida en una etapa entregada al género de las sonatas.

Louis Farrenc- Sinfonía nº 3, en Sol m. Op. 36 – compositora que volvemos a encontrarnos tras  escuchar la sinfonía anterior, en abril de 2023, dirigida por Nil Venditti- Flores italianas- entre obras de Puccini y Mendelssohn, con la Sinfonía Italiana. Esta sinfonía de Farrenc, se reparten entre los tiempos: Adagio-Allegro; Adagio cantabile;  Scherzo-vivace  y Finale-Allegro, una compositora que tuvo como maestros a J.Nepomuk Hummel, Antonin Reicha e Ignaz Moscheles, llegando a recibir un Prix Chartier, en dos ocasiones, además de ser alabada por J. Joachim por su Noneto Op. 38 (1850), dejando como testimonio su tratado Tesoro para los pianistas,   Casada con otro prestigioso músico, Aristide Farrenc llegó a utilizar su nombre, costumbre habitual de la época, que para nada menoscabó sus méritos. Pertenecía una familia de artistas en la que aparecían el escultor Auguste Dumont y  Ernest Reyer, también llegó a  ejercer la docencia de la que saldrían importantes alumnos, obteniendo también Premios de la Academie des Beaux Arts for Chamber Music.

Ramón García Balado

Elegías para Brahms según Ruth Reinhardt

 Santiago de Compostela - 30/11/2025

Programas de la Real Filharmonía de Galicia, bajo la dirección de Ruth Reinhardt, una directora con estudios en el Altenkessel Saarbrüken, y que se presentó profesionalmente con la ópera Das Kleine Gespenst, basada en su relato de Olfried Pressler, en el Alte Feuerwache, (Theater Saarbrüken), mientras ampliaba su formación en la Academia de Artes, de ese coliseo. En la Zürcher Universität, dentro de su Hochschule der Kunst, tuvo como maestro a Rudolf Koelmann, para ampliar en dirección con Constantin Trink y Johannes Schaefl, y la Juilliard School neoyorquina con Alan Gilbert y James Ross, probando en la puesta escénica de obras para los públicos más jóvenes como The Little Mermaid, de Michael Muggli o Wessilissem de Dennis Bässeke; dirigió a formaciones como la Sidney S. O.; la Rhode Island O.; la Rundfunk de Frankfurt; la Orchestre d´Ile de France; Los Ángeles Philharmic O. o la Tonküstler, de la Baja Austria. En programa, Núria Giménez-Comas, en el preludio Cometa, compositora con estudios en la ESMUC con Christophe Havel y Mauricio Sotelo antes de especializarse en Ginebra con Michael Jarrell, Luís Naón y Eric Daobresse, indagando en el ámbito de las formas acusmáticas multicanal, además de recibir una beca de la Fundación Caja Madrid, realizando trabajos con el Cuarteto Diotima y asistir a la Ac. Schelss Solitude, de Espacialización Sonora, para seguir en Voix Nouvelles de Royaumont, con Clara Czernowitz y Brian Ferneyhough; y en el IRCAM/ZKM, en el proyecto Esculturas Sonoras, y en el IRCAM Centre Pompidou, en el que llevaría a cabo su trabajo Nostalgie 2175, para el Teatre del Liceu, preparó la ópera en pequeño formato Shadow. Euridice Says. Su breve pieza Envol, casi un imperceptible suspiro en forma fugaz, resulta por trazo un haiku volátil con sesgos tomados de los marginales Guns N´Roses, que con suerte sus seguidores podrían adivinar.

Detlev Glanert- Idyllium, Metamorphosen nach Brahms- obra estreno es España y un homenaje a Johannes Brahms, es un compositor del que escuchamos el curso pasado con la OSG su Concierto para chelo, interpretado por Johannes Moser, bajo la dirección de Anna Rakitina, a comienzos del mes de febrero, la trayectoria de este músico nos lleva a sus experiencias con Dieter de Lamotte, Günter Friedrich, Franck M. Beyer y en mayor medida, con Hans Werner- Henze, con quien realizó masters de especialización en Colonia, actividades que mantendrá a lo largo de los años. Un compositor que preferentemente se interesa por el género escénico, con trabajos como Leyla und Medjum, ópera destinada para Munich; Calígula, sobre la dramaturgia de Albert Camus, que subirá a escena en Frankfurt; Die Judin von Toledo, tomando como argumento un texto de Hans- Ullrich Treichel y que se inspira en las pinturas negras de Goya, para el Semper Opern Dresden o el ballet Nijinski Tagebuch. Fueron microformas lo que dieron entidad a la obra más estimulante y servida antes del cierre de la primera parte, por lo que guardaba de homenaje a la Segunda Sinfonía de Brahms, entremezclada con detalles de complejas opciones sonoras que suscitaban en el oyente el estímulo de hallarse ante una obra que incluso demandaría una extensión de mayor amplitud.

Hubert Parry (1848/ 1918)- Elegía para Brahms-, obra de 1897, destacaba por la importancia concedida al espacio sinfónico tardo-romántico, con notable acentuación en su época, desde la Primera estrenada en 1882, un músico que también conoció una experiencia enriquecedora en Inglaterra desde Malvern a Eton y al Exeter College (Cambridge), recibiendo las atenciones de maestros como Edward Dannreuther. Su Fantasía-Sonata, para piano y violín, fue una de las obras que recibió una inmediata acogida a la que se añadirán unas Variaciones escritas a partir de J.S. Bach. Dannreuther, interpretó en 1880 su Concierto para piano en Fa sost. m, en el Crystal Palace, obra que vendría después de la obertura Guillem de Cabestanch; el Intermezzo religioso, para cuarteto de cuerdas estrenado en el Gloucester Festival. Una carrera en la que también tuvieron cabida géneros aparentemente menores, de compromiso, como las Canciones para niños, inspiradas en Milton, que ayudaron a su prestigio de reconocimiento en plena madurez, piezas que quedarían a la altura de sus arreglos realizados sobre sus obras Judith; War and Peace o A Vision of Life, mientras realizaba labores de investigación que tendrán su reflejo en los Studies of Great Composers (1886), obra de consulta para estudiosos y especialistas, y que se consolidarán con The Art of Music (1893), The Evolution of the Art of the Music, con atención al período del siglo XVII, contribuyendo a una revisión que ayudará a investigadores que vendrán casi de inmediato. Sir Edwar Elgar, también figuraría en su horizonte y la pieza en cartel resultaría un fiel testimonio, un pretendido homenaje al autor del Hamburgo, tras su muerte en abril de 1897.

Johannes Brahms- Serenata nº 2, en La M. Op. 16-, un divertimento y mirada sesgada a un pasado ensoñador, composición de su estancia en Detmold, para repartirse en sus tiempos: Allegro moderato; Scherzo: Vivace; Adagio ma non tropp; Quasi minuetto y Rondó- Finale, guarda puntos en común con su obra precedente por su serenidad y equilibrio, además de su frescura, un trabajo de juventud que anuncia sus mejores virtudes, y que cara al futuro, contará con una revisión, después de su publicación en 1860. El Allegro moderato se enfocó con un aire lírico y delicado, desde el primer tema expuesto a través de acordes sobre una melodía ornamental, remarcada en la continuación; el Scherzo:Vivace, cargado de propuestas rítmicas que sugeriría un aire popular, dejando por ello paso a un Adagio non troppo que resultaba una grata impresión de inspiración; el Quasi menuetto, todo un revuelo resuelto por los instrumentos de viento preparaba el Rondó: Allegro, ofrecido con un aire de de fanfarria, expuesto por clarinetes y fagotes. Tras la presentación en Hamburgo en febrero de 1860, la Serenata se dará a conocer en Leipzig, y tras el éxito inesperado, el autor decidirá trabajar sobre otras obras que tenía en mente, mientras que acababa de participar en un concierto en la Gewandhaus, de Leipzig, con su muy estimada Clara Schumann y con Johannes Joachim, un concierto que tendría como director a Karl Reinecke. Clara, que aún no conocía todavía esta Serenata Op. 16, para pequeña orquesta, nos dejaría la impresión de que resultaba una pieza extraordinaria, por su gran belleza. Insistiría una vez más en la sensación de serenidad, de la que quedará constancia en una carta dirigida a Joachim, compartida con otros compañeros aunque críticos como Gleich, del Leipzinger Tageblatt, tuviese una valoración menos entusiasta. Directora y orquesta, dejaron una sensación óptima ante quienes le admiramos, especialmente por sus obras camerísticas, para un programa pleno de guiños y reconocimientos hacia este compositor, bastión entre generaciones al borde del enfrentamiento.

Obra inspiradora para conmemorar los mil números de la revista RITMO. Muchas felicidades.

Ramón García Balado

 

Real Filharmonía de Galicia / Ruth Reinhardt.

Obras de Núria Giménez-Comas, Hubert Parry, Detlev Glanert y Johannes Brahms

Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

Centro Cultural Afundación, Pontevedra

Foto © P. Meisel

https://www.ritmo.es/auditorio/critica-elegias-para-brahms-segun-ruth-reinhardt-por-ramon-garcia-balado 

Gabriela Ortíz: Clara, pinceladas schumannianas

 Centro Cultural Afundación, Vigo

Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela  

Conciertos en atención al entorno de los Schumann, por reclamo de programa, y que tendrá dos citas- Centro Cultural Afundación, de Vigo, día 12, a las 20´00 h, y el Auditorio de Galicia- día 13, a las 20´30 h-, con sesión previa de Conversando con…Sala Mozart, con el director Baldur Brönnimann, a las 19´45 h-, un programa que ofrece dentro de la serie Cometa, un encargo de Leticia Goás, y la Sinfonía nº 3, en Mi b M. (Renana), de Robert Schumann. La invitada Leticia Goás, es compositora especializada en trabajos para el cine o los media, que comenzó sus estudios en A Coruña con Nicolás Cadarso y Tatiana Prejvalskaia, antes de ampliar en la Universität der Kunste, con Günter Steinke e Iñaki Estrada, realizando masters de especialización en la Zurcher Universität der Künster, junto a Niki Reiser y Olav Lervik, destacando igualmente otros cursos de ampliación con Tristan Murail, Stefan Prins, Grégoire Lorieux, I. Diaguileva, J. Planells, A. D´Anto o Ajztony Csaba, entre otros.

Gabriela Ortíz- Clara-, obra en estreno, es una compositora mejicana de la que guardamos buenas impresiones por recientes aportaciones en nuestra tierra, como es el caso de su colaboración en las Xornadas de Música Contemporánea de 2025 (Caleidoscopio), en los conciertos con la JONDE, en el que ofreció su pieza El águila bicéfala, en una jornada que ofrecía piezas de César Camarero, Mario Davidovsky, Inés Badalo- quien en la programación reciente de Cometa, nos dejó Laberintos de ámbar- y Thomas Adès, teniendo como partícipes al Trío Arbós, la JONDE y el clarinetista Joan Enric Lluna. Gabriela fue candidata a un Grammy Latino, avalando segura trayectoria, interesada por las formas contemporáneas, en las que no faltan referencias populares y jazzísticas y un modelo había sido El águila bicéfala, dedicada al Ensemble Ónix, que se planteaba como un motivo gráfico que surgiría a partir de ritmos típicos de las tradiciones musicales.  Otra colaboración suya, nos trasladaba a la primavera de 2023, con la OSG dirigida por Manuel Hernández-Silva, para poner en atriles Altar de bronce, en un concierto en el que destacaría Pacho Flores, con toda su variedad de trompetas, músico nacido en el entorno del Sistema  de Orquestas venezolano de Abreu, una prueba de la excelente camaradería entre el trompetista y esta compositora. Para aquella sesión, uno de los alicientes había sido contar con su presencia en la sala, una compositora que a estas alturas se ha convertido en una auténtica embajada cultural mejicana, a nivel internacional, con el beneficio añadido de haber disfrutado de las docencias de Antonietta Lozano, paso previo a su traslado a la London Royal School,  y continuar en el Conservatorio Roissy-en-Brie (Francia), con J.Castered. Accedió en su evolución a los talleres de investigación de Federico Ibarra, Daniel Catán y Julio Estrada, probando en experiencias innovadoras en las artes escénicas, con la obra En busca del mambo perdido, en calidad de intérprete y compositora, aspecto de tendría continuidad en otra aventura con la escultora Elena Ostervalder, en un proyecto multimedia ofrecido en el Heritage Village Columbus (Ohio), y que coincidiría con el Primer Premio del Concurso de Composición Alicia Hurreta, por el Cuarteto nº 1, para cuerdas, interpretado por el Cuarteto Latinoamericano. Fue habitual asistente de Federico Ibarra, en la Universidad Autónoma de México, mientras recibía una prestigiada beca de posgrado, en la Guildhall School of Music and Drama (Londres). Clara, la obra que estrena, es un trabajo en cinco tiempo en lo que supone un homenaje a Clara Wieck/Schumann, en la que podremos apreciar su perfecta contextualización con el programa en cartel, que se completará con la Sinfonía Renana, de Robert Schumann.

La Sinfonía nº 3, en Mi b M. (Renana) Op. 97, es obra de finales de 1850, compuesta en Düsseldorf, ciudad en la que fue estrenada bajo su dirección, aceptando que su título primigenio sería Episodio de una vida en la orilla del Rin, con evocaciones que darán lugar a una recreación imaginaria y que ayuda a describir posibles pasajes legendarios germánicos a través de una inspiración popular, un pretendido homenaje a su patria chica, destacando el andamiaje tratado en los movimientos extremos que, en el conjunto global, tiende a utilizar denominaciones en alemán, aspecto que encontraremos en otros compositores románticos de la época. Algo conserva de lo que podremos considerar como una obra programática, con acentuación remarcada por el esas vivencias de su estancia en Düsseldorf y el fluir distante de las aguas del Rin que para más de un curioso, podría acercarse a El Moldava, de Smetana, en cualquier caso, nada tiene que ver con otros sinfonismos que tomaría los ríos como elemento influyente. El Vivace- Lebhaft-, ofrece un tema sincopado propuesto por un tutti,  que el propio Johannes Brahms se acordará en el comienzo de su Tercera sinfonía, en este tiempo que se define por un permanente impulso, auspiciado por la tonalidad . Un staccato surge en una idea más lírica dentro de un escueto desarrollo que ayuda al discurso de su cohesión interna.  El Scherzo Molto moderato-Sehr mässig-en inicio llamado Mañana en el Rin, en su forma tripartita aporta una serie de variaciones dentro de los términos de un scherzo acostumbrado aprovechándose de los beneficios que se encuentra en el estilo tradicional de länder , remarcado por las violas y chelos, en un contraste de abundantes sugerencias.

El Andante: Non troppo vivo- Nicht Schnell- tiempo curiosamente breve y que se confiesa precisamente como sin prisa, vale sencillamente como un intermezzo expresado como el apacible Lied de necesaria sobriedad, perfecta transición entre el Sehr mässig y el Feierlich, ese cuarto tiempo Maestoso de intenciones solemnes, nacido por la inspiración al contemplar la Catedral de Colonia, quizás a mayores, un homenaje a J. Sebastian Bach, por el trabajo obtenido en las labores de contrapunto, a partir de un único tema cuya extensa melodía de cuartas ascendentes, doble fanfarria de instrumentos de metal y de madera, resultarán predecesoras de otros sinfonismos que aportarán románticos de plenitud. El Finale:Vivace-Lebhaft-, se acepta como un profundo contraste iniciado con ideas del Vivace inicial, un tema si se quiere excepcional por su determinante fuerza expresiva y rítmica, en medio de unos aires de danza y arrobamiento popular.

Ramón García Balado

Elegías para Brahms según Ruth Reinhardt

 Programas de la Real Filharmonía de Galicia bajo la dirección de Ruth Reinhardt, una directora con estudios en el Altenkessel Saarbrüken, y que se presentó profesionalmente con la ópera Das Keine Gespenst, basada en su relato de Olfried Pressler, en el Alte Feuerwache,  (Theater Saarbrüken), mientras ampliaba su formación en la Academia de Artes, de ese coliseo. En la Zürcher Universität, dentro de su Hochschule der Kunst, tuvo como maestro a Rudolf Koelmann, para ampliar en dirección con Constantin Trink y Johannes Schaefl,  y la Juilliard School neoyorquina con Alan Gilbert y James Ross, probando en la puesta escénica de obras para los públicos más jóvenes como The Little Mermaid, de Michael Muggli o Wessilissem de Dennis Bässeke; dirigió a formaciones como la Sidney S. O.; la Rhode Island O.; la Rundfunk de Frankfurt; la Orchestre  d´Ile de France; Los Ángeles Philharmic O. o la Tonküstler, de la Baja Austria. En programa, Núria Giménez-Comas, en el preludio Cometa, compositora con  estudios en la ESMUC con Christophe Havel y Mauricio Sotelo antes de especializarse en Ginebra con Michael Jarrell, Luís Naón y Eric Daobresse, indagando en el ámbito de las formas acusmáticas multicanal, además de recibir una beca de la Fundación Caja Madrid, realizando trabajos con el Cuarteto Diotima y asistir a la Ac. Schelss Solitude, de Espacialización Sonora, para seguir en Voix Nouvelles de Royaumont, con Clara Czernowitz y Brian Ferneyhough; y en el IRCAM/ZKM, en el proyecto Esculturas Sonoras, y en el IRCAM Centre Pompidou, en el que llevaría a cabo su trabajo Nostalgie 2175, para el Teatre del Liceu, preparó la ópera en pequeño formato Shadow. Euridice Say.Su breve pieza Envol, casi un imperceptible suspiro en forma fugaz, resulta por trazo un haiku volátil con sesgos tomados de los marginales Guns N´Roses, que con suerte sus seguidores podrían adivinar.

Detlev Glanert- Idyllium, Metamorphosen nach Brahms- obra estreno es España y un homenaje a Johannes Brahms, es un compositor del que escuchamos el curso pasado con la OSG su Concierto para chelo, interpretado por Johannes Moser, bajo la dirección de Anna Rakitina, a comienzos del mes de febrero, la trayectoria de este músico nos lleva a sus experiencias con Dieter de Lamotte, Günter Friedrich, Franck M. Beyer y en mayor medida, con Hans Werner- Henze, con quien realizó masters de especialización en Colonia, actividades que mantendrá a lo largo de los años. Un compositor que preferentemente se interesa por el género escénico, con trabajos como Leyla und Medjum, ópera destinada para Munich; Calígula, sobre la dramaturgia de Albert Camus, que subirá a escena en Frankfurt; Die Judin von Toledo, tomando como argumento un texto de Hans- Ullrich Treichel y que se inspira en las pinturas negras de Goya, para el Semper Opern Dresden o el ballet Nijiski Tagebuch. Fueron microformas lo que dieron entidad a la obra más estimulante y servida antes del cierre de la primera parte, por lo que guardaba de homenaje a la Segunda Sinfonía de Brahms, entremezclada con detalles de complejas opciones sonoras que suscitaban en el oyente el estímulo de hallarse ante una obra que incluso demandaría una extensión de mayor amplitud.

Hubert Parry (1848/ 1918)- Elegía para Brahms-, obra de 1897, destacaba por la importancia concedida al espacio sinfónico tardo-romántico, con notable acentuación en su época, desde la Primera estrenada en 1882, un músico que también conoció una experiencia enriquecedora en Inglaterra desde Malvern a Eton y al Exeter College (Cambridge), recibiendo las atenciones de maestros como Edward Dannreuther. Su Fantasía-Sonata, para piano y violín, fue una de las obras que recibió una inmediata acogida a la que se añadirán unas Variaciones escritas a partir de J.S. Bach. Dannreuther, interpretó en 1880 su Concierto para piano en Fa sost. m, en el Crystal Palace, obra que vendría después de la obertura Guillem de Cabestanch; el Intermezzo religioso, para cuarteto de cuerdas estrenado en el Gloucester Festival. Una carrera en la que también tuvieron cabida géneros aparentemente menores, de compromiso, como las Canciones para niños, inspiradas en Milto, que ayudaron a su prestigio de reconocimiento en plena madurez, piezas que quedarían a la altura de sus arreglos realizados sobre sus obras Judith; War and Peace o A Vision of Life, mientras realizaba labores de investigación que tendrán su reflejo en los Studies of Great Composers (1886), obra de consulta para estudiosos y especialistas, y que se consolidarán con The Art of Music (1893), The Evolution of the Art of the Music, con atención al período del siglo XVII, contribuyendo a una revisión que ayudará a investigadores que vendrán casi de inmediato. Sir Edwar Elgar, también figuraría en su horizonte y la pieza en cartel resultaría un fiel testimonio, un pretendido homenaje al autor del Hamburgo, tras su muerte en abril de 1897.

Johannes Brahms- Serenata nº 2, en La M. Op. 16-, un divertimento y mirada sesgada a un pasado ensoñador,  composición de su estancia en Detmold, para repartirse en sus tiempos: Allegro moderato; Scherzo: Vivace; Adagio ma non tropp; Quasi minuetto y Rondó- Finale, guarda puntos en común con su obra precedente por su serenidad y equilibrio, además de su frescura, un trabajo de juventud que anuncia sus mejores virtudes, y que cara al futuro, contará con una revisión, después de su publicación en 1860. El Allegro moderato se enfocó con un aire lírico y delicado, desde el primer tema expuesto a través de acordes sobre una melodía ornamental, remarcada en la continuación; el Scherzo:Vivace, cargado de propuestas rítmicas que sugeriría  un aire popular, dejando por ello  paso a un Adagio non troppo que resultaba una grata impresión de inspiración; el Quasi menuetto, todo un revuelo resuelto por los instrumentos de viento preparaba el Rondó: Allegro,  ofrecido con un aire de de fanfarria, expuesto por clarinetes y fagotes. Tras la presentación en Hamburgo en febrero de 1860, la Serenata se dará a conocer en Leipzig, y tras el éxito inesperado, el autor decidirá trabajar sobre otras obras que tenía en mente, mientras que acababa de participar en un concierto en la Gewandhaus, de Leipzig, con su muy estimada Clara Schumann y con Johannes Joachim, un concierto que tendría como director a Karl Reinecke. Clara, que no conocía todavía esta Serenata Op. 16, para pequeña orquesta, no resultaría muy sorprendida dejándonos la impresión de que resultaba una pieza extraordinaria, por su gran belleza. Insistiría una vez más por la sensación de serenidad, de la que quedará constancia en una carta dirigida a Joachim, compartida con otros compañeros aunque críticos como Gleich, del Leipzinger Tageblatt, tuviese una valoración menos entusiasta. Directora y orquesta, dejaron una sensación óptima ante quienes le admiramos, especialmente por sus obras camerísticas, para un programa pleno de guiños y reconocimientos hacia este compositor, bastión entre generaciones al borde del enfrentamiento.

Ramón García Balado

Real Filharmonía de Galicia/ Ruth Reinhardt. Obras de Núria Giménez-Comas, Hubert Parry, Detlev Glanert y Johannes Brahms

Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

Centro Cultural Afundación, Pontevedra

Amandine Beyer y Diego Ares, desde Karl P. E. Bach a Luigi Boccherini

 Auditorio de Galicia, Santiago

Teatro Principal, Ourense 

Concierto a medias entre la violinista y directora Amandine Beyer y el clavecinista Diego Ares, con la RFG, que se ofrece en dos sesiones, destacando obras de K.P. Emmanuel Bach, F.J. Haydn y Luigi Boccherini- Auditorio de Galicia, día 16, a las 20´00, con sesión de Conversando con…19´45, teniendo como contertulios a Amandine y a Diego, para repetir mañana en el Teatro Principal de Ourense, a las 20´00 h-, en su calidad de artista en residencia, Amandine, dejó excelentes impresiones el curso anterior, una violinista de que la ya conocíamos notables impresiones por sus actividades con su grupo Gli Incogniti, avalado por los años de estudio en la Schola Cantorum Basiliensis y sus colaboraciones con artistas como Pierre Hantaï, Andreas Steier o Krystian Bezuidenhout, dejándonos el recuerdo de las tres iniciativas aportadas en sus conciertos Los Elementos- puro rococó francés-; Marianne y Maddalena, con atención a Marianne von Martínez, para completar en la sesión (En) Foco, en calidad de solista, con el percusionista Juanjo Guillém, junto a la RFG y su titular Baldur Brönnimann.  Diego Ares, que nos dejó una lectura modélica de Las variaciones Goldberg BWV 988, participó en certámenes como Roque D´Antheron; Música Antigua de Utretch, Festivales de Granada y Santander, colaboró con artistas como Laura Andriani, Hille Perl, Rachel Podger, Morice Stegere o Lina Tur Bonet. Fue alumno de Genoveva Gálvez, Carmen Schibli, Richard Eggar y Pilar Cancio, antes de ampliar en los Conservatorios de Trossingen o Ginebra y en la  Ac. Gstaad (Suiza). En otro ámbito, participó en el proyecto AlloBach, en la grabación de la City Light Symphony O., sobre John Williams.

Karl P. Emmanuel Bach- Sinfonía en Mi m. H. 652 (W. 177)- el espíritu vivo del Empfindsamkeit, traducible como sensibilidad, una reacción frente a la herencia barroca anterior, representada por  la generación de su padre, precisamente porque la música se decidía por un ansiado distanciamiento, una evolución atenta a las posibilidades que aportarán las sorpresas auspiciadas por continuos cambios de actitud. De sus sinfonías, el capítulo de composiciones como la que escucharemos, perteneciente a las breves obras compuestas en Berlín o en Hamburgo, y alguna en colaboración con el príncipe Ferdinand P. Lobkowitz, algunas de ellas se conservan con instrumentaciones distintas y sólo cinco, fueron publicadas en vida del autor, como es el caso de la obra elegida. Destaca el primer movimiento audaz e impulsivo frente a un segundo meditativo, casi elegíaco y el final claramente entusiasta. Un distanciamiento perceptible de los desarrollos barrocos dentro de un discurso contratado. El compositor se formó como clavecinista antes de ingresar en la corte de Federico II, al que seguiría a Postdam y Berlín, preparando su traslado a Hamburgo, como director de música, tras la pérdida de su protector G.F.Telemann, destacando precisamente en estos géneros instrumentales.

Franz Josep Haydn- con dos obras, el Concierto para clave en Re M. y el Concierto para violín y clave Hob. XVIII: 6, en Fa M.-, obras para teclado calificadas casi como divertimentos y que en muchos casos, provienen de recuperaciones de trabajos anteriores realizados con imaginativa libertad, lo que publicará ciertas dudas en cuanto a su autoría. Obras algunas procedentes de la etapa en Eisenstadt, lo que contribuye a dilatar la datación de las fuentes. Las Hob. XIV habían arrastrado parte de esas dudas, limitándose a ser puro reflejo de aquellos estilos concertantes, dentro del esquema de ciertas sonatas para el teclado y que no volvería a repetir en el apartado de la evolución de sus obras, dudas que se mantendrán en el grupo de los Hob. XVIII, en los que prescindirá del pedalier, permitiendo utilizar el clave solista. Los seis conciertos del grupo, muestran los tres  tiempos habituales, sobre un acompañamiento menor de las cuerdas y una presencia destacada de los oboes, permitiendo en varias copias una aportación destacada de trompas, trompetas y timbales. Estilísticamente, aparecen secuencias barrocas bastante difusas, un ejemplo de transición que descubrimos en el Hob. XVIII. 6, en Fa M., en realidad lo que podrá ser un concierto para órgano y violín, con un curioso final en 3/8, que anuncia el minuetto, de la Sinfonía nº 21 (1764) o quizás Eine kleine Nachtmusik K. 525, de W. A. Mozart. Ninguno de la serie de conciertos para clave o pianoforte, han sobrevivido en la forma de autógrafo.

Luigi Boccherini- Sinfonía en Do M. G. 519-, obra de 1788, para pequeña formación y que se reparte en sus tiempos Allegro vivo assai; Pastorale lentecello; Minuetto allegro y Finale-Allegro (saltarello). Boccherini establecido en la corte española, que además de servir a la Real Capilla, como chelista, probará como músico junto a Manfredi en la Compañía de la Ópera Italiana, el Palacio del Buen Retiro o Los Caños del Peral. De sus viajes de conciertos, vivirá una situación similar a la de Mozart, con su padre Leopold, relacionándose con músicos célebres, sin desechar las influencias de Pietro Nardini- alumno de Tartini-; Giuseppe Maria Cambini o Giovanni Battista Sammartini, formando entonces la creación de importantes cuartetos, que se ampliarán con los quintetos, de feliz memoria en la corte española, en donde recibirá el trato de compositore e virtuoso di camera. En 1771, estará plenamente integrado en la Capilla del Infante don Luís de Borbón, período del que datan Sei Sinfonie , interpretadas en las academias de la misma, reforzada con otros músicos traídos al efecto y que seguían los dictados de la escuela de Mannheim. Fue director de la orquesta de la condesa-duquesa de Benavente, de la que queda constancia por los registros de la tesorería, en un inventario de obras que tan insigne personaje poseía, incluyendo para mayor precisión obras de cuando estaba al servicio  del Infante Don Luís Antonio de Borbón, obras en su conjunto, fueron llevadas por Boccherini, cuando ejercía como director de la orquesta de la condesa-duquesa: Seis sinfonías, dedicadas al Infante don Luís (1775); otras cinco sinfonías (1782), dedicadas al mismo personaje; una sinfonía dedicada a la Condesa de Benavente (1782), un ejemplo del buen entendimiento entre ambas familias con sus respectivas orquestas  y otra sinfonía carente de fecha. Un Boccherini que con fortuna, merece ser considerado como digno representante en la corte española, de los modismo del Sturm und Drang, que repercutirá en el conjunto de sus obras, en los diversos estilos.

Ramón García Balado

Segundo Concierto de alumnos del Curso de Cámara Airas Nunes

 Escola de Altos Estudos Musicais, Santiago de Compoatela

Una despedida afortunada para el Curso de Cámara Airas Nunes y que para la ocasión, nos brinda la colaboración de alumnos y dos de los profesores, el pianista Claudio Martínez Mehner y la violinista Anna Gebert, en la Escola de Altos Estudos Musicais- día 5, a las 17´30 h.-, comenzando Yuval Shmila, pianista que interpretará el primer movimiento de la Sonata en La m. K. 310, llamada Parisina y pieza de un joven de 22  años, obra que fue difícilmente fechable ubicándola junto a la K. 300 y el K. 316 y la Sonata para violín y piano  K. 304, durante aquel período parisino de gratas experiencias, a pesar de coincidir con la muerte de su madre, que marcará la evolución de las obras para el teclado. Habrá quien diga que es la primera obra trágica que recordará precisamente el mundo poético y el cuidado y perfección de las formas tratadas. Un talante expresivo que recuperaremos en óperas como Idomeneo o la Serenata K. 388. Los  primeros compases, según Glenn Gould, resultan uno de los mejores inicios de todas sus sonatas, ya que inciden profundamente en el estado de percepción. Una sonata que simplemente ofrece un surtido de vivacidad y vehemencia pomposa que procurará al autor una mejor reputación de la merecida, estamos precisamente ante la actitud mantenida por el temible Glenn Gould. La tonalidad, expresa una desesperación fría y sin lágrimas, dominada por un orgulloso rechazo a cualquier consuelo.

Vivien Walser, con la Barcarola Op. 60, de F. Chopin, saturada de sutilezas y abstractas evocaciones, única considerada como la cúspide de su obra para el teclado, idea        que sustentarán artistas como F.Nietzsche y André Gide, subyugados por su lirismo luminoso pleno de resonancias italianizantes condensadas en ese ámbito ensoñador gracias a su poética, en el espacio de sus 116 compases. Aspectos se descubrirán en su acercamiento posterior en compositores como Maurice Ravel, merced a sus sutilezas tímbricas a modo de herencia comprensible del franco-polaco, a tenor de lo que la historia acabe decidiendo. Para entendernos, baste con saber que esa predilección del compositor de Dafnis et Chloe, sentía por nuestro autor de géneros como las Barcarolas.

El trío formado por Ada Aebi (Violín); Philip Karmanov (piano) y Elodie Sigrist (piano), nos descubrirán a la compositora  francesa Marguerite Canal, con dos tiempos- segundo y tercero, de la Sonata para violín y piano. Mme Canal (1890/1978), era hija de Marie Dorothée Fauré, profesora de piano y nieta del ilustre Gabriel Fauré, que se formó en el Conservatorio de Toulouse antes de trasladarse a París, en donde fue alumna de Paul  Vidal. En 1914, se presentó al Prix de Rome, aunque no fue admitida, como sí lo habían sido Jean Déré, Marcel Dupré y Raymond de Pezzer. En 1920, ganó el Premio por su cantata Don Juan, por unanimidad, recibiendo el reconocimiento de Camille Saint-Saëns, premio que ampliaría al recibido por su cantata Le  Poète et la Fée, precisamente en el prestigioso Prix de Rome, con un segundo premio. En el espacio de sus composiciones, destacan las compuestas sobre textos de Baudelaire, Paul Verlaine, Franz Toussaint, Marceline Desbordes- Valmore, llegando a acompañar al piano a la  soprano Ninon Vallin. Mencionaremos su ópera inacabada Tlass Atka ou le Pays Blanc.

El Trío Arume, formado en el Conservatorio de A Coruña, está integrado por María Meléndez (clarinete); Laura Ros (chelo) y Romeu Tembrás (piano) y para ellos, el Primer movimiento del Trío Op. 11, en Si b M., de Ludwig van Beethoven, obra que deja opción para tratamiento con violín, en lugar del clarinete, obra que en este Allegro con brio, se anuncia con una pretensión garbosa para permitir en el Adagio siguiente una visión igualmente entusiasta. Página idónea para el lucimiento de la clarinetista, un capricho pues para lucimiento en toda su gama, en contraste claro con la chelista. La fecha de datación sería resulta por la aparición de un anuncio publicado en el Allgemeine Musikalische Zeitung, el 3 de octubre de 1798. La obra hará pareja con otras composiciones para piano y viento, menos frecuentes, se trata del quinteto Op. 16 y que para avezados analistas, resulta un solapado homenaje a Mozart, el trío en igual medida, no se eleva por encima de los escuetos estilismos del siglo XVIII.

 Candor Piano Trío: Weronika Bagniewka (violin); Ignazi Krzminski- Iwan (chelo) y Julia María Figueres- Heinz (piano), también contribuye a descubrir a Philippe Scharwenka, en el Trío para piano nº 1, en Do m., Op. 100, en su tiempo Lento tranquillo, un compositor perteneciente a una saga de músicos, compositor y pedagogo (1847/1917), alumno en su tiempo de la Akademia Kullak, de Berlín, y que llegaría a ejercer la docencia en la misma academia, hecho que se confirmará con su hermano Franz Xaver, quien probará fortuna en su traslado a Nueva York. Philippe destacará en la composición por obras como Sakuntala, para solistas, coro y orquesta, una serie de trabajos sinfónicos dentro de la tradición germánica; un Concierto para violín y una apreciable cantidad de obras camerísticas como la que tendremos en el concierto de hoy, obras para violín y piano; viola y piano; chelo y piano, quintetos y combinaciones similares.

De los profesores del curso, Claudio Martínez Mehner y William Carter (chelo), con el Primer movimiento de la Sonata Arpeggione, D. 821,  de F.Schubert, conocida composición dedicada por encargo para ese instrumento curioso un tanto relegado por la posteridad, por lo que actualmente suele interpretarse con chelo. Johann Georg Staufer (1778/1853), fabricante vienés de instrumentos de cuerda, construyó ese instrumento para esa especie de violín (por su forma)  y de guitarra (por el número de cuerdas), que llevará el nombre de arpeggione, o también guitarra- violonchelo o guitarra de amor. El primer movimiento Allegro moderato, en La m., con un primer tema melancólico expuesto al piano y repetido de inmediato por el arpeggione (chelo), siendo este el que expone el segundo tema, más vivo y danzante. El desarrollo tras un tema anunciado del primero, será llevado por el arpeggione (chelo), dentro de un clima inquietante camino de la reexposición, marcado en lo fundamental por el instrumento de cuerda.

Anna Gebert (violín) y Claudio Martínez Mehner (piano), pondrán la guinda con la Sonata para violín y piano Op. 18, en Mi b M.- segundo movimiento-, de Richard Strauss, una de sus creaciones camerísticas de mayor divulgación entre los músicos entusiastas de este legado, un tanto a la sombra de sus grandes obras y poemas sinfónicos, géneros en los que marcará pauta y que en obras como esta pasaron por los estudios de grabación por artistas como Jascha Heifetz/Brooks Smith; Kyung-Wha Chung/ Krystian Zimermann; Gidon Kremer/ Oleg Maisenberg; Sarah Chang/ Wolfgang Sawallish o Ernö Sebestyén/ Wolfgang Sawallish, siempre versiones imprescindibles y de segura referencia.

Ramón García Balado