Carme Rodríguez, en la serie Cometa, con la RFG

 Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

Círculo das Artes, Lugo 

Concierto de la RFG con su titular Baldur Brönnimann, para dos conciertos que repartirán su programa entre obras de Carme Rodríguez-en Cometa, con Arborescente- y seguir con  Arvo Pärt, Grazyna Bacewitz y Louise Farrenc, en el Auditorio de Galicia- día 4, a las 20´30 h., con charla previa de Conversando con…en la Sala Mozart, con Brönnimann, a las 19´45 h.- y completar al día siguiente en el Círculo das Artes, de Lugo, a las 20´00 h., Carme Rodríguez, compositora de notable actividad, estuvo en las actividades de nuestra formación con el trabajo de orquestación de una obra de Augusta Holmes, en tres tiempos: Le désir, A Trianon y En Chemin, junto a obras de Alban Berg y J.Brahms, en marzo de 2023 y más recientemente en el certamen de Contemporáneas en las propuestas de Compostela Cultura, con Alalá das Paisaxes Verticais, en el concierto de la pianista Isabel Pérez Dobarro, obra de la que será dedicataria y que evoca a través de sus notas, el canto melismático de la forma musical del alalá en sus transformaciones. Carme se especializó en bandas para filmes, teatro y artes escénicas logrando con ello recibir importantes encargos que ayudaron a su promoción artística, con una presencia frecuente en citas de músicas de nuestro tiempo.

 Arvo Pärt, con una obra clave y representativa Fratres, pieza dentro de lo que dio en llamarse silencio creativo, obra testimonial por su planteamiento estético en cuanto al uso de los motivos que la definen, para conocer su estreno por el Hortus Musicum, recalcando los detalles sonoros del uso de valores tímbricos producto resultante del tratamiento sonoro conocido como tintinabulación, un a modo de recursos apoyados en las ancestrales formas de polifonías góticas de procedencia franco- flamencas, apoyándose en un particular tratamiento de tríadas. Su resultado, vendrá gracias a una labor de indagación a través de los enfoques musicales de amplio espectro desde la más sencilla combinación a las combinaciones camerísticas más libérrimas. Pärt será uno de las figuras señeras de las tendencias actuales en las corrientes de los países nórdicos, en las se dan cita Jaan Rääts, Eino Tamberg, Kuldar Sink, Raimo Kangro o Erkii- Sven Tüür, en su caso, la herencia de géneros de la iglesia sacra ortodoxa  impregna en gran medida la evolución de sus propuestas, dentro de una clara búsqueda de la simplificación estilística forjada a golpe de un necesario voluntarismo expresivo, que nos aproxima a un tono casi beatífico, con fundamentos en los materiales practicados por Usvoltskaia, aunque en esa compositora sus planteamientos nos trasladen a períodos más ancestrales, se acepta que la línea melódica tratada por este compositor, podrá asumirse como un criterio más diletante, con una técnica más repetitiva, modelo al que se acercan los creadores señeros de la escuela minimalista, en su caso al servicio de la necesaria reflexión meditativa. Tabula rasa y Fratres, abundan en ese ambiente de proyección mística sujeta por un tejido armónico que le llevan a un lenguaje que se alimenta de los recursos más elementales en cuanto a la creación de su lenguaje, obras como su Segunda Sinfonía (posiblemente deudora de Shostakovich); Perpetuum mobile, una aproximación si cabe a los modismos del Continuum, de Gÿorgy Ligeti); el tono profusamente elegíaco de Cantus- un homenaje de Benjamin Britten-; De Profundis, para cuatro voces, órgano y percusión  o el Te Deum (1989).  La corriente renovadora de los compositores de los países bálticos, nos deja la relación de estos creadores, todos ellos con procedencia de Estonia, a los que se añaden sus vecinos de Letonia y Lituania, embebidos en tradiciones arraigadas en sus propias historias y que actualmente comienzan a tener una presencia contrastada con otros países que nos resultan afortunadamente familiares, cimentadas en benefactoras impregnaciones compartidas entre todos ellos. Estonia tendrá en beneficio de distanciarse de las dependencias rusas, en especial a partir de 1991, contando entonces como maestro de referencia a Erkki-Sven Tüür. En los años 40, se presentaría como cabeza de vanguardia la Orquesta Sinfónica de Estonia, fundada por Tartu, mientras que el compositor Juhan Simm (1885/1959), haría posible la creación del Coro de la Universidad.

Grazyna Bacewicz (1909/ 69)- Concierto para orquesta de  cuerdas-, se enmarca dentro de las corrientes neoclásicas tras pasar por las docencias de Nadia Boulanger, siendo una de las representantes necesarias de la tradición polaca, liderando con ello las opciones más avanzadas superando la opresión de los medios circundantes que condicionaban su libertad, incorporándose a los movimientos que pujaban por su libertad. Llegó a instalar sus laboratorios de experimentación de música electrónica realizando conciertos en los Festivales de Otoño, de Varsovia, padeciendo las consecuencias inevitables de enfrentamientos políticos, que afectará a sus posicionamientos artísticos. Fue violinista y alumna de Carl Flesch, prestigiado pedagogo, llegando a ser solista de primeras orquestas, estrenando su Primer concierto para piano aunque preferentemente trabajó para pequeñas agrupaciones camerísticas y para solista, alcanzando un total de cuatro sinfonías, obras para coro , siendo una de sus obras  de importancia Music for Strings, Trumpets and Percussión (1958) recibiendo el Primer Premio de la UNESCO de París (1990). Su música es atonal dentro de diversas modalidades en las corrientes de los años cincuenta, su mejor período compositivo, experimentado posteriormente con otros procedimientos en las propuestas de las vanguardias. La Segunda Guerra Mundial marcó su carrera, que la obligó a refugiarse en un área rural, sin que dejase de componer siempre atenta a su personal lenguaje. Aspecto digno de mención, será su interés por la escritura de relatos, con los que lograría importantes galardones. En la serie de sus obras, destaca también Pensieri notturni, obra nacida en una etapa entregada al género de las sonatas.

Louis Farrenc- Sinfonía nº 3, en Sol m. Op. 36 – compositora que volvemos a encontrarnos tras  escuchar la sinfonía anterior, en abril de 2023, dirigida por Nil Venditti- Flores italianas- entre obras de Puccini y Mendelssohn, con la Sinfonía Italiana. Esta sinfonía de Farrenc, se reparten entre los tiempos: Adagio-Allegro; Adagio cantabile;  Scherzo-vivace  y Finale-Allegro, una compositora que tuvo como maestros a J.Nepomuk Hummel, Antonin Reicha e Ignaz Moscheles, llegando a recibir un Prix Chartier, en dos ocasiones, además de ser alabada por J. Joachim por su Noneto Op. 38 (1850), dejando como testimonio su tratado Tesoro para los pianistas,   Casada con otro prestigioso músico, Aristide Farrenc llegó a utilizar su nombre, costumbre habitual de la época, que para nada menoscabó sus méritos. Pertenecía una familia de artistas en la que aparecían el escultor Auguste Dumont y  Ernest Reyer, también llegó a  ejercer la docencia de la que saldrían importantes alumnos, obteniendo también Premios de la Academie des Beaux Arts for Chamber Music.

Ramón García Balado

Elegías para Brahms según Ruth Reinhardt

 Santiago de Compostela - 30/11/2025

Programas de la Real Filharmonía de Galicia, bajo la dirección de Ruth Reinhardt, una directora con estudios en el Altenkessel Saarbrüken, y que se presentó profesionalmente con la ópera Das Kleine Gespenst, basada en su relato de Olfried Pressler, en el Alte Feuerwache, (Theater Saarbrüken), mientras ampliaba su formación en la Academia de Artes, de ese coliseo. En la Zürcher Universität, dentro de su Hochschule der Kunst, tuvo como maestro a Rudolf Koelmann, para ampliar en dirección con Constantin Trink y Johannes Schaefl, y la Juilliard School neoyorquina con Alan Gilbert y James Ross, probando en la puesta escénica de obras para los públicos más jóvenes como The Little Mermaid, de Michael Muggli o Wessilissem de Dennis Bässeke; dirigió a formaciones como la Sidney S. O.; la Rhode Island O.; la Rundfunk de Frankfurt; la Orchestre d´Ile de France; Los Ángeles Philharmic O. o la Tonküstler, de la Baja Austria. En programa, Núria Giménez-Comas, en el preludio Cometa, compositora con estudios en la ESMUC con Christophe Havel y Mauricio Sotelo antes de especializarse en Ginebra con Michael Jarrell, Luís Naón y Eric Daobresse, indagando en el ámbito de las formas acusmáticas multicanal, además de recibir una beca de la Fundación Caja Madrid, realizando trabajos con el Cuarteto Diotima y asistir a la Ac. Schelss Solitude, de Espacialización Sonora, para seguir en Voix Nouvelles de Royaumont, con Clara Czernowitz y Brian Ferneyhough; y en el IRCAM/ZKM, en el proyecto Esculturas Sonoras, y en el IRCAM Centre Pompidou, en el que llevaría a cabo su trabajo Nostalgie 2175, para el Teatre del Liceu, preparó la ópera en pequeño formato Shadow. Euridice Says. Su breve pieza Envol, casi un imperceptible suspiro en forma fugaz, resulta por trazo un haiku volátil con sesgos tomados de los marginales Guns N´Roses, que con suerte sus seguidores podrían adivinar.

Detlev Glanert- Idyllium, Metamorphosen nach Brahms- obra estreno es España y un homenaje a Johannes Brahms, es un compositor del que escuchamos el curso pasado con la OSG su Concierto para chelo, interpretado por Johannes Moser, bajo la dirección de Anna Rakitina, a comienzos del mes de febrero, la trayectoria de este músico nos lleva a sus experiencias con Dieter de Lamotte, Günter Friedrich, Franck M. Beyer y en mayor medida, con Hans Werner- Henze, con quien realizó masters de especialización en Colonia, actividades que mantendrá a lo largo de los años. Un compositor que preferentemente se interesa por el género escénico, con trabajos como Leyla und Medjum, ópera destinada para Munich; Calígula, sobre la dramaturgia de Albert Camus, que subirá a escena en Frankfurt; Die Judin von Toledo, tomando como argumento un texto de Hans- Ullrich Treichel y que se inspira en las pinturas negras de Goya, para el Semper Opern Dresden o el ballet Nijinski Tagebuch. Fueron microformas lo que dieron entidad a la obra más estimulante y servida antes del cierre de la primera parte, por lo que guardaba de homenaje a la Segunda Sinfonía de Brahms, entremezclada con detalles de complejas opciones sonoras que suscitaban en el oyente el estímulo de hallarse ante una obra que incluso demandaría una extensión de mayor amplitud.

Hubert Parry (1848/ 1918)- Elegía para Brahms-, obra de 1897, destacaba por la importancia concedida al espacio sinfónico tardo-romántico, con notable acentuación en su época, desde la Primera estrenada en 1882, un músico que también conoció una experiencia enriquecedora en Inglaterra desde Malvern a Eton y al Exeter College (Cambridge), recibiendo las atenciones de maestros como Edward Dannreuther. Su Fantasía-Sonata, para piano y violín, fue una de las obras que recibió una inmediata acogida a la que se añadirán unas Variaciones escritas a partir de J.S. Bach. Dannreuther, interpretó en 1880 su Concierto para piano en Fa sost. m, en el Crystal Palace, obra que vendría después de la obertura Guillem de Cabestanch; el Intermezzo religioso, para cuarteto de cuerdas estrenado en el Gloucester Festival. Una carrera en la que también tuvieron cabida géneros aparentemente menores, de compromiso, como las Canciones para niños, inspiradas en Milton, que ayudaron a su prestigio de reconocimiento en plena madurez, piezas que quedarían a la altura de sus arreglos realizados sobre sus obras Judith; War and Peace o A Vision of Life, mientras realizaba labores de investigación que tendrán su reflejo en los Studies of Great Composers (1886), obra de consulta para estudiosos y especialistas, y que se consolidarán con The Art of Music (1893), The Evolution of the Art of the Music, con atención al período del siglo XVII, contribuyendo a una revisión que ayudará a investigadores que vendrán casi de inmediato. Sir Edwar Elgar, también figuraría en su horizonte y la pieza en cartel resultaría un fiel testimonio, un pretendido homenaje al autor del Hamburgo, tras su muerte en abril de 1897.

Johannes Brahms- Serenata nº 2, en La M. Op. 16-, un divertimento y mirada sesgada a un pasado ensoñador, composición de su estancia en Detmold, para repartirse en sus tiempos: Allegro moderato; Scherzo: Vivace; Adagio ma non tropp; Quasi minuetto y Rondó- Finale, guarda puntos en común con su obra precedente por su serenidad y equilibrio, además de su frescura, un trabajo de juventud que anuncia sus mejores virtudes, y que cara al futuro, contará con una revisión, después de su publicación en 1860. El Allegro moderato se enfocó con un aire lírico y delicado, desde el primer tema expuesto a través de acordes sobre una melodía ornamental, remarcada en la continuación; el Scherzo:Vivace, cargado de propuestas rítmicas que sugeriría un aire popular, dejando por ello paso a un Adagio non troppo que resultaba una grata impresión de inspiración; el Quasi menuetto, todo un revuelo resuelto por los instrumentos de viento preparaba el Rondó: Allegro, ofrecido con un aire de de fanfarria, expuesto por clarinetes y fagotes. Tras la presentación en Hamburgo en febrero de 1860, la Serenata se dará a conocer en Leipzig, y tras el éxito inesperado, el autor decidirá trabajar sobre otras obras que tenía en mente, mientras que acababa de participar en un concierto en la Gewandhaus, de Leipzig, con su muy estimada Clara Schumann y con Johannes Joachim, un concierto que tendría como director a Karl Reinecke. Clara, que aún no conocía todavía esta Serenata Op. 16, para pequeña orquesta, nos dejaría la impresión de que resultaba una pieza extraordinaria, por su gran belleza. Insistiría una vez más en la sensación de serenidad, de la que quedará constancia en una carta dirigida a Joachim, compartida con otros compañeros aunque críticos como Gleich, del Leipzinger Tageblatt, tuviese una valoración menos entusiasta. Directora y orquesta, dejaron una sensación óptima ante quienes le admiramos, especialmente por sus obras camerísticas, para un programa pleno de guiños y reconocimientos hacia este compositor, bastión entre generaciones al borde del enfrentamiento.

Obra inspiradora para conmemorar los mil números de la revista RITMO. Muchas felicidades.

Ramón García Balado

 

Real Filharmonía de Galicia / Ruth Reinhardt.

Obras de Núria Giménez-Comas, Hubert Parry, Detlev Glanert y Johannes Brahms

Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

Centro Cultural Afundación, Pontevedra

Foto © P. Meisel

https://www.ritmo.es/auditorio/critica-elegias-para-brahms-segun-ruth-reinhardt-por-ramon-garcia-balado 

Dos barítonos y una soprano, ganadores del VIII Concurso Compostela Lírica

 Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

Intenso y competido resultó  el VIII Concurso Compostela Lirica, actividad otoñal propuesta por Amigos de la Ópera de Santiago y que ya en los corrillos de discusión previos a la sentencia definitiva traería más de una opinión de tanteo fuertemente contrastada a tenor de  quienes serían los afortunados ganadores dado el alto nivel mostrado en esa jornada final del domingo 23. Los que sí  recibieron el galardón de reconocimiento fueron los pianistas-repertoristas Berta Brull Sardaña y Rubén Sánchez Vieco, por  su entrega a las consabidas exigencias requeridas atendiendo a las particularidades canoras de cada uno de los diez participantes que fueron elegidos para ocupar plaza en tan disputada final. Cada voz, un mundo, y llegará con recurrir al  Presidente del jurado Arturo Reverter, en su obra testimonial El arte del canto. El misterio de la voz desvelado, en su Cuarto capítulo. Tesitura y extensión. Tipos vocales, en el que el crítico y maestro incida sobre Rachele Maragliano, quien apuntaba que además del timbre y ocasionalmente la tesitura, deberán observarse otros aspectos, como la extensión y las zonas de pasaje, los puntos de sutura entre los registros de pecho y cabeza. Según las particulares actitudes psico-físicas, de los sujetos, las múltiples exigencias de los estilos y de los repertorios, las caracterizaciones de los personajes que los cantantes interpretan en el ámbito de su tipo vocal, las categorías se terminan por subdividir más y más. Ha de quedar claro y todos los estudiosos están de acuerdo en ello, que no hay una voz igual que otra, que hay por tal motivo, tantos tipos vocales, como voces existen en el mundo. Las clasificaciones y subclasificaciones que tratan de situar y de definir las voces, con nomenclaturas diversas no son más que orientativas ante la imposibilidad de llegar a la clasificación ideal. En el siglo XVIII solamente se conocían tres tipos: soprano, tenor y bajo, aunque en tiempos anteriores se matizara más finamente la hora de situar las distintas líneas de la polifonía: cantus (o superius), altus, tenor y bassus. Palabra de Reverter, quien con su aspecto de taumaturgo encantador, siempre supo ayudar a que comprendiésemos las casi inabarcables escuelas de canto, a través de conceptos como messa di voce, sfumatura, portamento, fiato, ataque o coloratura

Cruda sorte, para el final de la toma de decisión en esa tarde brumosa, en la que como es de oficio no dejó de dejar ciertas insatisfacciones entre los no elegidos aunque igualmente merecedores: Sophie Burns, María Isart, Tanja Jannelli, Yasmin Forastiero, Ana Beard Fernández, Willigerd Giménez o Ting Yu, un brindis por todos ellos, a los que debemos su generosidad y entusiasmo, por los pasajes elegidos que fueron desde el Bizet de L´amour un oisseau rebelle al Massenet, de Adieux notre petite table, de Manon; el Mozart de Idomeneo, en Quando avran fine o mai… Padre, germanio Addio!. El Donizetti sobre la ostentosa  cavatina que encumbraba La Favorita en Fia dunque vero, Oh Ciel…Oh, mio Fernando.  Verismo descarnado por exigencia de rol en Leoncavallo, trágica consumación en Paggliacci, para dejarnos con el aliento en vilo E fra quest´ansie in eterno vivrai o los orientalismos desde una puesta escénica primorosa, el La forza del destino verdiana: Pace, pace mio Dio, o Un bel di vedremo, de la pucciniana Madama Butterfly

Un Tercer Premio con plenitud de méritos para el checo Daniel Kfelir, dotado con 1000 euros, por su interpretación de el Mozart de Le Nozze di Figaro, en el aria Hai gia vinta la causa? Vedrò mentr´io sospiro,  del Conde Almaviva, ante la presencia de Figaro, su criado que parece regodearse en el Acto Tercero en el Salón del Palacio, ópera que destaca como primer gran alarde canoro tratado a partir del libreto de Da Ponte.   P. I. Tchaikovski, con Uzel ta sama, de la ópera Evgeni Oneguin, aria especialmente apreciada en recitales tomada del Tercer acto, en una ópera cargada de escenas y  que se valoran especialmente las desarrolladas en el Salón de actos del Palacio de San Petersburgo y en el Salón de actos del Príncipe Gremin,  en ese Tercer acto. Para rendir pleitesía, la asistencia pianística de Rubén Sánchez Vieco.   Un Segundo Premio, dotado con 2000 euros y un recital remunerado, concedido al barítono ucraniano Nazar Mukullyak, a quien acompañaría la pianista Berta Brull Sardaña, en sus méritos, el Bizet de Les Pêcheurs de Perles, en el aria L´Orage s´est calmé, aria de Zurga, el pescador de perlas, amigo de Nadir, y enamorado perdido de Lêila, para un aria de desasosiego en esta ópera que curiosamente, ocupa un grado inferior en celebridad con respeto a Carmen e igualmente tratada sobre un argumento exótico sobre un texto de Prosper Mérimée y que pone distancias con La Jolie fille de Perth, o con Djamileh. Para exotismos, todo un descubrimiento para Konstantyn Dankevryn (1905/84), en el monólogo de Bohdan Khmelnytskyi, compositor ucraniano formado en Odesa con V. Zolotarev y M. Vilisnki, y conocido por su ballet Lileya, exigencias para un barítono dramático y  de tintes heroicos, un barítono- bajo que nos recordarán a personajes complejos como Boris Godunov, de Mussorgsky,  y otros de similar cuerda comunes en óperas rusas de compleja nervadura.  Para el Primer Premio, la soprano checa Lada Bocková, asistida por la misma Berta Brull Sardaña, en su dotación, 4000 euros, una actuación con la Real Filharmonía  de Galicia y un recital en el marco del Festival Les Musicales du Luberon y un rol en la temporada de la Ópera de Oviedo, recordaremos la presencia en el jurado del presidente y fundador del Festival du Luberon, Patrick Canac. Lada Bocková, soprano, sentó sus méritos en dos arias de gran calado, el Mozart de Don Giovanni, Ossia  il disolutto  punito, en concreto Crudele…Non mi dir, bell´idol  mio, aria en lamento de Donna Anna, la prometida de Don Ottavio, aristócrata y tenor lírico, en este cuadro cuarto del Segundo acto en el que el prometido demanda la cita para la fecha de los esponsales, pero la muerte de su padre supone un impedimento, un aria con recursos spinto  y con penetrante squillo, aspecto determinante en lo posible para inclinar la balanza a su favor. Para redondear por la alturas, el Charles Gounod de Roméo et  Julliete, a través del aria punzante Ah! Je veux vivre, declaración de poderío en el Primer acto, en la que Julliete confiesa a su aya que tan  sólo ansía divertirse, claro contrapeso con respecto a la página anterior. Ópera de consabidos trasfondos shakespereanos situada en la Verona del siglo XIV y dentro de un estilo muy francés en sus típicos cinco acto, sobre un libreto de J. Barbier y M. Carré. Segura y convencida parecía en todo momento esta cantante checa, quizás ya con experiencia en otros certámenes.  El VIII Concurso de Canto de Amigos de la Ópera de Santiago, confirmaría por ello su veteranía y madurez entre los que se celebran  en el ámbito nacional e incluso europeo. Albricias y a por la convocatoria que en agenda comienza  a preparase. 

Ramón García Balado

El ideario masónico en la música de Mozart

 Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

Obras para canto de W.A. Mozart en el Ciclo de Lied, propuesto por Amigos de la Ópera de Santiago en el Auditorio de Galicia- día 27, a las 20´30 h-, en el que serán protagonistas el tenor Ilker Arcayürek, con el pianista Maciej Pikulski, acompañados por el Coro Masculino de Amigos de la Ópera de Santiago, dirigido por Joan Company. El salzburgués ingresaría en la masonería el 14 de diciembre de 1784 en la logía Zur Wohltätigkeit, en la que ejercía como gran maestre el barón Otto von Gemmimgen, período en el que esas fundaciones serían lugares de reunión de minorías de ilustrados. Una publicación de Gérard Gefen, dejará constancia en un trabajo de consulta apreciable, Les musiciens et la frac-maçonnerie (1993), una atalaya para asomarse a la trascendencia de su legado. Opiniones habrá sobre la menor importancia de la francmasonería ejercerá en el músico, que llegaría a implicarse menos en los círculos de los que sería afecto desde el punto de vista ideológico, aunque el probable que a la hora de formular de plantear ciertas inquietudes de orden espiritual  fuese permeable a esas demandas, quedando evidencia en la importancia correspondencia mantenida con su padre Leopold. De su música, las piezas para ceremonias masónicas, resultará desigual y para seguir la estela, bastará con comparar las cantatas Dir, Seele des Weltalls K. 429 o Die Maurerfreude K. 471.

En programa, O heiliges Band der Freundschaft (Oh sagrado lazo de amistad)), para voz y piano, obra del último período de su estancia en Salzburgo y que se presenta como un minué lento aceptando que su texto puede asociarse a un sentimiento masónico aunque de una forma que nos aporta una belleza enternecedora y libre, difícil de describir. Otro lied, Gesellenreise K. 468 (El viaje de los compañeros), muestra de emotiva espiritualidad aparentemente destinada a la logia masónica Zu wahren Eintracht, con motivo de la incorporación de nuevos adeptos en una ceremonia conmemorativa, cuyo texto original había sido escrito por  J.F. Ratschyky. La presencia de un preludio de piano antes del canto y de un ritornello final marca una diferencia bastante nítida respecto a los procedimientos de los compositores de lieder de las escuelas del norte alemanas, su padre Leopold, había entrado a formar parte de la masonería, en aquel mes de marzo de 1785.

Eine Kleines Deutsche Kantata K. 619 (Pequeña cantata masónica), única en su repertorio en forma de lied, compuesta en Viena, goza del beneficio de ubicarse entre dos obras sublimes: el Ave verum K. 618 y la  Zauberflöte K. 620, cantata menos recordada supone uno de los más elevados testimonios de su espiritualidad, obra compuesta en seis partes  de gran simetría desde el Andante inicial al Allegro final. El texto lo aportaría un personaje de menor relevancia, F. Ziegenhagen e igualmente resulta alusiva al mundo masónico quedando en su fundamento una cercanía al pensamiento de Jean- Jacques Rousseau, al  que le autor del texto tenía en gran valoración como guía espiritual. En cuanto a su manuscrito, Konstanza lo donó tras su muerte al diplomático sueco Silvertolpe, lo que confirme que en la actualidad se encuentre en la Universidad de Upsala, su querida compañera de travesía cotidiana, había dado a luz en aquellas fechas, al nacimiento de su hijo Franz Xaber Wolfgang, y que solo heredaría una pequeña llamita musical de su padre, por lo que su importancia histórica resultará casi irrelevante, quedando como un personaje casi menospreciado por la historia de la música.

An die Freude K. 53 (A la alegría), lied primerizo en un adolescente de 12 años, que abordará una canción- danza pensada desde un punto de la instrumentación y del período de su operita Bastian und Bastianne, lied de inspiración masónica por influencia de su padre en un momento en el que se volverían a encontrarse con el médico J. Wolff, en Paris (1778), con el que Leopold había tenido experiencias musicales de sencillo entretenimiento sin mayores ambiciones. Wolfgang a buen entender despuntaba en trabajos  de aprendizaje desde minués, zarabandas, gigas y otras curiosidades.  Zerfliesset heut, gelibte Brüder K. 483 (Fundíos, hoy, queridos hermanos),  se empareja con el Lied Logenlied K. 484, ambos masónicos y que vieron la luz en 1785, en conmemoración de la logia Zurneugekrönnten Hoff nung (A la nueva esperaza), fusión resultan de tres logias vienesas preexistentes, ofreciendo la primera un homenaje de mérito al buen José II, responsable de las nuevas disposiciones. La K. 484, es un devoto canto de acción de gracias a los nuevos maestros exhortados a guiar a sus sucesores.

Nueva Cantata masónica por Eine Kleine freimaurer- Kantate K. 623, último testimonio de la fe masónica y elaborada mientras escribía el inconcluso Requiem K. 626, a la vista de las preocupaciones de Konstanze por su estado de salud, pieza  cuyo texto se atribuirá a K.L. Schikaneder, para la que otros especialistas la conocerán como Las Loh der Freundeschaft ( Loa a la amistad) y que consta de cuatro partes: un coro de apertura, una aria para tenor, un dúo para tenor y bajo y un coro final, Destaca el uso de tres voces masculinas que aportan unos matices tímbricos de notable sugestión. La masonería no tenía reglas por lo que  Mozart debió crear un simbolismo musical de tratamiento personal, el ritmo de los tres golpes dados a la puerta, que alcanzó después un alto valor significativo en Die Zauberflöte, y las notas ligadas de dos en dos, que simbolizan los lazos  de amistad, caracterizan esta cantata. Laut verkünde unsre  (Freude 626 Con las manos juntas), parece  que debía seguir al coro final de la  Freimaurenkantata y de la que se ha llegado a sospechar de un autenticidad mozartiana de este canto masónico, para el catálogo de Koechel ciertos detalles de la técnica compositiva y de la parte del bajo  permiten dudar de que ese canto fuera del salzburgués, aunque faltan pruebas creíbles, el texto se atribuye a Schikaneder , igualmente sin controversias.

Dir, Seele des Welalls, o Sonne  K. 429 (A ti, Oh Sol, alma del universo), documento masónico rodeado de muchas controversias, común a otras dos como la K. 419 y K. 471; además de otros lieder masónicos, resulta de un tono solemne que preanuncia obras ya citadas. Musicalmente es un soberbio que aparenta cierta carencia de unidad, aspecto que encontramos en obras de intención masónica y  que en esta aria, tendría como destinatario a  Adamberger, presentando un talante intimista. Die Maurerfreude K. 471 (La alegría masónica), compuesta e Venecia, en un momento fecundo, una cantata de aporta un estilo renovador y especialmente característico, cantata estrenada  con motivo de su colaboración con la logia Zur gekrönte Hoffnung a la que pertenecían padre e hijo.

Ramón García Balado

Kaleidoscope, Isabel Pérez Dobarro, en Contemporáneas

 Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

Segundo concierto del ciclo Contemporáneas, con la pianista Isabel Pérez Dobarro, en la Sala Ángel Brage del Auditorio de Galicia- día 26, a las 20´30- y que trae entre manos la presentación del cd, anunciado como Kaleidoscope- registro ganador de los Grammy Latinos, como mejor obra-, para ella, un sentimiento como parte de su trabajo que contribuye a visibilizar y recuperar compositoras actuales, no solo de Europa y América, sobre las que había trabajado hasta la fecha, sino por el descubrimiento de repertorios fascinantes, en muchos casos influidos por diversas raíces culturales, en las que confluyen estilos y lenguajes musicales, con ejemplos de procedencia oriental como Yoko Kanno, Hana Wa Saku o Nkeiru Okoye y Claudia Montero. Del programa que nos ofrezca, una selección de obras del registro, se incluyen en esta sesión. Isabel Pérez Dobarro, es pianista de asentada proyección internacional por sus conciertos en el Stern Auditorium (Carnegie Hall), el Palau de la Música Catalana, el Conservatorio Tchaikovski (Moscú), el Teatro Colón (Buenos Aires) y otros coliseos de contrastado prestigio. Dentro de sus experiencias, nos encontramos con recuperación de figuras como Clara Schumann, Mariana Martínez, Pauline Viardot- de la que grabó The Unknow Pauline Viardot-, y en nuestro tiempo, compositoras como Consuelo Díez, Diana Pérez Custodio, Mercedes Zavala o Marga Richter. Doctora en la New York University, comenzó con 19 años sus actividades docentes, tras formarse en la Mannhatan School of Music (Professional Studies Degree), en el Real Conservatorio Superior de Madrid, en complemento con los estudios de Grado en Derecho, en la UNED y en la NYU, ampliando cursos de Sostenibilidad en la SDG Academy y un Certificado en Bussiness (HBX, Business School)

Entrando en materia y en lo relativo al programa previsto, una sencilla aproximación a las compositoras y sus piezas, que no suponen una inclusión en su totalidad de las que se incorporan a Kaleidoscope, aunque manteniéndonos en el espíritu que transciende una sensibilidad claramente perceptible.  Carolyn Morris (Australia)- Blue Ocean (2021), una compositora formada en Kenja, y que nos trasmite sus primeras experiencias, por las vivencias que el mar dejó en ella, impregnando su discurso por las impresiones de la tímbrica.   Danaë Xanthe Vlasse (1981)- Fantaisie#2, Swang Song (2013), compositora de procedencia griega, ganadora de un Grammy, por Mythologies, cuya segunda entrega fue candidata al Mejor Álbum de Música Clásica. Obra inspirada en una leyenda griega sobre el canto del cisne- que entona su  melodía postrera justo antes de morir- y que refleja el conflicto interior de ese inminente final, expresando por ello su lamento con un tema principal cromático e inestable. Un relato de duetos que evocan la división entre cuerpo y alma, combinando momentos de gran claridad con pasajes de delirio, en una evidencia del desequilibrio emocional del cisne, con una compleja textura desde una línea melódica superior, con arpegios armónicos constantes y una voz interior desplazada, símbolo de una lucha interna, con recursos de glissandos ascendentes, cruces de manos y un toque ligero que sugiere un batido de alas o un pulso vacilante.

Nkeiru Okoye (1972), compositora neoyorquina que ofrece African Sketches-Dusk/Dancing Barefoot in the rain-afroamericana de raíces nigerianas, formada en piano y composición en el Oberlin Conservatory; en la Rutgers University y en la Mannhatan School of Music, apreciada por el New York Times, por sus virtudes evocadoras y apasionantes, disponiendo de  un catálogo enfocado a esas influencias de tradiciones negras, de las que dejará testimonio en su ópera Harriet Tubman, el imaginario creativo de esas tradiciones y que en African Sketches- Dusk y Dancing in the Rain- amalgama tradiciones africanas con ansiadas influencias contemporáneas, recreando atmósferas que se impregnan en la vida cotidiana como una dimensión simbólica de la naturaleza.  Karen Tanaka- Water Dance (2008): Very light with flow/Very softly with shimmering light/ Veri light, like a harp, compositora japonesa con estudios en la Toho Gakuen School y en París con Tristan Murail, en el IRCAM, ampliando con Luciano Berio y obtener una beca del Laboratorio de Compositores de Largometrajes del Sundances Institute, auspiciado por los más prestigiados maestros de Hollywood. Water Dance, un encargo de 2008, fue un compromiso con la pianista noruega Signe Bakke, quien lo estrenó en 2011, obra en tres espacios en la que usa variados recursos para recrear una amplia gama de efectos encontrados de luz y sombras, en los que intervienen el timbre, las armonías, las texturas, que nos trasladan en su evocación a una Noruega imaginaria, en un constante flujo de aguas, tratadas por las estructuras pianísticas en su transparencia y continua transformación.

Marisa Manchado Torres (1958)- Dunas una de nuestras compositoras de trayectoria más extensa, demostrando en el conjunto de sus obras una atención a técnicas precisas procurando transmitir las emociones pretendidas en el contexto de su universo sonoro. Dunas, en su caso, evoca imágenes de territorios áridos, vastos y misteriosos, bajo la idea de transformación constante y a la resistencia, características presentes en los  paisajes faltas de agua, desérticas. La pieza alterna calma y tormenta, con un piano que transita de la introspección a la intensidad emocional, invitando a reflexionar sobre la relación entre la naturaleza y la experiencia interior.  Ann Southam (1937/ 2010)- Rivers (1981), compositora impregnada en las tendencias del dodecafonismo y las propuestas electrónicas, con derivaciones hacia el minimalismo norteamericano de Terry Riley o Steve Reich, su cambio de referentes fue parejo con las posibilidades halladas en los instrumentos acústicos gracias a la pianista Petrowska –Quilico, con quien colaboró para grabar Glass Houses y Rivers, ésta representativa de su estilo, en el que aparecen las influencias del citado minimalismo  norteamericano, con un sensibilidad más introspectiva y lírica, explorando texturas fluidas, estructuras repetitivas, variaciones rítmicas y armónicas que evocan el movimiento constante del agua a través de una serie de piezas abiertas, sin orden fija, que pueden interpretarse de diversas maneras, otorgándole una calidad viva y cambiante, como el movimiento de un río.

Zulema de la Cruz (1958)- Estudios sobre el agua- olas/ Gotas/Espuma-, cabeza de serie de nuestras vanguardias, formada en el Real Conservatorio de Madrid y en la Stanford University, en donde profundizó en informática musical y en composición asistida por ordenador, es una de las pioneras en nuestro país en lo relativo a la integración de tecnologías digitales en la creación musical, contando con un dilatado catálogo de obras premiadas en festivales internacionales y en ciclos especializados. Estudios sobre el agua, resulta un tríptico en el que Zulema propone una experiencia sonora inspirada en el movimiento fluido y cambiante del agua a través de texturas delicadas, arpegios brillantes y contrastes dinámicos sutiles. Una pieza que evoca una riqueza tímbrica como alusión poética al agua como símbolo de transformación, de belleza en constante movimiento, funcionando cada estudio como un pequeño poema musical, pensado sobre la base de la proporción áurea. El material compositivo, queda relacionado con el título y cada uno indaga desde su sonido, el vaivén continuo de las ondas y su precisión rítmica.

Consuelo Díez (1958), igualmente en la  cúspide de nuestras vanguardias, ofrece Rumores de El Puerto (2009), doctora en la Hartford University, se puso al frente de festivales de referencia en nuestro país, siendo pionera de géneros electroacústicos, del que saldrían registros fonográficos, que alcanzarían una notable divulgación. Rumores del Puerto del primer cuaderno, de Iberia y Rumores de la Caleta, de Recuerdos de Viaje, un claro homenaje a Isaac Albéniz, en el centenario de su muerte. Estamos ante el Primer cuaderno de Iberia y Rumores de La Caleta. Composición que refleja una fuerte personalidad de estilo, con un fondo conocimiento de la técnica y de las posibilidades del piano, mostrando una capacidad de captación del lenguaje y el espíritu de la música de Albéniz, compositor al que Consuelo admira profundamente, descubriendo en la partitura una cita de Cartas a la oscuridad, obra de apetencias albenicianas, por ciertos pasajes surgidas de forma menos consciente y que cobra aquí una enriquecedora dimensión.

Carme Rodríguez (1966)- Alalá das Paixases Verticais (2021), graduada en Composición de Músicas Contemporáneas (Madrid), y compositora de bandas sonoras de filmes, cortometrajes, teatro y cine, además de proyectos orquestales, consecuencia de los abundantes encargos que reciben habitualmente, para ensembles o solistas, galardonados en concursos. La música tradicional está presente en la evolución de su obra ya desde los comienzos, logrando tratamientos ricos del que tenemos constancia en obras que presenta en certámenes de músicas contemporáneas, Alalá das Paixes Verticais,  es obra dedicada a Isabel Pérez Dobarro, obra que nos traslada a esa tradición folklórica sobre la que investiga, con aspectos como el canto melismático solista del alalá, en el que suena una sola sílaba de tres apuntes o paisajes sonoros, la escritura es rica en texturas, capas contrastantes y resonancias suspendidas con una melodía que fluye con libertad , indagando el timbre del teclado como vehículo de profunda expresión.

Ramón García Balado

Noé Rodrigo, percusiones para completar Solos no CGAC

 Centro Galego de Arte Contemporáneo

Concierto que completa las cuatro sesiones de Solos no CGAC, dirigido por Rosa Fernández y coordinado por Carmen Hermo,  comenzada por el pianista Alberto Rosado para continuar con la mezzo portuguesa Helena Ressurreçao, y la acordeonista María Zubimendi  a los que dio continuidad la acordeonista María Zubimendi y que completará el percusionista Noé Rodrigo- día 26, a las 20´00, en el Auditorio do CGAC.   Noé Rodrigo, editó recientemente un cd Paraules, con IBS Classis, con obras de Iannis Xenakis, S. Sciarrino, Denisov, Buzelli, Vallejo, Mantovani y J. Torres y es parte activa del Festival RESIS, miembro del Arsis Ensemble y el Arsis Percusion Trío, realizando trabajos de colaboración con espectáculos teatrales, mientras recibe invitaciones para colaborar con formaciones como la Slagwer´k Den Haas Concert O.; la Nederlands Philharmonisch Orkest; Printemps des Arts de Montecarlo, la Sccotisch C.O, junto a Pierre Aimard y Matthias Pintscher. la OSG, la Orquesta de Castilla y León, entre otras. Con la RFG, le tendremos en el concierto que dirigirá Vimbayi Kaziboni, en colaboración con el Festival RESIS, el 30 de abril, compartiendo percusiones con Adélaïde Ferrrière,- Fendas do silencio, para ofrecernos en estreno  Void, de Rebecca Saunders, compositora de la que ya tenemos noticia por sus aportaciones en certámenes de música contemporánea, una sesión que se abrirá con un encargo en el apartado de Cometa, con una breve pieza  de Francisco Domínguez y también en aportación de mayor interés, la obra Coma Berenices, del maestro Francisco Guerrero. Void describe a través de una amplia gama de recursos en la paleta orquestal, las fluctuaciones  entre el sonido y el ruido, obra con profunda inspiración en la poética de Samuel Beckett,  una perspectiva que entronca con el espacio sonoro del añorado forjador de escuela Francisco Guerrero, con una composición de profunda indagación en los recursos matemáticos, auténtica fuente de investigación de define la línea ideológica y creativa del compositor jienense.

  María Zubimendi, un torrencial y cascada de sonidos proyectados desde el vientre de ese complejo instrumento, nos dejó impresiones de las que tenemos memoria reciente por el concierto ofrecido la temporada pasada por Iñaki Alberdi, maestro y defensor de proyectos vanguardistas, de los que María Zubimendi supo aprovechar buenos recursos tras su formación con Miren Iñarga, graduándose en el Centro  Musikene, antes de trasladarse al Musikhochschule FHNW (Basilea). De su carrera actual, proyectos como eXpreSSion Dúo, con el acordeonista Garazi Navas, el Trío Zukan y el trío con Jon Ansorena (txistu) y Gorka Catediano (percusión). Una sesión seguida a finales del mes pasado, ofrecía una panorámica representativa de sus iniciativas de mayor compromiso y que nos trasladaban a los concierto de Jóvenes Intérpretes que ofrece la Fundación Juan March (2019), en la que ofrecía un programa de similares dimensiones. La sesión del CGAG había incluido una matinal de excelente acogida destinada a alumnos de inquietos alumnos que no dejaron de sorprenderse ante un mundo de paletas sonoras que descubrían- Un mundo en el que barrocos se entremezclaban con colegas de vanguardia de la acordeonista. Barrocos como J.P. Rameau- Les soupirs-pieza para clave transformada en las opciones que estimulaba el acordeón, otra de sus obras, sería L´entretien des Muses, de su segunda colección, obra que el autor transcribiría para Les Fétes d´Hebe, sobre un tejido polifónico a tres voces. D.Scarlatti- Sonata K. 466- , parecida fuente de transformación, sería otra cascada de acentuados perfiles del uso de la.  El tiempo presente se sustentaría en obras como Zuria II (Blanco), de J. Mª Sánchez- Verdú, obra que estrenaría Iñaki Alberdi e inspirada en la poética de J.Ramón Makuso en una recurrencia sonora a los fundamentos sonoros de los colores primarios. Zuriña F. Generabarrena, aportaría Luma, una pieza destinada a acordeón microtonal, tensa y fluida por su tímbricas exigentes. Ramón Lazcano- Aztarnak (Huellas)- encargo en su momento de la Asociación de Acordeonistas del País Vasco, nueva inmersión en las crudas exigencias de un instrumento que para asistentes neófitos resultará un verdadero esfuerzo de inmersión, en esa búsqueda de tímbricas siempre sorprendentes para entregarnos en el punto de mayor exigencia plástica y sonora, como ya había propuesta en Zuria II, de Sánchez- Verdú, en Festa, de Mikel Chamizo, un detalle que calaría en su aportación para el ciclo de Ibermúsica KmO, composición de absolutos retos, destinada a un acordeón microtonal con apoyo de recursos electrónicos en un ambicioso emparejamiento de recursos entrecruzados, que sustancialmente nos trasladaba a un ambiente desbordante de un festejo colectivo, en el  que este instrumento cobran un claro protagonismo, como María Zubimendi supo explicarnos,  una desbordante impresión de efectos recurrentes que en forma de destellos sonoros acabarán por imponerse en pasajes de recursos irresistibles.

Ramón García Balado

El sopranista Samuel Mariño, gala en la LXXIII Temporada de Amigos de la Ópera de A Coruña

 Teatro Colón, A Coruña

Concierto en el Teatro Colón, dentro de las actividades de la LXXIII, de Amigos de la Ópera de A Coruña- día 24, a las 20´00 h-, con el sopranista Samuel Mariño, acompañado al piano por Jonathan Ware, una voz de especiales características, en la cuerda de contratenores, y que cobran un claro protagonismo por la evidencia de sus recursos. Para Samuel Mariño, una de las virtudes de esos  estilos, es la aproximación a la estética queer, por sus modismos y actitudes tanto escénicas como canoras, convirtiendo sus galas en un auténtico show, de travestismo y virtuosismo, que conceden a su espectáculo renovados planteamientos. Nacido en Caracas (1993), comenzó sus estudios de voz, danza y piano en el Conservatorio de París, tras haber desarrollado durante su adolescencia una mutación en la que sabría cuidar el timbre agudo, que mantendrá ya desde entonces. No hace tanto le tuvimos dentro de las propuestas del Teatro del Canal (Madrid), con la orquesta de la Ópera de Versalles, compaginando una ópera escenificada en el Festival de Glyndebourne, presentando su primer registro en cd para el sello DECCA. El cantante afirma que la diferencia entre un sopranista y un contratenor, se expresa en las cualidades del segundo por su cercanía a la voz de mezzo, mientras que la de sopranista se acerca a la de soprano. Las posibilidades de registro, le permitieron en cuanto a volumen y proyección, a probar con roles como Sophie (Rosenkavalier, de Richard Strauss) o Sussana (Le Nozze di Figaro). Colegas suyos probaron en este repertorio de sopranista, pero su voz natural es la de tenor o barítono. En su caso, no tiene muchas opciones, ya que por su condición biológica, su laringe no baja más y su registro ese el que muestra. Cantar repertorio castrati, sin el legado heredado por el cambio hormonal de la ancestral castración, requiere dificultades  imposibles de plantear. Esa estética queer, de renovadas perspectivas, ayuda a recrear personajes dentro de la disidencia sexual, prescindiendo de acostumbrados cánones al uso. Pueden resultar sus espectáculos auténticas performances para seducir al aficionado. En su horizonte, The Baroque Project (Sony), Ensemble Teseo; las colaboraciones con el CNDM: Concerto d´ cavalieri Marcello di Lisa. Galardones como el Barbara Bonney, Premio Neue Stimmer; Care Pupille o el DECCA, classics, de sopranistas. Fue artista invitado por el Concertgebouw (Amsterdam); la Elbphilharminie; el Theater an der Wien; o el Festspiel d´Ambronay; la Casa da Cultura Belén (Lisboa) o el Musikfeast Bremen. Entre sus roles: obras de Monteverdi y A. Vivaldi; Oscar (Un ballo in maschera, de Verdi); Romeo (I Capuleti e I Montescchi) o Arsace  (Aureliano in Palmira).
En las últimas temporadas de este certamen, y en el registro de esta cuerda vocal, asistimos en 2018, al protagonismo de Alberto Miguélez-Rouco, en el ciclo de Novas Voces Galegas, a su sesión en Afundación, cantante ya consolidado y que procedía del Coro Cantabile, para formarse en Basilea, llegando a cantar bajo la dirección de Christophe Rousset, presentándose esta vez con acompañamiento orquesta, para legar obras de W.A. Mozart, Monteverdi o Henry Purcell, entre otros. En la misma temporada, y en el Palacio de la Ópera de A Coruña, Serse, de G. Friedrich Händel, con la orquesta Il Pomo D´Oro, de Maxim Emelyanychev, destacando como solista el contratenor Franco Fangioli, compartiendo escena con Inga Kalna, Vivica Genoux, Ana Quintans, Andrea Wolf y Biagio Pizutti, una lectura en versión de concierto. La temporada 2022, nos descubrió en el Teatro Colón, uno de esos títulos que comienzan a mostrar su excelente salud, Vendado es amor, no es ciego, de José de Nebra, uno de los proyectos bandera de la Orquesta Los Elementos, que dirige Pablo Miguélez Rouco, una de esas recuperaciones que ha logrado abrirse espacio en las propuestas de proyectos barrocos, de impronta ibérica. La cita 2021, y también de G.F. Händel, en versión semiescinificada, Parténope, en una ostentosa visita del siempre magistral William Christie, con Les Arts Florissants, con tratamiento escénico de Sophie Daneman, para lucimiento de dos contratenores: Alberto Miguélez Rouco y Hugh Cuttings, arropados por Ana Vieira Leite, Helen Charlston, Jacob Lawrence y Matthieu Walendzik. La temporada 2022, en el Teatro Colón, un nuevo Händel, con Ariodante, ofrecido por Il Pomo D´Oro, dirigido por George Petrou, en la que volvía el contratenor Franco Fagioli, velada de éxito seguro por los protagonistas en escena, Melissa Petit, Sarah Gilford, Luciana Mancini, Nicholas Phan y Alex Rosen. Entre otros barroquismos, Il ritorno d´Ulisse in Patria, de Claudio Monteverdi, del Ensemble I Gemelli, de Emiliano González Toro, casi en la clausura de 2023, en la que el propio director, Emiliano Gómez Toro, asumió el rol de Ulysse, frente a la Penelope de Fleur Barron.
En la disputa inevitable para decidirse por las condiciones de este tipo de voces, los contratenores son las voces más agudas con una extensión semejante a la de una soprano o una mezzosoprano que en apreciación de Stinchelli, se distancia del arquetipo imaginario de los castrati. Un contratenor es en general el falsetista artificial que aprovecha sobre todo la resonancia de la cabeza, es decir, la octava aguda de la voz masculina; en cuanto al registro medio y grave, no tiene la consistencia y la homogeneidad propia de los castrati, además el timbre resulta con frecuencia áspero, carente del terciopelo y la dulzura de los imaginable antiguos rivales. Son voces menos dúctiles y no podrían jamás igualar las proezas de sus rivales.  Poseen características propias de color e intensidad. Además, lo que ganan en agudos, lo pierden el volumen, por lo que hacen comparar vagamente ambos recursos vocales. Conviene diferenciar a los verdaderos contratenores de los falsetistas. Un buen contratenor e igualmente un sopranista, obtendrán las notas más agudas combinando los registros de cabeza y la técnica del falsete (consistente en emitir el sonido utilizando también el registro de pecho, utilizando solo la parte de las cuerdas vocales), disimulando este último recurso también en el registro de pecho. Un falsetista puro, solo cantaría utilizando la técnica del falsete. El timbre del contratenor, resulta puro, incisivo y sutil, mientras que el falsetista, muestra una voz penetrante y aguda, dulce y quizás emitida con resuelta proyección de tintes estridentes. 
Para su programa, barrocos de plenitud como Marc A. Charpentier, con Feuillage Vert de Les Arts Florissants, creador del oratorio barroco moderno en Francia y que tendrá como herederos a Campra y Bernier logrando con la armonía una técnica y una habilidad sorprendente, enlace directo con Jean P. Rameau a través de Les Indes Galantes-Viens, Hymen, recurriendo a escenas pastoriles, puede que el aspecto menos conocido en lo relativo a la personalidad de su obra, pero que la posteridad sabrá aceptar entre su legado más sobresaliente. Händel con una aria espectacular de todos conocida y que ha servido como pieza de complemento en recitales de voces entregadas a los estilos más distantes, se trata de Lascia ch´io pianga, utilizada en su ópera Rinaldo y en su oratorio Il trionfo dil mundo e dil desengano, aria baúl que tendrá aparición también en Almirena, por su suntuosidad y contagio. Del propio Händel, la voluptuosa Piangero la sorte mia, de la especie de péplum Julio Cesare. 
En cambios de estilo, Mozart, Voi avete un cor fidele K. 217, aria en principio para soprano en Sol M. y compuesta en un período de retiro salzburgués, para Abert esta pieza nos cautiva por su sonido íntimo y apasionado que en las partes más lentas se aproxima sensiblemente al Lied alemán, un detalle de un joven adolescente y que coincide con la representación de La giadinera fingida K. 196. Una segunda pieza mozartiana por Voi che sapete,  aria de Cherubino en Les Nozze di  Figaro  pura ternura. De  G. Rossini en su inmenso esplendor por las peculiares exigencias del de esplendor de medios de interpretación en la muy exigente Bel raggio lusinghier de la apoteosis de Semiramide. Puestos en belcantismos, no faltará un V. Bellini con una aria de I Capuletti e I Montecchi, otro alarde gracias a Tu sola, o mia Gulietta/ De! Tu, bell´ anima
Para regusto, la mélodie, la chanson y un aria eterna por La canción de la Luna de Rusalka de A. Dvorak,  Tierna Luna, en la que confía la noche su amor.  Ferenz Liszt, con su canción Oh! Quand je dors, sobre la poética de Víctor Hugo del grupo de ocho melodías compuestas entre 1842/44, en este caso a partir de unos sonetos de Los tres sonetos que evocaban la relación de Petrarca y Laura. El mundo de Víctor Hugo, la había sido tratado tan acertadamente esta entonces.  Reynaldo Hahn, con su apreciada A Chloris, pieza que se integraba en la serie de sus arreglos como los realizados a partir de obras en la tradición francesa como Rameau, o barrocos alemanes. Hahn, recurre a un poema tomado de Theophile de Viaux (1590/ 1616), quien destacaría como escritor y por su convulsa vida. Pauline Viardot, nos obsequiará con dos perlas de su estilo: Hai Luli y Havanaise, parisina y de ascendencia española por su padre, el tenor Manuel García, creador del rol de Almaviva en El barbero de Sevilla, estrenando ella misma títulos como El Orfeo de Gluck, en la versión francesa, en versión de Héctor Berlioz. En el capítulo de obras propia de carácter cameristico destaca romanzas y mélodies, y otras delicadezas que han contribuido a mantener en la memoria su recuerdo: Solitude; La Petite Chevrière; Villanelle; En mer; L´absence; la Terentelle o Chanson de Loïc.

Ramón García Balado