Guillaume Connesson: A Kind of Trane, con el saxofonista Tim McAllister y la OSG

 Palacio de la Ópera, A Coruña

 

Programa de notable interés con la OSG en el  Palacio de la Ópera de A Coruña-días 20 y 21 , a las 20´00 h-, con una obra en estreno en nuestro país, A Kind of Trane, concierto para saxofón y orquesta de Guillaume Conneson, un homenaje al maestro de Jazz John Coltrane, que tendrá como solista a Tim MacAllister, bajo la dirección de Stéphane Dèneve, con la OSG, ampliando completando programa con la obertura de Candide (Leonard Bernstein), la suite de Les Biches, de Francis Poulenc y Un Americano en París, de G. Gershwin.  Tim McAllister,  estudió en el Centro interlochen, con John Samper, para continuar con Donald Sinten y Robert Reynolds, en composición. Fue codirector del  New Musik Course (Suiza), entre 2012/4, y estrenó obras de Gunther Schuller, Gregory Wanamaker, Rosanne Etezade, Martin Browick y William Bolkom, de quien grabó su Concierto para saxo alto y orquesta, merecedor de un Grammy.  Stèphane Déneve, estudió en el Conservatorio Paras, del que se convertirá en docente, llegando a dirigir s propia orquesta, tras recibir asesoramiento de Arthur Oldham. Su especialidad se centrará en repertorios operísticos, abordando títulos como El castillo de Barbazul (Béla Bartók), Diálogo de Carmelistas (Poulenc), Turandot ( Puccini), tras recibir la confianza de Seiji Ozawa. Fue colaborador de orquestas como las Sinfónicas de Radio Stuttgart, Chicago, Saint Louis,  y la Royal National Scottish.

Leonard Bernstein con la obertura de Candide, maestro que llegó a ser el primer americano que dirigió en el Teatro alla Scala (Milán), tras convertirse en uno de los más populares, comenzando su debut con la O.F. de Nueva York (1943), sustituyendo a Bruno Walter. El Bernstein que se convertirá en uno de los grandes con trabajos como Candide (1956), On the Town, Wonderful Town o West Side Story, destacando las adaptaciones al cine de un par de ellos. Para  N. Lebrechet, era un producto de la era Manhattan, en la que sobresalieron escritores como Norman Mailer o Gore Vidal o la pintura de Mark Rotko y el teatro de Tennesse Williams. En su ámbito musical, personajes como Aaron Copland y Samuel Barber. Para Yehudi Menuhin, el músico se identificaba plenamente con Nueva York: Lenny era la encarnación, la cristalización, de gran parte de la vida neoyorquina, no sólo por la expresión  judía, sino por las diversas cualidades de la propia ciudad. Después  de todo, había escrito su canción New York, New York, is a wonderful Town. Fueron sus músicos quienes le conocieron como Lenny, el humilde ayudante que había hecho fortuna y que habría de dirigirlos por consenso y convicción, más que por la fuerza. Su cándida informalidad escandalizaba a los tradicionales asistentes, que preferían revestir de misterio a sus maestros. Odiaban sus enormes saltos en el podio y sus comentarios preliminares a los conciertos.    

Guillaume Conneson- A Kind of Trane, concierto para saxofón-, músico con estudios en el Conservatoire National de Boulogne- Billancourt, en el aula de Marcel Landowski, y en el National de París, con Dominique Rouits (orquesta), ampliando con Alain Louvier, aceptando desde entonces las influencias que abarcarían desde los Couperin, a Richard Wagner, R. Strauss, Claude Debussy, M.Ravel, I. Stravinski, Olivier Messiaen, H. Dutilleux- perceptible en Métaboles-, o John Williams. Entre 2001/3, asumió la titularidad de la O.National des Pays de la Loire, para la que entregó la  sinfonía vocal Liturgies de l´ombre y el poema sinfónico L´appel au feu. Es director asociado de la Royal Scottish N.O., al tiempo que sus obras reciben trato de preferencia de grandes orquestas americanas Fue compositor en residencia de la Orchestre de Pau (Pays de Béarn).  Mención merece su labor como maestro de orquestación en el Conservatoire National de Aubervilliers. En el espacio de obras concertantes, destacan: Yu Yan (para erhu y orquesta); Constelaciones; El resplandor; Les Horizons Perdues; Les belles heures; Trilogie cosmique; Feux d´artifice; Enluminuras; Scés Nocturnes; el ballet Lucifer; Maslenitsa o Flammenschrift .

A Kind of Trane (Concierto para saxofón y orquesta), es obra en tres tiempos en dedicatoria a John Coltrane (Trane), obra reciente y que tuvo registro discográfico con el dúo Akmi: Valentine Richard y Akvilé Sileikaite. Tres tiempos a la memoria de Trane: There is no other; Ballade y Coltrane in the Dancefloor.  Wiiliam John Coltrane (Trane) (1926/66), llegaría a sus años dorados que comenzaría a partir de 1949, en la banda de Dizzy Gillespie, preparando su mejor momento junto a Miles Davis, en un histórico quinteto, en el que también aparecían Red Garland, Paul Chambers y Philly Joe Jons, el be-bop en plenitud, un paso de eclosión hacia el free-jazz, en el que compartirá experiencias con Eric Dolphy y Alice McLeod, Pharoa Sanders o Rashied Ali. Convulsa fue su vida en aquella década de los sesenta, que dio argumentos a todo tipo de biopics a aproximaciones quizás dudosas a su vida, pero el mito quedará definitivamente consolidado y obras como la presente, no son más que una confirmación de la realidad.

Francis Poulenc- Les Biches-, en la Suite orquestal, obra del tiempo del Concierto campestre y Aubade, un encargo de Sergei Diaghilev que se presentaría como una Sylfide moderna y que compuso en los años de juventud, inspirándose en la pintura de Watteau, con elementos tomados de Pulcinella (Stravinski), cuyo estrenó debió esperar hasta 1924, en Montecarlo, recibiendo una puesta dos años después, en París. En competencia, Poulenc tuvo que resistir Les Facheux, de George Auric. Una partitura cargada de detalles originales, en la que observamos guiños hacia Mozart, Pergolesi o el citado Stravinski, mezclando los elementos más diversos. De la obra, tiempos como el Rondeau; el  Adagietto, la Rag-Mazurka- con influencia de Chopin-, el Andantino gracioso y el Finale, de vivacidad rítmica. Tiempos en los que se permite todo tipo de licencias transgresoras para sorprender al oyente.

 Un americano en París- George Gershwin-, poema sinfónico para orquesta  estrenado por la New York Philharmonic Orchester dirigida por Walter Damrosch, en el Carnegie Hall (13 de diciembre de 1928), una vez más la crítica levantaría opiniones encontradas. Para Samuel Chotzinoff, la mejor pieza de música contemporánea surgida desde el Concierto en Fa, del propio compositor. W. J. Henderson lo caracterizó como una nítida humoresca que apela libremente al humor y el desenfado. Su espíritu juguetón se halla complementado con el sugestivo candor latente en algunos  de sus pasajes, en especial, el de la primera caminata, la cual está representada con toda propiedad. La partitura refleja gran astucia, aunque el estilo general es algo tosco-opiniones que no faltan-, contrastando con Lawrence Gilman, que hasta entonces no se  había mostrado demasiado favorable a Gershwin, aceptando que Un americano en París, tenía el sabor de un universo nuevo y apremiante, atractivo, apasionado, impredecible.

Ramón García Balado    

La Camerata de la Escuela Superior Reina Sofía, en la Catedral de Santiago

 Catedral de Santiago de Compostela

Concierto en la Catedral de Santiago con entrada libre, hasta completar aforo- viernes, día 20, a las 20´45 h.-, con la Camerata de la Escuela Superior Reina Sofía, dirigida por Giovanni Guzzo, para un programa que destacará obras de J.S. Bach, C. Willibald Gluck y W.A. Mozart y que se anuncian como solistas las sopranos Carla de Pulgar y Marlin González Zúñiga, y el trompetista  Marco Ferrando. Concierto englobado en la gira que les lleva a distintas capitales desde la Mezquita- Catedral de Córdoba a la Plaza del Ayuntamiento de Toledo, la Catedral Vieja, de Salamanca, la Casa las Flores o el   Palacio Real de la Granja de San Ildefonso.  Para comenzar,  G. W. Gluck, con la danza degli spiritu beati, pieza instrumental modelo del estilo del compositor y reformador de la ópera y que nos traslada a los Campos Elíseos, en el que danzan los espíritus, mientras Euridice canta el elogio del lugar con su aria Quest´a silo ameno, a la espera de la llegada inmediata de Orfeo. Pasaje instrumental cálido, en el que cobran protagonismo los adornos de la flauta Gluck, en esta ópera, manifestará las pretensiones requeridas en cuanto a su innovación estilística, reduciendo los aspectos musicales a su genuina función, secundando la importancia de la poesía en lo relativo a la expresión de los sentimientos y de las fábulas sobre las que se inspira. En Orfeo ed Euridice, por los personajes que son: Orfeo, Euridice, Amor y los complementarios de acompañamiento: furias, demonios, pastores o espíritus benditos, que resumirán la ópera en tres tiempos, a partir de un libreto de R. de Calzabigi, y que conocerá una segunda versión en francés, en agosto de 1774. Una primera versión, que resultaría precedente a la reforma que caracterizará su impronta. Detalles como el ballet sin coro, las unidades dramáticas que resumen un auténtico continuum o la arieta de Orfeo y las réplicas de las furias, que crean un todo indivisible.

Johann Sebastian Bach, por la Cantata Jauchzett Gott in allen Landen! BWV 51, en concreto por el aria Jauchzett Gott in allen Landen, obra con destino al Decimoquinto domingo después de Trinidad et in ogni tempo y compuesta  posiblemente en 1730, para soprano, trompeta, cuerdas y b.c., sobre texto de autor anónimo. Desde los primeros intentos biográficos, se nos trasmite el dato de que el autor ordenó gran parte de sus cantatas en ciclo de cinco, cada de los cuales cubría todas las fiestas solemnizables con música durante un año litúrgico. Aunque algunas han sido compuestas anteriormente, es en Leipzig donde emprende esta organización cíclica, revisando unas y componiendo otras. El tercero de los ciclos de cantatas, los sitúan los especialistas entre 1725/7. El año 1726, el domingo  15, de la Trinidad, coincidió con el 29 de septiembre, por ser fiesta más solemne, la de San Miguel, se imponía y dejaba vacante el texto de que disponía para dicho domingo. Es en 1730, probablemente, y un ningún caso antes, cuando vuelve Bach sobre este texto y lo pone en música en dicho domingo, que en dicho año cayó en el 17 de septiembre. Es la más tardía, tras la BWV 138 y BWV 99, de las conservadas para este domingo.

Presenta una disposición singular entre las obras de Bach. Su protagonista único es la voz de soprano y no hace oír el coral final a cargo del coro. La tesitura de soprano, al que hace alcanzar en el Allelujah, el Do sobreagudo, además de otros virtuosismos, ha introducido a pensar que  su destinatario era una mujer; pero la intervención de cantantes femeninas, estaba estrictamente prohibida en las iglesias luteranas. Solamente de forma excepcional se había introducido su actuación en algunas iglesias (Hamburgo, por ejemplo), pero nunca sería esto posible en la tradición de Leipzig. También la trompeta  tiene un papel muy personal y virtuosistico. Posiblemente estaba pensado para Gottfried Reiche, el intérprete que menciona Bach en su escrito al Consistorio de la ciudad de 23 de agosto, de 1730, y por entonces, todavía activo, a pesar de contar con sesenta y siete años (fallecería cuatro años más tarde). De él se conserva un retrato con su trompeta natural, de tubo enrollado a modo de trompa. El hijo mayor de Bach, añadió otra parte de trompeta y timbal, a fin de potenciar la brillantez.

W. A. Mozart acaparará el resto del programa. El motete Exultate, Jubilate, en Fa M. K. 165 , obra juvenil y compuesta en Milán, durante la creación de la ópera Lucio Silla, K. 135, en su camino a esa visita italiana- tercer viaje-, momentos de reposo y durante las pausas de los ensayos teatrales, en los que compone esta delicia para lucimiento de soprano, aunque primigeniamente estaba destinado al castrato Venanzio Rauzzini, considerado por Leopold Mozart como un virtuoso de voz angelical, en parte el compositor sabría traicionar en lo estético las exigencias rigurosas del Padre Martini entregándose a esas concesiones de gran imaginación que pesaría sobre los condicionantes de género propiamente sacro, necesitando para el Exultate un castrato de seguras exigencias. Una página que cumple con las pretendidas ambiciones de un regalo exquisito y agradecido, en lo que serán ejemplo tantas de sus piezas de un compositor que apuntaba formas, aunque sólo tuviese 17 años. Actualmente, y como sabemos, se ha convertido en capricho de sopranos con ansias de cumplir por su brillantez con los más entusiastas aficionados. En carta dirigida a su hermana, el 16 de enero de 1773, confesaría que era una atención para il Primo uomo de la ópera en curso, mientras perfilaba este motete Exultate, Jubilate K. 165, obra que consta de dos arias, con recitativo central y un deslumbrante Allelujah final, célebre por su luminosidad.

La Sinfonía en Sol m. K. 550, compuesta cuando tenía 32 años, es obra cumbre en el capítulo de su sinfonismo, al lado de la K. 543 y la K. 551, que entre ellas mantienen un criterio unitario y una tensión espiritual, siendo esta obra la que ofrece una perspectiva de espíritu de lucha, de conciencia creativa y de clara expresividad, ya desde el primer tiempo en típica forma de sonata, según un patrón caracterizado por una melodía amplia y cantábile de un primer tema presto, elaborado gracias a un juego de contrastes dramáticos plenos de visible inquietud y tensión, para llevarnos a un Andante, con reluctante ritmo de siciliana; un minué, rudo y severo, a la que da colorido el trío en Sol M., y un Final acorde y denso, que completa el planteamiento de esta sinfonía. Obra que calará entre los aficionados conservando como bien sabemos, su permanente vigencia. Quizás la expresión más obvia de un profundo fatalismo y no sólo de un claro impulso interior.

Ramón García Balado

Haendel y Vivaldi: ¡Cantamos!, en proyecto conmemorativo con coros de Galicia

 Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

 

Concierto para estas fechas con la RFG en colaboración con el Coro de la OSG, dentro del proyecto conmemorativo con Coros de Galicia, bajo la dirección de Javier Fajardo en el Auditorio de Galicia- día 19 a las 20´ 30 h., y que se repetirá al día siguiente a la misma  hora- con  invitación al previo de Conversando con…19´45 h-, con el propio director, y ofrecerá en programa el Gloria RV. 589, de A. Vivaldi  y una selección de El Mesías, de G. F. Händel, contando como solistas con la soprano Susana García  y el contratenor Alberto Miguélez Rouco-soberbio el trabajo con su grupo Los Elementos, con la zarzuela barroca de J. de Nebra, Cegado el amor, no es ciego y en  el  Auditorio Nacional, con La cautela en la amistad  y Robo de las sabinas, de Francesco Conselli-Javier Fajardo, al que ya tuvimos en un programa similar, realizó estudios con Gary Garden, Frieder Bernius, Simon Hasley y Gils Leenars. Realizó conciertos  con el Kammerchor Stuttgart, la Klassische P. Stuttgart o el Rundkfunkchor Berlin y dirigió obras como El martirio de San Sebastian (C.Debussy); Orfeo ed Euridice (Gluck) y la recuperación de el Requiem in memoriam de Luis de Camôes, de Joâo Domingos Bomtempo, con la OSG.

Susana Garcia, fue recientemente Gianetta en L´elisir d´amore de Donizetti en las actividades de Amigos de la Ópera de A Coruña, en la que había ofrecido el año anterior una gala en el Museo de Belas Artes, acompañada por la pianista Cristina Ledo, con arias de Mozart, Liszt, Rossini, Massenet. Offenbach y romanzas de Amadeu Vives, una continuidad de su presencia ya ofrecida en el ciclo Lírica Inclusiva. En su evolución, recordaremos su participación en el Coro Cantabile. Destacó en roles de óperas como Dido y Eneas (Belinda) o en el Requiem, de G.Fauré. Entre sus maestros, mencionaremos a Diana Somkhieva, Marta Pujol y Josep Buforn.  Alberto Miguélez Rouco, estudió en la Musik Akademie Basilea, con Rosa Domínguez, comenzando a cubrir roles de importancia en su registro de contratenor. Fundó el grupo Los Elementos, en homenaje a Antonio Literes o Vendado es amor, no es ciego, de José de Nebra, y con  él se dio a conocer en óperas barrocas esta Vendado es amor, no es ciego, de Nebra- ofrecida en la temporada 2020, de Amigos de la Ópera de A Coruña-,o Donde hay violencia, no hay culpa. Profesores suyos fueron Paul Agnew, René Jacobs, Christophe Rousset o Gabriel Garrido. Una evolución incesante que le llevaron a incorporarse a Les Jardin des Voix, de Williams Christie, en obras como la Johannes Passion, el Magnificat, oratorios de Cadara o la ópera de Häendel Israel in Egypt, compositor del que interpretó recientemente en el Liceu de Barcelona Giulio Cesare (Nireno).

Antonio Vivaldi- Gloria RV 589-, composición de 1713, y que dejará en segundo plano otras similares por su procedimiento de escritura en lo relativo al género cultivado en el XVIII veneciano, confirmando su distanciamiento del stile antico, marcado por el contrapunto y las antífonas, dejando paso a un formalismo con aspectos tomados de la ópera y el virtuosismo, realzando la importancia del texto y el protagonismo de los solistas. Los rasgos del bel canto, serán determinantes, dentro de una estructura compleja por la presencia de importantes contrastes y el empleo habitual del ritornello instrumental y los acompañamientos de ariosi libres en su idea. Obra que se desarrolla desde un Allegro, con coro mixto, orquesta y continuo.  Andante ( Y paz en la tierra), con el mismo recurso orgánico, en la tonalidad de Re menor, tiempo destacado por su compleja armonización confiada a los violines, y un fugato repartido entre cuatro voces y coro.  Allegro (Te alabamos), para dos solistas que se presentan de forma paralela, frente a un ritmo contrastante de cuerdas.  Adagio, para coro, orquesta y continuo, en contestación al tiempo precedente, resuelto en un unísono silábico.  Allegro (Por tu Gloria inmensa), en el que el coro se erige en protagonista, sin acompañamiento instrumental, dentro de un fugato poderoso y realzado en su brevedad por la riqueza del colorido de armónicos de numerosas modulaciones.  Largo, para soprano, violín solo y continuo, en un aire de barcarola.  Allegro, destinado a todos los efectivos y recursos en escena.  Adagio, para contralto, coro, orquesta y continuo, ofreciendo el enfrentamiento expresivo de solista y coro, para ceder a un nuevo Adagio, cargado de numerosas alteraciones que nos preparan para un Allegro, una muestra de los recursos tomados del belcantismo operístico. Otro Allegro, con coro, orquesta y continuo, nos sugiere el comenzó del Gloria y un Allegro de conclusión en forma de inmensa fuga majestuosa con un Amen de conclusión realzado por las trompetas. Elementos del Gloria RV 589, se relacionan con un Gloria de 1708, de G.M. Ruggieri, del que disponía de un manuscrito original.

El Mesías de Händel, escrito en el período estival de 1741, en sólo tres semanas, descubre un vigor poco común mientras el autor pasaba por un período de ingratas circunstancias, consiguiendo con este oratorio su obra más universal, que en la actualidad compite con el legado de sus óperas, afortunadamente recuperadas para la escena. Händel era en Inglaterra un aclamado compositor precisamente de óperas, que rendían al gran público, Charles  Jennens, su colaborador habitual, se haría cargo del libreto, aunque el propio compositor tuviese la última palabra en su resultado final, pesando con todo su rigor el tributo a la tradición anglicana de los salmos. A diferencia de otras obras, en lo instrumental se apoya en cuerdas y continuo, con escuetas apariciones de trompetas, fagotes y oboes (que sólo se usan para doblar violines y chelos). Con su economía de medios, muestra gran plenitud y virtuosismo, con referencia a la escuela alemana del estilo contrapuntístico, junto al estilo concertante italiano. La vigencia de El Mesías, hace difícil entender que fuese un compromiso ocasional sin más, en principio insegura en sus resultados y probablemente irrepetible. Único oratorio verdaderamente sacro que escribió y que se interpretó en vida del autor, en un edificio sacro. Para Jennens, un sencillo entretenimiento, aunque quintaesencialmente es obra de un compositor teatral. Evitará el énfasis coral de obras como Israel in Egypt, inclinándose en igual proporción para solos y coro, que tan buenos resultados le había dado en L´Allegro, il Penserioso ed il Moderato, o Athalia, Esther o Jephta. Enfrente quedan esas obras para el espacio escénico como Agrippina, Orlando, Ariodante, Berenice, Ezio o Rinaldo. Para ser una obra compuesta en tan poco tiempo, es sorprendente las mínimas exigencias evidentes de préstamos de obras, la mayoría tomados de obras suyas, algunas de sus duetos recientes italianos en coros. Si El Mesías estaba pensado para los escenarios londinenses, en los que el compositor pasaba por una época de incertidumbre, en los que sus oratorios no gozaban de la presumible prestancia y aceptación que había recibido con las óperas, no deja dudas a esa preferencia a su estreno en Dublín, cuestión que en definitiva no será suficientemente aclarada. Obra que puede ser interpretada con tan sólo cuatro solistas y una orquesta de cuerda complementada por continuo, trompetas y timbales (oboes, fagotes, y trompas, serían añadidos en las representaciones de Londres). Dublín, con recursos más modestos, era la ciudad que tuvo en mente, para el estreno ofrecido el 18 de noviembre de 1741, mientras quedaba en estado de boceto otra obra como Sansón. En medio de una cargante competencia, los músicos no podían permitirse el lujo de demorar sus compromisos por mucho tiempo.

Ramón García Balado

VI Historia de Nadal (Pedras de Santiago), con Resonet, en San Miguel de Agros

 San Miguel de Agros, Santiago de Compostela

 

VI Historia de Nadal (Pedras de Santiago) por Resonet, en San Miguel de Agros- día 17, a las 19´30 h-, agrupación fundada por Fernando Reyes y que en para esta cita formará dúo con la soprano Mercedes Hernández, para un programa propicio para estas fechas. Fernando Reyes, intérprete de tiorba, laúd o guitarra barroca, entre otros instrumentos de similar estilo, comenzó sus estudios como niño cantor en la Catedral compostelana, para especializarse en instrumentos de cuerda pulsada en el Conservatorio de Toulouse (Francia), y en la Trossinger  Staatliche Hochschule für Musik (Alemania), realizando a partir de entonces una extensa carrera profesional como la fundación del grupo Resonet, con su compañera, la soprano Mercedes Hernández, también compostelana, que se especializó en música antigua, en el Conservatorio de Toulouse y en el mismo Trossinger Staatliche Hochschule füe Musik, ampliando en la Schola Cantorum Basiliensis (Suiza), teniendo como profesores a Guillemette Laurens, Richard Levitt o la añorada Monserrat Figueras. Colaboró desde joven con agrupaciones prestigiadas como Hesperion XX, La Capella Reial de Catalunya, del maestro Jordi Savall, con los que realizó grabaciones de alto nivel, y que se añaden a los trabajos compartidos con Le Parlament de Music (Martin Gester); Ensemble Elyma (Gabriel Garrido); The Harp Consort (Andrew Lawrence King) o La Fenice (Jean Tubery), entre otros, actuando en los festivales más importantes de Europa. Interpretó el rol de Ninfa, en la ópera de Claudio Monteverdi L´Orfeo, en el Teatre del Liceu, de Barcelona, dirigida por Jordi Savall.

Resonet, como agrupación, nació  en 1990, tomando su nombre de una pieza del Códex Calixtinus, reuniendo con asiduidad a intérpretes especializados en músicas antiguas y barrocas, con aproximaciones a otros estilos acordes con los programas a desarrollar, según los proyectos que fueron surgiendo a lo largo de su extensa carrera. En esa  línea, podremos cita el trabajo Chacona, motivo de una exposición ofrecida en el Museo das Peregrinacións; Chacona, A Canción de Santiago, en su conseguida perspectiva en la que junto a ellos, participaron músicos como David Sagastume- contratenor-; Felix Rienth- tenor- y Andrew Robinson- tenor- asistidos por instrumentistas como Pablo González, Sergio Heredia, Jordi Argelaga, Karen Ferrari, J.A. Martínez, Carlos Castro y miembros de la Escolanía da Catedral, dirigidos por J.L. Vázquez, con las voces de Rosana Domínguez, Christian Losada y el propio J.L. Vázquez. Un programa repartido por entregas, desde La chacona, a Bona Vie, Vida Bona, Bona Tempe, Bona Vente, Bon Perpassi, Bon Pardon y Bone Baron, desplegando obras del Códex Calixtinus,  J.B.Lully, J. Arañés, G. F. Händel, J. de Baquedano, C. Monteverdi, C.F. Rolla, Johann Krieger o Francesco Corbetta. Una propuesta ambiciosa llevada a cabo en las iniciativas del Xacobeo 21/22.

Festa Dies, uno más de sus proyectos, estaba dedicado a la Consagración da Catedral de Santiago de Compostela, 1211 (Códex Calixtinus), músicas de peregrinos, con un cuadro de intérpretes similar al anterior, para un programa en el que sobresaldrían obras del citado Códex, y que en sus créditos avanzaba la leyenda: O rei de León e de Galicia, Alfonso IX; realizou o seu soño de consagrar a Catedral de Santiago de Compostela, no día 21, de abril de 1211. A grandes dos actos estaría acorde con ese feito de especial trascendencia para a cidade e todo occidente, movido e conmovido durante séculos polo fenómeno da peregrinación a Santiago, a canle mais da construcción de Europa. A celebración da Consagración, como nos suxire o mesmo rei y certifica con sabiduría Antonio López Ferreiro, coéngo arquiveiro e o mais importante historiador da Catedral de Santiago, e seguramente un dos momentos máis espectaculares da historia da música occidental.

¡Santiago! Europa ss. XV-XVI, otra imprescindible aportación de Resonet, trabajo ofrecido con motivo de una edición especial pola conmemoración do L Aniversario do Museo das Peregrinacións (1951- 2001), musicalmente tratado por músicos incluidos bajo la dirección de Fernando Reyes, para un programa ciertamente ambicioso. Obras de Hans Neusidler, Cipriano de Rore, Diego de Ortíz, Josquin des Prez, Claudin de Semirsy, Juan del Encina,Ludwig Senfl y un ramillete de anónimos, para completar con Apostole Christi Jacobe, de Cristóbal de Morales. Un trabajo que se presentaba en claves reconocibles: A temática xacobea, nestes días enriquecidas pola investigación de expertos en moitos eidos, carece dunha posta o día no ámbito musical. Resonet, intenta desde os seus inicios, colaborar con todos os seus medios nesta posta ó día, cun necesario proxecto de relacionar a temática de Santiago, coa arte musical ó longo da súa historia, sempre dentro de propostas  artísticamente creativas e expresivas. Con diversas investigacións e un fondo  traballo musical, comenzó- lo no percorrido nas músicas do Renacemento e o Barroco, xa que ata o momento a relación Camiño de Santiago- Música, reducíase a pouco mais que a época medieval. Centrámonos na coordinación de concertos con diferentes programas e a producción de grabacións que difundan o noso traballo no mercado internacional, iniciámo-la realización do proxecto con La Grande Chanson, as cancións dos peregrinos de Santiago, Francia ss. XVII e XVIII, e Les Pellerines, a moda da peregrinación na Francia do Barroco, proxecto que agora continuamos con Santiago, Música e peregrinacions na  Europa do Renacemento. Para aquel emblemático trabajo, Resonet, había utilizado imágenes pertenecientes a los fondos del Museo das Peregrinacións de Santiago de Compostela,. No podemos sino que recordar otras iniciativas como Tonos de Amor (José Marín (c. 1618(1699); Cantiga- Trobadores de Galiza e Portugal s. XIII/XIV, junto a Paulo González (flautas, zanfona y gaita), y Carlos Castro (salterio y percusión) o Rosalía de Castro (Cantares galegos), compartiendo poemas de ella con piezas del Cancionero de Casto Sampedro y de la colección de Feijoo.

Il Pellegrino: Cosimo III de Medici. Viaggio di Spagna e Portogallo (1668/), fue otro de los argumentos de Resonet que valdrán para esta cita, después de la trasmisión ofrecida en la tarde del domingo por la Radio Televisión Portuguesa. En septiembre de 1668 Cosme III de Medici inició un largo viaje que lo llevó a distintos puntos de Europa. Los motivos fueron políticos, culturales, religiosos y personales… visitó centros de peregrinación y fue recibido con honores de rey en muchas cortes y ciudades importantes. Varios de sus acompañantes escribieron crónicas, diarios de viaje y cartas que se conservan en los archivos de Florencia e incluso uno de ellos, Pier María Baldi, realizó unas acuarelas  representando a cada ciudad por la que pasaron. En los textos se describen muchas situaciones y de los lugares visitados; las informaciones referidas a la música, teatro, fiestas, celebraciones litúrgicas y situaciones privadas nos presentan un panorama de la vida cultura de la Europa de la segunda mitad del siglo XVII, muy variado y a veces sorprendente.

Ramón García Balado