El barítono Javier Franco, en el Ciclo Os Nosos Intérpretes de Amigos de la Ópera de A Coruña

 Teatro Rosalía de Castro, A Coruña

Concierto de  LXXII Amigos de la Ópera de A Coruña en el Teatro Rosalía de Castro- día 15, a las 20 h., con el barítono Javier Franco, acompañado por el pianista-repertorista José Ramón Martín, en un programa a su medida en que, como de costumbre, elige escogidas páginas de ópera, zarzuela y canción. En los anales del certamen recordaremos galas como la ofrecida en el mismo teatro en la temporada 2016, en una velada en la serie Os nosos intérpretes, haciendo pareja con el compositor vigués Juan Durán, dejándonos uno de sus variadas opciones en la que piezas de Durán tendrían un particular protagonismo como La canción de Guiomar (A. Machado); fragmentos de la cantata Fisterra (Ferrán- Vello); Menos tu vientre, entre otras. Un festival que destacaría dos óperas: Falstaff e Il barbiere di Siviglia, o el espectáculo De Verdi a Broadway, culminando recitales de Leo Nucci y Celso Albelo. La relación con Juan Durán, tuvo precedentes en la ópera de cámara O Arame, sobre textos de Manuel Lourenzo, que tendría su edición en forma cd. Protagonistas fueron la soprano Carmen Durán, los  bailarines Caterina Varela, y Alexis Fernández con el Grupo Instrumental Siglo XX, integrado por miembros de la OSG.

Javier Franco se formó en la Escuela Superior de Canto de Madrid y en el Conservatori Superior de Música del Liceu, de Barcelona, participando como asistente a cursos de perfeccionamiento de ilustra maestros como Alfredo Kraus, Renatto Brusson, Carlos Chausson, Dolora Zajic, entre otros y que dejaron su impronta a lo largo de distintas temporadas en A Coruña, recibiendo importantes galardones como el Concurso Francesc Viñes; el Internacional Francisco Alonso, el Luís Mariano, de Irún, el Rocca delle Macie da Toscana, entre otros. Pronto inició su carrera en esa cuerda baritonal que desarrolla con una imprescindible actitud en el tratamiento de los roles dramáticos, secundados con una cuidada puesta en escena de los requeridos personajes que demandan las exigencias tanto de las óperas propiamente dichas, como esas zarzuelas en las que parece sentirse particularmente a gusto, podríamos hablar de La tabernera del puerto, de Pablo Sorozábal; Los gavilanes, de Jacinto Guerrero; recuperaciones como San Francisco de Siena, de Arrieta; El Caserío, de Jesús Guridi; Doña Francisquita, ofrecida en el Teatro de La Zarzuela, en el rol de Vidal; Don Gil de Alcalá, de Manuel Penella o en otras experiencias, el Stabat Mater, de Moreno Buendía, con la O. S. de la Región de Murcia, con María José Montiel y bajo la tutela de Manuel Hernández- Silva.

Coliseos que supieron de su valía, convendría citar junto a los teatros de nuestro país, el Sâo Carlos, de Lisboa; el Verdi, de Sassari; el Bijloke Concert Hall Gant (Bélgica); Communale di Bolonia; el Teatro Verdi (Salerno) o Bunkamura Orchard Hall (Tokio), atendiendo a directores como Enrique García Asensio, Renato Palumbo, Steven Mercurio, Roberto Tolomei, Reynald Giovaninetti, o los añorados Gómez Martínez y Jesús López Cobos.  Javier Franco, en esta dilatada trayectoria, brindó a los aficionados títulos de amplio espectro. Un ballo in maschera, de Verdi (Renato), en el Teatro Campoamor; Lucia di Lammermoor, de Donizetti (Enrico), en el Palau del Arts, de Valencia; Il Barbieri di Siviglia (Figaro), en el Teatro Sâo Carlos, de Lisboa; el papel de Rigoletto, en la ópera verdiana, o Don Giovanni, en la de Mozart. L´elisir d´amore (Belcore), que tendremos en este certamen los días 27 y 29, dirigido por Guillermo García Calvo; La fille du Regiment, de la que quedó constancia en el certamen de A Coruña; Maria di Rohan (Enrico), una producción para la Staats Oper Wien; otros títulos verdianos que cumplieron con las exigencias debidas como La Traviata (Germont), en la Ópera de Rouen y a mayores, Il trovoatore y Luisa Miller. En fechas más recientes, Aida (Amonasro), de Verdi, ofrecida en Córdoba, en la que también destacó una voz como la soprano Lucia Tavira, premiada en un Concurso de Canto en nuestra tierra, y para guardar como detalle,  Il secreto di Susanna, de Ermanno Wolf-Ferrari, un capricho escénico coqueto y atrevido en el que interpretó el papel de Don Gil, compartiendo escena con Raquel Lojendio (2018), en un programa con la ORTVE, completando con obras de repertorio como las Danzas sinfónicas Op. 45, de Sergei Rachmaninov. Obra que también programarán Amigos de la Ópera de Santiago, con Javier Franco, Clara Jelihovschi Panas (Condesa Susanna) y Cándido Pazó como actor y director escénico, con el Taller Atlántico Contemporáneo de Diego García Rodríguez.

La vena zarzuelistica de Javier Franco, puede depararnos todavía sorpresas con espectáculos en el límite entre el musical y la vanguardia por arriesgados tratamientos y para ejemplo un trabajo reciente de Jesús Torres, Tránsito, a partir de un relato de Max Aub, sobre la conciencia del exilio, presentado en la Sala Arrabal, de Las Navas del Español, y en el que Javier incorporó el papel amargo y derrotado de un exiliado Alfredo, obra en la que igualmente destacaron Isaac Galán o la soprano Carolina González, Anna Brull, Eduardo Vasco,Lorenzo Caprile, contando con la dirección de Jordi Francés. Dentro de las referencias más convencionales de género, podemos encontrarnos con Jugar con fuego (Marqués de Caravaca), para el Teatro de La Zarzuela; La del manojo de rosas (Joaquín), Pablo Sorozábal; El Caserio (Tío Santi), para el Teatro Campoamor; Pan y toros (Capitán Peñaranda), para el Teatro Municipal de Santiago (Chile);  Katiuska (Pedro), de nuevo Sorozábal, para el teatro Calderón (Valladolid); Luisa Fernanda, del que tomará distintos roles para programaciones de temporada o Marina (Roque), y como guinda, O Mariscal, de Eduardo Rodríguez Losada , compromiso con A Coruña.

En programa, napolitanas de Paolo Tosti: Malía y d´alba separa della luce ´ombria, para seguir con repertorio operístico con la canción-cavatina de Figaro, en Il Barbieri di Siviglia; el intermezzo de La Forza del destino o el estremecimiento de La vida è inferno all infelice, de Verdi y el  no menos temible O Carlo escolta, del Don Carlo, uno de esos Verdi de suma angustia; un nuevo intermezzo, esta vez procedente de Manon Lescaut, pucciniano y para mantener tensiones, Cortigiano vil razza, del Rigoletto del siempre apreciado Giuseppe Verdi, para encenderse con Nemico dalla patria, de Umberto Giordano.  Lieder de Richard Strauss con Allerseen (Toussants) del grupo Acht Gedischte aus Letze Blätter von Hermann von Gilm Op. 10 y el muy conocido Morgen, perteneciente a los Vier Letze Lieder  Op. 27. El tango renovado de Astor Piazzolla, con el Verano porteño y la pieza emblemática para el cantante, como es Guiomar, de Juan Durán; el embelesamiento latino de María Grever, con el bolerazo Júrame; la canción de estilo, El viejo castillo, de Eduardo López- Chávarri, de las Canciones-Fantasía; Pablo Sorozábal, con Calor de nido, de Katiuska; y de Soutullo y Vert, Ya mis horas felices, de La del Soto del Parral.

Ramón García Balado 

Concert Le Phénix: La défense de Le Blanc, en Espazos Sonoros

 Casa Museo de Rosalía, Padrón

Concierto en Espazos Sonoros desde la Casa da Matanza (Casa de Rosalía, en Padrón)- día 15, a las 19´00.-, con el protagonismo del Concert Le Phénix, que ofrecen su sesión a la recuperación de la figura Hubert Le Blanc, autor de un tratado titulado Défense de la basse de viole contre les entreprises du violon et les prétensions du violoncelle, reflejo de un momento histórico concreto de la música francesa en medio de la transición a los instrumentos de la familia de los instrumentos da braccio, como violín y chelo y la asunción de los llamados Concerts Spirituels. Ejemplo serán adaptaciones como la Sonata Op. 50, nº 6, de J.B. Boismortier; el Adagio de la Sonata Op. 13, nº 6, de Michel Corrette- originalmente para violín, chelo y bajo- o la Sonata Op. 20, nº 6, del mismo autor, escrita para chelo, viola da gamba y fagot, con bajo continuo, para tres voces.

Concert Le Phénix es un grupo especializado en obras de ese período, dirigido por Fernando Santiago, chelista que estudió en La Haya, con Lucia Swarts, D. Ferschtman y Aner Bylsma, y en Tokyo con Hidemi Suzuki, colaborando con artistas como Jacques Ogg, Chiara Banchini, B. Kuijken o Emma Kirby, a los que se añade las labores de investigación con el grupo Organistrum.  Le acompañan la gambista Calla Álvarez, con estudios en el Conservatorio M. Castillo (Sevilla), siguiendo la docencia de Ventura Rico, para seguir con Itziar Atutxa, Nima Ben David; Wieland Kuijken; Vittorio Ghielmi o J. Savall.  Participó en el espectáculo de Sánchez- Verdú, El gran viaja a Simorgh, mientras mantiene colaboraciones con la O. Barroca de Sevilla; J. C. de Mulder; Raquel Andueza, Hernández Pastor, siendo desde 2017 catedrática con Conservatorio de Castilla y León.  El chelista Roberto Alonso, tuvo como maestros a Anner Bylsma, Jaap ter Linden, Gaetano Nasilio, tras estudiar en el Conservatorio de La Haya, con Lucia Swart. Su consolidada experiencia  pudo confirmarse a partir de su aparición en el Festival de Gante Utrecht Oude Muziek, también en el Banccheto Musicale, de Vilnius o el Festival de Ambronay.

Joseph  Bodin Boismortier (1689/1755), ofrece la Trío Sonata, Op. 50, nº 6, en adaptación de Fernando Santiago, en  sus cuatro tiempos, un músico de considerable legado, manifiesto a través de la flexibilidad que permitía su tratamiento que veremos reflejado en esta composición, siempre atentos a las licencias que el autor concedía, desde las flautas de pico, a las mussettes, basson, oboe, violas de diversas formas. Igualando en su promiscuidad al divino Antonio Vivaldi, siendo no solo en publicar conciertos, para variadas formaciones, sino también el primero que otorgará concesiones a los solistas, como los Op. 26, para chelo. El repertorio camerístico tendrá en cuenta a los cuantiosos aficionados entusiastas de sus obras, por las libertades que permite ad libitum, obras que se complementarán con trabajos escénicos de los que queda escasa memoria, además de cantatas y obras sacras como Fugit nox, que se mantendrá en repertorio en el período navideño.

Jean Baptiste Masse (c. 1700/c. 1757). Aporta la Sonata a tre Op. 2, nº 1, igualmente en cuatro tiempos, de todos los compositores el menos conocido, con una biografía saturada de lagunas pero que para la posteridad, dejó más de 30 obras para viola da gamba, piezas que como en Boismortier, dejan gran libertad de enfoque al intérprete y que para el caso concreto, se admite que pudo ser escrita para dos chelos, fagotes, violas da gamba o violines. Para esta sesión,  se recurre a la familia de violas da braccio y violas da gamba, marcando la importancia de la imitación por terceras y sextas y fragmentos a  dúo que destacan en el estilo convencional del emparejamiento melodía/acompañamiento, típica en obras de composiciones a dos voces.

Giacobbe Basevi Cervetto (1680/1783), con el Trío Sonata Op. 1, nº 1, en tres tiempos, autor cuyas obras fueron editadas originalmente para tres chelos o dos violines y bajo. Su llegada a Inglaterra, en 1738, le convirtió en un compositor de reconocida aceptación junto a otros italianos que también lograrían hacerse respetar, cultivado estilos que se manejaban entre los estilos barrocos y clásicos, ratificado en el programa que se nos ofrece. Participó activamente en la promoción de géneros camerísticos y en  conciertos por suscripción en Hickford´s Room y en Great Room, en Dean Street, con otros italianos como Andrea Caporale o Salvatore Lanzetti, contribuyendo a popularizar el violonchelo, además de participar en iniciativas en el Teatro de Drury Lane.

Michel Corrette (1707/83), en un par de piezas: Les Délices de la solitude, Op. 20 nº 6, en adaptación de Fernando Santiago, en sus tres tiempos, la mejor representación de la música francesa de entonces y destacada por su importancia didáctica que recurrirá con habilidad a los recursos de las formas tradicionales por su sencillez y armonización, especialmente en las obras vocales y en las instrumentales. La segunda obra será la  Sonata Op. 13, nº 6. , la Sonata Op. 13, nº 6, en el Adagio con adaptación del director del grupo. Corrette fue destacado organista y arreglista tuvo abundantes opositores, repartiendo sus tentaciones entre obras d vaudeville, arietas; sonatinas y cantinelas. De su viaje a Inglaterra, quedarían las Contradances des contredances angloises, para dos flautas y otras obras escénicas dedicadas a la Opéra Comique: La Phénix (1738), Les Délices de la solitude (c.1739) o los Concertos Comiques.

Benedetto Marcello (1707/ 95), con la Sonate a tre, op. 2, nº 1 – en cuatro tiempos, obra en las lindes líricas del clasicismo sin abuso de los ornamentos y con absoluta preponderancia de la propia música. Su amistad con la aristócrata Isabella Ranier Lombría, tuvo reflejo en su nombramiento como cavalier servente, situación que le permitirá conocer a la insigne Faustina Bordoni, quien se casaría con Hasse, siendo una de las figuras sobresalientes del mundo escénico. De sus obras, merecen mención las Canzoni madrigalescchi ed Arie da camera a 2, 3 e 4 voci, a las que se añaden los Sonetti (1718). El Marcello que levantó ampollas, fue el de su tratado teórico Il teatro alla moda (1720), arrebato en clave de vendetta para poner en solfa lo usos y malos modos del mundo de las artes escénicas, con un agudo instinto crítico hacia el teatro de la época, un trabajo que todavía puede consultarse con absoluta delectación.

Ramón García Balado

Ópticas Contemporáneas no Gaiás, con el Ensemble Práctica y Abraham Cupeiro

 Cidade da Cultura, Santiago de Compostela

Primero de los tres conciertos propuestos por la Consellería de Cultura, Lingua e Xuventude bajo el título Ópticas Contemporáneas no Gaiás-día 15 de septiembre a las 19´00 h-, en este entrega que tendrá como protagonistas al Ensemble Práctica- formación nacida por iniciativa del compositor Fernando Buide destinada a repertorios versátiles en el ámbito contemporáneo y que adapta s plantilla según los programas a realizar- y al multi instrumentista Abraham Cupeiro, ofreciendo obras de Leonardo Balada, Karheinz Stockhausen, el vasco Joseba Torre y Fernando Buíde, con una composición que estrenará Cupeiro, La constelación de Sagitario.  Siempre nos sorprende el instrumentista por sus oficios de investigador sobre su labor recuperadora  que plasma en sus registros discográficos como Pangea, un trabajo realizado con la Royal Philharmonic Orchestra, que nos trasladaría desde Norteamérica a Sudamérica, África, Armenia o Países eslavos. Sus estudios de indagación le llevarían desde el RCSMM-trompeta-, o la Universidad Autónoma de Barcelona. Colaborador de proyectos, compartió aventuras con la Orquesta Gaos, dejando como memoria su proyecto  Mythos, en otra de esas muestras de sonidos sorprendentes procedentes de instrumentos como el karnyx, la corna y un amplio espectro para mayor impacto. Para modelo, la sesión ofrecida en A Praza da Quintana, con la RFG, dirigida por Dimas Ruiz, en una tarde estival que incluía piezas suyas como Oceanía (arr. de A. Saavedra); dos Tocatas de cornas, un mano a mano con C. Vázquez; Armenia (arr. de A. Saavedra); Costa Atlántica; Sereas; África y Baleas, firmada con C. Vázquez. Completando programa: Bartók-piezas rumanas-; Piazzolla, con otras dos- Oblivion y Calle 42-, una panorámica aproximada.

Fernando Buide- La consagración de Sagitario, en colaboración con  la Quincena Musical Donostiarra- , autor de obras como Paisaxe Suspendida; la ópera A Amnesia de Clío, en colaboración con el Orfeón Terra a Nosa, de Miro Moreira y la dirección escénica de Marta Pazos, contó con la dirección de Paul Daniel, teniendo como solistas a Raquel Lojendio, Sebastià Peris y Marina Pardo, sobre un libreto de Fernando Epelde. En esa línea, A sombra de cristal, con dramaturgia de Quico Cadaval, contando con las voces de María Hinojosa, César San Martín y el actor Víctor Mosquera. Tropos es otra obra digna de mención de este compositor, a la que podremos añadir Mar ao norde, sobre la poética de Álvaro Cunqueiro, escrita para seis instrumentistas cuyas notas parecen prolongar las melodías y los gestos de los chelos. Su presencia en las convocatorias de Músicas contemporáneas, son una de las dimensiones que destacan en singular medida. Alumno que fue de Leonardo Balada, antes de ampliar en Estados Unidos en la Carnegie Mellon University de Pittsburgh, en donde su maestro había ejercido la docencia, completando posteriormente en Yale. Maestros suyos fueron también Leonardo Diéguez y Ezra Laderman

Invitado especial es Joseba Torre Alonso, especializado en composición orquestal y en recursos electroacústicos, realizó un master en el IRCAM parisino; en la Universidad París VIII; en la Carnegie Mellon University (Pittsburgh); en la Pública de Navarra, recibiendo encargos en certámenes punteros como el histórico Festival de Alicante, los de Perelada, Bilbao, Internacional de Torroella de Montgrí; el Grec (Barcelona); el Curso de Verano de Darmstadt; Internacional de Santander; Festival de Weimar; el XXII de Turín; Jornadas d e Música do Porto; el Centro Pumpidou; el CDMC (Centro para la Difusión de la Música Contemporánea) o el CNDM (Centro Nacional de Difusión Musical).  Colaboró en temporadas de la O. S. de Bilbao, O.S. de Euzkadi, Fundación Gulbenkian, recibiendo Premios el Concurso Sorozábal, INAEM, Nadia Boulanger, SGAE, impulsando iniciativas como el Departamento Orquestal Musikene y fundador el Ciclo Cartografías del Museo (Navarra). Recibió becas de la Comisión Fullbright, Ministerio de Educación y Ciencia, Fundación  BBK, Fundación Autor y es Catedrático de Composición del Conservatorio Superior de Música de Navarra.

 Del maestro Leonardo Balada tendremos  Cuatris (1970), obra de un período que dejó trabajos como la Steel Symphony y la Sinfonía en negro- homenaje a Luther King-, o la cantata María Sabina, para narradores, coro y orquesta, sobre textos  de Camilo José Cela, estrenada en el Carnegie Hall (Nueva York). Estábamos a las puertas de un  importante giro creativo en el que no duda la recuperación de antiguos patrones y la asimilación de influencias americanas, en lo relativo a lo sonoro, que se reflejará en su escritura, trayéndonos como resultado obras como Homenaje a Casals o el Homenaje a Sarasate, que serán estrenadas por la O. Sinfónica de Pittsburgh  (1975) o Three Anecdotes (Concierto para castañuelas y orquesta, 1977). Desde aquellas primeras obras c citadas, manifestaba un mayor interés por los trabajos orquestales frente a los preferentemente camerísticos.

Karl Heinz Stockhausen (1928/2007)- Fragmentos de Horóscopo-, músico cuya carrera sería un viaje de no retorno, en donde la menor referencia al pasado (un pasado que no puede ser simplemente una obra fechada un año antes) es  cortada de raíz. Tras cada nueva composición no sirve volver atrás, constituyendo cada nueva obra una aventura en sí misma. De igual manera que los materiales relación alguna entre una obra y otra, la carrea de Stockhausen da la sensación de que obedece a un continuo reto, el de ofrecer una estructura sonora que no solo no se parezca a las demás composiciones, sino que tampoco a ninguna otra del músico. La aspiración suya, a una conciencia universal, se había manifestado por vez primera en Hymnen (1967), a la que se calificaría como colosal aunque irregular y mucho más concentrada, resultaría Stimmung, por su discurso sonoro, basado en un solo acorde inicial que no volverá a escucharse en el resto de la obra.

Ramón García Balado

 

La Moresca: Historias de amor y fortuna, en Espazos Sonoros

 Casino de Ferrol

Concierto de Espazos Sonoros que nos invita al Casino Ferrolán (Ferrol), para asistir a una sesión de La Moresca-sábado día 14, a las19´00 h-, integrado por Paloma Friedhoff- canto-; Uxía Delgado- guitarra barroca, tiorba y guitarra romántica- y Pablo Ruibal, intérprete de viola da gamba, dessus de viole y guitarra barroca en La, en un variado programa sujeto a las urgencias y padecimientos de asuntos amorosos.  La Moresca nació como grupo tras la ampliación de Galante Corde y su temática se centra en repertorios desde mitades del XVII a principios del XIX, presentando ciclos que van desde el Mosteiro dos Jeronimos (Lisboa) a las  Noches de Música Antiga (Pontevedra), entre otros lugares. Paloma Friedhoff, estudió en la Hochschule für Musik und Theatre (Munich), realizando una especialidad de master en Indiana. Cantó en la recuperación de la ópera La Nitteti, de Niccolo Conforto, con la agrupación Nereydas, de J. Ulises Illán y desde 2019, es solista de la Film Symphony O., con trabajos dedicados a compositores como J. Williams, Hans Zimmer o Ennio Morricone

Uxía Delgado estudió guitarra con Gabriel Estarellas, en el RCSMM y en el ámbito de instrumentos renacentistas con Paul O´Dette, J. C. Mulder, P. Zapico, Eugéne Ferré, Mónica Pustilinck, Richard Levitt o Hopkinson Smith, colaborando con grupos especializados como la Capella Renacentista; Ensemble Thesaurus, Il Parnasso Musicale, Ars Combinatoria, Vox Stellae o L´Unisonoi. Pablo Ruibal, musicólogo especializado en guitarra, asistió a masters de Jordi Savall, Ruperto Gini, Pedro Sousa Silva a alguno de los citados con su compañera Uxía Delgado. Intensa en su colaboración con agrupaciones de nuestro entorno desde el Taller del Orfeón Terra a Nosa, Capela Compostelana, Grupo 1500, La Xácara o In nomine Consort.

Un programa que nos descubrirá compositores como Giovanni Paolo Foscarini (c.1600/47), con la Pavaniglia con diversi parte (II quattro libri della chitarra spangola) Roma (1640), músico napolitano ejemplo de la transición de dos estilos interpretativos de los instrumentos de cuerda en cuanto a notación e interpretación, en la transición de la vihuela al laúd,  autor de varios trabajos de investigación como el modélico como Per sonare il balleti sopra la chitarra spagnola. Personaje similar será Andrea Falconieri (1586/1656), del que se ofrece La soave melodía (Il primo libro di canzone) editado en Nápoles en 1680.  Período en el que el intercambio cultural dejaría excelentes frutos que tendrá momentos álgidos con D. Scarlatti o Boccherini, entre otros. No faltarán anónimos que valgan su interés como puente y entre ellos: No hay que decirle el primor (jácara), perteneciente al libro de tonos humanos M. 1262 (Biblioteca Nacional de España, Madrid, 1655/6).

La importancia de dichos tonos humanos nos acerca a Juan Hidalgo, con dos detalles: Trompicábalas Amor (Mn. 3888. Biblioteca Nacional de España) y Esperar, sentir, morir- solo humano-, sobre texto de Melchor Fdez de León (Mn. M. 738/15. Biblioteca de Catalunya. S. XVII). Juan Hidalgo (c.1612/85), ejerció en la Capilla Real de Madrid y su relación con Calderón de la Barca, dejará excelente frutos: La púrpura de la rosa, primera ópera española y obra perdida; Celos, aún del aire, matan- zarzuela barroca recuperada con fortuna por cualificados especialistas; Autos de fe, sacramentales, o Los celos hacen estrellas, con libreto de Vélez de Guevara. Nos quedamos al reclamo de estos tonos humanos, que suelen divulgarse con solo humanos o géneros de romances- Ligera nave que al puerto, de Francisco Escalada- y otras que proliferaron en la corte. Una renovada forma de canción que había calado en compositores como Carlos Patiño o Juan Arañés. Cambios de estilos y formas, se observarán coincidiendo con el cambio de siglo.  Ferrán Sors (1778/1839), en un salto cualitativo con el Dúo nº 1 (Andante) Trois duos per deux guitares Op. 55 (París, 1814), ya en el Romanticismo temprano que hará buenas migas con Federico Moretti (1789/1838), italiano asimilado- La libertad (12 canciones con acompañamiento de guitarra, en  dedicatoria al conde de Fife), editadas en Londres, en 1812. José Marín, compositor de vida compleja y poco respetable, vendrá por: Ojos pues, me desdeñais (Cancionero poético- musical de Cambridge Mu-Mns 72. Fitzwilliam Museum. Pieza musical que lograría una aceptación popular en su tiempo.

La corte inglesa de Carlos II, será terreno abonado para obras que se dedican preferentemente a inspiración mitológica, entre elfos, hadas y otros personajes imaginarios, buen momento para acercarse a Henry Purcell, con dos de sus piezas. If music be the food of love (sobre texto teatral de Henry Havenigham (Z.379. 1692) y Fairest isle, de King Arthur, en el quinto acto y texto de John Dryden. El arte escénico y Purcell, mientras componía su célebre oda Welcome. Welcome, welcome, glorius morn. Dryden había escrito el libreto en 1684, mientras trabajaba en Albion and Albanius, que tuvo que aplazarse por la muerte del  rey Carlos. King Arthur tuvo su primera representación en el Teatro Dorsey Garden, en mayo o junio de 1691. En la actualidad no se conserva ninguna versión completa de la obra, por lo que las ediciones modernas se han visto obligadas a reconstruirla a partir de unas sesenta fuentes diferentes.

Más repertorio inglés  con una selección de obras de Turlogh O´Carolan (1670/1738): A Collection of the most celebrated Irish tunes- John & William O´Neal ed. Dublin, 1724). O´Carolan arpista mítico y medio en la elaboración de melodías de darán identidad a las raíces irlandesas, conservándose su legado en documentos que la posteridad sabrá apreciar. Piezas suyas serán incorporadas por músicos de su tiempo como Vivaldi, A. Corelli o Geminiani y en las recopilaciones de músicas irlandesas como la primera editada por John and William Neale. Anónimos escoceses completan la sesión: And ye shall walk in shilk attire; Highland man; Ye Banks and braes (Scottish melodies. Arr. For voices with spanish guitar. Matthias von Holst, Londres, 1825. Un compositor, arreglista y recopilador que remite a herencias bucólicas, por parte de quien fue bisabuelo del prestigiado Gustav Holst.

Ramón García Balado