Andrea Rey y Mónica Redondo, en el Festival de Amigos de la Ópera de A Coruña

 Auditorio Afundación, A Coruña

Museo das Belas Artes, A Coruña

Dos conciertos que contribuyen a la programación de Amigos de la Ópera de A Coruña, comenzando por la mezzo Andrea  Rey, acompañada por el maestro Aurelio Viribay, en el Auditorio de la Sede Afundación-día 20, a las 19´ 00 h., para un programa en preferencia de autores gallegos: Margarita Viso, Juan Durán, Borja Mariño, Octavio Vázquez, Fernando Buide, con la aportación del turolense Antón García Abril, tan relacionado con nuestra tierra por sus actividades en los géneros más diversos.  Andrea Rey, se formó en el CMUS Manuel Quiroga (Pontevedra), con la soprano Conchi Rodríguez, para ampliar con el tenor J.Antonio Campo, en el CMUS, de Vigo, antes de trasladarse a la Escuela Superior de Canto de Madrid, para seguir la docencia de Susana Cordón y la repertorista Irene Alfajeme. Se integró en la 4ª edición de Crescendo, un proyecto de la Fundación Amigos del Teatro Real, dedicada a fomentar, incentivar y respaldar el crecimiento artístico y profesional de nuevos talentos. En su repertorio, destacan roles en obras como el Magnificat (J.S. Bach); el Gloria (Vivaldi); el Stabat Mater (Pergolesi) o el Te Deum (Brucker), y en la  ópera: L´enfant et les Sortileges (Ravel- libélula y la taza china-); Mme Butterfly- Suzuki- (Puccini); Dido y Eneas-Dido- (Purcell); Suor Angelica- Zia Principessa- (Puccini); tercera dama de La flauta mágica (Mozart) y en la zarzuela: Manuela de La Chulapona (F.M. Torroba) o Dolores, en La Dolorosa (J.Serrano).

 Aurelio Viribay, un ejemplo de respetado repertorista, acompañó a ilustres como Walter Berry, Annalisa Stroppa y tantos otros. Fue profesor en la Universidad de Música y Arte Dramático de Viena, (Wien Kunst Universität) y actualmente es responsable de la Cátedra de Canto, en Madrid, mientras colabora con otros artistas en cursos especializados como Thomas Quastoff, en la Mozarteum Universität (Salzburg).   Fue Premio Extraordinario de Doctorado de la Universidad Rey Juan Carlos (Madrid), con su tesis La canción de concierto, en el Grupo de Los Ocho de Madrid. Su presencia en ciclos y convocatorias es una de sus mejores aportaciones, en programaciones como la Juan  March (Madrid).

En este programa, el tratamiento de piezas de las 7 Cantigas de Martín Códax, cuatro en concreto firmadas por Margarita Soto: Eno Sagrado en Vigo; Ai ondas, que eu vin ver; Ai Deus, se sab´ora meu amigo y Ondas do mar de Vigo. Borja Mariño, al que tenemos presente por sus muchas aportaciones en estreno y en programas de ciclos especializados, y que para este concierto nos reserva Tres canciones gallegas sobre poetas de toda época: Lúa de vrau (Pura Vázquez); Saudade (Manuel Cuña Novás) y Cantiga de amigo, una mirada hacia el Medievo de Mendiño. Juan Durán, autor de abundantes estrenos con nuestras orquestas y en abundantes proyectos por encargo, aportará su Tríptico Rosaliano (Rosalía de Castro): Cada noite eu chorando pensaba; Tecín soia y Lúa descolorida. Ya en la segunda parte, el compositor con residencia en los Estados Unidos, Octavio Vázquez, siempre bien apreciado en las iniciativas de música contemporánea, tendrá Como chove miudiño (Rosalía de Castro) y En Cornes de la misma poetisa. Fernando Buide, autor de la ópera A Amnesia de Clio, con libreto de Fernando Epelde, repite con Rosalía de Castro con Dous cantares, para completar Antón García Abril, con las Cuatro canciones sobre textos gallegos: Cando vos oyo tocar, Todo é silencio y As de cantar, meniña gaiteira, todas de Rosalía de Castro, y Coita, poema de Álvaro de las Casas, el mundo de las canciones para voz con acompañamiento de las que fueron modelo As canciones Xacobeas, Homenaxe a poesía galega 1992/3, para mezzo y orquesta sobre textos que iban desde Ramón Cabanillas a Valle-Inclán, Cunqueiro, Pedro Meogo o  Lois Pimentel y Celso Emilio Ferreiro

Mónica Redondo, en el ciclo Generación ascendente- día 22, a las 19´00 h.-en el Museo das Belas Artes, estará acompañada por el pianista David Serrano. Mónica se perfeccionó gracias a becas como el Certamen Int. de Zarzuela de Vallesco, antes de conseguir primeros premios en convocatorias nacionales, interpretando roles como Dido (Dido y Eneas); Manuela (Agua, azucarillos y aguardiente); Maddalena y Giovanna (Rigoletto); Curra (La Forza del Destino); Estiro (Jason o la conquista del Vellocino); Soledad (La Revoltosa), dirigida por L.M. Pérez Sierra. Probó en el género del oratorio con El Mesías (Händel); Stabat Mater (Pergolesi); o el sinfónico con la Novena Coral, de Beethoven y la Messe de Requiem (Verdi). Debutó recientemente el rol de La Beltrana (Doña Francisquita) en el Teatro Cervantes (Málaga), en donde realizará próximamente el rol de Pepa (Goyescas, de Granados)

David Serrano realizó un master en el Royal College of Music (Londres), perfeccionándose como apreciado repertorista, tras ser alumno de Alexander Kandelaki y Nino Kereslidze y lograr el Premio del Concurso Marisa Montiel, de Linares y la mención de finalista del Concurso Infanta Cristina (Madrid). Compagina las labores docentes con los compromisos concertísticos actuando en Festivales como el Rubens 2024, artista revelación bajo el título Pasión, desencanto y muerte. Concierto con reseñable cuño Latinoamericano, tras una primera parte iniciada con el tintes impresionistas de Claude Debussy, por Beau soir, para continuar con el personalismo de Francisc Poulenc, en pieza tan representativa como Les chemins de l´amour y un quiebro provocativo por el Kurt Weill, de Wie lange noch.  Una carta de transición a través de la música española representada por Xabier Montsalvatge, en las populares Cinco canciones negras, un salto cultural de herencias hispanas: Cuba dentro de un piano; Punto de habanera; Chévere; Canción de cuna para dormir a un negrito y Canto negro. Ernesto Lecuona, con la romanza de María de la O, sainete lírico en prosa y verso en un acto, divido en cinco cuadros, sobre libreto de Gustavo Sánchez  Galarraga, para ser estrenado en el Teatro Payret (La Habana), el 1 de marzo de 1930, dejando una transcripción para piano y voz del propio compositor, al que seguirá la zarzuela en un acto El Maizal, que se estrenará en el mismo teatro pocos días después.

Para la segunda parte, un reparto entre Carlos Guastavino, en el ciclo de canciones coloniales- Cuando acaba de llover…; Préstame tu pañuelito…Ya me voy a retirar…y Las puertas de la mañana. De este compositor, La rosa y el sauce y Pueblito, mi pueblo. De este estilo de canciones nacionalistas, algunas destacan gracias a sus melodías folklorizantes en la tradición del siglo XIX, que supo armonizar escribiéndolas con acompañamientos elaborados e idiomáticos para el piano, respetando en un todo texto, melodía, ritmo y forma e imitando las sucesiones armónicas y las situaciones cadenciales propias de dichas canciones en su ambiente original. El resultado puede describirse como una imagen casi literal de la canción tal como se la podía escuchar en la tradición, como es el caso de las Cuatro canciones argentinas (1949), piezas que se hermanan con las elegidas para esta velada tan latinoamericana. Será Astor Piazzolla quien ponga el grado superlativo con las piezas claramente representativas: Piano solo; Invierno porteño y Estaciones porteñas. Lo mismo podremos decir de Los  pájaros perdidos y Yo soy María. Piazzolla en María de Buenos Aires (1968), gran éxito artístico del que entonces se diría: La poesía de Horacio Ferrer era al tango, lo que al tango era la música de Astor Piazzolla. Llegaba el músico a su altura creativa suscitando en el agudo Quito González  Azcona, uno de sus furibundos entusiastas quien llegó  a constatar: María de Buenos Aires, no necesita letra: se entiende escuchando la música. Recordaremos la Balada para un loco para hablar de los delirios del amor y que sabrá estremecernos en la voz de Amelita Baltar.

Ramón García Balado

 

Plural Ensemble, ciclo Vertixe 12 en el Museo das Belas Artes de A Coruña

 Museo das Belas Artes, A Coruña

Plural Ensemble, grupo que dirige Fabián Panisello,  aportarán su colaboración en las actividades de Vertixe 12, en el Museo das Belas Artes de A Coruña- día 17, a las 20´00 h.-, ya como cierre de este ciclo, y con un programa dedicado a compositores actuales, con un homenaje a Joaquín Rodrigo, en el 25 aniversario de su fallecimiento, con una de sus composiciones englobadas dentro del llamado estilo casticista, como son las Set Cançons Valencianes, en sus tiempos Allegreto, Andante moderato y Andante moderato e muy cantábile. El resto de los compositores encuadrables dentro de la joven vanguardia de indagación sobre los recursos expresivos, serán José Luís Perdigón, con la obra Son de madeira rota, un encargo del INAEM y el propio Plural Ensemble, en estreno absoluto; Guido López Gavilán, con Plural toccata, también en estreno para este ciclo; Andrés Poncela- O sombreiro da sorte- , ganadora de la Convocatoria de Jóvenes Compositores, en un proyecto realizado por el Plural Ensemble 2024, igualmente en estreno; Aitor Vázquez  Torres- Credo- merecedora del mismo galardón citado en esa convocatoria del Plural Ensemble y Mercedes Zabala- Cual (Un cervo no faiado), encargo del INAEM y del Plural Ensemble. Acentos, se anuncia como título de reclamo para este concierto, una fiesta de la inmigración y la multiculturalidad, recreándose en esos acentos de las ingentes voces y charlas que se escuchan en las variadas  culturas. Madrid, pasa por ser una ciudad de acogida y una metrópoli que recibe gentes provenientes de los lugares más diversos, quedando representados precisamente por las obras que se escucharán en esta sesión.

Plural Ensemble, participó en las Xornadas de  Música Contemporáneas ofrecidas en Santiago, en 2022 bajo el título de Poñer o foco, en las que las principales propuestas se habían confiado a la JONDE FOCUS, repartidos en diversos períodos a lo largo de años concentrados entre 2008 y 2022, con obras que iban desde G.F. Haas, a Kajia Saariaho, Steve Reich, Peter Eövöst y compositores españoles del momento, desde J.M. López López, Jesús Torres, Ramón Humet, Elena Mendoza, Raquel García-Tomás o Alicia Díaz de la Fuente. Cartografías do Plural sirvió como punto de referencia que tendría a la musicóloga Rosa Fernández, como presentadora de cada uno de los conciertos. Plural Ensemble, especializado en repertorios de los siglos XX y XXI, participa en los ciclos de Conciertos de la Fundación BBVA, en el Auditorio Nacional y en la serie de propuestas con solistas en su sede del Palacio Marqués,  mientras realizan giras como parte de sus compromisos con festivales del ámbito contemporáneo desde Estrasburgo a los Présences parisinos; Manca de Niza; Spaciomusica (Cagiari); Quincena Musical Donostiarra, ciclo WRD (Köln); Otoño de Varsovia; Klangspuren Schwaz (Tirol) o Konzerthouse Berlin. Estrenan obras de Jörg Widman, Cristóbal Halffter, Siegfried Mauser, Nicolas Alstaedt, J.M. López-López, Mattias Pintscher, Jon Ketilsson, Zsolt Nagy, César Camarero, Tadeusz Wielecki, Hansjorg Schellenberger, Marco Angius, Peter Csaba, Luís de Pablo, Toshio Hosokawa,Dmitri Vasilakis o Peter Eövöts. Realizaron registro de los compositores citados para los sellos Col  Legno; Columna Musica; Verso; Cervantes o NEOS, participando en grabaciones para la radio como las llevadas a cabo con WDR; RNE; RBB; Radio France; RTBF, la Radio polaca, y otras muchas.

Para el programa del día, Andrés Poncela- O sombreiro da sorte-, músico con formación en el Centro Katerina Gurska, en la especialidad de dirección y en el RCSMM, teniendo como maestros a Konrad von Abel (alumno de Sergei Celebidache, que tan excelentes impresiones dejó en nuestro país durante años), Enrique García Asensio o Alejando Vila. Su obra fue galardonada con el Premio de Jóvenes Compositores de Plural Ensemble 2024 y llega como estreno absoluto. José Luís Perdigón-Son de madeira de rata- músico con formación en Graz, en la Musik der Jahrhunderte (Stuttgart) y que su quehacer se interesa por la exploración de objetos sonoros extraños, en una indagación hasta los límites inesperados. Fue dinamizador del Trío Acento. Joaquín Rodrigo- Set cançons valencianes, típico estilo de un nacionalismo convencional, en la muestra de sus tres tiempos fácilmente reconocibles: Allegretto; Andante moderato y Andante moderato y muy cantábile. En medio de tantos compositores de estricta contemporaneidad, la obra queda como un homenaje conmemorativo del compositor universalmente apreciado.  Guido López Gavilán- Plural Toccata-, estreno por excelencia para este grupo, composición de un músico de Matanzas (Cuba), Premio Nacional en su país y con formación en el Conservatorio Amadeo Roldán, con Manuel Ochón, ampliando en dirección de orquesta con Daniil Tiulin, disfrutando de las docencia de Haroldo Gramatges, Leo Brouwer, J.Ardevol, Esther Ferrer o Edgardo Martín. Recibió una beca para ampliación de estudios en el Conservatorio Tchaikovski, de Moscú, con Leo Goinsburg. Aitor Vázquez Torres- Credo- obra con Premio del Plural Ensemble 2024, de Jóvenes Compositores y que se ofrece también como estreno, Aitor probó en la dirección con Arsis Ensemble, agrupación que tuvimos en el Ciclo Contemporáneas, con La fabbrica illuminata, de Luigi Nono, y que se ofreció en el Festival Resis (A Coruña). Tuvo como profesores a Marco Piollet, Wolfgang Dörner, en la Kunstuniversität Salzburg, y como director estuvo al frente de la O. de Hungría, el Ensemble für Neue Musik, mientras compartió experiencias con Sánchez-Verdú, Cristóbal Hallfer, Luís de Pablo o Alberto Posadas. Recibió el Premio Flora Prieto. Mercedes Zabala- Cual  Un cervo no faiado), un encargo para el INAEM y el Plural Ensemble, compositora tentada por la indagación de culturas ajenas al medio occidental, investigando a fondo las raíces de las tradiciones senegalesas. Estudió en el Conservatorio Teresa Berganza de Madrid y entre 2007/10, fue una activa promotora de la Asociación de Mujeres de la Música. Otro espacio a tener en cuenta, fue la puesta en activo del Grupo Secuencia, centrado en las artes escénicas.

Ramón García Balado

La pianista Sophia Hase, en el XXIII Ciclo de Música para unha época, en el Museo das Belas Artes , de A Coruña

 Museo das Belas Artes, A Coruña

Completando el XXIII Ciclo de Música para unha época del Museo das Belas Artes de A Coruña, turno para la pianista Sophia Hase, que centrará su programa en el espacio Unha ollada á creación musical femenina, en su sede- día 2, a las 12´00 h., jornada que ofrece la visita guiada dedicada a Mulleres pintoras, y que culmina las precedentes dedicadas temáticamente a A Xeración Doente, y una primera dedicada  a La pintura y escultura do século XVIII. Sophia Hase, natural de Stuttgart, tuvo como primer maestro en su ciudad a Paul Buck, para proseguir con la añorada Rosa Sabater, en la Freiburg Hochscule für Musik y proseguir en ese centro con Elza Kolodin. También en Karlsruhe, tendrá como profesores a Fanny Solter y Dinora Varsi, mostrando preferencia por los géneros camerísticos. Estuvo presente en certámenes y festivales como el Schlosskonzerte Ludwigsburg; Osterfestspiele Salzburg (auspiciado por H. v. Karajan); el certamen de Perelada; Primavera de Praga; Piano Stravaganza Sofia (Bulgaria); Nacional de Brasilia; Hanbacher Musikfest; Opera Essen y otros a nivel internacional. Fue profesora durante un lustro en la Trossingen Hochschule y también en Salamanca, compartiendo con otras Universidades Españolas. Sus labores de investigación, la llevaron a realizar trabajos de tesis dedicadas compositores proscritos por el III Reich, y también a compositoras femeninas como las que ocupan el concierto.   

Louise Farrenc (1804/75), tendrá Mélodie pour le piano-forte, perteneciente a una familia de músicos notables asentados en París y que disfrutará de consideración social con su hermana Victorine, ejerció además de su prestigio de solista, por sus virtudes como profesora y creadora de escuela que dejará importantes alumnos. Una familia en la que también sobresalió el escultor August Dumond. En sus años de estudio para cimentar una conocida brillante carrera, valdría citar la influencia de un compositor como fue el checo Antonin Reicha, ya en sus años de juventud, modelo de ello será la pieza elegida para comenzar la matinal. Moscheles y Hummel también velaron por un futuro que se adivinaba seguro en cuanto a su talento y posibilidades, que tendrán reflejo en su otra dimensión como profesora en el Conservatorio parisino, durante tres décadas (1842/1873). En 1869, había sido galardonada con el Prize of Academie des Beaux-Arts.

Fanny Mendelssonh (1805/47)- 4 piezas del ciclo Das Jahr (1841), pertenecientes a los meses  Junio, (Serenade); Julio; Septiembre y noviembre-. Efectivamente, mientras su hermano dedicaba intensas actividades a la propia carrera pianística entre otras labores creativas y concertísticas, ella destacaba en labores domésticas de excelentes resultados. Para un sector de los afectos, su hermano que sí pareció admirarla en grado parecido no escatimó atenciones a la hora de editar y divulgar sus trabajos y parte de ellos acabarían conservándose en el archivo familiar. Recordaríamos la fuerte presión en el ambiente familiar, por parte de su padre y de sus hermanos para que se atreviese a tocar en público y ella jamás renunció a esta posibilidad de cuidar con esmero esta faceta.

Cécile Chaminade (1857/1944)- Automne (Étude des concert Op.35/2 (1886)-, también parisina y que se inicio al piano desde muy joven, condicionada por su padre quien puso a su servicio dotados profesores, quien encauzarían un prometedor futuro a sabiendas de sus virtuosas posibilidades, preparando su carrera como profesional ciertamente al margen de convencionalismo al uso. En la década de los ochenta compondría obras de gran formato como la Suite para orquesta; La Sevillana (1882), con su predecible influencia ibérica, propia de arraigo en Francia entre los compositores más avanzados; Les Amazones (1884/8) y en especial Callirhoë o el Konzertstück para piano y orquesta. Realizó grandes viajes desde Latinoamérica a los Estados Unidos y para mayor gloria personal, se crearon en su honor los Chaminade Clubs.

Clara Schumann (1819/96)- 3 Romanzas Op. 21 (1853): Andante; Allegretto; Agitato-, obras compuestas a finales de junio de aquel año y dentro de un muy personal estilo que contrasta con el de las Variaciones  Op. 20, un momento el que la compañera de Robert tenía como mejor estímulo el compartir la profunda amistad con Joseph Joachim, asistiendo a los triunfos en el Festival de Düsseldorf. Junto a estas piezas, procurará conseguir el llevar a buen puerto la serie de las Seis canciones Op. 23, sobre textos del Jucunde, de Hermann Rollett o las siguientes Tres romanzas para violín y piano, inspiradas por su muy estimado Joseph Joachim. Clara, por su biografía, había sido motivo de algún biopic de irregular fortuna.

Amy Beach (1867/1944)- Improvisatios Op. 148 (1934): Lento molto tanquilo; Allegretto grazzioso e capricioso; Allegro con delicadeza; Largo maestoso-, compositora que comienza a recibir un reconocimiento  a la altura  de Mariana Martinez; Lili Boulanger o Elisabeth Maconchy. Otro caso de precocidad sorprendente y que por evolución artística, habría de asistir a  la presión de tiempos convulsos por los enfrentamientos sociales y las trabas culturales. Su profunda intuición femenina obró en su propio beneficio artístico gracias a su talante riguroso y la convicción de sus ideas profundamente asentadas. Es el conjunto de su obra musical, un reflejo de una actitud ética.

Ruth Schonthal (1924/2006)- In homage of…(24 preludes)1978-, compositora con raíces en Berlín en los complejos años 30 y que tras asistir a un período amargo previsible, se verá obligada a huir a Suecia, en donde estudiará en la Real Academia Sueca, de Estocolmo. Su primer trabajo, había sido una Sonatina, en 1940. Había tenido como maestros a Ingemar Liljfors, en composición y a Olaf Wiberg, en piano. Paul Hindemith se cruzó en su carrera, ayudándole a partir de esos años de obligado exilio. Tardarí en volver a Alemania, hecho que no se producirá hasta los años ochenta y con fortuna, su legado se conserva en la Berlin Künst Akademie. Entre su legado, una obra con un curioso título: Los días bonitos de Aranjuez (1982/3) o la ópera Princess Maleen.

Ramón García Balado

 

 

Dúo Calabuig- Blasco, en el XXIII Ciclo de Músicas para unha década: Museo das Belas Artes, de A Coruña

 Museo das Belas Artes, A Coruña

 Concierto de la serie Músicas par a unha época que integra un total de tres sesiones, comenzadas el mes pasado con el Balder Dúo y que completará la pianista Sophía Hase, en la sede del Museo das Belas Artes, todas ellas acompañando a las exposiciones correspondientes. Alicia Calabuig (viola) y Jorge Blanco-día 26, a las 12´00 h., con sesión en streaming- serán parte de la exposición A Xeración Doente, que recibirá la provechosa visita guiada. El Dúo Calabuig- Blasco- con obras de Hans Sitt y Johannes Brahms- está integrado por la viola Alicia Calabuig, con estudios en el Conservatorio de Almansa, con Jerónimo Mesager  y el el Real Conservatorio Superior de Madrid, con Alan  Kovaks, para ampliar en la Anton Bruckner Universität Linz (Austria), siguiendo el magisterio de Predras Katanik. Colaboró con formaciones como la O. Nacional de España; la Union European Youth Orchestra; la Ac. Gustav Mahler, de Bolzano; la Orquesta Simón Bolivar, de Venezuela y otras del ámbito nacional, siguiendo masters de especialización con Jürgen Kussmeul; Antonello Farulli o Guus Jeukandrup. El pianista Jorge Blasco, siguió las docencias de Guadalupe L.Castelo, A. Nieto, ampliando conocimientos en la Escuela Superior Reina Sofía. Entre sus maestros, aparecen Vitali Margulis, Celine Eguiagarova; Zoltan Koscis, Lazar Berman y Eric Heidersiek. Recibió una consideración especial en la propia Escuela Reina Sofía.

Piezas elegidas del bohemio Hans Sitt (1850/1922), típicas y características de un centro-europeo, de aquella escuela genuinamente romántica y que se descubre en cada una de ellas, disfrutaremos de tres estilos de un planteamiento artístico claramente reconocible: Albumblatter Op. 39; Drei Phantasiestück Op. 58 y la Romanza Op. 102. Stitt, destacó indistintamente como violinista y director, llegando a ser un personaje de notoriedad pública, tras unos años beneficios de estudio de violín con A. Bennewitz y M. Krecij, en el Conservatorio de Praga, un largo período en el que permaneció hasta 1873,  en el que se trasladó como maestro a Chemintz, convirtiéndose desde entonces en una autoridad tanto en el espacio de la docencia como en el de la interpretación. Entre 1884 y 1921, tras su traslado a Lepizig, vivirá sus mejores años como profesional, incorporándose al Conservatorio de la capital alemana, tan asociada con la figura de Johann Sebastian Bach y para mayor gloria, asistiremos a los años de mayor prestigio como intérprete como miembro del Cuarteto Brodsky, motivo que le animó de forma especial a la promoción de conciertos populares de divulgación. A partir de 1885 y hasta 1904, se haría responsable de la Bachverein. Años antes, en otra de sus ambiciones promotoras- hablamos de 1899, mostró un profundo interés por la creación de coros. Amplísimo repertorio de composiciones, que junto al catálogo de la obras camerísticas, destaca por sus tres conciertos para violín, obras orquestales y corales, y la abundante cantidad de trabajos didácticos que conservan su vigencia.

Johannes Brahms, con la opción que eligen del Dúo para viola y piano, en Fa m., nº 1, OP. 120, en sus tiempos Allegro appassionato; Andante un poco Adagio; Allegretto grazioso y Vivace. Obra que suele repartir sus preferencias en su lectura posible para clarinete y piano, un Brahms de plena madurez que compone en la placidez de su retiro estival relajante, en el que se entrega con entusiasmo a dos de las obras camerísticas destinadas a su estimado clarinetista Mühlfeld, virtuoso miembro de la orquesta de Meiningen. Una aventura de entendimiento que les llevaría a 1891, con aportaciones como el Quinteto Op. 111. Analistas fiables, habrían de hallar en esta obra la sensibilidad que nos trasmiten los Vier  Ernste Gesäng, parte de lo más representativo que descubrimos en el conjunto de su lieder, especialmente en los de su etapa tardía. En cualquiera de las posibilidades en las que solemos escuchar esta sonata- viola y clarinete- no desdice lo más mínimo de su grandeza y talento.

Una sonata en perfecto equilibrio mantenido en esos cuatro tiempos y que ayudan a entender la pérdida a algunos íntimos irrenunciables. El Un Allegro appasionato que responde a ese equilibrio por su gran claridad expositiva con una extensa  exposición que propone seis temas  emparejados contrastados entre ellos y que revelan una invención rítmica para mayor beneficio de este primer tiempo, particularmente el segundo en Re b. Un desarrollo breve con todo que se engrandece en los aspectos de conclusión elevados en un sostenuto espressivo que engarzará con el comienzo.  El Andante, un poco Adagio, melódico como no podrá ser menos, queda expuesto a través de tres secciones enmarcadas por un desarrollo central libre de pocos compases. Una ensoñación concentrada de pinceladas melancólicas camino del Allegretto grazzioso, un scherzo de unos cuarenta compases que se convierte en un tipo de minuetto. El Finale Vivace, alla breve, concluye de forma incisiva. Su segundo tema alumbra por los destellos de sextas y tresillos de negras culminando un apunte de tonada popular con detalles de broma.

Ramón García Balado  

Zahir Ensemble, clausura el XXV Ciclo de Outono del Museo de Belas Artes

Museo de Belas Artes, A Coruña

Zahir Ensemble clausura el XXV Ciclo de Outono del Museo de Belas Artes de A Coruña- 12´30 h.-, un proyecto iniciado por Vertixe Sonora, en un monográfico dedicado a Salvatore Sciarrino , destacando la colaboración de la soprano Kukov Kakuta, concierto al que seguiría la chelista Carolina Landriscini, con tres de las suites para el instrumento de J.Sebastian Bach; la pianista Rosalía Gómez Lasheras, entre otras de L.v. Beethoven, F. Mendelssohn, F. Liszt y una compositora del descubrir, Hèléne de Mongeroult; la cita más reciente estaría ocupada por el Trío Enclave-el guitarrista Mateo Arnáiz, el vibrafonista J. Miguel Castro y el contrabajista Simón García, en una sesión embriagadora dedicada al mundo del tango con un protagonismo primordial de Astor Piazzolla y Carlos Gardel, con piezas de miembros del propio trío, J. Miguel Castro y Mateo Arnáiz.  

Zahir Ensemble,  un grupo  y que para la ocasión estará integrado el flautista  Alfonso Rubio, el clarinetista Carlos Lacruz, el violinista Rafael Muñoz, el chelista Aldo Mata, el pianista Óscar Martín, con la dirección de Juan García Rodríguez, que dejó evidencias de su nivel profesional en certámenes de relumbrón entre los que sobresalen Taschenopern Salzburg (Austria); Eröffnnungsfest Saal, del Salzburger Festspiel; el Crossroads Fest., de la misma capital; la Musique en Cità, de Marsella; la Sala de Conciertos de la Universidad Chopin (Varsovia), a las que se añaden convocatorias en nuestro país, en especial a los centrados en músicas contemporáneas, como Tercer  Milenio (Madrid); el Círculo de Bellas Artes; el Teatro la Maestranza y muy especialmente la Fundación Juan March, en donde fueron partícipes de uno de sus ciclos de mayor ambición, el dedicado al Aula de (Re)estrenos). Hijos de la Generación del 51, y que para aquella fecha, habían reservado obras de Voro García- Jardín de sueños-; Eneko Vadillo- Transparencias-; Fabián Panisello- piezas métricas-, un compositor y director que tuvo una labor clave en las Xornadas de Música Contemporánea de Santiago de 2022, bajo el reclamo de Poñer o foco, con la JONDE FOCUS; Mercedes Zabala- Mudanzas- de la que se nos reserva hoy Bipolar; Sergio Blardony- un soplo que vacía el pecho-pieza que también tendremos en esta matinal, para completar César Camarero, con Klangfarbedenphonie III.  

Zahir Ensemble, en sus oficios cotidianos, destaca por estrenos de obras de compositores que paso a paso vamos descubriendo en nuestras programaciones, con títulos como The Fall of the House of the Usher- sobre inspiración de Edgar Allan Poe-, y compuesta por Philip Glass; In vain, de George F. Haas; ASKO Concerto, de Elliot Cartet, o Ballet mécanique, de George Autheil, además Anatomías, de Luís de Pablo, Reinhard Fevel o un clásico checo como Leos Janacek. y obras de compositores en su entorno de creación como son César Camarero, Eneko Vadillo, en una evolución permanente que les facilitó su relación con el INAEM, propiciando giras en su mayoría, incluidas en certámenes de músicas de vanguardia. Dos obras ya citadas aparecen en este concierto de clausura, Un soplo que vacía el pecho, de Sergio Blardony, composición  con telón de fondo de conflictos bélicos de los Balcanes, y en la que intérpretes ayuda a recrear una situación agónica a través de su lectura, destinada a cinco instrumentos, clarinete, flauta, violín, chelo y piano;  Mercedes Zabala, con Bipolar, dentro de esa conformación de criterio que se amplía con propuestas no menos avanzadas, algunas como trabajos directos de encargo para el evento, como son las entregas de Amanda Garrido, o Gabriel Erkoreka- músico con el que mantienen regulares colaboraciones-; dejando de igual forma su sello de posicionamiento en To repel ghost II (2022), de Anna Malek y Eutsi (2021), de Zuriñe Gerenabarrena.

El director Juan García Rodríguez, natural de Sanlucar de Barrameda, estudió en el Conservatorio Profesional Superior de Sevilla, antes de ampliar en el Mozarteum de Salzburgo y en la Universidad de Chopin, en Varsovia, asistiendo posteriormente a mastercasses de Ramón Coll, J. Paratore, en piano; y en el espacio de música de cámara con R. Schmidt y en dirección de orquesta con  N. Thompson y A. Tamayo. En composición siguió la docencia de Cristóbal Halffter, Franco Donatoni, Luciano Berio, Mauricio Kagel, George Crumb  y Beat Furrer. Es Catedrático del Conservatorio Superior  Manuel Castillo y Académico Numerario de la Real Academia de Bellas Artes Sta Isabel de Hungría (Sevilla), y Director de la OSC, además de fundador del Zahir Ensemble, ejerciendo la titularidad del Taschenoper Festival, de Salzburgo, entre los años 2005/7. Trabajó en semejantes funciones con la Brucknerorchester- Linz, la Salzburg Mozarteum Orchester, la O. de la Ópera de París, la O.F. de Gran Canaria, la O.C. Witold Lutoslawski (Lomza,  Polonia) o el Sax Ensemble.  El espacio escénico contó con su talento para producciones en coliseos como el Teatro Villamarta, los sevillanos La Maestranza y Teatro Central; el  Museo Reina Sofía, el Teatro del Canal, la Solität Saal Mozarteum; el Endler Hall de la Stellenboch University (Sudáfrica) o el Teatro de La Bastilla parisino. En sus labores discográficas destacan las realizadas para los sellos Haas, Selo Autor, Verso, Canticum, IBS Classical y Naxos.

Ramón García Balado