Denis Kozhukhin, en el Castelo de Ouro de Alfoz, para el XII Festival Bal y Gay

 Castelo de Castro de Ouro (Alfoz)

El pianista Denis Kozhukhin estará en el Castelo de Castro de Ouro de Alfoz dentro de las programaciones del XII Festival Bal y Gay- día 12, a las 20´00 h-, un artista que visitó espacios ilustres como el Carnegie Hall neoyorquino, el Concertgebouw de Amsterdam, la Elbphilharmonie de Hamburgo o el Wigmore Hall, de Londres, colaborando también con directores como Rafael Payare, Alain Altinoglu, Cristian Mäcelu, Hannu Lintu o Santtu- Matias Rouvali, asistiendo a citas como el Festival Verbier, Gstaad, Grafenegg, Dresde o Tsinandi. Para este certamen, le tendremos con el programa que se iniciará con la versión pianística de las Variaciones Enigma Op. 36, de Sir Edward Elgar, obra planteada sobre un tema original y que orquestalmente había dirigido Hans Richter. Un tema de seis compases prepara lo que vendrá de inmediato, en una cascada de sugestivas variaciones con leit motiv incorporado. La primera (C.A.E), resulta un retrato de Alice Elgar, compañera del compositor; la segunda (H. D. S. P.), remite a Hew David Stewart  Powell, un pianista aficionado; la tercera (R.B.T.), resulta una especie de mazurka, retrato de Richard Baxter Townshend; (W. H. B.), viene a ser William Heat Baker, de temple vehemente; (R.P. A.), evoca a Richard Arnold, ameno conversador; la sexta (Troyte) Arthur Troyte Griffith, describe a un arquitecto, que curiosamente remite al propio piano; la octava (W.N.), inspira una antigua casa del siglo XVIII y a Winifred Norbury, amiga de la familia; (Nimrod), resulta un Adagio homenaje a August Johannes Jeager; (Dorabella), evidentemente goza de una motivación mozartiana de Così fan tutte; (G.R.S.), un retrato de G. R. Sinclair, organista de la Catedral de Hereford; (B. G. N.), otra pincela que describe a Basil G. Nevinson, dando cauce a la Variación (XXX), titulada Romanza y que nos traslada a la obra juvenil de Mendelssohn Mar en calma y viaje feliz, para concluir con (E. D. U.),un curioso autorretrato, bajo el apelativo de Edoo, por su compañera. En esencia, una perfecta secuencia de acertijos.

W. A. Mozart- Fantasía en Do m. K. 475- obra de su etapa vienesa y dedicada a Therese von Trattner, una desconcertante elevación, para Stiegler, en un momento de menor creación en el que predominaban trabajos de menor relieve, y para curiosos, un puente hacia los estilismo beethovenianos, optando por colores sombríos y apasionados que recuperaremos en la Sonata K. 475, con la que llegó a emparentarse estilísticamente, quizás por una actitud necesariamente admitida merced a la imaginación persistente, en búsqueda de un virtuosismo que observamos en ambas obras. Una audaz imaginación de libertad que realza los límites de esta fantasía. El nexo entre las obras, se sitúa en un plano íntimo y profundo, dentro de una pasión vehemente.

F. Chopin- Fantasía-Impromptu, en Do sost. m. Op. 66-, término que el autor incorporará en tres ocasiones con titulo aproximado, siendo en este caso un apreciado encanto por su estilo de Fantasía- Impromptu, más que una fantasía, una improvisación semejante a ciertas formas que nos trasmite F. Schubert,  o igualmente a su propia obra en La b M. Op. 29. El autor rechazó la obra en cuanto a su edición, dejando las dudas de tal negativa, quizás por la mala acogida. El carácter fantasioso y libre, sugiera aspectos añadidos que condicionan la pieza, como el episodio central en forma de trío, de carácter de pretensiones expresivas, marcadas por un moderato cantabile, definido por una intención elocuente en una obra destinada a cerrar en un ambiente inusitadamente tranquilo, coronado por arpegiado de largos acordes de redonda. También de Chopin, la Polonesa- Fantasía, en La b M. Op. 61- obra que desde sus primeros compases, con lenta y cadenciosa frase ascendente, recorre el teclado desde el registro grave hasta los extremos más agudos, reivindicando esa necesaria intrepidez armónica que sorprendió a muchos de sus contemporáneos. Sus 288 compases se expanden en el marco de una arquitectura ciertamente libre, aceptando su disposición a los estilemas ternarios de la polonesa, tras pronunciarse con una amplia introducción que describe tintes de un preludio basado en una serie de cinco intervalos descendentes de cuarta justa, cuatro de los cuales dan paso a la cadenciosa frase precedente.  La sección final, está elaborada por los primeros temas de la polonesa y del trío, modificados para exaltar su actitud original, con una larga coda expuesta por un largo acorde sobre la tónica.

Mily Balakirev-Islamey, Fantasía Oriental Op. 18- estrenada por Nikolai Rubinstein, en San Petersburgo  a finales de 1869. Su obra más conocida y apreciada por su dificultad, que invitaría a Ravel a tomar el desafío en Scarbo- Gaspard de la nuit-, una temática orientalizante, producto de su estancia en el Cáucaso, en donde descubriría melodías y danzas sobre las que basó la primera parte. La segunda parte (Andantino), toma un canto que el compositor descubrió al escuchar a un cantante armenio, durante una velada en casa de Tchaikovski. El primer tema, en Si b m, queda expuesto sin acompañamiento, dando entrada a un tono danzante de frenesí oriental, y que conduce a una serie de variaciones, en una serie de terceras y un martilleo de acordes, en medio de saltos espectaculares. Las armonías resultan cromáticas y un ascenso de terceras, en ambas manos, se detiene en medio de un silencio. No tardará en volver el primer tema, con nuevas variaciones, aún más virtuosísticas. Tras un fortissimo conclusivo, aparecen unos acordes modulantes que nos ubican en la Segunda parte, con  un Andantino no espresivo, en Re M, de un sensual lirismo tramado por armonías puras, que se animan por un pasajes de arpegios en la mano derecha, con un arrebato que nos traslada de forma natural al retorno del primer tema, acentuado por terceras precedidas de mordentes. Una prolongada reverberación, señalada por arpegios desgranados de la mano izquierda, prepara el final en el que alternan una serie de variaciones de los principales temas, que se convierten  en una fogosa energía, con un martilleo de grandes intervalos, aspecto que obliga al intérprete a medir las posibilidades de sus recursos, por las exigencias físicas demandadas.

Ramón García Balado

La magia del violín y la guitarra: Stephan Picard y J.Mª Gallardo del Rey, en el LXVII Curso U.I. de Música en Compostela

 Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

Concierto en la Sala Mozart del Auditorio de Galicia con las actuaciones de los profesores Stephan Picard y J.Mª  Gallardo del Rey con obras de G. Rossini, en arreglos de F. Carulli (1770- 1841)-, Federico García Lorca, conocidas armonizaciones procedentes de sus trabajos de investigación y que se ofrecen en arreglos de Gallardo del Rey, quien también aportara obras de su imaginario de su legado Pequeño vals vienés (tema con variaciones), un total de siete piezas y Diamantes para Aranjuez: Allegreto siempre rítmico; Adagio espresivo y Allegro festivo-día 8, a las 20´00 h-, bajo el reclamo La magia del violín y la guitarra. Stephan Picard, fue alumno de Sashko Gawriloff, Wolfgang Marschner, Rami Shevelov y Roman  Nodel, ganando certámenes como el Concurso Deutscher Musikwettbewer, el María Canals (Barcelona), el Rodolfo Lipizer  (Gorizia, Italia), para entregarse a los repertorios más exigentes del instrumento colaborando con orquestas como la Beethovenhalle (Bonn), la NDR, Bremen Philharmonie, Radiophilharmonie de Hannover, la O.C. de Munich, llegando a ser responsable del Departamento de cuerdas de la Hochschule für Musik Hanns Eisler, y miembro de jurados como el Concurso Max Rostal, el de violín Leopold Mozart y el de violín de Seul. Dispone de un instrumento Petrus Guanierius de Mantua (1715).  J. Mª Gallardo del Rey, se especializó en cursos con Sainz de la Maza, A. Segovia y J. Tomás, logrando el  de este curso (1987) y un Primero Infanta Cristina, de la Fundación Jacinto e Inocencio Guerrero, logrando en sus primeros éxitos el estreno en la Bienal de Arte Flamenco de Sevilla (1990), con la O.C. Reina Sofía con el Concierto para guitarra y orquesta, de Manuel Castillo, dejándonos obras como Kasidas del Alcázar, Sonata  y Tres preludios, estrenada por Narciso Yepes, además de componer obras dedicadas al cine y documentales- la Exposición de Sevilla (1992); Noches de San Lorenzo, elegida para un concurso en Moscú. Estrenó el Concierto romántico, del guitarrista Craig H. Russell, discípulo de Emilio Pujol. Colaboró con artistas como Teresa Berganza, con la que participó en giras; el estreno en el Teatro Imperial de Compiège de la ópera Llanto por la muerte de Ignacio Sánchez Mejías, del griego Stavros Xharacos y recibió el Premio Diapason d´Or, por su disco Al ayre español (Harmonia Mundi), grabado en la Iglesia Villete (París), con obras de G.Sanz, Santiago de Murcia,  Albéniz y Falla, con tres piezas propias. Con motivo del  septuagenario de M. Rostropovich, tocó Torres bermejas, de Albéniz, en el Teâtre des Champs Elysées, compartiendo experiencias con Pendercki y Y. Menuhin, además de publicar la versión camerística del Concierto de Sevilla  y la Obertura Silverio, en dedicatoria al cantaor Silverio Franconetti. Su visita a China, supuso presentar su visión del Concierto de Aranjuez (J.Rodrigo), en los Auditorios de Shangai y Shenzhen, una continuación de su actuación en el Museo del Prado- con el fondo de Las meninas-en los actos de la Carta Cultural Iberiamericana.

G.Rossini-dos oberturas de Il Barbiere di Siviglia y L´Italiana in Algeri- esencia del estilo opera buffa muestra de una verdadera regeneración de esa forma musical, con la incorporación de elementos procedentes de los siglos XVII y XVIII, en los que se percibe una inmediata diferencia considerable, entre todas aquellas óperas que iban estrenando. Si ciertas óperas acusan un formalismo pesante, aquí el revulsivo llegará por las páginas que reflejan modelos imprevistos en sus procedimientos, el Rossini dolce far niente se ofrece en plenitud de ingenio y un humor contagioso, magníficamente expuesto en las partes orquestales- esas oberturas-, o el contagioso humorismo burlón  que no dejará de contagiarnos. L´italiana in Algeri o Il turco in Italia, la muy popular Il Barbiere di Siviglia, proporcionan momentos en los que inspiración, el brío cómico y demás enredos, consiguen encumbrar los gracejos hasta su punto culminante.

Federico García Lorca- Canciones españolas antiguas: Anda jaleo; Los reyes de la baraja; Las morillas de Jaén; La tarara; El vito y Los cuatro muleros. Marco Antonio de la Ossa, en Ángel, musa y duende: Federico García Lorca y la música hablará sobre su tratamiento de las Canciones populares españolas, admitiendo la consecuencia de esos trabajos de campo y del amplio conocimiento que tuvo de ellas, importantísimas en la repercusión en la vida musical de la España de la Segunda República y su llegada al cancionero republicano de la Guerra Civil. Junto con piezas suyas como Granada, las canciones populares españolas, son los únicos testimonios en partitura y registrados en la SGAE, que Lorca legó. Se trata en la primera, de una pieza propia para ampliar con armonizaciones sobre melodías que recopiló en trabajos de campo, en parte gracias a la formación en armonía recibida de su primera etapa. El Lorca músico que va desde Zorongo gitano, a En el café de Chinitas, Las morillas de Jaén;  Las tres hojas; Sevillanas del S. XVIII; Los cuatro muleros o Romance de los moros de Monleón. El poeta y pianista, grabó esas canciones con la bailaora y cantante Encarnación López Júlvez (La Argentinita), para el sello La Voz de su Amo (1931), una compilación repartida en cinco entregas, con el protagonismo de ella entre revoloteo de castañuelas, gracia y donosura, una idea aportada por Ignacio Sánchez Mejías. Sobre los poemas, Federico remarcaría la belleza lírica tradicional, trasmitida por oralmente, de generación en generación, registros sonoros que desde que se pusieron en venta, lograron un éxito considerable, añadiendo además las giras que La Argentinita, llevó a cabo por España y las Américas, una artista que no solo se dedicó al baile, sino que también recibió parabienes como cantante, en ocasiones como imitadora, coreógrafa, humorista trabajos de variedades. Se definió como una Carmen morena y de grandes ojos negros, amiga de artistas de la Generación del 27, con los que siempre se sintió hermanada; con Rafael Alberti, Gustavo Pittaluga; Manuel de Falla o Isaac Albéniz y Tomás Bretón. Los hermanos Quintero le dedicaron un poema: Como rumor que ya crece, ya se esfume, de clásicos palillos o vihuela, sale al tablao, que su planta anhela, preciosa encarnación de luz y espuma. Del arte popular esencia suma, terroncito de sal, flor de canela, muévese alegre, y gira, y salta y vuela, como en el aire delicada pluma. Gracia es su cuerpo, de sus pies ufano, que lo mecen con ritmo de peregrino….

J. María Gallardo del Rey, volviendo al guitarrista como compositor, un ramillete para completar programa, tal cual queda dicho. El Pequeño Vals Vienés (tema con variaciones), en un despliegue que se reparte entre un tema de presentación; Hemiolias; Sevillanas del Porvenir; Por Tangos de Graná; Contemplativa y New York Rag, un tránsito hacia el segundo grupo procedente de Diamantes de Aranjuez, con tres pieza de toque divino, Allegretto sempre rítmico; Adagio espressivo y Allegro Festivo. Selección de un muestrario de un artista que oficio como embajador de España, con una sólida formación clásica, un conocedor de las raíces flamencas, una sapiencia en el diálogo en confluencia que colaboró con orquestas para aprovechar los repertorios españoles, entre los que no faltan estos trabajos de compositor, un guitarrista que colabora con artistas como María Pagés, Víctor Ullate, Lola Greco…mientras lleva a registro sus compromisos con Deutsche Grammophon,Universal, BMG, Mandala, un maestro que continúa ofreciendo clases magistrales por los más prestigioso centro de formación

Ramón  García Balado

 

Raquel Areal y Karla Martínez Rabanal, en la XIX Edición de Música no Claustro de Tui

Catedral de Tui

Concierto en el Claustro Medieval da Catedral de Tui para el XIX Certamen de Música no Claustro, con la violinista Raquel Areal y la pianista Karla Martínez Rabanal- día 5, a las 21´00 h-, en una selección de obras que abarcan desde Lili Boulanger, Amy Beach o Gisela Hernández, a C.Debussy, S. Prokofiev, M.Ravel y A. Piazzolla. Raquel Areal, un talento encumbrado a las alturas, repite en el ciclo, violinista en la actualidad de la Berliner Philharmonik O. y cuya carrera tuvo sus orígenes en la Escola de Música de Tui.  Karla Martínez Rabanal (1988), es una pianista cubana nacida en La Habana, profesora en el Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, y que cuenta con un registro reciente titulado Cuba: piano contemporáneo  (Calle 440).

Lili Boulanger (1893/1918- Nocturne-, refleja el post -romanticismo y que gozó del ambiente parisino de Fauré, C. Debussy, Diaghilev e I. Stravinski aunque su vida fue corta, pudo disfrutar de un ambiente musical, compartido con su hermana Nadia, con una abuela que había destacando como cantante de ópera o su propia madre que llegada de Rusia, se incorporó a las clases de Ernst Boulanger. Ambas hermanas conservaron a lo largo de su vida una intensa relación afectiva, a sabiendas de que sus expectativas tendrían un futuro incierto. Ganó el Prix de Rome (1912)- con su obra Fausto et Hélène, una cantata que estrenará al año siguiente, primera ocasión en la que el prestigiado galardón se ofrecía a una mujer. De inmediato, vendrían obras como Clarières dans le ciel, obra que tendrá un especial significado ya que moriría en marzo de 1918, en medio de la Europa convulsa. Nos dejó 31 obras, además de otras que se perderían, añadidas a otra incompleta La Princesse Malein, tomando con texto una obra teatral de Maeteelinck. El conjunto de su legado es preferentemente vocal, con otros trabajos para orquesta, destacando igualmente la colección Tristesse, del simbolista Francis Jammes, sobre poemas florales de esperanza, ternura y alegría.

Amy Beach (1867/1944)- Romance Op. 23-, perteneciente a una ilustre familia, con una madre cantante y pianista, que supo ayudarla en su proyección artística, por la ventaja de que siendo niña, podía tocar piezas de memoria antes de profundizar con maestros de la Escuela de Ferenz Liszt, debutando en Boxton en una gala con orquesta. En esencia se aceptaba que si los hombres podían escribir obras con el intelecto, las  mujeres lo hacían con el sentimiento, del que quedaba testimonio en la pura creación compositiva, aprovechando las aportaciones de los grandes maestros, mientras comenzaba a componer para Schmidt, destacando obras instrumentales, corales o el Concierto para piano. Obras como Festival Jubilate Op. 17, encargo del Women´s Builing (World´s Columbian Exposition of Chicago (1893) o Song of Welcome Op. 42, para la Trans-Mississippi Ex (Omaha).Un estilo que muestra un acentuado primer romanticismo, con escalas modales y modos mixtos, usando la modulación de manera expresiva, llegando a ser muy popular en su tiempo por su Sinfonía Gaelic y su Concierto para piano Op. 45

Gisela Hernandez (1912/71)-Toque de clave (solo de piano)-, una vida que transcurre entre Cárdenas y La Habana, artista integrada en el Grupo Renovación Musical (1942/8), al que pertenecieron Haroldo Gramatges, Virginia Fliertes, Dolores Torres, Edgardo Martín o Esther Rodríguez, había estudiado en el Conservatorio Bach y en el de La Habana (1924), con Mª Muñoz Quevedo, ampliando con José Ardevol y Gustav Chandler, en el Peabody Inst. of Music, de Baltimor. Una vida intensa que la llevó a repartir su carrera entre la composición, la docencia y la colaboración con teatros en La Habana, El Pinar de Río o Matanzas, mientras dirigía al Coro Femenino Lyceum Lawn Tennis Club (1949). Fue autora de trabajos como los arreglos de las Danzas para piano, de Ignacio Cervantes; la Suite Coral; Tema y variaciones o Dos preludios,  obras en general con tendencias nacionalistas, incorporando sones y guajiras, en una carrera evolutiva, que se desarrollará en tres etapas diferencias.

Astor Piazzolla- Historia del tango: Café 1930-. Una suite en cuatro tiempos de los que la elegida-Café 1930, ocupa el segundo tiempo, obra en principio para flauta y guitarra, que estrenarán Marc Grauwels y Guy Lukowski, siendo esta pieza la que demanda una actitud más meditativa, en cuanto a la escucha, producto de esta obra, que reclama una atención precisa al tiempo que se asiste a su evolución, marcada por pronunciados accelarando y ralentando, con una concesión ad libitum, en la sección central, otorgada a los intérpretes, obra que admite perfectamente su adaptación a una conformación instrumental de otro rango. En principio, su instigadora había sido la guitarrista Laura Escalada, en 1980. Los tiempos de la obra se reparten entre Bordel/Café 1930/ Night Club y Concert d´aujour d´hui.

Claude Debussy- Sonata para violín y piano, en Sol m. L. 140-, tercera del grupo y en medio de una salud precaria, que le supondría considerables esfuerzos, conservando con voluntad una rica e imaginativa fantasía, obra que se estrenará con el joven violinista Gaston  Poulet y el autor al piano, en la Salle Gaveau, en mayo de 1917. Tres tiempos desde el Allegro vivo, de talante dolce espressivo propuesto por el violín, en Sol m. modal, para ceder a un detalle bitemático y un segundo tema con una idea apasionada, camino de una reprise casi obsesiva. El Intermedio (Caprichoso y ligero), maneja una ironía perfilada que podrá remitirnos a un ostinato rítmico, que evocará el imaginario ibérico tantas veces usado.  El Finale (Muy animado), que el autor compararía con un juego de ideas girando en un espacio de perpetuum mobile, de una ligereza volátil, preparando la entrada del violín poco a poco más animado.

Serguei Prokofiev (1891/1953)- Sonata nº 2, para violín y piano O. 94-, obra que ofrece opciones en versión para flauta y piano, período en el que se unió a Einsenstein para el rodaje de la escalofriante Iván el terrible. Una sonata que estrenarían en el Conservatorio de Moscú, en junio de 1944 David Oistrakh y Lev Oborin, tras la primera versión para flauta y piano, a cargo de Sviatoslav Richter y Charkovski. Sus tiempos, un Andantino convertido en moderato, hacia un fraseo cercano a la toccata que recibe un tratamiento distinto según los solistas elegidos. El Allegro, quedará como un scherzo juguetón e ingenioso  antes de la entrada del Andante, un estilo de romanza expresiva que solo se anima en el episodio central; el Allegro con brío, destaca por la puja de apuntes virtuosísticos cuidadosamente opuestos, con un Poco meno, cimbreante, expuesto por el piano y un  Allegro con brio, de conclusión.

Maurice Ravel (1875/1937)- Tzigane- obra de abril de 1924, y un entretenimiento parejo a la obra sobre la que trabajaba entonces, El niño y los sortilegios, curioso cuento escénico que magníficos resultados, que se convertirá en uno de las obras operísticas más apreciadas, cuya vigencia permanece intacta. Tzigane, con sus riesgos provocativos, es una dedicatoria a la violista húngara Jelly D´Aranyi, especie de rapsodia para violín y piano (o luthéal) y que fue estrenada por el violinista Samuel Dushkin  y por Beveridge Webster, en una primera audición precisamente con un instrumento efímero, el luthéal, que evocaba las sonoridades del cymbalum o del clavecín, salvando las consabidas distancias en cuanto a recursos sonoros.

Ramón García Balado

Música alrededor de España: Patrin García-Barredo en el LXVII Curso U.I. de Música en Compostela

 Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

Concierto de la pianista Patrin García- Barredo en el LXVII Curso U.I. de Música en Compostela, en la Sala Mozart del Auditorio de Galicia- día 4, a las 20´00 h-, con obras que van desde Granados a Isaac Albéniz. La pianista fue alumna de Manuel Carra, en el Real Conservatorio de Madrid, antes de ser becada por el Chase Manhattan Bank, la Philhamonia de Londres, el Leverhume Trust y el Ministerio de Cultura Español. Tuvo también como profesores a Josep Colom, en la Universidad de Alcalá de Henares, y a F.Soler D. Varsi- Musikhochschule Karlsruhe, recibiendo masters de P. Badura-Skoda, J. Achúcarro, V. Perlemuter, B. Canino, V.Margulis, D.Bashkirov, F. Rados y M.J. Pires. Obtuvo el Doctorado en la Universidad Alfonso X (El Sabio)- 2017- por su tesis La labor del intérprete previa a la realización de una obra musical. Fue invitada a los Cursos Música Activa  (Aragón); Forum Musicae (Madrid); Universidad de los Andes (Bogotá) y Sommerakademie (Mozarteum de Salzburgo)

Manuel Carra, profesor desde  sus comienzos, estará por las Siete canciones  de estilo popular, un pianista que se formó con J.Cubiles antes de trasladarse a París, en donde siguió los dictados de Lazare Levy, Olivier Messiaen- en análisis musical-, y posteriormente en Darmstadt y en la Ac. Chigiana, de Siena, en donde tuvo como preceptor a  Ruggiero Gerlin. Desde esos primeros años de formación, vendrán sus compromisos concertísticos por Europa y Latinoamérica. La etapa como asistente de Cubiles, creará los fundamentos de una importante carrera, en la que no faltarán labores docentes, aspecto del que guardamos memoria por músicos de nuestra tierra que asistieron a sus clases, cursos dedicados tanto a la técnica pianística como a los precisos aspectos de la interpretación. Fue profesor en cursos de verano de Saint Hubert, Manuel de Falla o Música en Compostela, proyectos de la Fundación Juan March y entre sus obras, destacan la Suite sobre antiguos temas españoles, para orquesta; Transformaciones sobre una estructura de Cristóbal Halffter (para dos pianos); Cuatro piezas breves (piano); Tres canciones sobre poesía popular japonesa; Dos canciones extremeñas; Seis canciones populares manchegas o El alba del Alheli (poemas de R.Alberti). Un cuidado refinamiento armónico enmarcado en una estética tradicional.

Cristóbal Halffter- El ser humano muere solamente cuando lo olvidan (L´être humain ne meure que quand l´oublie)-obra de la que hay un registro testimonial en manos de Alberto Rosado, al que no hace mucho tuvimos en un concierto en el CGAC, una sesión estremecedora con un detallado análisis de las piezas a repartir en varios bloques entre Gÿorgy Kurtág,  Gÿorgy Ligeti y Béla Bartók. La breve composición de Halffter, resulta una dedicatoria a la memoria de Arthur Rubinstein, pieza de 1987, para aquel mítico pianista que había estudiado con A. Rozycki, y que llego a trabajar con Paderecki, perfeccionándose con Heinrich Barth, Robert Kahn y Max Bruch. Fue Chopin una de sus especialidades de análisis e interpretación, y en su madurez recibió las consideraciones de I.Stravinski, quien le dedicó tres de las danzas de Petrushka, o el Piano Rag Music, detalle al que se añadirán la Sinfonía concertante de Symanowski; piezas de Heitor Villa-Lobos o G. Tailleferre y la Fantasía Bética de Manuel de Falla.

Enric Granados (1867/1916)- Valses poéticos-, auténtico testimonio poético al teclado, según propia confesión  del autor, con el resultado de encadenamiento de la serie de valses, cada uno de ellos con su personal acento- vals lento, vals apasionado, vals humorístico vals brillante, vals mariposa o vals ideal. Tempo de vals. La indicación bascula ligeramente a capricho de la intención del intérprete, la obra teatral Gaziel, se centraría musicalmente alrededor de los temas de vals que se repiten a lo largo de la obra. Walter Aaron Clark, realizó un preciso enfoque de la obra, que publicaría la editorial Boileau. A comienzos de 1890, había dedicado una recopilación de valses para piano a su futuro esposa Amparo Gal, titulada Cartas de amor (Valses íntimos); otra recopilación será la de los Valses sentimentales, siempre con la duda de la fecha de su composición. En todo caso, estos valses han seguido siendo populares hasta la actualidad. Los Valses poéticos (Páginas íntimas) fueron dedicados a Joaquim Malats y se resumen en los ocho números, con una introducción-curiosamente en compás binario-y una repetición del Primer vals, al final de la última pieza. Aunque su carácter poético es subjetivo, su título evidencia el gusto típicamente romántico de Granados por las metáforas literarias. Sin embargo, el carácter musical de las piezas, justifica sobradamente el título, pues estas obras son expresiones poéticas de género lírico que exploran todo el espectro de las emociones humanas.

Frederic Mompou- Suburbis-dentro del ámbito de las Impresiones íntimas y que manifiestan una cierta facilidad y por momentos una mayor audacia por su escritura impresionista que sugirió a Émile Vuilermoz a calificarle como el Debussy español, el Mompou, de Pesebres; Escenas de niños; Cantos mágicos, Dansa de la noia que salta a la corda a la vora del riu; Canço de les campanes o esta serie de Suburbis, además de Serres chaudes o la Canço de l´avia. Resumen Suburbis las piezas: El carrer, el guitarrista i el vell cavall; Gitanes I y II; La Cegueta y L´home de l´aristó. El maestro se observa a sí mismo mientras trabaja en silencio, en esta serie de sencillas pinceladas que fue trazando en fechas dispersas entre 1916/7.

Isaac Albéniz- dos piezas de la Suite Iberia: Evocación y El Puerto, ambas del Primer cuaderno, estrenadas en la Salle Pleyel, de París, el 9 de mayo de 1906, en manos de Blanche Selva. Evocación, sería una dedicatoria a Mme Jeanne Chausson, un a modo de preludio y una clara pretensión de lo que vendrá después. Una larga y apacible melodía de recreación nocturna que se expresa a través de refinado proceso armónico entre un sincopado e invariable tiempo de ¾, a lo largo de 153 compases  que con fortuna, trasmiten los aires de una lejana jota, vecina del fandango. La ambivalencia tonal  y modal, subraya las sutilezas de esa introducción, con un uso expansivo de las dinámicas. El Puerto, nos traslada al Puerto de Santa María de Cádiz, la ciudad de ambiente cosmopolita que la familia Albéniz usaría como punto de partida hacia La Habana, a finales de abril de 1875, una inspiración en un gracioso baile andaluz con asomos de bulería, polo o seguidilla

Ramón García Balado

El XIX Festival de Música no Claustro de Tui

 Claustro de la Catedral de Tui

Desde el día 1 al 7 del mes de agosto se convoca el XIX Festival de Música no Claustro, en una invitación abierta a la ciudadanía, con un serie de importantes actividades que comenzarán en el Claustro medieval da Catedral de Tui, con el protagonismo del artista de Cabo Verde, día 1 a las 21´00h, Mário Lúcio, músico y compositor con importante arraigo en las culturas con profundas raíces en las tradiciones de su tierra, siendo también autor de trabajos críticos como su ensayo Manifesto e Crioulización, además de haber ejercido como Ministro de Cultura de Caboverde entre los años 2011/6, autor de una serie de registros discográficos que dejan memoria de una carrera consolidada, un ejemplo de la asimilación de las culturas que promueve. Su publicación testimonial en forma de libro, será argumento para la charla con el periodista tudense José Font, al día siguiente. Otra sesión centrada en las formas clásicas, con obras de Robert Schumann y W. Amadeus Mozart, será materia a  tratar por el Jouska String Quartet- día 2, 21´00 h-, un grupo galardonado con el Café Bauhaus Award (2004), una sesión realizada en el marco de acuerdo con la Sociedad Estatal de Artistas. El flamenco será otra de las claves del certamen con la cantaora Gabriela Giménez, acompañada por el guitarrista Antón Giménez, una voz de pretensiones con amplitud de miras y a la que tendremos el día 3, antes de recibir al día siguiente a la flautista y compositora gallega María Toro, en un diálogo en el que el jazz dialoga con el flamenco y la música popular, en el mismo espacio y a la misma hora. Su ideario resulta una travesía que partiendo de su Galicia natal, transcurre por el camino de otras vivencias que impregnan la evolución de su estilo, que le permite participar con otros artistas como Toño San Miguel-contrabajo-; David Sancho- piano- y Andrés Litwin, batería.

Raquel Areal y Karla Martínez Rabanal, violín y piano, estarán el día 5, a las 21´00 h., para un programa que anuncia obras desde Lili Boulanger a Amy Beach o Gisela Hernández, a C.Debussy, A. Piazzolla, Ravel o S. Prokofiev. Raquel, hija dilecta de la villa de Tui, tuvo la fortuna  de vivir una carrera impresionante que la llevó en la actualidad hasta la Berliner Phillarmonie. Recodamos de ella una trayectoria profesional  de sólidos fundamentos que la llevó a participar en los ciclos de la Fundación  Juan March, junto a las violinistas Patricia Cordero y Raquel de Benito con la chelista Montserrat Egea e Izem Gürer (piano), para ofrecer el Cuarteto en Fa M., de Maurice Ravel y el Quinteto con piano, en La M. Op. 81, de Antonin Dvorak. Raquel,  en el programa Ecos de Breogán, debut discográfico de la oboísta Iria Folgado, oboísta de la Konzerthaus Orchestra de Berlin, colaboró con ella, su hermana  Sara Areal, el viola Héctor Cámara y en chelista Iago Domínguez, dejando como resultado un trabajo discográfico realizado en la Igrexa Santo Domingos de Tui, en 2023, un apoyo recibido por parte del INJUVE, resultado de la colaboración con el Festival de Música no Clautro. La pianista y compositora Clara  Peya, estará el día 6, una de las artistas catalanas con proyección internacional, y que publicó recientemente su trabajo Soliòquia, una experiencia íntima que experimenta sobre su posicionamiento artístico en el momento actual. El chelista  Mon-Puo- Tailandia-, estará el día 7, músico impregnado de las culturas de su tierra, por la herencia asimilada de una familia  con larga tradición y que abordará con una personal visión, las Suites para el instrumento de Johann Sebastian Bach o las Sonatas de Kodaly, repertorio habitual en las programaciones dedicadas a esos géneros camerísticos, en confluencia con las peculiaridades de su instrumento, dentro de su diversidad.

Música no Claustro acoge las actividades propuestas en el Claustro medieval da Catedral de Tui, actividades que reciben el apoyo de firmas comerciales, el Concello de Tui, Diputación de Pontevedra   y Xunta de  Galicia, a través de la Dirección  Xeral de  Cultura, Fundación Pública Artesanía de Galicia y Axencia Galega de Industria Forestal, y el Foro Profesional de Artesanía e Instrumentos Musicais. Resonancias, una de esas iniciativas, resulta un punto de encuentro de reflexión y difusión del tejido profesional artesano en la construcción de instrumentos musicales en diálogo con otras disciplinas parejas, en un entramado de pareceres y criterios, contando con una conferencia magistral de Cristina Bordas, un referente en el estudio de instrumentos musicales, del que saldrán la catalogación de los conservados en el Rexistro Xeral de Artesanía de Galicia, mereciendo especial mención Ana Fariña, en instrumentos de cuerda frotada; Guillermo Dacal, en instrumentos de viento, madera  y metal; Ricardo Ramos, quien presentará con el músico Pablo Hernández Mejías, un cuatro porteño construido con castaño de la tierra. También colabora el chelista Adrián M.Pereiro, en una jornada profesional en la que la principal novedad, será la participación de la Oficina Española de Marcas y Patentes (OEPM), entidad pública al servicio de la artesanía primordial del desarrollo comercial  de todos los proyectos empresariales y de creación, una muestra que responde a un ejercicio activo de reflexión sobre la identidad del arte, la artesanía y la autoría, merced a los resultados de una mesa redonda con Susana Cabo Buján-propietaria de la tienda Porta da Pia Artesanía; el artesano joyero José Castro- Noroeste Obradoiro- y el especialista en madera Aitor, contando con la mediación de Beatríz Fontán, gestora cultural y creadora de reconocidas marcas comerciales, además de la Gestora Cultural María Casado, coordinadora del programa MUSAE, de Conciertos en los  Museos del Ministerio de Cultura. Merece mención la charla con la violinista Raquel Areal, quien tratará sobre el tema destinado a la elección del instrumento con el que se prestigio a nivel internacional. El Plan de Digitalización y Modernización de Música no Claustro 2021/6, resume el proyecto impulsado gracias a la ayuda del INAEM,y otros entes, en un impulso que tiene reflejo en ámbitos como el videojuego, el podcast y otras formas de creación digital, dentro de ese espacio de divulgación y sus opciones de trasformación. Un programa, RESONANCIAS, dedicado a instrumentos musicales y artesanos, que se ofrece en 38 capítulos disponibles en Spotify y Amazón. Actividades como la recuperación de la Misa medieval de San Telmo; el disco Ecos de Breogán, de Iria Folgado, editado por el sello Poliédrica, entre un archivo que reúne más de 10.000 documentos que testimonian la historia de festival.

Ramón García Balado

La carroza del Real, concierto en familia, primicia del XII Festival Bay y Gay

 Praza Conde de Fontao, Foz

Concierto en familia en preparación de las actividades del XII Festival Bay y Gay, con esta invitación en A Praza Conde de Fontao, en Foz- día 31, a las 20´00 h-, en una sesión abierta entre música y narración, sustentada por obras de Wolfgang Amadeus Mozart, entre Le nozze di Figaro, Così fan tutte y el Don Giovanni, refrescante propuesta dirigida a todo tipo de públicos y en especial a los más jóvenes, a modo de estimulo de sorpresa. Como telón de fondo, la mítica compañía de teatro itinerante La Barraca, de  Federico García Lorca, siempre a tumbos por los pueblos de España con una intención divulgadora nacida en la Residencia de Estudiantes y fomentada por el Instituto Libre de Enseñanza, dentro de las máximas ambiciones en aquel país aparentemente condenado a un estado de abandono fatídico. En esta oportunidad, tendremos una iniciativa del Teatro Real,  para lo que supone una ventana abierta de este proyecto del que ya se tuvo noticia en el propio Coliseo madrileño, o ciudades como Valladolid, Ceuta, Málaga, Sevilla o Alcalá de Henares y otras veinte ciudades, en ese dictado de promover la cultura, un canto a salto de mata, como en sus tiempos gloriosos había realizado La Barraca, constatable en La Carroza Real, espectáculo concentrado en su dimensión y que encontraría argumentos en recitales líricos, con arias de óperas señeras, con dúos y pasajes instrumentales encuadrables en esta Mozart Revolution, en la que tienen cabida narraciones de guiños cómplices y docentes, trabajo reconocido con  Premios como el FITUR 2021, o el premio europeo Art Explora (2022), siempre con excelente recepción. 

Para Ian Gibson, biógrafo de García Lorca, en Vida, pasión y muerte de Federico García Lorca,  hay un capítulo en el que nos habla de La Barraca, en un momento primordial de su trayectoria: La mañana del dia 10 de julio, La Barraca salió de Madrid camino de Burgo de Osma. Integraban la caravana el camión Chevrolet, adquirido con una subvención del gobierno, en el cual iban el escenario portátil, los decorados, el atrezzo y demás parafernalia; dos coches celulares, proporcionados, chóferes incluidos, por el Cuerpo de Policía, que llevaban a los actores-estudiantes (se habían retirado los barrotes de las ventanas); y varios coches particulares.

Los vehículos se dirigieron hacia el norte por la carretera de Burgos, atravesaron la Guadarrama por el camino de Somosierra y, girando hacia la derecha, siguieron en dirección a Riaza para llegar a las cinco de la tarde a su destino, donde les esperaban las autoridades municipales. Tras un refrigerio, los estudiantes iniciaron el laborioso trabajo de levantar su tablado en la hermosa plaza siglo XVII, de la villa. Unas horas después, todo estaba listo para la inauguración de La Barraca. A las diez, con la plaza de bote en bote, Lorca salió al escenario para explicar los objetivos del Teatro Universitario y agradecer la presencia del nutrido público que iba a ver la primera representación del elenco. Luego el telón se levantó sobre La cueva de Salamanca, a la que sucedieron Los dos habladores, y La guarda cuidosa. La función gustó enormemente: los decorados, el chispeante humor de las obras, la manera de desenvolverse de los actores. Lorca no cabía en sí de gozo y habló entusiasmado con los periodistas que habían venido desde Madrid indicándoles el itinerario de los próximos días. Un día después, los estudiantes llegaron a San Lorenzo, donde el tiempo inicialmente inclemente impidió que pudiese actuar al aire libre. El 12 de julio, estaban en Vinuesa, pequeña población, rodeada de espesos pinares, que Antonio Machado había evocado en La tierra de Alvargonzález, aquí los barracos tuvieron que hacer frente a la hostilidad inicial de los lugareños, entre ellos, unos ricos indianos. Luz, diario madrileño republicano, explicaba a sus lectores: Imagínense un pueblecito castellano, arrebujado en torno de la iglesia, y en esto que entran dos autobuses y una camioneta y que de los autobuses bajan jóvenes de dieciocho a veinte años, vestidos de mono, despeinados…¡los comunistas ¡, gritaron al verlos. Recelo, hostilidad, silencio. En algunos comercios se negaban a venderles hasta vituallas para comer. Al fin, la sospecha se desvaneció. El 13 de julio, La Barraca llegó a Soria, donde se habían previsto dos representaciones en la plaza. Pero empeoró el tiempo y sin que tuviesen culpa de ello, los barracos, la dirección del Teatro  Principal, donde no tuvieron más remedio que actuar aquella noche, insistió en cobrar las entradas. Los enemigos derechistas de La Barraca, que no perdían ocasión de meterse con ella, se lanzaron ahora al ataque. ¿Con qué justificación cobraba su representación el Teatro Universitario, suvencionado por el gobierno, imposibilitando con ello al mismo tiempo que la gente humilde pudiera verla? ¡Era una vergüenza! Los estudiantes negaron con vehemencia haber recibido una sola  peseta del Teatro Principal y anunciaron que al  día siguiente se daría una representación gratuita de los tres entremeses de la plaza. Las obras, por inclemencias imprevistas, se darían en el ábside de la ruinosa iglesia románica de San Juan de Duero.

Distintos son los condicionantes de esta velada matinal, este proyecto del Teatro Real en su voluntad divulgadora, para una puesta escénica que podrá contar con protagonistas como Alejandra Acuña- La criada-; Agustín Gómez- el enamorado-; Gabriel Alonso- el galán-; Rosetta Briales- la enamorada-y Celia Cuéllar- la señora- asistidos por la Joven de la ORCAM. En lo musical, un despliegue de páginas a tono con el común de los buenos aficionados del salzburgués. La obertura de Le Nozze di Figaro; de la misma la romanza E Susanna non vien y el aria Dove sono (¿Dónde están?), del cuarto acto, en el Jardín del Palacio o la cavatina l´ho perduta, del mismo acto a las que podrá añadirse el aria  voi, che sapete, de Cherubino, en la habitación privada de la Condesa. La obertura de Il Don Giovanni, ossia il disolutto punito, astuto libreto de Lorenzo da Ponte, ópera que cederá Non ti fidar, un susurro del perverso galán; La ci darem la mano, dúo entre este personaje y la campesina Zerlina, para permitir dos páginas de Cossì fan tutte, ossia la scuola degli amanti, Done mie la fate a tanti, con Fiordiligi como motivo de disputa o Una donna a quindici anni, aria del segundo acto, un lamento de Despina, que no duda en mantenerse en su condición, entre las que con seguridad, nos acabaremos encontrando.

Ramón García Balado

Joyas del clasicismo, por el Cuarteto Lucent, en la Igrexa da Universidade, para el LXVII Curso U.I. de Música en Compostela

 Igrexa da Universidade, Santiago de Compostela

Concierto en la Igrexa da Universidade con el Cuarteto Lucent-día 1, a la 20´00 h-, con obras de Juan Crisóstomo Arriaga, Pablo Fragoso, Xavier Montsalvatge y Luigi Boccherini, formación que repite en el LXVII Curso U.I. de Música en Compostela, aunque se presente con dos de los miembros de la anterior cita. Les tendremos con los violinistas Takanori Okamoto y Tabea Heinz, el viola Pol Altamira y Cameron Walls, violonchelo, con ellos, y en colaboración, vuelve el guitarrista Riccardo Guella, añadiendo los apoyos de los  pianistas Juan Carlos Cornuelles y Lily Petrova. Un clásico habitual como es J. C. Arriaga (1806/26), compositor de corta carrera y al que se llegó a considerar como un futuro Mozart, si las desgracias no hubiesen trucado esas expectativas, músico precoz que llegó a componer un intento de  ópera siendo casi un niño antes de disfrutar de trasladarse a París, en donde tendría como profesor a Fetis, mientras estudiaba violín con Baillot. Fue autor de un Sinfonía en Re m., algunas piezas de música sacra y la colección de cuartetos que serán las obras que la posteridad mantendrá como referencia como es el caso del Cuarteto nº 1, en Re m., en sus cuatro tiempos: Allegro, Adagio con espressione; Menuetto y Allegro. Tres fueron los cuartetos que no han quedado que se conservan en el Primer Libro de Cuartetos, ofreciendo  en el Primero ese Allegro que se atiene a la preceptiva más canónica del clasicismo, manejándose con un tema con variaciones, para proseguir en el tiempo siguiente con el mismo patrón. La idea de sus minuettos muestra una actitud común en todos sus cuartetos, y el hecho de optar por el minuetto frente a un posible Scherzo, es un recurso de ese planteamiento en las ideas de un momento que se mantiene fiel al momento histórico, en una fase de transición. Podremos hallar ciertas referencias al maestro Haydn, verdadero impulsor del género camerístico o a Luigi Boccherini, en particular del primero, la importancia de la textura de trato en las cuatro partes instrumentales, con una simplicidad tanto en la elección de los temas como en la resolución de las líneas melódicas.  Segunda obra para este programa, será el estreno del Trío Clásico, de Pablo Fragoso, en el que participará Lily Petrova, obra de la que tendremos el Allegro, su primer movimiento

Xavier Montsalvatge (1912/2002), maestro que fue del curso y músico del que se ofrecieron obras en las veladas concertísticas en la Capilla del Hostal de los RR.CC., y obras para orquestas con nuestras orquestas, tendrá en agenda una composición recuperada con el tiempo, aunque sus orígenes nos lleven al año 1952, se trata de Recondita armonía. Cuarteto con piano, en sus tiempos Allegro con brio; Andante sostenuto; Allegro con brio y Moderato- presto. Recondita armonía- con la participación de  J.C. Cornuelles-, una obra en principio para cuarteto de cuerda, y que tuvo una reelaboración para quinteto que el autor había realizado  después y que llegaría a estrenarse en la Iglesia de San Pau del Camp, en Barcelona, el viernes 2 de junio de 1995, con el Cuarteto Montsalvatge, obra que publicará la firma Boileau. El compositor compañero de trayectoria  de Ernesto y Rodolfo Halffter, de Gustavo Pittaluga, Salvador Bacarisse, Manuel Infante o Fernando Remacha, confesaría en su Dietario negro, de 1934: Me parece que la  música ya es casi una especie de deporte para mí y, como ejercicio hago una sardana que recuerda mucho a Garreta y la instrumento. Empiezo un Quinteto para un premio de 5000 pesetas, convocado por la Generalitat de Catalunya, con un jurado en el que figuran Pau Casals,  Eduard Toldrá y Josep Barberá. He fracasado rotundamente y el premio acabaría siendo declarado desierto una verdadera desilusión. Buena referencia acabarán siendo el Tríptico indiano; Habanera y tango, Colombo triunfante, en años de tanteo que también traerán un compromiso con Galicia propuesto por la Deputación de Ourense merced a la figura de Antonio Fernández-Cid, y que será la obra Meus Irmáns. Hacia 1995, aprovechando precisamente el Cuarteto en ciernes, reutilizará la obra para conformar este Recondita armonía, título que evoca el aria conocida de la ópera Tosca, de Puccini, para violín, viola, chelo y piano. Esta vez, con Albert Nieto, Joaquim Alabau, Santiago Juan y Francesc Gaya, quienes repetirán en Madrid, en la Fundación Juan March, en la  serie Aula de reestrenos, con obras de Cruz de Castro, S. Brottons y J.Oliver. Fechas en las que Albert Nieto, con el Trío Gerhard- Víctor Parra y François Monciero- había completado un monográfico dedicado a Gerhard. Nieto en aquel año, le había propuesto una obra para Cuarteto con piano, para su propio grupo, y el resultado sería esta obra a pesar de verse casi desbordado por otros compromisos, lo que le estimuló a recuperar la obra casi olvidada.

Luigi Boccherini (1743/1805)- Quinteto nº 4, en Re M. G. 448,  en sus tiempos: Allegro maestoso; Pastorale; Grave assai y Fandango-, con la colaboración del guitarrista Riccardo Guella, compositor asimilado en la corte de Carlos III, con el Infante Don Luís, quien siempre veló por su protección en el Palacio de Las Arenas de Ávila. Yves Gérard, será quien realice la catalogación de sus obras a partir de 1969, trabajo pues claramente reciente, en el que  toman primacía los Cuartetos de cuerdas, una aproximación a F.Joseph Haydn, su maestro sin pretenderlo, con ejemplos como el G. 223, llamado La Tiranna Spagnola o el G. 204, en Do M., con su peculiar Allegro bizarro. Entramos en la serie de los Quinteto de cuerdas con dos chelos, genuinas obras maestra por su amplitud y cualidades estilísticas, género abordado inmediatamente después de los cuartetos y que relucen de forma especial. Imposible  quedarse a la carta de alguno en concreto, pero no deja de fascinarnos el Quinteto en Do M. G. 324, conocido como La Musica Notturna delle strade di Madrid, muy baqueado en los tratamientos más diversos, desde el cine a la publicidad y demás medios. Los años del período posterior a 1776, traerán el grupo de los importantes Quintetos para guitarra, dos violines, viola y violonchelo G. 445/53, serie de la que llegó a perderse uno de ellos, siendo en conjunto transcripciones de obras precedentes, desde el G. en Re m. G 445, al segundo en Mi G. 446, el siguiente en Si m- a partir del Quinteto con piano nº 2; el cuarto que tendremos- el llamado Quinteto del fandango o el quinto en Re G. 449, hasta llegar al noveno G. 453.

Ramón García Balado

Fotografía © Xaime Cortizo.