La JONDE y el Klangforum Wien, dirigidos por Júlia Cruz, en Contemporáneas

 Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

Concierto en la Sala Ángel Brage- día 20,  a las 20´00h-, con la JONDE y el Klangforum Wien, bajo la dirección de Júlia Cruz, para ofrecernos obras de Tania León, Elena Mendoza y Olga Neuwrtih, perteneciente a la serie de sesiones que abarcan hasta el día 24, tras la apertura ofrecida por Arxis Ensemble con motivo de la presentación del XVI Premio Gaos, estrenando  Sonora- una fisura da poesía de Chus Pato, de Aitor Vázquez, con el protagonismo de la soprano Margarita Rodríguez. La JONDE, formación clave de estas propuestas del INAEM, nos invita a recoger el testigo de un ideario que viene manteniendo durante temporadas y de las que hace un par de años, conjuntamente con el Ensemble Modern, interpretaron en dos actividades de las cinco que tuvieron en cartel, bajo la dirección de Pablo Rus Broseta, obras de Mauricio Sotelo, Gÿorgy Ligeti, Helga Arias y George Benjamin, para ampliar en una segunda entrega con obras de Pierre Boulez, María de Alvear, Hugo Gómez- Chao- promotor del certamen RESIS, que se ofrece en A Coruña como centro de divulgación-, y otra obra de Jörg Widman. El resto de actividades, se habían dedicado a los conciertos camerísticos con el Trío Arbós y el clarinetista Joan Enric Lluna, entre obras de Tomás Marco, Teresa Catalán, Rebecca Saunders, Alberto Carretero, Guillaume Conneson en un primer bloque, para seguir en otros dos que se repartían entre obras de vanguardistas que iban desde Thomas Adès a Toshio Hosokawa, Salvatore Sciarrino, Gérard Grisey, Gabriela Ortiz o Mario Davidovsky. La JONDE tuvo el privilegio de haber sido dirigida por maestros como C. Mª Giulini, Krystof Penderecki, Elihau Inbal, López Cobos, Josep Pons, Ernesto Halffter, Vasily Petrenko, Gianandra Noseda, Fabio Biondi, Gunther Schuller, Nuno Coelho, Alberto Zedda o Christopher Hodwood y James Conlon, colaborando con solistas como Elisabeth Leonskaia, Christian Zacharias, Rafael Orozco, Asier Polo y otros grandes de la profesión. Mantiene una relación estrecha con la Fundación Ferrer, para difundir el Premio Reina Sofía de Composición al servicio de jóvenes becados. Orquesta formada en 1983, tuvo como directores a Edmond Colomer, Llorenc Caballero, José Luís Turina y desde 2020, su directora artística es Ana Comesaña.  El Klangforum Wien, tendrá su necesario espacio de ampliación el próximo día 24, con la dirección entonces de Isabel Rubio, reservando obras de Helena Cánovas, Nuria Núñez Hierro y Unsuk Chin, en el Teatro Principal.

Júlia Cruz, fue Taki Alsop Conducting Fellow obteniendo un Segundo Premio del Blue Danube/Béla Bartók Opera Conducting Competition (2021), y seleccionada como Conducting Fellow del Lucerna Festival e invitada como Guest Conductor de la Lucerne Festival Contemporary Orchestra hasta 2027. Estuvo asociada con Thomas Adès para una gira que culminaría en los BBC Proms, recibiendo invitaciones para colaborar con formaciones de élite, en las que también tienen cabida trabajos escénicos como Proyecto Zarza, del Teatro de La Zarzuela, de Madrid; el estreno nacional de Beatrix Cenci, en la Ópera de México; la colaboración con la O. F. de la UNAM o el Ballet de México, dirigiendo Ciudad Delirio, de Marcela Rodríguez, entre una producción de El Cascanueces, en el Auditorio Nacional, mientras oficiaba como directora asistente en el Teatro Real, para el estreno de Tejas Verdes, de Jesús Torres y una producción de La vida breve, de Manuel de Falla, además de dirigir L´elisir d´amore de Donizetti, en la Stara Zagora State Ópera, de Colombia y La Traviata de G. Verdi, en la Kolozsvári Magyar Opera.

Para el programa de la cita, Tania  León (1943)- Rítmicas-, grupo de tres compositoras que plantean programas muy personales bajo la pretensión de expandir los límites de la propia música y de la composición como espacio de diálogo entre las culturas en liza, ofreciendo cada obra un ejercicio de identidad que en este caso, confirma su realidad cultural, siendo esta  compositora un ejemplo de tradición con estudios en La Habana, y su correspondiente traslado a los Estados Unidos para integrarse en el  Dance Theatre of Harlem, que le permitiría obtener galardones como el Pulitzer y el Guggenheim. Siguió las docencias de Ursula Mamlok, Lazslo Halasz y Vicent Silva, para colaborar en obras de Leonard Bernstein, Seiji Ozawa y Kurt Masur, con la New York Philharimonic Orchestra. Una compositora en su plena veteranía gracias a su evolución desde su mundo antillano a las corrientes de vanguardia confirmadas en su etapa neoyorquina. Elena Mendoza (1973)- Zweig szenen  (para viola y grupo instrumental), estreno en nuestro país-, la teatralidad dentro de la dimensión social, de esta compositora de la que tuvimos una obra en interpretación del Taller Sonoro, en formación de sexteto y que dio a conocer Die Macht der Gewöhnheit, una compositora primera en obtener el Premio Nacional de Música (2010) y cuya contribución a la vanguardia española es primordial gracias a du colaboración compartida en el ámbito de la investigación, explorando profundamente los timbres y los aspectos dramáticos dentro de los procesos formales bajo los que subyace un continuo cuestionamiento artístico de la realidad circundante. Un intenso movimiento teatral resulta inherente a sus obras en las que integra instrumentistas, cantantes y actores, en un proceso escénico en estrecha colaboración con directores de escena.

Olga  Neuwirth (1968)-Miramondo múltiplo…para trompeta  y Ensemble (2006), también estreno en España- un proceso de encuentro en transformación entre lo individual y lo colectivo, entre el pasado y el presente, convertidos en hilo conductor de este programa que realza la heterogeneidad de las voces femeninas en su capacidad por renovar el lenguaje musical desde profundas experiencias personales. Olga Newwirth, natural de Graz, en donde asimilaría sus patrones a seguir, tuvo maestros como Tristan Murail, en el IRCAM parisino, tras realizar su tesis sobre L´Amour à mort, filme de Alain Resnais, de sus años de formación en la Wien  Universität für Arts, con Erich Urbanner. Tuvo una íntima relación artística y ética por su ideario con Luigi Nono Con Elfried Jelinek, realizó un proyecto de colaboración sobre el filme Lost Highway, de David Lynch, y que sería resultado de sus experiencias con el Institut für Elekktrokurse Musik und Akustik, de Darmatadt, que sería estrenado por el Klangforum Wien.

Ramón García Balado

Corais Xuvenís (Dous coros en concerto), en el Paraninfo de Universidade

 Facultade de Xeografía e Historia, Santiago de Compostela

Concierto en el Paraninfo da Universidade dentro de las propuestas de Amigos de la Ópera de Santiago (AdOC) – día 23 a las 20´00-, del que serán protagonistas el Coro Xove da Orquestra Sinfónica de Galicia y el Coro IES Xunqueira de Ambía, dos agrupaciones destacadas por su entrega voluntariosa a estas iniciativas con una respetable trayectoria en un papel primordial en el que no está exenta su colaboración con otras formaciones de trayectoria consolidada. El Coro Xove da Orquesta Sinfónica de Galicia, se formó en 2005 como el último proyecto de Son Futuro e incorporarse a la Sinfónica de Galicia, una agrupación que alcanzaría a integrar un grupo de 35 voces, entre 13 y 21 años llegando a participar en repertorios sinfónico- corales como Carmina Burana, de Carl Orff; zarzuelas como La tabernera del puerto, de Pablo Sorozábal; Troula, de Juan Durán; la Segunda Sinfonía (Resurrección), de Gustav Mahler y ya en fechas recientes dentro de las actividades en curso de esta temporada, la Tercera Sinfonía, en Re m. de Gustav Mahler, una de sus experiencias de peso, dirigida por Roberto González- Monjas, con la mezzo Yajie Zhang, los coros femeninos e infantil de la orquesta, bajo las direcciones respectivas de Javier Fajardo y Sofía Rodríguez. Un momento de gran impacto vendría por su excelencia a partir de los tiempos Sehr lansam. Misterioso. Durchaus leise que mostraría su grandeza en las voces en conjunto enriquecidas por los contrastes cerrando con el seductor Bimm, bamm, sobre un poema de Des Knaben Wunderhorn, un aire de profunda meditación. Como tal agrupación, también colaboró con formaciones musicales procedentes de ámbitos distintos a los géneros clásicos, con atención destacada a conmemoraciones locales que se celebran regularmente en A Praza María Pita, e igualmente con la Real Filharmonía de Galicia, o en iniciativas como esta de O Paraninfo da Universidade, O día Das Letras Galegas, conciertos familiares sobre propuestas didácticas, disfrutando de las batutas de maestros como Fernando López Briones o José Ramón Rodríguez Castellanos. En la actualidad, es titular Daniel García G. Artés, desde 2014, y Javier Fajardo, en dirección artística. Artés, compositor, pianista y director, con fundamentos en el Conservatorio Superior de A Coruña, estuvo en el propio coro como cantante desde 2004, en donde también participó como instrumentista de cuerda y subdirector y arreglista, trabajando en proyectos como Disney, siendo también responsable de arreglos de Xoel López. Es profesor de piano y voz en la Rock School Coruña, desde 2015, y titulado en G8 Vocals , por la misma escuela y fundador del coro moderno El Acorde Secreto, finalista del Concurso Compositivo O Happy Day que muestra consonancia con aquellos estilos creadores que dieron impulso a lo que a mediados de los sesenta, se conoció como música Soul, que mantendría su vigencia durante aproximadamente durante casi una década. En programa Ave María (Julio Domínguez); Ave Verum Corpus (Mozart); How deep is your love (Bee Gees); Isn’t she lovely (Stevie Wonder); Medley (Michael Jackson, arr. Daniel G. Artés) y One day more (Claude-Michel Schönberg)

El Coro IES Xunqueira de Ambía, pequeña localidad apreciada por su órgano barroco en el que este verano pasado pudimos disfrutar de un concierto en toda su plenitud de la tradición hispana que llegaría hasta el siglo XVII, a cargo de nuestra muy apreciada Montserrat Torrent, conmemorando su centenario, maestra de impagable memoria desde mediados de los setenta ocupando la cátedra correspondiente en los Cursos U. I. de Música en Compostela, un coro que cuenta con cuarenta alumnos del Instituto IES A Xunqueira, y que fue creado hace veinte años, por la profesora María Luisa Sánchez González, con la finalidad de divulgar de enfocarlo a alumnos de educación secundaria, surgiendo en 2016, como proyecto Coral A Xunqueira, que incorporaría una sección infantil de voces blancas, desde dos años después. Han recibido galardones destacados: Primer Premio en los Concursos Nacionales Escolares (2018); el tercero del IV Internacional de Torrevieja (2021); un Segundo con Mención Especial de Mejor Puesta en Escena, del VII de Coros Escolares (2022); el Primero con Mención Especial de mejor dirección, del IX del Concurso de Coros Baleares (2024). Entre los proyectos recientes destaca su protagonismo en cursos y festivales, además de intercambios en colaboración a nivel europeo, entre los que destaca Roma Music  Festival cuyo resultado fue el registro de tres trabajos discográficos editados con la Banda IES A Xunqueira, Colabora también con la Orquestra Sinfónica de Pontevedra, la Banda Municipal de Pontevedra, estrenando obras como la cantata Per Agnum, de Josu Elbedin; As rúas do vento ceibe, de Carlos Seráns, y en 2026, participó en la gala de entrega de los Premios Feroz. María Luisa Sánchez González,  procede de Asturias y es licenciada en musicología por la Universidad de Oviedo, tras licenciarse en piano por el Conservatorio de Gijón para ejercer como profesora de música en el Conservatorio Manuel Quiroga, de Pontevedra. Su afición a la música coral le viene ya desde sus años de juventud, gracias a sus experiencias junto a Carlos Sampedro Artime, en los Pueri Cantorus, de la Escuela de Música de Gijón, llegando a formar en Galicia como soprano, el Coro Gli Appassionati. Su experiencia coral, en labores de dirección, se forjó también en el País Vasco, en la Academia Tamara Brocks y los Cursos de la Universidad de Cantabria, que le facilitó trabajar con maestros como Julio Domínguez, Esteban Urzelai, Maite Oea. Elena Rosso, Josu Elberdin, Javier Busto, David Azurza o Marco Antonio García de Paz.  Programa de este coro: A beeyo (aborigen australiana); Compañeira (Fuxan os ventos, arr. Julio Domínguez); Si la nieve resbala (Cantos asturianos, arm. Julio Domínguez); Habanera salada (Ricardo Lafuente Aguado); Ta na Solbici (Samo Vovk); No cambié (Yurena- Juanjo Rodal); Ruada de Chamosa (Julio Domínquez). Ambos coros, se unen en el final para interpretar Love is love is love is love, de Abbie Betinis.

Ramón García Balado

Hyakuman- Goku, sonidos ancestrales japoneses por Vertixe Sonora

Igrexa da Universidade, Santiago de Compostela

Concierto de Vertixe Sonora en la Igrexa da Universidade - día 18 a las 18´00 h-, en un programa dedicado a las tradiciones ancestrales japonesas entremezcladas con formas contemporáneas, un proyecto que ya ofrecieron la tarde de ayer en la Catedral de Tui, un verdadera experiencia de trasmisión entre culturas aparentemente distanciadas como ya nos dejaron en tiempos pasados las confluencias aportadas por las corrientes fomentadas por las vanguardias impresionistas del siglo pasado. Un proyecto que llega a Galicia marcando la combinación de instrumentos  milenarios junto a la electrónica y los citados lenguajes musicales. Hyakuman- gorku, título genérico, invita a adentrarse en esta estimulante aventura, dentro de los proyectos del propi grupo, contando con el protagonismo  de Junya Okochi, tomando como instrumento el shakuhachi, y Nobuko Kawashima, con la biwa, sobre un colectivo de compositores de Hyakuman- goku, que se incorporan a  los quehaceres de Vertixe Sonora, en este espacio de encuentro de culturas, lenguajes y atenciones a las corrientes de pensamiento, reivindicando la tradición  al margen de un legado estático para transformarse en una materia viva. Instrumentos ancestrales como la biwa, instrumento de cuerda emparentado con el laúd, desde el antiguo Medievo, o el Shakuhachi, especie de flauta de bambú hermanada con las influencias del pensamiento zen, y con unas experiencias ancladas en el repertorio tradicional de aquellas latitudes, permitiendo en este caso la incorporación a las aventuras de las vanguardias a través de la electroacústica. Una propuesta que recupera el universo de los biwa hôshi, de los monjes ciegos entre las entonaciones de cantos de los que la historia conserva una imagen por el ejercicio de sus relatos errantes con sus señas de identidad épica, las crónicas bélicas y las historias plena de dramatismo, acompañados por aquellos instrumentos. Parecidas circunstancias, ayudan a evocar las prácticas meditativas de los monjes komusô, que se manejaban con el shakuhachi, especie de artilugio de indagación espiritual. Un repertorio que acepta tradiciones anónimas como Shakuhachi- Honkyoku o Biwa- Katari- Mono, junto a composiciones de Masataka Matsuo, Rui Ogawa, Toshio Nakagawa, Shin Hashimoto o Yasnoshin Morita, obras que ayudan a expandir las posibilidades tímbricas de aquellos instrumentos, entre las raíces históricas, manteniendo un diálogo con las historias y las creaciones contemporáneas. Una música aceptada como camino de peregrinación.

La música en el Japón moderno, se inició en el período de 1868, bajo el emperador Meiji, consiguiendo despertar el interés de los países occidentales por el consenso con el que llegó a implantarse después de largos períodos conocidos por el distanciamiento vivido en el siglo XVI, en aquella etapa Meiji  (1868/ 1912), las influencias occidentales se habían desarrollado por distintos canales de mutuas influencias, un resultado de relieve, se encontraría en las herencias clásicas de la tradición hogaku y la confluencia con las formas occidentales conocidas como yogaku, que continuaron evolucionando de forma paralela. Fue el periodo Meiji  el que declaró ilegales los gremios japoneses, por lo que los músicos perdieron el control sobre una importante fuente de ingresos. Un resultado positivo, fue el florecimiento de actividades docentes dirigidas a los aficionados y el aumento del aprecio a las formas tradicionales. Muchos compositores se sintieron interesados por los extraños sonidos de los préstamos occidentales. Se daría el caso de composiciones de estilos insólitos creados con expresiones aparentemente autóctonas con grandes grupos instrumentales. Obras de aquellos trabajos como los de Michio Miyagi (1894/ 1956), del gremio Ikuta, con sus piezas modernas compuestas antes de la Segunda Guerra Mundial,  en el ámbito clásico japonés destacan pioneros que curiosamente tenía poca experiencia en las tradiciones japonesas  y que terminaron por formarse en países como Alemania y uno importante sería Koscak (nacido Kosaku)b Yamada,(1886/1956), fundador de la primera orquesta importante y de organizaciones operísticas en su tierra que amplió perspectivas siguiendo patrones occidentales. Su ópera Kurobune de 1940, trata de un asunto relacionado con la primera visita norteamericana  en 1853, obra con aspectos asimilable al Wagner de El holandés errante, o al postrero G. Puccini, en las óperas veristas. Los continuos esfuerzos por buscar las confluencias entre culturas posiblemente distantes, llegaron a dar resultados como los que hoy conocemos, no sería hasta la segunda mitad del siglo XX, en el que las combinaciones y enfrentamientos positivos entre estas culturas, dejaría argumento a músicos como Toru Takemitsu, cuyas obras se ofrecen con regularidad en convocatorias de vanguardia. De aquel país y bajo la presión de la cultura de masas, nos hemos familiarizado con músicos como Toshio Hosokawa, al que Vertixe Sonora había dedicado un monográfico de este creador celebrado por la hábil conjunción de las culturas que nos afectan, combinando instrumentos nativos con los de las orquestas sinfónicas occidentales, consiguiendo y recreando unas formas musicales que se aproximan a un llamado neoimpresionismo. Suya había sido la capacidad para trasmitir nobleza enmarcada en la tradición Gagaku, música tradicional japonesa de la que heredó en parte la tímbrica. El autor pertenece a una especie poco frecuente de personajes extremadamente fieles a sí mismos y apreciados por una voz propia, ajena a modas o intromisiones. Otros compositores de impagable valor, son Turu Yatemitsu, valorado por sus bandas sonoras como Quatrain, o Rain, de Akira Kurosawa, a las que pueden añadirse Harakiri; Kwaidan o La ceremonia, dentro de una trayectoria que desde sus comienzos había quedado marcada por la escuela expresionista que influiría en la escritura de su Requiem. La etapa final de su vida, le ayudaría curiosamente al descubrimiento de Claude Debussy, que habría de ser determinante, elaborando unas músicas cuidadosamente trabajadas por un juego sutilísimo de matices con obras tan representativas como Eclipse; Pasos de noviembre; Paisaje; Hilera de árboles o Jardín de lluvia.

Ramón García Balado

Bertrand Cuiller: Cielo y Tierra, en el VIII Ateneo Barroco

 Paraninfo da Universidade, Santiago de Compostela

Concierto del clavecinista Bertrand Cuiller, quien ofrecerá una charla previa en el Paraninfo da Universidade-día 16, a las 20´00 h-, bajo la inspiración del ideario desde los virginalistas ingleses a Domenico Scarlatti, con obras del propio Scarlatti, William Byrd y John Bull,  un intérprete que es dinamizador del grupo Le Carabanserain, nacido en un ambiente musical gracias a su madre Jocelyn Cuiller, y formado con Pierre Hantaï, Christoph Rousset, tras estudiar trompa moderna y barroca, pronto comenzaría su carrera con grupos como Les Arts Florissant (William Christie), Concert Spirituel (Hervé Niquel), Le Poéme Harmonique (Vincent Dumestre), especializándose en los virginalistas ingleses, y en D. Scarlatti, en su etapa al servicio de Barbara de Braganza, intensificando en el legado del italiano. Realizó registros para los sellos Alpha Classics (Byrd: Pescodd Time; Scarlatti & Soler), Mirare (Thomas Tomkins, J. P. Rameau y conciertos de J.S. Bach) y Harmonia Mundi (F. Couperin y J.S. Bach). Colabora con músicos Sophie Gent, los flautistas Marine Sablonaire, Jocelyn Daubigney y Frank Theuns y el compositor Loïc Guénin; los chelistas Christopher Coin y Bruno Cocset o el Ensemble Les Basses Réunis, siendo invitado a proyectos docentes como la Schola Cantorum Basilienses; el Inst. de Música Antigua de Vannes, y como jurado, en los cursos de Brujas y Wanda Landowska (Poznam).

William Byrd (1545/ 1623)- The Queen´s Alman; Pavan & Galiard; Three French Corantos; Lady Monteagle´s  Pavan, Ground MB 9 y The Battle- organista de tradición católica y brillante contrapuntista, notable por sus polifonismos de grandes recursos, fue miembro de confianza de la Capilla Real a partir de 1570, en un compromiso que sabrían guardar un equilibrio entre los distintos credos a los que tuvo que enfrentarse a lo largo de su carrera, imprimiendo a su música sus reconocibles patrones, tras asociarse con su editor Thomas East, especialmente en los años postreros del s. XVI. Para la Capilla Real, compondría servicio de notable importancia- Geat Service como Rejoice unto de Lord (1586)-, y el compendio de sus anthems y otras obras litúrgicas- motetes, entre los que caben los Gradialia (1605/7), a tres, cuatro o cinco voces-, llegó a ser acusado de conspiración por razones vagamente justificadas, pero lo que efectivamente nos interesa, además de su música para clave, entre breves interludios, pavanas y gallardas, son las Parthenia (1631), por sus fantasías, grounds y la serie de variaciones, que se complementan con los cantos sacros, de Tears or Lamentations of a Sorrow Soule (1614). Tuvo como alumno a Thomas Morley, quien seguiría su escuela  en su trabajo A Plaine and Easie Introduction to Practical Musicke (1597).

John Bull (¿1562/ 1628)- In nomine (Musica  Britannica n º 12) y The King´s Hunt, virtuoso clavecinista y constructor de órganos quien acabaría trasladándose  a los Países Bajos, siempre ensombrecido por su carácter indisciplinado y poco fiable, asediado igualmente por su situación financiera, que dañaría su situación social, recibiendo para mayor carga, el acuso de adulterio, detalle que será apuntado por el arzobispo de Canterbury, del que dejará constancia en algunos de sus escritos, quien alabará su calidad de músico pero que despreciará su carencia  de honestidad. Se aceptaría su talento como intérprete de virginal, y como organista, gracias al manejo de su digitación y por un pulso cargado de medios expresivos, que ayudará a realzar su imagen a lo largo de dos decenios, en esa condición de Gentleman de la Capilla Real, al servicio de la Reina Isabel, que incluía festivales y ceremonias de estado, período en el que además, construiría un órgano. Fue un respetado compositor de pavanas, gallardas y cuidadas variaciones sobre Walsingham, editadas en su Parthenia, or the Maydenhead, en honor de la Princesa Isabel, por su boda.  Recibió el diploma académico de Oxford (1592), y su retrato adorna la Biblioteca del Gresham College (Londres), un cargo que terminaría dejando por presiones institucionales. En Bélgica sería organista en la mansión del Archiduque Alberto, quien también tendría con él una actitud de menosprecio, lo que le obligaría  volver a su país, obteniendo un puesto con la corte del bourgmestre D´Anvers, alegando su condición de católico y víctima de la persecución religiosa.

Domenico Scarlatti (1685/1775)- selección de sonatas  desde la Sonata en Re m. K. 215 (Andante) a la Sonata en Re m K. 517 (Prestissimo), la Sonata K. 30, en Sol m. (fuga), la Sonata 64 (Gavota, Allegro), la Sonata en  Fa M. K. 276 (Allegro), la Sonata 450 (Allegrissimo) y la Sonata en Fa M. K. 466 (Andante moderato y la Sonata K. 213 (Andante) ; El compositor fue considerado durante tiempo un artista extravagante, por no decir inadecuado para el clave- opinión de Ralph Kirpatrick-, casi sin excepción su obra ha demostrado no comprender en su justo valor la solidez fundamental de su estilo armónico. La naturaleza esencial del estilo para teclado se explica de manera más inteligible gracias a su tratamiento de la armonía que por las peculiaridades superficiales de su modo de componer para el clave. A pesar de la solidez y disciplina de su pensamiento musical, es uno de los compositores menos teóricos que hayan existido. La sonata scarlatiana, es una forma binaria dividida en dos mitades por una barra de doble compás, la primera mitad presenta la tonalidad básica y luego se mueve para establecer la tonalidad con la que concluye en la doble barra de compás; la segunda mitad, se aparta de esa tónica de la barra doble de compás y termina por establecer la tónica básica en una serie de cadencias igualmente decisivas, y usa el mismo material temático que se empleó para establecer la tonalidad con que concluye la primera mitad.  Scarlatti, al igual que la mayoría de los compositores italianos, no utilizó nunca un vocabulario articulado y codificado de la ornamentación musical, como el que surgió en Francia hacia finales del s.XVII, y permitió a Couperin y J.P. Rameau indicar con mucha precisión sus intenciones de cara a la plasmación improvisada por parte del intérprete de los ornamentos musicales. Las indicaciones de Domenico Scarlatti, para la ornamentación improvisada se reducen a trinos y appogiature que casi nunca tienen una mayor cualificación. Sin embargo, no hay razón para suponer que él esperase que el intérprete, al igual que los violinistas y cantantes italianos de su época, añadiese ningún ornamento no indicado en el texto, con la excepción del complemento a un trino o appoggiature ocasional. Como Bach, aunque de manera más completa, Scarlatti plasmó sus ornamentos y figuraciones al teclado en las notas escritas. Dentro de las actividades complementarias contaremos con la conferencia de Stefano Russomano dedicada a Carlo Gesualdo: o encanto do disonante en la sede de Afundación- día 19, a las 19´30 h-, que continúa otras como la servida por Jesús Ruiz Mantilla: Yo Farinelli, El Capón, moderada por Carlos Valdés, en el Ateneo de Santiago, el pasado ocho del mes en curso, parejas a los encuentros con los artistas y sus instrumentos enmarcados bajo el título Instrumentos, Xéneros e Contextos

Ramón García Balado