Conciertos de fin de curso de la Escola de Altos Estudos Musicais en el Paraninfo da Universidade

 Facultade de Xeografía e Historia, Santiago de Compostela

Cinco serán los conciertos que podrán seguirse en el Paraninfo da Universidade-19´30-, que comenzarán con la sesión del día 1, en la que participarán dos alumnos, pertenecientes al aula  de Laurent Baiteau quien ejerció como tutor, y para esta cita, contaremos con el acompañamiento pianístico de Haruna Takebe.  La flautista Carmen Bajo Jurado, contará con obras de J. Sebastian Bach, André Jolivet y Gabriel Gaubert. Carmen Bajo Jurado, tendrá para iniciar  la Sonata para flauta y piano, en Mi m. BWV 1014, de J.Sebastian  Bach, obra asimilable al período de Köthen y que pertenece a las pocas dedicadas a esta combinación de solistas, un grupo de tres muy en el estilo italianizante pensando en las exigencias para el clavecinista, las posibilidades a las que obligaba su tiempo, pensando en la combinación armónica adaptada a  la técnica de la inventiva del instrumento siguiendo la inventiva del compositor.  La Sonata en Mi m. BWV 1034, observa el estilo de sonata da chiesa, siendo publicada por primera vez en 1865, por la casa Peters,   de Leipzig. Con el título engañoso de sonata para flauta o violín.  El Adagio ma non troppo, resulta una de las páginas más cautivadoras centradas en el espacio de la flauta, siendo a la par, una de las más líricas. La flauta auspicia su elocuencia sonora, gracias a un diseño cuidado, añadiendo un desarrollo particularmente emotivo, propuesto sobre un bajo continuo gratamente animado. El Allego, consigue subyugarnos por su largo talante concertante, dentro de una alegría a la altura de sus ambiciones expresivas, contando con el instrumento de teclado que se retorna en forma de canon, antes de que la flauta se manifieste en contrapunto en una cascada de semicorcheas. El Andante, en Sol M., se introduce por seis compases del teclado que descompone acordes marcados por la escritura de corcheas contando con la flauta que colabora con un aire tierno de pinceladas pastoriles, en un retorno muy armonizado.  El Allegro, resulta un verdadero movimiento de concierto, destacando el tema de la flauta que elabora un tema vivo, en una serie de saltos de notas repetidas, con respuesta del teclado, en bellas imitaciones.  

André Jolivet- Chant de Linos-fundador de la Sociedad de Música de Cámara, con Olivier Messiaen, Daniel Leseur, George Migot, Paul Le Flem, entre otros, una sociedad que se presentaba como La Espiral, en donde saldrá con sólidas credenciales el Grupo Jeune France, abundante será el catálogo de su obra camerística, rica y muy expresiva que ocupará toda su vida  hasta la serie de instrumentos a solo como la Suite rapsódica, las Églogas o la Suite en concert para violonchelo solo. La pieza que tendremos, es del año 1944, obra dedicada al concurso que presidiría Jean Pierre Rampal, y de la que él mismo realizaría una transcripción para violín, viola, chelo y arpa. Rampal, dispuso de una flauta que pertenecía al conde de Rémusat, un instrumento muy puro y del que nunca se separaría mientras se orientaba al mundo de la dirección orquestal, especialmente con la Scottish Chamber Orchestra, desde 1981. Estrenó obras también de Martinu, Françaix, Mauricio Ohana o Poulenc.

Philippe Gaubert- Nocturne et Allegro Scherzando, para flauta y piano-un músico que se crío en un ambiente de obligada supervivencia en lo relativo a estas materias, por lo que bastante tendría de autodidacta, interesándose en un principio por el piano y la flauta, mientras probaba como artista en lugares de alterne como bares y como  pianista de cine, en aquello tiempos que daban de sí a este especie de animadores en la sombra. Jules García, le permitiría  acceder al Théâtre Nacional de L´Opera, una etapa clave en su vida, llegando a recibir el prestigioso Prix de Rome de 1905, pero el maestro por excelencia de su carrera, sería Paul Taffarel, quien se fijó en el de manera un tanto casual. André Messeger, le invitó a incorporarse a la Societé del Conservatoire y Albert Rousell, le dedicó la pieza Jouers de flute.  La pieza elegida pertenece a un triptico de tres composiciones dedicadas a Paul Taffanel, Marcel Moyse y Jean Boulze, que en su conjunto, reciben influencias del estilo camerístico de Gabriel Fauré y las formas impresionistas.

Nicolás Concheiro Veleiro, alumno del aula de Thomas Piel,  selecciona tres piezas para esta sesión. Un par de ellas tomadas de Enrico Mainardi (1894/1976), chelista y compositor, y que serán el Notturno para violonchelo y piano y la Rapsodia italiana para violonchelo y piano, músico precoz que obtuvo un reconocimiento en su juventud, iniciando su carrera entre el reconocimiento del gran público tanto en su presencia como solista o en las obligaciones docentes, pudo repartirse con holgura entre los frentes más diversos aunque en la actualidad que haya quedado en un segundo plano. Destacó como solista en grupos de cámara, junto a profesionales como E. Donànyi, Ilbebrando Pizzetti, E. Fischer o C. Zecchi. Desde 1933, dio cursos de perfeccionamiento en su especialidad de chelista en la prestigiosa Accademia di Santa Cecilia, para extenderse en otros países desde capitales como Berlín, Salzburgo o Lucerna, contribuyendo en las especialidades más avanzadas, por lo que su figura como docente superará a la tan estimada como compositor. Conviene tener en cuenta sus trabajos como director de orquesta, que ayudaría a popularizar su imagen, pero manteniendo el interés destacado por su obras camerísticas dedicadas al violonchelo: El Concierto para violonchelo y cuerda (1966); el Cuarteto (1951); la Sonata quasi fantasía, para chelo y piano (1962) o los Seis estudios trascendentales (1923/53).  Paul Hindemith- Phantasiestück para chelo y piano, en Si M. obra encuadrable en el grupo de las tres del Op. 8 (Capricho, Pieza en forma de fantasía y Scherzo, de 1917, editadas en los comienzos de su carrera, influenciadas claramente por un estilo postromántico y sumetidas a las dependencias de autores como Gustav Mahler, Reger y Claude Debussy, quedando cercanas al ciclo de Variaciones, sobre una chanson americaine, A frog he went a courring (1941). Hindemith había sido un gran virtuoso de la viola tras forjar su formación en el onservatorio de Frankfurt, con Arnold Mendelsohn y Bernard Sekles, la mayor parte de su música camerística, se desarrollara entre 1935 y 1945, destacando las Sonatas para piano, órgano y arpa; las doce sonatas a dúo; el Cuarteto con clarinete; los Cuarteto quinto y sexto; ofreciendo en conjunto una evolución más libre y detallada desde la libre politonalidad e incluso con indagación de aspectos atonales alcanzando la tonalidad avanzada perfectamente controlada. Dejó un tratado testimonial: Unterweisung im Tonsalz,  que pone en juego los doce sonidos de la escala cromática.

Ramón García Balado

Orfeón Terra a Nosa, sesenta aniversario, en la Igrexa de San Francisco

 Igrexa de San Francisco, Santiago de Compostela

El Orfeón Terra a Nosa, conmemora su sesenta aniversario con una serie de conciertos que culminan en la Igrexa de San Francisco- día 31, a las 21´00-, con un programa que abarca obras desde Niccolò Zingarelli a Saverio Mercacante, J.C. Arriaga, G. Puccini y G.Donizetti, acompañado por su orquesta de cámara, bajo la dirección de Luís Martínez, teniendo como solistas a las sopranos Aida López y Ana Melikova; al tenor David Ferreiro y al barítono Pablo Nieves. Agrupación nacida al amparo del Padre Feijoo, en 1966, convirtiéndose e la veterana por excelencia, tras obtener galardones como el Primero de Polifonía de Torrevieja (1974), y realizando registros con la RFG o la OSG, con sus titulares correspondientes, siempre recurriendo a las temáticas de sus preferencias desde el Codex Calistinus, a la inspiración popular gallega, Juan Montes, Paulino Pereiro; Motetes, de Marcial del Adalid; especiales como el oratorio La Creación de F.J. Haydn, con la Orquestra da Comunidade Autónoma de Galicia, dirigida por Enrique Ricci y el bicentenario mozartiano(1991), con La Misa de la Coronación en Do M K. 317 y el Requiem en Re m. K. 626, con la Xoven O. de Galicia, de Joam Trilho, o maestros de capilla de la Catedral compostelana, como la Misa Solemne Unus Deus, de Melchor López, dirigida por Ros Marbà y destacando como solistas Nuria Rial, Miro Moreira, Mark Tevis y Gabriel Pérez-Bermúdez. En su 40 aniversario, Terra a Nosa, acompañado por la Capela Compostelana, también había realizado una gira, contando en programa  Vespro della Beata Vergine, de Claudio Monteverdi. Larga trayectoria pues y que actualmente está dirigido por Luís Martínez, quien siguió las docencias de Miro Moreira, Dominique Velard, Owen Reese, Peter Philips, Pier Paolo Scattolin, Arthur Carneiro, Constatin Alex, Bernard Valentin, Tu Shi Chiao o el maestro José López Calo. Fundador de Vox Stellae, al tiempo que colabora con la Capela Compostelana, Capela Antica, Capela da Catedral de Santiago o esta agrupación con la que está desde el octubre de 2023.

Niccolò Zingarelli (1752- 1837), con un par de piezas, el motete Christus factus est y la obra sobre la poética de Onofrio Minzoni Quando Gesù co´ll ultimo lamento, músico que había tenido entre sus alumnos a Bellini, Mercadante y Patrella, tras formarse en el Conservatorio napolitano de Sta Maria de Loreto, para triunfar en la ópera con Montezuma, que llevaría por teatros  de prestigio. Fue organista en la Capilla de la Santa Casa, de Loreto, antes de pasar a San Pedro de Roma, además  de las obras líricas, destacó por sus oratorios como La passione di Gesu Cristo; Meleagro, Il figliol, Baldovino o La riedficazione di Gerusaleme, entre otras misas.

Saverio Mercadante (1796/1870)  con Le sette ultime parole di nostro signore sulla croce, en sus ocho tiempos, desde la introduzzione, para coro y solistas hasta la Parola settima, obra que ocupa un mayor espacio, destacado compositor de óperas, tendría el compromiso de sus oficios sacros en la Capela de Novara, para la que iría destinado este oratorio, en el que se observan claros distanciamientos del peso de las demandas belcantistas, tan comunes en su colegas de generación, logrando con esta obra una aceptación inmediata. El Mercadante que ganará a los aficionados por obras como Il Giuramenteo, Le due ilustri rivali, Elena da Feltre o La Vestale, que conservará su vigencia a lo largo de los siglos y que por su personalidad, será un claro precursor de G.Rossini, junto a los grandes talentos como Mayr, o el anteriormente citado Zingarelli, se aceptan con creces sus pretensiones innovadoras, sin claros sobresaltos, gracias a sus rasgos estilísticos, auspiciados por una magistral factura, pendiente de las exigencias dramáticas del conjunto de su obras, óperas suyas, como Il Giuramento  e Il Bravo, remiten a libretos de Victor Hugo- Angelo tyran de Perdue- y J.F, Cooper -La Venitienne-quizás parte de la cumbre de los trabajos líricos,  que le convertirán en el ejemplo por excelencia de la escuela napolitana, dentro del que caben la serie de composiciones sacras, a la espera de posibles reediciones, un compositor que en sus años postreros, asistió a un período de menor consideración, por su actitud de repliegue, y que se constató en Orazi e Curiazi, Statira, Violetta y en Pelagio.

Juan Crisóstomo Arriaga (1808/26), compositor en centenario, tendrá O salutatis hostia, para tres voces masculinas y conjunto de cuerdas, obra de 1823, músico asentado en París y que recientemente en el Teatro Arriaga de Bilbao, se homenajeó con el grupo La Ritirata, de Josetxu Obregón, el capítulo de sus obras vocales, se conservan gracias a las ediciones que de ellas se han hecho, y que destaca por trabajos como dos arias; Edipo y Medea, la  escena dramática  Erminia, dos dúos All´ Aurora y Agar et Ismaël, destacando por su calidad dramática ésta última, que se conserva en forma manuscrita, obra estrenada en la Salle Gaveau, parisina en 1927, en un trabajo de consideración a este músico de vida corta, antes de hacerse en Bilbao, cuatro años después. Erminia, escena lírico-dramática, en un acto y dos cuadros, para soprano y orquesta, fue estrenada también en Bilbao, el 27 de enero, de 1888, año en el que se dará a conocer el duetto para tenor y bajo con acompañamiento de orquesta All´Aurora, cuyo título original sería Ma tante Aurore con texto en francés de Charles de Longchamps, obra con tres movimientos simples y un estilo dentro de la tradición clásica.

Giacomo Puccini- Requiem SC 76-, obra para órgano, viola o coro, encargo del editor Giulio Ricordi, de 1905, para conmemorar el cuarto aniversario del fallecimiento de Giuseppe Verdi, a propuesta del Consiglio d´Admintrazzione de la Casa di Riposa  di  Milano , con estreno el 27 de enero en la Capella della Casa di Riposa, con una recuperación muy posterior, el 20 de marzo de 1980, en el mismo lugar. Incursión dentro de un género en el que solo compuso por estricto compromiso y por razones de personal afecto, una interpretación posterior, se ofrecería en el Conservatorio de Milán,  en el mes de diciembre de 1974.

Gaetano Donizetti- Tunc acceptabis A. 703 – quien tendría en mente a Bellini, para piezas de este estilo, en el que también incluiría esta Fuga Finale: Tunc Accetabilis, sobre un  tema incisivo y perspicaz, que alterna legato y stacatto, de importante exigencia técnica. Las obras sacras del autor, partirían de un Ave Maria, a demanda de Fernando I de Austria, con la esperanza de probar fortuna, al igual que otros compositores italianos del momento, y en el que entregaría por necesidad composiciones de carácter litúrgico, marcadas por su árido escolasticismo en los coros, un vago sentimiento operístico y un brillo en los solos, con diferencia de las urgencias de los textos. Obras como Dixit Dominus, que recurre a una inspiración mozartiana, un ideario que comenzará a decaer, después de 1824.

Ramón García Balado

As rúas do vento ceibe en el Auditorio de Galicia

Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

Concierto en el Auditorio de Galicia en el Auditorio de Galicia, en colaboración con Amigos de la Ópera de Santiago,- día 30, a las 20´30 h., bajo la dirección de David Fiuza Souto que presenta un programa que se anuncia como As rúas do vento ceibe, sobre las poéticas de Rosalía de Castro, Manuel María y Celso Emilio Ferreiro, contando con el protagonismo de la  mezzosoprano Julia Portela Piñón, y la Orquestra Sinfónica de Pontevedra, fundada en 2006, con el colectivo de voces, que integran el Coro de Cámara Thalassa, de Marín; el Coro do Hospital de Lugo; el Coro Lírico de Vilagarcía de Arousa; la Coral Solfa de Compostela; A Sociedade Coral Polifónica de Pontevedra además del Coro Xuvenil integrado por: IES A Xunqueira, As Voces Terra Chá, de Lugo y Pequenos Cantores do Ferrol. A Orquestra Sinfónica de Pontevedra, nació en el seno de A Asociación Cultural da Orquestra Filarmónica Cidade de Pontevedra, en 2006, presentándose al año siguiente bajo la dirección de Javier Viceiro Filgueira, disponiendo entre sus trabajos registros representativos de su trayectoria, Aos que levaron no bico un cantar; el dedicado al 150 Aniversario do Conservatorio de Pontevedra, o Lingua Guapa, cantos que contan, sobre la poética de Fina Casalderrey, en colaboración  con Néstor Blanco.  Un contexto cultural, el de Pontevedra, que nos traslada a los años de creación de la O. Filarmónica de Pontevedra (1921), con su presentación oficial en el Teatro Principal, unas fechas en las que la capital, recibió la visita del Cuarteto Rosé, de Viena, además de estrenar un nuevo piano de marca Blüthner. Recibiría la ciudad la vistita a artistas de élite a lo largo de los años como J.Iturbi, L. Querol, Magda Taglaireferro, Wanda Landowska, Chritian Farras, Henryk  Szeryk, Salvatore Accardo, Agustín León Ara, Alirio Diaz, Nicanor Zabaleta, Julius Katchen, Gaspar Cassadó, R.Aldlescu o Pierre Fournier.

Julia Portela Piñón, mezzosoprano, se  formó en el Judith Nelsson Young Artist  Proggramme, la Guildahall School, la Royal Acccademie of London, antes de presentarse en certámenes como el Concurso  Viñes; el Hans Gabor Belvedere, contando con una carrera en la que ya optó por roles líricos que van desde el barroco al romanticism-verismo incluído- y recitales líricos como los que ofrece con la pianista Olga Kobekina. Entre sus roles, Idomeneo, de Händel; L´Incoronazzione di Poppea; La hora española, de Maurice Ravel; el Compositor, de Ariadna auf Naxos, de Richard Strauss; Rita, de Gianni Schichi, de G. Puccini, por citar lo más frecuentes, al tiempo que mantiene su interés por la canción el trabajos como el colectivo del Liceu, de Barcelona, con Alex Ollé, los estilos de canción que la animaron a interesarse por las culturas de procedencias más diversas

Xosé Carlos Seráns Olveira, responsable de la parte musical en cuanto a la composición, fue director de la Banda de Santiago  entre 2009/2013, como nos presenta Beatriz Cancela Montes en su trabajo La Banda Municipal de Santiago (Música en las compostelanas rúa desde 1848) nacido en Ribeira, su carrera musical se inicia con  tal solo 11 años ingresando en la Banda de Caamaño (Xuño, Porto do Son, A Coruña). Será tras su incorporación al Servicio Militar, cuando emergen sus ansias de pasar a ingresar en el Cuerpo de Bandas de Música de la Armada. Entrando a formar parte de la Banda de Música del Tercio Norte, de Ferrol, a la que pertenece hasta 1987, cuando gana por oposición la plaza de tuba de la Banda Municipal de Santiago de Compostela, permaneciendo ligado a ella hasta la actualidad, lo que le convierte en uno de los veteranos por excelencia. Fue nombrado solista tuba solista en 1998, y entre el 1 de octubre de 2009 y el 30 de septiembre  de 2013, director de la misma.  Compagina su cargo en la compostelana agrupación con la de dirección de otras  agrupaciones bandísticas: Banda de Música de Catoira (1988/2004); Banda Municipal de Padrón (1995/2000), la Banda Filarmónica de la Federación de Bandas  de Músicas Populares, desde 2005; y otras agrupaciones corales . También desplegó una vigorosa faceta como docente y factotum de diversos y consolidados proyectos escolares de música y asociaciones e incluso campamentos musicales. Como complemento a todo ello, goza de una sólida formación conformada además  de una educación de base, por la cantidad de cursos recibidos y los impartidos por él mismo. Como arreglista, destacan las regulares transcripciones que recibimos en las programaciones de temporada, realizadas sobre compositores clásicos y otros de mayor arraigo popular. Obras como las del maestro Ángel Brage, en cuya escuela se formaron compositores gallegos, del siglo pasado, Astor Piazzolla, el renovador del tango moderno por excelencia; otras obras como Celtia; obras de Bizet, González Arroitia Jáuregui. Seráns es  por mérito un compositor prolífico que disfruta de un extenso catálogo en el que destacan el Soneto á Terra Cha; A Saleta e Rosas, estrenada en 2005; Apreixar o vento; Poema Ausencia , estrenada en 2007 o la  Fantasía Rianxeira, po citar algunas de su carrera. Fue premiado en distintos concursos de composiciones para banda, su ámbito natural de trabajo, también quintetos, en especial para metales, estrenados en Madrid, mientras recibe invitaciones para dirigir otras bandas, compatible con su participación en jurados y certámenes. Como director, había ocupado la plaza de Casiano Mouriño Maquieira, entre 2007/9, para cederla a Juan Miguel Romero Llopis (2013/16), quien actualmente viene ejerciendo una labor primordial en la Banda de A Coruña, que en fechas recientes colaboró con el Festival Resis, de Música Contemporánea.

Ramón García Balado

Festival Resis: Josep Planells Schiaffino, entre Wagner, Jacobo Gaspar y Wolfgang Rhim

 

Josep Planells Schiaffino, colaboró con formaciones como la WDR Sinfonieorchester Köln, la Basel Sinffonietta, el Festival de Lucerna, la Deutsche Radio P.; el Zafrain Ensemble, Remix Ensemble, Bayerisches Landesjugendorchester, Ensemble Modern y otras de nuestro entorno nacional. Fue asistente de Franck Ollu, participando en producciones como  Jacob Lenz de Rihm; Medea, de Dusapin, en el Festspielhaus, de Salzburgo; Oresteia, de Xenakis, en el Theater Basel, tras estudiar con Fred Butkewitz en Berlín y participó en masters de Peter Rundel, Peter Eövöts, y realizó su licenciatura bajo la tutela de Arnulf Hermann y Hanspeter Kyburz, en la Hochschule für Music Hanns Eisler (Berlín), recibiendo asesoramientos de Salvatore Sciarrino, Brian Ferneyhouh, Wofgang Rhin, con el apoyo de la Fundación Alexander von Humbolt. Completó su formación en la Cambridge University,  junto a Richard Causton, obteniendo el XLII Premio Reina Sofía por su obra Metalepsis y ejerce la docencia en la ESMUC, dirigiendo proyectos en el Conservatori del Liceu, mientras continúa con sus labores creativas, en especial dentro del género lírico.

Jacobo Gaspar- Ars Umbrae-, obra en estreno, se una a otras que han recibido excelente consideración como De mar a mar; Ambar o Via Láctea, Haiku espiral, compositor con estudios en el Conservatorio Superior de Aragón, con J.M.López López, antes de doctorarse en musicología en la Universidad de Oviedo, recibiendo premios como un primero Xavier Montsalvatge; el XX Fundación Autor- CDMC; el VI Int. Jurgenson Competition for Young Composers (Moscú); el Valentino Bucchi- Parco della Musica (Roma); un segundo de Povoa do Varzim (Portugal); el Premio de Composición Isang Yun (Seul), mostrando en su evolución un interés por las formas musicales y su uso artístico con las distintas materias sonoras disponibles en la amplitud de los recursos de ese espacio, ideas extraídas del medio natural, mimético o simbólico. La expansión de medios y técnicas instrumentales o la transformación de la propia experiencia de escucha. En un caso, podría recurrir al uso de un pequeño poema en forma de haiku, en el que se siente un abismo similar al que nos embarga cuando reparamos en la dimensión del cosmos o en otro, a una travesía marina referida a la emigración, desde una doble perspectiva, con inspiración en recursos poéticos que nos trasladan en un salto oceánico, marcado por distintos niveles o ideas musicales, tratadas como ondas, en las que destacan detalles de ruido en blanco, para emular el sonido marino, entre trinos y glissandi, una impresión de la idea de fluidez marina. Ars Umbrae, obra de gestos amplios tratada por una orquesta en forma de caja de resonancia cuya escucha se resuelve por temas reconocibles entre capas apenas iluminadas que dejaban una impresión de un posible espectralismo accesible propuesto por el compositor, entre matices de claridad directa sostenida en la idea de que escuchar no es fijar un objeto sonoro, sino prestar atención a cómo pierde definición su contorno, una sugerencia cogida al vuelo de Junichiro Tanizaki.

Wolfgang Rhim- Danza negra y roja: Tutuguri-, creador en la vanguardia y que marcó referencia a partir de su ópera de 1978, basada en un breve relato de Georg Büchner, Lenz, con el título de probablemente sin grandes pretensiones de encubrir influencias, se inclina por ajustarse a un esquema de escenas aparentemente cercanas al Wozzeck,  de Alban Berg, mostrando una disposición operística en el estilo de formalismos más clásicos (rondó, sonata, zarabanda…), apoyándose igualmente en una orquestación reducida, en el contexto de un planteamiento camerístico. El uso  del Sprechgesang, resulta claramente necesario para las piezas en beneficio de otorgarles la entonación precisa, de fuerte penetración psicológica. Un  resultado musical, en sus obras, que llegó a plasmarse en trabajos como Die Veroberung von Mexico, que más que una ópera, dejará la impresión de un trabajo teatral, basado en un proyecto de Antonin Artaud, para el que se valdrá del recurso de instrumentos ancestrales o complementos ruidistas, que reformarán su legado étnico, con tintes expresionistas. Schwarzer und Roter Tanz.Fragment aus Tutuguri, el Artaud de su convivencia mexicana con los tarahumaras, experiencia en clave de cierta mística de mundos posiblemente incompatibles, sería consecuencia de una especie de gran poème dansé, que el músico compartiría con Artaud, retomando material de Tutuguri IV al que se añadía un breve añadido final de una nueva pieza, un personal gesto de su estilo en forma de work in progress, concluyendo con ello una etapa creativa. No estamos antes un trabajo escénico sino ante un compromiso colectivo y ritual, en e l que la música no simplemente acompañada de forma evidente sino que ayudaba a fomentar las tensiones. Al distanciarse de un imaginario ballet, quedaría expuesta a la serie de episodios descriptivos, convirtiéndose en impulsos que organizaban la escucha desde su profunda interioridad. Una oposición entre danza negra y roja, no se limitaba a un estilo de forma programática, sino al contrario la propia orquesta se expresaba por acumulaciones densas y descargas cortantes, en alternancias de zonas insistentes de brusca oposición.

Richard Wagner-Preludios de Lohengrin, actos Primero y Tercero, además de la Liebestod, amalgamados entre las piezas del programa, ópera de gran espectáculo en la que sobresalen los medios escénicos, desde los comienzos del Primer acto hasta la importancia de la escena final, una ópera que se hace valer por el menor sentido en la evocación lírica de sentimientos íntimos, con una elevada sugestión de misterio, ópera destinada al estreno en Weimar, y que por mediación de Franz Liszt, tendría una consideración precisa en la Corte de Weimar, en el trasfondo, la leyenda del Santo Grial a mayor gloria de sus protagonistas Elsa, hija del último duque de Brabante. Lohengrin, caballero del Santo Grial. Enrique I; Rey de Alemania Friedrich von Telramund, noble de Brabante. Ortrud, hechicera, esposa de Telramund. Un heraldo, entre cuatro nobles y cuatro pajes. Dramatización de un Medievo pintoresco que nos llega en un momento de transición. El Liebestod, de Tristán e Isolda, es una pasaje que se encumbra por sí mismo hasta alcanzar el grado de sobrenatural, el dúo amoroso que responde al texto So starben wir, um ungetrennt, que anuncia un nuevo tema, el Liebestod, en el acto final, tras la muerte de Tristán e Isolda contempla también su propia muerte, en el pasaje Mild und leise, desde la palabra Liebestod. Una música amorosa que encierra la intención erótica, en el marco de una sensualidad cromática, en contraste con la verticalidad diatónica de Kurwenal y los marineros del primer acto. La Liebestod, en el éxtasis final, concluía las tensiones acumuladas de distintos recursos sonoros, en una propuesta de un muy reconocible presente expandido tal cual si el tiempo hubiese dejado de avanzar.

Ramón García Balado

foto: ©Xurxo Gómez-Chao Porta 

Josep Planells. Orquesta Sinfónica de Galicia

Obras de Richard Wagner, Wolfgang Rhim y Jacobo Gaspar

Colaboración con el Festival RESIS

Palacio de la Ópera, A Coruña