Elegías para Brahms según Ruth Reinhardt

 Santiago de Compostela - 30/11/2025

Programas de la Real Filharmonía de Galicia, bajo la dirección de Ruth Reinhardt, una directora con estudios en el Altenkessel Saarbrüken, y que se presentó profesionalmente con la ópera Das Kleine Gespenst, basada en su relato de Olfried Pressler, en el Alte Feuerwache, (Theater Saarbrüken), mientras ampliaba su formación en la Academia de Artes, de ese coliseo. En la Zürcher Universität, dentro de su Hochschule der Kunst, tuvo como maestro a Rudolf Koelmann, para ampliar en dirección con Constantin Trink y Johannes Schaefl, y la Juilliard School neoyorquina con Alan Gilbert y James Ross, probando en la puesta escénica de obras para los públicos más jóvenes como The Little Mermaid, de Michael Muggli o Wessilissem de Dennis Bässeke; dirigió a formaciones como la Sidney S. O.; la Rhode Island O.; la Rundfunk de Frankfurt; la Orchestre d´Ile de France; Los Ángeles Philharmic O. o la Tonküstler, de la Baja Austria. En programa, Núria Giménez-Comas, en el preludio Cometa, compositora con estudios en la ESMUC con Christophe Havel y Mauricio Sotelo antes de especializarse en Ginebra con Michael Jarrell, Luís Naón y Eric Daobresse, indagando en el ámbito de las formas acusmáticas multicanal, además de recibir una beca de la Fundación Caja Madrid, realizando trabajos con el Cuarteto Diotima y asistir a la Ac. Schelss Solitude, de Espacialización Sonora, para seguir en Voix Nouvelles de Royaumont, con Clara Czernowitz y Brian Ferneyhough; y en el IRCAM/ZKM, en el proyecto Esculturas Sonoras, y en el IRCAM Centre Pompidou, en el que llevaría a cabo su trabajo Nostalgie 2175, para el Teatre del Liceu, preparó la ópera en pequeño formato Shadow. Euridice Says. Su breve pieza Envol, casi un imperceptible suspiro en forma fugaz, resulta por trazo un haiku volátil con sesgos tomados de los marginales Guns N´Roses, que con suerte sus seguidores podrían adivinar.

Detlev Glanert- Idyllium, Metamorphosen nach Brahms- obra estreno es España y un homenaje a Johannes Brahms, es un compositor del que escuchamos el curso pasado con la OSG su Concierto para chelo, interpretado por Johannes Moser, bajo la dirección de Anna Rakitina, a comienzos del mes de febrero, la trayectoria de este músico nos lleva a sus experiencias con Dieter de Lamotte, Günter Friedrich, Franck M. Beyer y en mayor medida, con Hans Werner- Henze, con quien realizó masters de especialización en Colonia, actividades que mantendrá a lo largo de los años. Un compositor que preferentemente se interesa por el género escénico, con trabajos como Leyla und Medjum, ópera destinada para Munich; Calígula, sobre la dramaturgia de Albert Camus, que subirá a escena en Frankfurt; Die Judin von Toledo, tomando como argumento un texto de Hans- Ullrich Treichel y que se inspira en las pinturas negras de Goya, para el Semper Opern Dresden o el ballet Nijinski Tagebuch. Fueron microformas lo que dieron entidad a la obra más estimulante y servida antes del cierre de la primera parte, por lo que guardaba de homenaje a la Segunda Sinfonía de Brahms, entremezclada con detalles de complejas opciones sonoras que suscitaban en el oyente el estímulo de hallarse ante una obra que incluso demandaría una extensión de mayor amplitud.

Hubert Parry (1848/ 1918)- Elegía para Brahms-, obra de 1897, destacaba por la importancia concedida al espacio sinfónico tardo-romántico, con notable acentuación en su época, desde la Primera estrenada en 1882, un músico que también conoció una experiencia enriquecedora en Inglaterra desde Malvern a Eton y al Exeter College (Cambridge), recibiendo las atenciones de maestros como Edward Dannreuther. Su Fantasía-Sonata, para piano y violín, fue una de las obras que recibió una inmediata acogida a la que se añadirán unas Variaciones escritas a partir de J.S. Bach. Dannreuther, interpretó en 1880 su Concierto para piano en Fa sost. m, en el Crystal Palace, obra que vendría después de la obertura Guillem de Cabestanch; el Intermezzo religioso, para cuarteto de cuerdas estrenado en el Gloucester Festival. Una carrera en la que también tuvieron cabida géneros aparentemente menores, de compromiso, como las Canciones para niños, inspiradas en Milton, que ayudaron a su prestigio de reconocimiento en plena madurez, piezas que quedarían a la altura de sus arreglos realizados sobre sus obras Judith; War and Peace o A Vision of Life, mientras realizaba labores de investigación que tendrán su reflejo en los Studies of Great Composers (1886), obra de consulta para estudiosos y especialistas, y que se consolidarán con The Art of Music (1893), The Evolution of the Art of the Music, con atención al período del siglo XVII, contribuyendo a una revisión que ayudará a investigadores que vendrán casi de inmediato. Sir Edwar Elgar, también figuraría en su horizonte y la pieza en cartel resultaría un fiel testimonio, un pretendido homenaje al autor del Hamburgo, tras su muerte en abril de 1897.

Johannes Brahms- Serenata nº 2, en La M. Op. 16-, un divertimento y mirada sesgada a un pasado ensoñador, composición de su estancia en Detmold, para repartirse en sus tiempos: Allegro moderato; Scherzo: Vivace; Adagio ma non tropp; Quasi minuetto y Rondó- Finale, guarda puntos en común con su obra precedente por su serenidad y equilibrio, además de su frescura, un trabajo de juventud que anuncia sus mejores virtudes, y que cara al futuro, contará con una revisión, después de su publicación en 1860. El Allegro moderato se enfocó con un aire lírico y delicado, desde el primer tema expuesto a través de acordes sobre una melodía ornamental, remarcada en la continuación; el Scherzo:Vivace, cargado de propuestas rítmicas que sugeriría un aire popular, dejando por ello paso a un Adagio non troppo que resultaba una grata impresión de inspiración; el Quasi menuetto, todo un revuelo resuelto por los instrumentos de viento preparaba el Rondó: Allegro, ofrecido con un aire de de fanfarria, expuesto por clarinetes y fagotes. Tras la presentación en Hamburgo en febrero de 1860, la Serenata se dará a conocer en Leipzig, y tras el éxito inesperado, el autor decidirá trabajar sobre otras obras que tenía en mente, mientras que acababa de participar en un concierto en la Gewandhaus, de Leipzig, con su muy estimada Clara Schumann y con Johannes Joachim, un concierto que tendría como director a Karl Reinecke. Clara, que aún no conocía todavía esta Serenata Op. 16, para pequeña orquesta, nos dejaría la impresión de que resultaba una pieza extraordinaria, por su gran belleza. Insistiría una vez más en la sensación de serenidad, de la que quedará constancia en una carta dirigida a Joachim, compartida con otros compañeros aunque críticos como Gleich, del Leipzinger Tageblatt, tuviese una valoración menos entusiasta. Directora y orquesta, dejaron una sensación óptima ante quienes le admiramos, especialmente por sus obras camerísticas, para un programa pleno de guiños y reconocimientos hacia este compositor, bastión entre generaciones al borde del enfrentamiento.

Obra inspiradora para conmemorar los mil números de la revista RITMO. Muchas felicidades.

Ramón García Balado

 

Real Filharmonía de Galicia / Ruth Reinhardt.

Obras de Núria Giménez-Comas, Hubert Parry, Detlev Glanert y Johannes Brahms

Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

Centro Cultural Afundación, Pontevedra

Foto © P. Meisel

https://www.ritmo.es/auditorio/critica-elegias-para-brahms-segun-ruth-reinhardt-por-ramon-garcia-balado 

Dos barítonos y una soprano, ganadores del VIII Concurso Compostela Lírica

 Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

Intenso y competido resultó  el VIII Concurso Compostela Lirica, actividad otoñal propuesta por Amigos de la Ópera de Santiago y que ya en los corrillos de discusión previos a la sentencia definitiva traería más de una opinión de tanteo fuertemente contrastada a tenor de  quienes serían los afortunados ganadores dado el alto nivel mostrado en esa jornada final del domingo 23. Los que sí  recibieron el galardón de reconocimiento fueron los pianistas-repertoristas Berta Brull Sardaña y Rubén Sánchez Vieco, por  su entrega a las consabidas exigencias requeridas atendiendo a las particularidades canoras de cada uno de los diez participantes que fueron elegidos para ocupar plaza en tan disputada final. Cada voz, un mundo, y llegará con recurrir al  Presidente del jurado Arturo Reverter, en su obra testimonial El arte del canto. El misterio de la voz desvelado, en su Cuarto capítulo. Tesitura y extensión. Tipos vocales, en el que el crítico y maestro incida sobre Rachele Maragliano, quien apuntaba que además del timbre y ocasionalmente la tesitura, deberán observarse otros aspectos, como la extensión y las zonas de pasaje, los puntos de sutura entre los registros de pecho y cabeza. Según las particulares actitudes psico-físicas, de los sujetos, las múltiples exigencias de los estilos y de los repertorios, las caracterizaciones de los personajes que los cantantes interpretan en el ámbito de su tipo vocal, las categorías se terminan por subdividir más y más. Ha de quedar claro y todos los estudiosos están de acuerdo en ello, que no hay una voz igual que otra, que hay por tal motivo, tantos tipos vocales, como voces existen en el mundo. Las clasificaciones y subclasificaciones que tratan de situar y de definir las voces, con nomenclaturas diversas no son más que orientativas ante la imposibilidad de llegar a la clasificación ideal. En el siglo XVIII solamente se conocían tres tipos: soprano, tenor y bajo, aunque en tiempos anteriores se matizara más finamente la hora de situar las distintas líneas de la polifonía: cantus (o superius), altus, tenor y bassus. Palabra de Reverter, quien con su aspecto de taumaturgo encantador, siempre supo ayudar a que comprendiésemos las casi inabarcables escuelas de canto, a través de conceptos como messa di voce, sfumatura, portamento, fiato, ataque o coloratura

Cruda sorte, para el final de la toma de decisión en esa tarde brumosa, en la que como es de oficio no dejó de dejar ciertas insatisfacciones entre los no elegidos aunque igualmente merecedores: Sophie Burns, María Isart, Tanja Jannelli, Yasmin Forastiero, Ana Beard Fernández, Willigerd Giménez o Ting Yu, un brindis por todos ellos, a los que debemos su generosidad y entusiasmo, por los pasajes elegidos que fueron desde el Bizet de L´amour un oisseau rebelle al Massenet, de Adieux notre petite table, de Manon; el Mozart de Idomeneo, en Quando avran fine o mai… Padre, germanio Addio!. El Donizetti sobre la ostentosa  cavatina que encumbraba La Favorita en Fia dunque vero, Oh Ciel…Oh, mio Fernando.  Verismo descarnado por exigencia de rol en Leoncavallo, trágica consumación en Paggliacci, para dejarnos con el aliento en vilo E fra quest´ansie in eterno vivrai o los orientalismos desde una puesta escénica primorosa, el La forza del destino verdiana: Pace, pace mio Dio, o Un bel di vedremo, de la pucciniana Madama Butterfly

Un Tercer Premio con plenitud de méritos para el checo Daniel Kfelir, dotado con 1000 euros, por su interpretación de el Mozart de Le Nozze di Figaro, en el aria Hai gia vinta la causa? Vedrò mentr´io sospiro,  del Conde Almaviva, ante la presencia de Figaro, su criado que parece regodearse en el Acto Tercero en el Salón del Palacio, ópera que destaca como primer gran alarde canoro tratado a partir del libreto de Da Ponte.   P. I. Tchaikovski, con Uzel ta sama, de la ópera Evgeni Oneguin, aria especialmente apreciada en recitales tomada del Tercer acto, en una ópera cargada de escenas y  que se valoran especialmente las desarrolladas en el Salón de actos del Palacio de San Petersburgo y en el Salón de actos del Príncipe Gremin,  en ese Tercer acto. Para rendir pleitesía, la asistencia pianística de Rubén Sánchez Vieco.   Un Segundo Premio, dotado con 2000 euros y un recital remunerado, concedido al barítono ucraniano Nazar Mukullyak, a quien acompañaría la pianista Berta Brull Sardaña, en sus méritos, el Bizet de Les Pêcheurs de Perles, en el aria L´Orage s´est calmé, aria de Zurga, el pescador de perlas, amigo de Nadir, y enamorado perdido de Lêila, para un aria de desasosiego en esta ópera que curiosamente, ocupa un grado inferior en celebridad con respeto a Carmen e igualmente tratada sobre un argumento exótico sobre un texto de Prosper Mérimée y que pone distancias con La Jolie fille de Perth, o con Djamileh. Para exotismos, todo un descubrimiento para Konstantyn Dankevryn (1905/84), en el monólogo de Bohdan Khmelnytskyi, compositor ucraniano formado en Odesa con V. Zolotarev y M. Vilisnki, y conocido por su ballet Lileya, exigencias para un barítono dramático y  de tintes heroicos, un barítono- bajo que nos recordarán a personajes complejos como Boris Godunov, de Mussorgsky,  y otros de similar cuerda comunes en óperas rusas de compleja nervadura.  Para el Primer Premio, la soprano checa Lada Bocková, asistida por la misma Berta Brull Sardaña, en su dotación, 4000 euros, una actuación con la Real Filharmonía  de Galicia y un recital en el marco del Festival Les Musicales du Luberon y un rol en la temporada de la Ópera de Oviedo, recordaremos la presencia en el jurado del presidente y fundador del Festival du Luberon, Patrick Canac. Lada Bocková, soprano, sentó sus méritos en dos arias de gran calado, el Mozart de Don Giovanni, Ossia  il disolutto  punito, en concreto Crudele…Non mi dir, bell´idol  mio, aria en lamento de Donna Anna, la prometida de Don Ottavio, aristócrata y tenor lírico, en este cuadro cuarto del Segundo acto en el que el prometido demanda la cita para la fecha de los esponsales, pero la muerte de su padre supone un impedimento, un aria con recursos spinto  y con penetrante squillo, aspecto determinante en lo posible para inclinar la balanza a su favor. Para redondear por la alturas, el Charles Gounod de Roméo et  Julliete, a través del aria punzante Ah! Je veux vivre, declaración de poderío en el Primer acto, en la que Julliete confiesa a su aya que tan  sólo ansía divertirse, claro contrapeso con respecto a la página anterior. Ópera de consabidos trasfondos shakespereanos situada en la Verona del siglo XIV y dentro de un estilo muy francés en sus típicos cinco acto, sobre un libreto de J. Barbier y M. Carré. Segura y convencida parecía en todo momento esta cantante checa, quizás ya con experiencia en otros certámenes.  El VIII Concurso de Canto de Amigos de la Ópera de Santiago, confirmaría por ello su veteranía y madurez entre los que se celebran  en el ámbito nacional e incluso europeo. Albricias y a por la convocatoria que en agenda comienza  a preparase. 

Ramón García Balado

El ideario masónico en la música de Mozart

 Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

Obras para canto de W.A. Mozart en el Ciclo de Lied, propuesto por Amigos de la Ópera de Santiago en el Auditorio de Galicia- día 27, a las 20´30 h-, en el que serán protagonistas el tenor Ilker Arcayürek, con el pianista Maciej Pikulski, acompañados por el Coro Masculino de Amigos de la Ópera de Santiago, dirigido por Joan Company. El salzburgués ingresaría en la masonería el 14 de diciembre de 1784 en la logía Zur Wohltätigkeit, en la que ejercía como gran maestre el barón Otto von Gemmimgen, período en el que esas fundaciones serían lugares de reunión de minorías de ilustrados. Una publicación de Gérard Gefen, dejará constancia en un trabajo de consulta apreciable, Les musiciens et la frac-maçonnerie (1993), una atalaya para asomarse a la trascendencia de su legado. Opiniones habrá sobre la menor importancia de la francmasonería ejercerá en el músico, que llegaría a implicarse menos en los círculos de los que sería afecto desde el punto de vista ideológico, aunque el probable que a la hora de formular de plantear ciertas inquietudes de orden espiritual  fuese permeable a esas demandas, quedando evidencia en la importancia correspondencia mantenida con su padre Leopold. De su música, las piezas para ceremonias masónicas, resultará desigual y para seguir la estela, bastará con comparar las cantatas Dir, Seele des Weltalls K. 429 o Die Maurerfreude K. 471.

En programa, O heiliges Band der Freundschaft (Oh sagrado lazo de amistad)), para voz y piano, obra del último período de su estancia en Salzburgo y que se presenta como un minué lento aceptando que su texto puede asociarse a un sentimiento masónico aunque de una forma que nos aporta una belleza enternecedora y libre, difícil de describir. Otro lied, Gesellenreise K. 468 (El viaje de los compañeros), muestra de emotiva espiritualidad aparentemente destinada a la logia masónica Zu wahren Eintracht, con motivo de la incorporación de nuevos adeptos en una ceremonia conmemorativa, cuyo texto original había sido escrito por  J.F. Ratschyky. La presencia de un preludio de piano antes del canto y de un ritornello final marca una diferencia bastante nítida respecto a los procedimientos de los compositores de lieder de las escuelas del norte alemanas, su padre Leopold, había entrado a formar parte de la masonería, en aquel mes de marzo de 1785.

Eine Kleines Deutsche Kantata K. 619 (Pequeña cantata masónica), única en su repertorio en forma de lied, compuesta en Viena, goza del beneficio de ubicarse entre dos obras sublimes: el Ave verum K. 618 y la  Zauberflöte K. 620, cantata menos recordada supone uno de los más elevados testimonios de su espiritualidad, obra compuesta en seis partes  de gran simetría desde el Andante inicial al Allegro final. El texto lo aportaría un personaje de menor relevancia, F. Ziegenhagen e igualmente resulta alusiva al mundo masónico quedando en su fundamento una cercanía al pensamiento de Jean- Jacques Rousseau, al  que le autor del texto tenía en gran valoración como guía espiritual. En cuanto a su manuscrito, Konstanza lo donó tras su muerte al diplomático sueco Silvertolpe, lo que confirme que en la actualidad se encuentre en la Universidad de Upsala, su querida compañera de travesía cotidiana, había dado a luz en aquellas fechas, al nacimiento de su hijo Franz Xaber Wolfgang, y que solo heredaría una pequeña llamita musical de su padre, por lo que su importancia histórica resultará casi irrelevante, quedando como un personaje casi menospreciado por la historia de la música.

An die Freude K. 53 (A la alegría), lied primerizo en un adolescente de 12 años, que abordará una canción- danza pensada desde un punto de la instrumentación y del período de su operita Bastian und Bastianne, lied de inspiración masónica por influencia de su padre en un momento en el que se volverían a encontrarse con el médico J. Wolff, en Paris (1778), con el que Leopold había tenido experiencias musicales de sencillo entretenimiento sin mayores ambiciones. Wolfgang a buen entender despuntaba en trabajos  de aprendizaje desde minués, zarabandas, gigas y otras curiosidades.  Zerfliesset heut, gelibte Brüder K. 483 (Fundíos, hoy, queridos hermanos),  se empareja con el Lied Logenlied K. 484, ambos masónicos y que vieron la luz en 1785, en conmemoración de la logia Zurneugekrönnten Hoff nung (A la nueva esperaza), fusión resultan de tres logias vienesas preexistentes, ofreciendo la primera un homenaje de mérito al buen José II, responsable de las nuevas disposiciones. La K. 484, es un devoto canto de acción de gracias a los nuevos maestros exhortados a guiar a sus sucesores.

Nueva Cantata masónica por Eine Kleine freimaurer- Kantate K. 623, último testimonio de la fe masónica y elaborada mientras escribía el inconcluso Requiem K. 626, a la vista de las preocupaciones de Konstanze por su estado de salud, pieza  cuyo texto se atribuirá a K.L. Schikaneder, para la que otros especialistas la conocerán como Las Loh der Freundeschaft ( Loa a la amistad) y que consta de cuatro partes: un coro de apertura, una aria para tenor, un dúo para tenor y bajo y un coro final, Destaca el uso de tres voces masculinas que aportan unos matices tímbricos de notable sugestión. La masonería no tenía reglas por lo que  Mozart debió crear un simbolismo musical de tratamiento personal, el ritmo de los tres golpes dados a la puerta, que alcanzó después un alto valor significativo en Die Zauberflöte, y las notas ligadas de dos en dos, que simbolizan los lazos  de amistad, caracterizan esta cantata. Laut verkünde unsre  (Freude 626 Con las manos juntas), parece  que debía seguir al coro final de la  Freimaurenkantata y de la que se ha llegado a sospechar de un autenticidad mozartiana de este canto masónico, para el catálogo de Koechel ciertos detalles de la técnica compositiva y de la parte del bajo  permiten dudar de que ese canto fuera del salzburgués, aunque faltan pruebas creíbles, el texto se atribuye a Schikaneder , igualmente sin controversias.

Dir, Seele des Welalls, o Sonne  K. 429 (A ti, Oh Sol, alma del universo), documento masónico rodeado de muchas controversias, común a otras dos como la K. 419 y K. 471; además de otros lieder masónicos, resulta de un tono solemne que preanuncia obras ya citadas. Musicalmente es un soberbio que aparenta cierta carencia de unidad, aspecto que encontramos en obras de intención masónica y  que en esta aria, tendría como destinatario a  Adamberger, presentando un talante intimista. Die Maurerfreude K. 471 (La alegría masónica), compuesta e Venecia, en un momento fecundo, una cantata de aporta un estilo renovador y especialmente característico, cantata estrenada  con motivo de su colaboración con la logia Zur gekrönte Hoffnung a la que pertenecían padre e hijo.

Ramón García Balado

Kaleidoscope, Isabel Pérez Dobarro, en Contemporáneas

 Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

Segundo concierto del ciclo Contemporáneas, con la pianista Isabel Pérez Dobarro, en la Sala Ángel Brage del Auditorio de Galicia- día 26, a las 20´30- y que trae entre manos la presentación del cd, anunciado como Kaleidoscope- registro ganador de los Grammy Latinos, como mejor obra-, para ella, un sentimiento como parte de su trabajo que contribuye a visibilizar y recuperar compositoras actuales, no solo de Europa y América, sobre las que había trabajado hasta la fecha, sino por el descubrimiento de repertorios fascinantes, en muchos casos influidos por diversas raíces culturales, en las que confluyen estilos y lenguajes musicales, con ejemplos de procedencia oriental como Yoko Kanno, Hana Wa Saku o Nkeiru Okoye y Claudia Montero. Del programa que nos ofrezca, una selección de obras del registro, se incluyen en esta sesión. Isabel Pérez Dobarro, es pianista de asentada proyección internacional por sus conciertos en el Stern Auditorium (Carnegie Hall), el Palau de la Música Catalana, el Conservatorio Tchaikovski (Moscú), el Teatro Colón (Buenos Aires) y otros coliseos de contrastado prestigio. Dentro de sus experiencias, nos encontramos con recuperación de figuras como Clara Schumann, Mariana Martínez, Pauline Viardot- de la que grabó The Unknow Pauline Viardot-, y en nuestro tiempo, compositoras como Consuelo Díez, Diana Pérez Custodio, Mercedes Zavala o Marga Richter. Doctora en la New York University, comenzó con 19 años sus actividades docentes, tras formarse en la Mannhatan School of Music (Professional Studies Degree), en el Real Conservatorio Superior de Madrid, en complemento con los estudios de Grado en Derecho, en la UNED y en la NYU, ampliando cursos de Sostenibilidad en la SDG Academy y un Certificado en Bussiness (HBX, Business School)

Entrando en materia y en lo relativo al programa previsto, una sencilla aproximación a las compositoras y sus piezas, que no suponen una inclusión en su totalidad de las que se incorporan a Kaleidoscope, aunque manteniéndonos en el espíritu que transciende una sensibilidad claramente perceptible.  Carolyn Morris (Australia)- Blue Ocean (2021), una compositora formada en Kenja, y que nos trasmite sus primeras experiencias, por las vivencias que el mar dejó en ella, impregnando su discurso por las impresiones de la tímbrica.   Danaë Xanthe Vlasse (1981)- Fantaisie#2, Swang Song (2013), compositora de procedencia griega, ganadora de un Grammy, por Mythologies, cuya segunda entrega fue candidata al Mejor Álbum de Música Clásica. Obra inspirada en una leyenda griega sobre el canto del cisne- que entona su  melodía postrera justo antes de morir- y que refleja el conflicto interior de ese inminente final, expresando por ello su lamento con un tema principal cromático e inestable. Un relato de duetos que evocan la división entre cuerpo y alma, combinando momentos de gran claridad con pasajes de delirio, en una evidencia del desequilibrio emocional del cisne, con una compleja textura desde una línea melódica superior, con arpegios armónicos constantes y una voz interior desplazada, símbolo de una lucha interna, con recursos de glissandos ascendentes, cruces de manos y un toque ligero que sugiere un batido de alas o un pulso vacilante.

Nkeiru Okoye (1972), compositora neoyorquina que ofrece African Sketches-Dusk/Dancing Barefoot in the rain-afroamericana de raíces nigerianas, formada en piano y composición en el Oberlin Conservatory; en la Rutgers University y en la Mannhatan School of Music, apreciada por el New York Times, por sus virtudes evocadoras y apasionantes, disponiendo de  un catálogo enfocado a esas influencias de tradiciones negras, de las que dejará testimonio en su ópera Harriet Tubman, el imaginario creativo de esas tradiciones y que en African Sketches- Dusk y Dancing in the Rain- amalgama tradiciones africanas con ansiadas influencias contemporáneas, recreando atmósferas que se impregnan en la vida cotidiana como una dimensión simbólica de la naturaleza.  Karen Tanaka- Water Dance (2008): Very light with flow/Very softly with shimmering light/ Veri light, like a harp, compositora japonesa con estudios en la Toho Gakuen School y en París con Tristan Murail, en el IRCAM, ampliando con Luciano Berio y obtener una beca del Laboratorio de Compositores de Largometrajes del Sundances Institute, auspiciado por los más prestigiados maestros de Hollywood. Water Dance, un encargo de 2008, fue un compromiso con la pianista noruega Signe Bakke, quien lo estrenó en 2011, obra en tres espacios en la que usa variados recursos para recrear una amplia gama de efectos encontrados de luz y sombras, en los que intervienen el timbre, las armonías, las texturas, que nos trasladan en su evocación a una Noruega imaginaria, en un constante flujo de aguas, tratadas por las estructuras pianísticas en su transparencia y continua transformación.

Marisa Manchado Torres (1958)- Dunas una de nuestras compositoras de trayectoria más extensa, demostrando en el conjunto de sus obras una atención a técnicas precisas procurando transmitir las emociones pretendidas en el contexto de su universo sonoro. Dunas, en su caso, evoca imágenes de territorios áridos, vastos y misteriosos, bajo la idea de transformación constante y a la resistencia, características presentes en los  paisajes faltas de agua, desérticas. La pieza alterna calma y tormenta, con un piano que transita de la introspección a la intensidad emocional, invitando a reflexionar sobre la relación entre la naturaleza y la experiencia interior.  Ann Southam (1937/ 2010)- Rivers (1981), compositora impregnada en las tendencias del dodecafonismo y las propuestas electrónicas, con derivaciones hacia el minimalismo norteamericano de Terry Riley o Steve Reich, su cambio de referentes fue parejo con las posibilidades halladas en los instrumentos acústicos gracias a la pianista Petrowska –Quilico, con quien colaboró para grabar Glass Houses y Rivers, ésta representativa de su estilo, en el que aparecen las influencias del citado minimalismo  norteamericano, con un sensibilidad más introspectiva y lírica, explorando texturas fluidas, estructuras repetitivas, variaciones rítmicas y armónicas que evocan el movimiento constante del agua a través de una serie de piezas abiertas, sin orden fija, que pueden interpretarse de diversas maneras, otorgándole una calidad viva y cambiante, como el movimiento de un río.

Zulema de la Cruz (1958)- Estudios sobre el agua- olas/ Gotas/Espuma-, cabeza de serie de nuestras vanguardias, formada en el Real Conservatorio de Madrid y en la Stanford University, en donde profundizó en informática musical y en composición asistida por ordenador, es una de las pioneras en nuestro país en lo relativo a la integración de tecnologías digitales en la creación musical, contando con un dilatado catálogo de obras premiadas en festivales internacionales y en ciclos especializados. Estudios sobre el agua, resulta un tríptico en el que Zulema propone una experiencia sonora inspirada en el movimiento fluido y cambiante del agua a través de texturas delicadas, arpegios brillantes y contrastes dinámicos sutiles. Una pieza que evoca una riqueza tímbrica como alusión poética al agua como símbolo de transformación, de belleza en constante movimiento, funcionando cada estudio como un pequeño poema musical, pensado sobre la base de la proporción áurea. El material compositivo, queda relacionado con el título y cada uno indaga desde su sonido, el vaivén continuo de las ondas y su precisión rítmica.

Consuelo Díez (1958), igualmente en la  cúspide de nuestras vanguardias, ofrece Rumores de El Puerto (2009), doctora en la Hartford University, se puso al frente de festivales de referencia en nuestro país, siendo pionera de géneros electroacústicos, del que saldrían registros fonográficos, que alcanzarían una notable divulgación. Rumores del Puerto del primer cuaderno, de Iberia y Rumores de la Caleta, de Recuerdos de Viaje, un claro homenaje a Isaac Albéniz, en el centenario de su muerte. Estamos ante el Primer cuaderno de Iberia y Rumores de La Caleta. Composición que refleja una fuerte personalidad de estilo, con un fondo conocimiento de la técnica y de las posibilidades del piano, mostrando una capacidad de captación del lenguaje y el espíritu de la música de Albéniz, compositor al que Consuelo admira profundamente, descubriendo en la partitura una cita de Cartas a la oscuridad, obra de apetencias albenicianas, por ciertos pasajes surgidas de forma menos consciente y que cobra aquí una enriquecedora dimensión.

Carme Rodríguez (1966)- Alalá das Paixases Verticais (2021), graduada en Composición de Músicas Contemporáneas (Madrid), y compositora de bandas sonoras de filmes, cortometrajes, teatro y cine, además de proyectos orquestales, consecuencia de los abundantes encargos que reciben habitualmente, para ensembles o solistas, galardonados en concursos. La música tradicional está presente en la evolución de su obra ya desde los comienzos, logrando tratamientos ricos del que tenemos constancia en obras que presenta en certámenes de músicas contemporáneas, Alalá das Paixes Verticais,  es obra dedicada a Isabel Pérez Dobarro, obra que nos traslada a esa tradición folklórica sobre la que investiga, con aspectos como el canto melismático solista del alalá, en el que suena una sola sílaba de tres apuntes o paisajes sonoros, la escritura es rica en texturas, capas contrastantes y resonancias suspendidas con una melodía que fluye con libertad , indagando el timbre del teclado como vehículo de profunda expresión.

Ramón García Balado

Noé Rodrigo, percusiones para completar Solos no CGAC

 Centro Galego de Arte Contemporáneo

Concierto que completa las cuatro sesiones de Solos no CGAC, dirigido por Rosa Fernández y coordinado por Carmen Hermo,  comenzada por el pianista Alberto Rosado para continuar con la mezzo portuguesa Helena Ressurreçao, y la acordeonista María Zubimendi  a los que dio continuidad la acordeonista María Zubimendi y que completará el percusionista Noé Rodrigo- día 26, a las 20´00, en el Auditorio do CGAC.   Noé Rodrigo, editó recientemente un cd Paraules, con IBS Classis, con obras de Iannis Xenakis, S. Sciarrino, Denisov, Buzelli, Vallejo, Mantovani y J. Torres y es parte activa del Festival RESIS, miembro del Arsis Ensemble y el Arsis Percusion Trío, realizando trabajos de colaboración con espectáculos teatrales, mientras recibe invitaciones para colaborar con formaciones como la Slagwer´k Den Haas Concert O.; la Nederlands Philharmonisch Orkest; Printemps des Arts de Montecarlo, la Sccotisch C.O, junto a Pierre Aimard y Matthias Pintscher. la OSG, la Orquesta de Castilla y León, entre otras. Con la RFG, le tendremos en el concierto que dirigirá Vimbayi Kaziboni, en colaboración con el Festival RESIS, el 30 de abril, compartiendo percusiones con Adélaïde Ferrrière,- Fendas do silencio, para ofrecernos en estreno  Void, de Rebecca Saunders, compositora de la que ya tenemos noticia por sus aportaciones en certámenes de música contemporánea, una sesión que se abrirá con un encargo en el apartado de Cometa, con una breve pieza  de Francisco Domínguez y también en aportación de mayor interés, la obra Coma Berenices, del maestro Francisco Guerrero. Void describe a través de una amplia gama de recursos en la paleta orquestal, las fluctuaciones  entre el sonido y el ruido, obra con profunda inspiración en la poética de Samuel Beckett,  una perspectiva que entronca con el espacio sonoro del añorado forjador de escuela Francisco Guerrero, con una composición de profunda indagación en los recursos matemáticos, auténtica fuente de investigación de define la línea ideológica y creativa del compositor jienense.

  María Zubimendi, un torrencial y cascada de sonidos proyectados desde el vientre de ese complejo instrumento, nos dejó impresiones de las que tenemos memoria reciente por el concierto ofrecido la temporada pasada por Iñaki Alberdi, maestro y defensor de proyectos vanguardistas, de los que María Zubimendi supo aprovechar buenos recursos tras su formación con Miren Iñarga, graduándose en el Centro  Musikene, antes de trasladarse al Musikhochschule FHNW (Basilea). De su carrera actual, proyectos como eXpreSSion Dúo, con el acordeonista Garazi Navas, el Trío Zukan y el trío con Jon Ansorena (txistu) y Gorka Catediano (percusión). Una sesión seguida a finales del mes pasado, ofrecía una panorámica representativa de sus iniciativas de mayor compromiso y que nos trasladaban a los concierto de Jóvenes Intérpretes que ofrece la Fundación Juan March (2019), en la que ofrecía un programa de similares dimensiones. La sesión del CGAG había incluido una matinal de excelente acogida destinada a alumnos de inquietos alumnos que no dejaron de sorprenderse ante un mundo de paletas sonoras que descubrían- Un mundo en el que barrocos se entremezclaban con colegas de vanguardia de la acordeonista. Barrocos como J.P. Rameau- Les soupirs-pieza para clave transformada en las opciones que estimulaba el acordeón, otra de sus obras, sería L´entretien des Muses, de su segunda colección, obra que el autor transcribiría para Les Fétes d´Hebe, sobre un tejido polifónico a tres voces. D.Scarlatti- Sonata K. 466- , parecida fuente de transformación, sería otra cascada de acentuados perfiles del uso de la.  El tiempo presente se sustentaría en obras como Zuria II (Blanco), de J. Mª Sánchez- Verdú, obra que estrenaría Iñaki Alberdi e inspirada en la poética de J.Ramón Makuso en una recurrencia sonora a los fundamentos sonoros de los colores primarios. Zuriña F. Generabarrena, aportaría Luma, una pieza destinada a acordeón microtonal, tensa y fluida por su tímbricas exigentes. Ramón Lazcano- Aztarnak (Huellas)- encargo en su momento de la Asociación de Acordeonistas del País Vasco, nueva inmersión en las crudas exigencias de un instrumento que para asistentes neófitos resultará un verdadero esfuerzo de inmersión, en esa búsqueda de tímbricas siempre sorprendentes para entregarnos en el punto de mayor exigencia plástica y sonora, como ya había propuesta en Zuria II, de Sánchez- Verdú, en Festa, de Mikel Chamizo, un detalle que calaría en su aportación para el ciclo de Ibermúsica KmO, composición de absolutos retos, destinada a un acordeón microtonal con apoyo de recursos electrónicos en un ambicioso emparejamiento de recursos entrecruzados, que sustancialmente nos trasladaba a un ambiente desbordante de un festejo colectivo, en el  que este instrumento cobran un claro protagonismo, como María Zubimendi supo explicarnos,  una desbordante impresión de efectos recurrentes que en forma de destellos sonoros acabarán por imponerse en pasajes de recursos irresistibles.

Ramón García Balado

El sopranista Samuel Mariño, gala en la LXXIII Temporada de Amigos de la Ópera de A Coruña

 Teatro Colón, A Coruña

Concierto en el Teatro Colón, dentro de las actividades de la LXXIII, de Amigos de la Ópera de A Coruña- día 24, a las 20´00 h-, con el sopranista Samuel Mariño, acompañado al piano por Jonathan Ware, una voz de especiales características, en la cuerda de contratenores, y que cobran un claro protagonismo por la evidencia de sus recursos. Para Samuel Mariño, una de las virtudes de esos  estilos, es la aproximación a la estética queer, por sus modismos y actitudes tanto escénicas como canoras, convirtiendo sus galas en un auténtico show, de travestismo y virtuosismo, que conceden a su espectáculo renovados planteamientos. Nacido en Caracas (1993), comenzó sus estudios de voz, danza y piano en el Conservatorio de París, tras haber desarrollado durante su adolescencia una mutación en la que sabría cuidar el timbre agudo, que mantendrá ya desde entonces. No hace tanto le tuvimos dentro de las propuestas del Teatro del Canal (Madrid), con la orquesta de la Ópera de Versalles, compaginando una ópera escenificada en el Festival de Glyndebourne, presentando su primer registro en cd para el sello DECCA. El cantante afirma que la diferencia entre un sopranista y un contratenor, se expresa en las cualidades del segundo por su cercanía a la voz de mezzo, mientras que la de sopranista se acerca a la de soprano. Las posibilidades de registro, le permitieron en cuanto a volumen y proyección, a probar con roles como Sophie (Rosenkavalier, de Richard Strauss) o Sussana (Le Nozze di Figaro). Colegas suyos probaron en este repertorio de sopranista, pero su voz natural es la de tenor o barítono. En su caso, no tiene muchas opciones, ya que por su condición biológica, su laringe no baja más y su registro ese el que muestra. Cantar repertorio castrati, sin el legado heredado por el cambio hormonal de la ancestral castración, requiere dificultades  imposibles de plantear. Esa estética queer, de renovadas perspectivas, ayuda a recrear personajes dentro de la disidencia sexual, prescindiendo de acostumbrados cánones al uso. Pueden resultar sus espectáculos auténticas performances para seducir al aficionado. En su horizonte, The Baroque Project (Sony), Ensemble Teseo; las colaboraciones con el CNDM: Concerto d´ cavalieri Marcello di Lisa. Galardones como el Barbara Bonney, Premio Neue Stimmer; Care Pupille o el DECCA, classics, de sopranistas. Fue artista invitado por el Concertgebouw (Amsterdam); la Elbphilharminie; el Theater an der Wien; o el Festspiel d´Ambronay; la Casa da Cultura Belén (Lisboa) o el Musikfeast Bremen. Entre sus roles: obras de Monteverdi y A. Vivaldi; Oscar (Un ballo in maschera, de Verdi); Romeo (I Capuleti e I Montescchi) o Arsace  (Aureliano in Palmira).
En las últimas temporadas de este certamen, y en el registro de esta cuerda vocal, asistimos en 2018, al protagonismo de Alberto Miguélez-Rouco, en el ciclo de Novas Voces Galegas, a su sesión en Afundación, cantante ya consolidado y que procedía del Coro Cantabile, para formarse en Basilea, llegando a cantar bajo la dirección de Christophe Rousset, presentándose esta vez con acompañamiento orquesta, para legar obras de W.A. Mozart, Monteverdi o Henry Purcell, entre otros. En la misma temporada, y en el Palacio de la Ópera de A Coruña, Serse, de G. Friedrich Händel, con la orquesta Il Pomo D´Oro, de Maxim Emelyanychev, destacando como solista el contratenor Franco Fangioli, compartiendo escena con Inga Kalna, Vivica Genoux, Ana Quintans, Andrea Wolf y Biagio Pizutti, una lectura en versión de concierto. La temporada 2022, nos descubrió en el Teatro Colón, uno de esos títulos que comienzan a mostrar su excelente salud, Vendado es amor, no es ciego, de José de Nebra, uno de los proyectos bandera de la Orquesta Los Elementos, que dirige Pablo Miguélez Rouco, una de esas recuperaciones que ha logrado abrirse espacio en las propuestas de proyectos barrocos, de impronta ibérica. La cita 2021, y también de G.F. Händel, en versión semiescinificada, Parténope, en una ostentosa visita del siempre magistral William Christie, con Les Arts Florissants, con tratamiento escénico de Sophie Daneman, para lucimiento de dos contratenores: Alberto Miguélez Rouco y Hugh Cuttings, arropados por Ana Vieira Leite, Helen Charlston, Jacob Lawrence y Matthieu Walendzik. La temporada 2022, en el Teatro Colón, un nuevo Händel, con Ariodante, ofrecido por Il Pomo D´Oro, dirigido por George Petrou, en la que volvía el contratenor Franco Fagioli, velada de éxito seguro por los protagonistas en escena, Melissa Petit, Sarah Gilford, Luciana Mancini, Nicholas Phan y Alex Rosen. Entre otros barroquismos, Il ritorno d´Ulisse in Patria, de Claudio Monteverdi, del Ensemble I Gemelli, de Emiliano González Toro, casi en la clausura de 2023, en la que el propio director, Emiliano Gómez Toro, asumió el rol de Ulysse, frente a la Penelope de Fleur Barron.
En la disputa inevitable para decidirse por las condiciones de este tipo de voces, los contratenores son las voces más agudas con una extensión semejante a la de una soprano o una mezzosoprano que en apreciación de Stinchelli, se distancia del arquetipo imaginario de los castrati. Un contratenor es en general el falsetista artificial que aprovecha sobre todo la resonancia de la cabeza, es decir, la octava aguda de la voz masculina; en cuanto al registro medio y grave, no tiene la consistencia y la homogeneidad propia de los castrati, además el timbre resulta con frecuencia áspero, carente del terciopelo y la dulzura de los imaginable antiguos rivales. Son voces menos dúctiles y no podrían jamás igualar las proezas de sus rivales.  Poseen características propias de color e intensidad. Además, lo que ganan en agudos, lo pierden el volumen, por lo que hacen comparar vagamente ambos recursos vocales. Conviene diferenciar a los verdaderos contratenores de los falsetistas. Un buen contratenor e igualmente un sopranista, obtendrán las notas más agudas combinando los registros de cabeza y la técnica del falsete (consistente en emitir el sonido utilizando también el registro de pecho, utilizando solo la parte de las cuerdas vocales), disimulando este último recurso también en el registro de pecho. Un falsetista puro, solo cantaría utilizando la técnica del falsete. El timbre del contratenor, resulta puro, incisivo y sutil, mientras que el falsetista, muestra una voz penetrante y aguda, dulce y quizás emitida con resuelta proyección de tintes estridentes. 
Para su programa, barrocos de plenitud como Marc A. Charpentier, con Feuillage Vert de Les Arts Florissants, creador del oratorio barroco moderno en Francia y que tendrá como herederos a Campra y Bernier logrando con la armonía una técnica y una habilidad sorprendente, enlace directo con Jean P. Rameau a través de Les Indes Galantes-Viens, Hymen, recurriendo a escenas pastoriles, puede que el aspecto menos conocido en lo relativo a la personalidad de su obra, pero que la posteridad sabrá aceptar entre su legado más sobresaliente. Händel con una aria espectacular de todos conocida y que ha servido como pieza de complemento en recitales de voces entregadas a los estilos más distantes, se trata de Lascia ch´io pianga, utilizada en su ópera Rinaldo y en su oratorio Il trionfo dil mundo e dil desengano, aria baúl que tendrá aparición también en Almirena, por su suntuosidad y contagio. Del propio Händel, la voluptuosa Piangero la sorte mia, de la especie de péplum Julio Cesare. 
En cambios de estilo, Mozart, Voi avete un cor fidele K. 217, aria en principio para soprano en Sol M. y compuesta en un período de retiro salzburgués, para Abert esta pieza nos cautiva por su sonido íntimo y apasionado que en las partes más lentas se aproxima sensiblemente al Lied alemán, un detalle de un joven adolescente y que coincide con la representación de La giadinera fingida K. 196. Una segunda pieza mozartiana por Voi che sapete,  aria de Cherubino en Les Nozze di  Figaro  pura ternura. De  G. Rossini en su inmenso esplendor por las peculiares exigencias del de esplendor de medios de interpretación en la muy exigente Bel raggio lusinghier de la apoteosis de Semiramide. Puestos en belcantismos, no faltará un V. Bellini con una aria de I Capuletti e I Montecchi, otro alarde gracias a Tu sola, o mia Gulietta/ De! Tu, bell´ anima
Para regusto, la mélodie, la chanson y un aria eterna por La canción de la Luna de Rusalka de A. Dvorak,  Tierna Luna, en la que confía la noche su amor.  Ferenz Liszt, con su canción Oh! Quand je dors, sobre la poética de Víctor Hugo del grupo de ocho melodías compuestas entre 1842/44, en este caso a partir de unos sonetos de Los tres sonetos que evocaban la relación de Petrarca y Laura. El mundo de Víctor Hugo, la había sido tratado tan acertadamente esta entonces.  Reynaldo Hahn, con su apreciada A Chloris, pieza que se integraba en la serie de sus arreglos como los realizados a partir de obras en la tradición francesa como Rameau, o barrocos alemanes. Hahn, recurre a un poema tomado de Theophile de Viaux (1590/ 1616), quien destacaría como escritor y por su convulsa vida. Pauline Viardot, nos obsequiará con dos perlas de su estilo: Hai Luli y Havanaise, parisina y de ascendencia española por su padre, el tenor Manuel García, creador del rol de Almaviva en El barbero de Sevilla, estrenando ella misma títulos como El Orfeo de Gluck, en la versión francesa, en versión de Héctor Berlioz. En el capítulo de obras propia de carácter cameristico destaca romanzas y mélodies, y otras delicadezas que han contribuido a mantener en la memoria su recuerdo: Solitude; La Petite Chevrière; Villanelle; En mer; L´absence; la Terentelle o Chanson de Loïc.

Ramón García Balado

 VIII Concurso de Canto Compostela Lírica

Amigos de la Ópera de Santiago nos invita al VIII Concurso de Canto Compostela Lírica que se ofrece en dos sesiones sucesivas- día 22 a las 17´00 h., para completar en la final  del domingo con los finalistas que hayan superado la fase previa, a  partir de las 19 h.-, un total  de solistas procedentes de diversos países al igual que se nos ofreció en citas pasadas, y que para la presente anuncia cantantes procedentes de países como China, Corea del Sur, Eslovaquia, República Checa, Suecia, Australia, Perú, Francia, Ucrania Francia y España, en mayor medida. Para el jurado, volveremos a  encontrarnos con prestigiosos personajes  del mundo musical, como Jesús Couceiro Bueno- Presidente de Amigos de la Ópera de Santiago- J. María Miranda Boto- miembro de la Junta Directiva, sin derecho a voz ni voto-; Aquiles Machado tenor y director artístico de la  Temporada  Lírica de A Coruña; Graziela Valceva Fierro- mezzosprano y profesora de canto-; Celestino Varela- director artístico de la Ópera de Oviedo-; Maciej Pikulski-pianista-; Patrick Canac- Presidente de y fundador de Les Musiciens du Lubebon- Elisabete Matos- directora artística del Teatro de Sâo Carlos ,de Lisboa,; Victoria Stapells- crítica musical- y Arturo Reverter – crítico especializado y Presiente del Jurado. Especial agradecimiento del certamen a la Fundación José Otero y Carmela Martínez y al propio Municipio Compostelano, a Xunta de Galicia, en esta convocatoria que tuvo como ganadores en cursos pasados a cantantes como el serbio Milan Perisic (2024); la polaca Paulina Bielarcyk (2023); la andaluza Carmen Buendía (2022); la madrileña Natalia  Labourdette (2021); al contratenor gallego Christian Gil Borrelli (2020);  la ucraniana Olga Syniakova (2019) o la rumana Alejandra Estevan (2018) La cuantía de los premios, promete un Primer Premio de 4000 euros, además de un recital remunerado con la Real Filharmonía de Galicia; un recital en el espacio del Festival de Les Musiciens du Luberon. El Segundo Premio, dotado con 2000 euros y un recital remunerado y un Tercer galardón con 1000 euros, añadiendo el Diploma Andrés Gaos, patrocinado por el Consello da Cultura Galega. La cita a ambos conciertos del fin de semana, se ofrecen como una invitación abierta a todos los aficionados.

La  relación de cantantes reparte entre voces de escuela hispana, como Rosa Mª Abella (soprano); Susana García (soprano y gallega aspirante al Diploma Gaos; María Isart (soprano); Eduardo Pomares (tenor); Mª Martín Campos (soprano); Julia Merino (mezzo); Irene Zas (mezzo gallega); Enrique Torres Rodríguez (barítono) y dentro del ámbito de latinohispano, Maylin Cruz (soprano cubana); Yasmin Forastiero (mezzo argentina); Willingerd Giménez (barítono venezolano); Camila Oria (soprano cubana); Dailis Roche (soprano cubana) y Alejandro Sánchez (barítono peruano). Un cartel con representación internacional representado por Ana Beard Fernández (soprano angloespañola); Emma Beerggren (soprano sueca); Leila Chafil (soprano francomarroquí); Lada Bocková (soprano de Chequia); Daniel Kfelir (barítono de igual procedencia); Marta Magalhaês (mezzo portuguesa); Barbora Michalcovská (soprano eslovaca); Taiwu Quinuo (tenor chino); Ana Paula Rada (soprano portuguesa/rumana); Anouchka Schwok (mezzo Suiza); Yeji Shin (soprano surcoreana); Hyeonseo Yoo (bajo chino) y Ting Yu, en esta nómina de cantantes chinos.

Un recuerdo para los ganadores de la edición anterior, comenzando por Yeraldin Leon, quien había recibido el Tercer Premio, una mezzo procedente de Colombia y con formación española en la Escuela Reina Sofía, en el Departamento Alfredo Kraus y en la Fundación Areces , con Susan Bullock, tras formarse en la Universidad de Colombia con A. Roca y Camila Toro, tras recibir asesoramientos de Teresa Berganza, Sara Conolly y Francisco Araiza, recibiendo una beca para asistir al Festival de Bayreuth, En su galardón, premio por la rossiniana Cruda sorte y Acerba voluntà de Adriana Lecuvreur

Segundo Premio para Andrés Sánchez-Joglar, tenor con formación en el Conservatorio Amadeo Roldán de La Habana, quien había iniciado su carrea en el Teatro Lírico Nacional de Cuba, tras recibir asesoramientos de Mietha Siglher, Fiorenza Cedolins y Nancy Fabiola Herrera. Para su sesión en la final: Tente, detén tu paso, de Don Gil de Alcalá (M. Penella)  y E lucevan le estele, puro tremendismo pucciniano, para un tenor de considerable registro y notable solvencia.

El barítono serbio, Milan Perisic, había obtenido el Primer Premio, una voz con experiencia en nuestro país, tras recibir galardones como el Josep Palet, tras sólida formación en el Conservatorio Giuseppe Tartini, de Trieste y probar con seguridad en repertorios verdianos y puccinianos, se apuntaría para su tarde exitosa de sus páginas que poco tenían en común: Ya vas luy blu, de Pikovaia Dama (La Dama de Picas) y L´orage s´est calme, de Les pecheurs de perles, de George Bizet.

El Diploma Andrés Gaos, para uno de nuestros  barítonos por excelencia, Gabriel Alonso, para el concierto avalado por el Consello da Cultura Galega, barítono que recientemente había llevado a registro fonográfico No camiño compartido con Aurelio Viribay . Sólida y contrastada es la carrera de Gabriel Alonso, con una reciente matinal dedicada preferentemente al mundo de la zarzuela, también en colaboración con Amigos de la Ópera de Santiago, compartiendo escena con la mezzo Julia Portela Piñon, el Coro Liceo de Vilagarcía de Arousa, destacando paginas en arreglos por miembros de la propia Banda Municipal que iban desde Calor de nido (Katiuska), a miñatos de Vran, de Fernández Vide; Seguidillas y coro, de La verbena de La Paloma; Que te importa que no venga, de Los claveles; preludio de El tambor de granaderos y metidos en la ópera, Un giorno di Rego (Obertura); Questo amor, vergogna mia, de Edgar (Puccini), la eterna Habanera de Carmen (Bizet); el dúo de Rossina y Fígaro, de El barbero de Sevilla, dúo rossiniano siempre acorde para este estilo de galas, entre lo más surtido de lo irrenunciable.

Ramón García Balado

Quiquemago: Juego de cartas con la Banda Municipal

 Teatro Principal, Santiago de Compostela

Matinales con la Banda Municipal dirigida por Casiano Mouriño Maquieira,- días 20 y 21- para un trabajo diseñado Enrique García Vivanco y Ana López Cenizo,  con la moderación del Quiquemago, entre juegos de naipes y apuntes musicales variados destacando obras de Scott Joplin, tradicionales irlandesas y gallegas y el tan conocido tango de Ángel Gregorio Villoldo, El choclo, aquel que dice: Con este tango que es burlón y compadrito/se ató dos alas de la ambición de mi suburbio/ con este tango nació el tango, y como un grito/salió del sórdido barrial buscando el cielo/conjuro extraño de un amor hecho cadencia/ que abrió caminos sin más ley que la esperanza/mezcla de rabia, de dolor y de fe, de ausencia/llorando en la inocencia de un ritmo juguetón…  Villoldo, entre cantores y cancionistas, pertenece a la llamada Guardia Vieja, nacido probablemente en 1848, y muerto en Buenos Aires el 14 de octubre de 1919, además de cantor y compositor, fue pianista, guitarrista, tocaba la armónica y era un excelente bailarín de tango . Pero fue, como muchos personajes en esta etapa de la formación tanguera, hombre de mil oficios en su juventud, aunque muy probablemente fuera mostrando, en los más diversos medios populares: cafetines, bailongos, almacenes y patios de conventillo, sus habilidades de musicante, bailarín, y ciertamente de cantor, una credencial que daba lustre a cualquiera en los tiempos. Era el auténtico inaugurador, quizás el primero en llevar al tango a los escenarios, claro que con su estilo o modo inicial, zarzuelero o de cuplé.

 Vittorio Monti nos entretendrá  con una csárdá, típica danza húngara que irradió a todo tipo de forma musical desde las más populares a las clásicas por excelencia y de las que quedan reflejo en los creadores eslavos o incluso alemanes, un estilo que paso a paso irá escalando en la sensibilidad de los aficionados por su soltura y ligereza, a la par que festiva y contagiosa, llegando a extender su influencia en el resto de los países europeos, en su esencia, un reparto entre una parte rápida (friss) y otra perfectamente relacionada con su pareja el verbunkos,  y suele estar tratada en un compás binario rápido, aunque también se ofrece en forma lenta, siendo conocida como lassu, convirtiéndose en bailable en estilo de danza  de salón, en una transmigración a recursos de mayores pretensiones, abarcando la totalidad del siglo XIX, el mundo de la opereta, la zarzuela y derivados, tendrá noticias de ella, en tratamiento de lo más plural, en arreglos para banda y pequeñas orquestas, pensemos por un decir, en las Rapsodias húngaras. De Ferenz Liszt.     

Irlanda eterna y combativa a través de una pieza tan testimonial como Patriks´Reel, detalle que nos lleva a recordar las visitas que por Galicia hicieron el grupo bastión por excelencia The Chieftains, acompañados por nuestro Milladoiro, hace ya un tiempo digno de recordarse, con un concierto estival en A Praza de A Quintana. De los típicos instrumentos irlandeses, a modo de panoplia, tendremos como referencia el arpa irlandesa (Irish harp), arpa céltica, compuesta de un diapasón unido a la consola por una columna curvada, para permitir que las últimas cuerdas suelen mejo. La uileann pipe, cornamusa irlandesa compuesta por un pellejo para aire y un tubo con lengüetas, permitiría la expansión por los movimientos del brazo sobre el pellejo durante la ejecución de la melodía. El tin whistle, resulta una flauta recta, de pico, hecha  de metal. El violín (fiddle), instrumento convertido en bandera tradicional por definición en la música irlandesa alcanzará su asentamiento en los lugares sociales de reunión, los llamados pubs, que se extenderán  por todo el mundo sin límite de fronteras. La flauta travesera o el Bodhran, especie de tamboril sobre el cual se golpea por los más libérrimos medios al alcance de la mano; la Concertina, pequeño acordeón de forma exagonal,  utilizado en todo el país e Inglaterra y para completar, el Banjo, la Mandolina y la Guitarra.

Galicia con A Muiñeira de Lugo, nunca menor oportunidad para homenajear a Dorothé Schubart, a la que el Museo do Pobo Galego, dedicó unas Xornadas concluidas con el Cuarteto Alicerce. Dorothé, a la que tanto debemos en el campo de la investigación musicológica, nos dejó argumentos como los fondos testimoniales: Dentro dos fondos etnomusicolóxicos compre suliñar as recopilacions de todas as grabacións que deron lugar ao Cancioneiro Popular Galego e a obra fundamental sobre o folklore musical de Galicia. Este traballo riguroso, abnegado e magnánimo foi realizado por Dorothé Schubart e Antón Santamarina. En 1978, a musicóloga suiza chega a Galicia durante as súas vacacións coa intención de coñocer a nosa música popular. A riqueza, a diversidade  e incluso, os sinais propios ee peculiares do que escoitaba prolongaron durante cinco anos a súa estancia. Un primeiro achegamento curioso converterteuse nunha paixón que prolongou a súa estancia e o seu traballo de campo durante cinco anos. A súas dificultades coa lingoa galega precisaron de axuda e atopouna en Antón Santamarina, filólogo de Universidade de Santiago de Compostela.

Scott Joplin,The Entertanier, cartel sonoro para el cine, panista y arreglista (1968/ 1917), formado entre el mundo del jazz en sus comienzos a las escuelas alemanas, iniciándose como músico de salón en Saint Louis, junto a músicos de todo pelaje y consiguiendo por ello crear un mundo propio tras establecerse en Sedalia (Missouiri) en 1896, tras el éxito de Maple Leaf Rag, se dedicará a la enseñanza musical y ya en 1903, estrenará su espectáculo escénico Guest of  Honour, que la  posteridad borrará de la memoria, hasta recuperarse con el drama Tremonisha , considerada como la primera ópera negra, en la que se concitan  el ragtime, las black folk musics, y otros estilos emergente y populares, siendo ayudado por San Petterson, quien le ayudará notablemente en las labores de orquestación ya desde sus fundamentos, parte de ellos con resultados sonoros como el Red Back Book, para recuperarse en el oficio restaurador de un investigador , musicólogo y creador de escuela como el maestro Gunther Schuller, de quien recientemente se han editado trabajos suyos a través de editoriales españolas, como El Acantilado. Larga memoria quedará en antiguos discos de pizarra, verdadero capricho de obsesos coleccionistas de mercadillos y tiendas especializadas.

Ramón García Balado

Lucas Macías dirige a la OSG, con obras de Mozart y A. Dvorák

 Auditorio de Vilagarcía de Arousa

Palacio de la Ópera, A Coruña 

Conciertos de la OSG dirigida por Lucas Macías, en el Auditorio Municipal de Vilagarcía de Arousa, día 20, a las 20´30 h., y en el Palacio de la Ópera de A Coruña-día 21 a las 20´00 h.- , ofreciendo el programa dos obras de W.A. Mozart, la obertura del singspiel El rapto en el serallo (Die Entführung aus dem Serail); la Sinfonía concertante para flauta, oboe, trompa y fagot K297 b, de la que serán solistas la flautista Claudia Walker, la oboísta Carolina Canosa y el fagotista Steve Harriswangler completando sesión con la Sinfonía en M b M, Op 88, de Antonin Dvorák. Lucas Macías oboísta y director, fue miembro de la Jugend Orchester Gustav Mahler, siendo dirigido por Claudio Abbado, Seiji Ozawa y Pierre Boulez, para continuar con la Camerata Bern, la Rundfuck Hessischer Frankfurt, la O. C. de Lausana, la Ac. Sta Cecilia, el Budapest Festival, con Ivan Fischer; pasando a la dirección con la Filarmónica de Oviedo, la O. Ciudad de Granada, la O. S.de Sevilla. Una carrera de experiencias con orquestas y certámenes como Le Roque d´Anteron, los BBC Proms, Berliner Festwachen, ARD Kammermusikfest (Munich); Davos o Friburgo, en donde estuvo un largo período con Heinz Holliger y en Zurich, con Thomas Indermühle.

Mozart, con la obertura de Die Entührung aus dem Serail K. 384  (El rapto en el serallo), obertura en Do M. claramente revolucionaria por su disposición inhabitual, con el intermedio en Do m., que no es una sección larga ni un mero episodio, ni tampoco por la relación poética de este andante intercalado con el aria de Belmonte, con que  se inicia la ópera, sino más bien porque, debido a su estructura musical y a las diversas formaciones precipitadas al torbellino propio de la comedia, el acto creador de una obra  de suprema movilidad, superioridad y plasticidad se realiza de un modo irresistible y como si nunca jamás hubiese habido teatro, es decir, de un modo inauditamente originario.  Antes incluso de alzarse- en una puesta escénica o en versión de concierto del singspiel-, el oyente se encuentra trasladado al plano que le induce y le condiciona a concebir las acciones  posteriores desde la perspectiva pertinente. La obertura es establecimiento y objetivación desde ese punto de partida y por tanto, independiente desde sus relaciones con la acción posterior, es más que un comienzo típico. La búsqueda de relaciones motívicas, o del contenido entre la obertura y la ópera, desvía la mirada respecto de lo genuino. La obertura- programa, o no, era en aquellas fechas- por ejemplo en Gluck. Una alternativa relevante, pero no para Mozart. El rapto no tiene antecedentes en la primera música de Mozart y nuestro músico no mostró interés por las tentativas de su época, especialmente por las inspiradas por Gluck, de unir programáticamente la obertura con el drama.

La Sinfonía concertante para instrumentos de viento K. 297b en Mi b M., obra parisina sería uno de los homenajes a los Concert Spirituels de Le Gros, junto a la Parisien K. 297, conservando los vínculos con el estilo de Mannheim, mediando la relación de incondicionales como Wending (flauta) Ramm (oboe), Ritter (fagot) y Punto (trompa), una indicación del salzburgués a través de un escrito, quienes decidieron estrenarla en fecha especial, una composición apresurada por su demanda a consecuencia de un desplante por parte del propio Le Gros. La partitura no fue ejecutada en París y la autenticidad en ausencia del manuscrito original, en la que oboe y la flauta quedarán sustituidos, arrastrando todas sus dudas. Obra esplendente, brillante  y grandiosa, un manifiesto para los cuatro intérpretes (Einstein) y que para Dal Fabbro, el timbre de los mismos, con la tonalidad de la obra, determinan analogías con las que graves composiciones masónicas e incluso con ciertas atmósferas de Die Zauberflöte.  Un joven de 22 años que motivará una carta de la madre remitida a Leopold que confirmará que la obra merecía ser considerada como una pieza curiosa - ¡un hurto a la agencia del joven-¡: Si me quedara espacio, escribiría mil homenajes a parte de nosotros dos a todos los queridos amigos y amigas, especialmente a los  A:  Adlagesser, Andretter y Arco; a los Srs B: Bullinger Barsani,  Beratnizi, C: Cerni, Cussetti y a los tres Calcante, D: Srs Daser, Deibl y Dommser, E: a Mme Eberling Waberl, Sr. Estingler y a todos los Eser (asnos), de Salzburgo. F: Firmian (conde y condesa pimpollo)…un largo etc, que culmina el Sr., Zaubesnig, y el Sr Zezzi (detrás de la rejas). Adios. Si tuviera espacio, escribiría aún algo más, al menos mis respetos a mis queridos amigos; pero es casi imposible; no sabría dónde.

Antonin Dvorák-Sinfonía nº 8, en Sol M. Op. 88-, estrenada en Praga bajo su dirección y compuesta meses antes, en 1889, tras la densa e intensa precedente, en un momento que cobraban forma el oratorio Santa Ludmilla y la cantata La novia del espectro. El Allegro con brio parte de una cantinela a cargo de las cuerdas que alterna entre tonalidades de Sol m. y Si b M., Mi b M. y La b M., sin llegar a ser la parte principal de la exposición, esa melodía tendrá un rol decisivo en el desarrollo, dividiéndose en dos partes, cargado en especial en la segunda. Rápido crescendo, aporta toques de metales en medio de motivos graves en las cuerdas, auspiciando un pronunciado desarrollo. El Adagio, resulta una página profusamente romántica con un fervor casi místico, remarcado por diálogos de cuerdas y maderas, con importantes cambios de armadura hasta alcanzar un clima de plácida dulzura y un episodio de pinceladas sonoridades caballerescas, en el centro del movimiento con repeticiones de diálogo entre instrumentos de la orquesta.

El Allegretto grazzioso, un scherzo sin más, se reparte en tres partes ABA,  todas ellas con un lenguaje cercano a Johannes Brahms, dejando importancia a pasajes secundarios, que no disimilan su querencia hacia el estilo del ländler y las danzas húngaras brahmsianas, aires populares a carta cabal, sencillas y ligeras con ciertas improntas schubertianas, destacando la coda por su ritmo diferente e intenso.  El Allegro ma non troppo, se anuncia con una llamada de trompeta, especie de reclamo patriótico que recuperaremos en pasajes de las óperas de Smetana, hasta llevarnos a una forma de bacanal orgiástica a través de su forma de variaciones, encadenadas gracias a una serie de episodios centrales, para alcanzar una recuperación sonora de pretensiones elegíacas , optimistas y plenamente rapsódicas.

Ramón García Balado