Nuit d´hyménée...il faut partir hélas!

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 Palacio de la Ópera A Coruña - 05/10/2023

Roméo et Juliette, de Charles Gounod, en un espectáculo procedente de Amigos Canarios de la Ópera, para el LXXI Amigos de la Ópera de A Coruña,  bajo la dirección de Alain Guingal con la Orquesta Sinfónica de Galicia, una afortunada garantía de asistencia en cuanto a la batuta y los oficios de una orquesta con resolutiva solvencia, y la colaboración del Coro Gaos de F.Briones, destacando en los principales roles el tenor Mario Bahg- Roméo de Montaigu-; la soprano Sofía Esparza-Juliette-; el barítono Borja Quiza-Mercutio-; el barítono Gabriel Alonso-Pâris-; el tenor Francisco Corujo- Tybalt-; el bajo Luís López- Frére Laurent-; la mezzo Patricia Illera-Stéphano-; el bajo-barítono Fernando Latorre-Capulète-; la mezzo Irene Zas-Gertrude-; el barítono Jacobo Rubianes-Grégorio-; el tenor Enrique Martínez- Benvolio- y el bajo Cristopher Robertson, como Duque de Verona.  Contando también con las aportaciones en medios escénicos de Daniele Piscopo y Riccardo Roggiani, recreando una ambientación de época atenta a los patrones que el aficionado medio supo apreciar.

Roméo et Juliette se confirma  como epicentro de la lírica francesa definida por las suaves mélodies sentimentales gracias a la fluidez expresiva elegancia, de las que Gounod será magno representante, en aquel París centro oficial en  puja con el poderío de la Grand Opéra a lo Meyerbeer, que devendría en buena lógica por las exigencias de los medios e inevitables carestías, un estilo menos ampuloso. Gounod partiría de una Sapho (I1851), destinada a Pauline Viardot, como aliciente de transición, pero en realidad, no llegaba al grado de reformista, aspecto que compartirá con Ambroise Thomas. Aquella ampulosa Grand Ópera, crearía un mar de dudas: ¿No podría existir una forma intermedia entre aquella y la opéra comique?  Un obcecado cruce de intereses entre opciones casi imposibles. Gounod y Thomas, crearon el híbrido previsible. Lírica será esa expresión que se repartirán ambos compositores. Si Thomas abordará estilos variados en los que se conciten farsa, comedia romántica y tragedia, Gounod será diferente logrando fama inmediata por el recurso a los dramas de Goethe y Shakespeare a partir de Barbier y Carré: Faust (1859) y Roméo et Juliette (1867). El melodismo como seña de dominio personal, se evidencia en esta ópera, casi en el estilo de la Grand Opéra, especialmente en los cuatro dúos de la pareja central o los valses-coloratura, una pura especialidad en lo posible por las exigencias de Mme Marie Miolan-Carvalho- diva glorificada en la Francia de entonces- para disfrute, la arietta de la protagonista redondeada en forma de vals. Roméo et Juliette- libreto de Jules Barbier y Michel Carré- estará destinada al Théâte Lyrique, parisino y en su tratamiento, sobrevivirá al más de medio centenar de operas sobre el drama shakespereano, respondiendo a las demandas de un público preferentemente de clase media, liberando a la ópera de la cargante ampulosidad al estilo de L´Africane, de Meyerbeer.

Roméo et Juliette, una de esas óperas sobre temática del bardo de Stratford-on- Avon y cuyo espectro resistió desde el Globe Theatre, fue codiciado por compositores desde el siglo XVII, tanto en sus comedias como en sus dramas. De sus títulos a considerar, destacan precisamente el elegido y Hamlet. Los amores imposibles de los adolescentes de Verona, vástagos de familias enfrentadas, darán argumentos para I Capuletti e I Montecchi, de V.Bellini, sobre libreto de Felice Romani, quien había adaptado el texto para una anterior de Vaccai o esta con lujo de detalles románticos, sin olvidarnos de la de Barkworth o la de Stephen Sondheim, en la modernización del musical West Side Story de Leonard Bernstein.

Gounod, para Roméo et Juliette, trazará un drama que cumpla con los obligados requisitos de un drama en las cercanías precisas del puro melodrama, tan a la altura de las exigencias de un público que se rinda a una pasión desmedida y que logra el estado de ánimo amargo en el segundo cuadro del V Acto, con el suicidio consumado de los protagonistas, cuya preparación anuncia el coro de inicio con una solemnidad que respondía al drama que desde el argumento de conocimiento general por los aficionados, resulta de por sí evidente. Drama que cruza el salto de siglos para que los libretistas que asistan al compositor, calculen con mesura los gustos que demanda el momento. En lo musical, fuimos  partícipes ya desde el coro en su entrada con Vérone vit jadis deus familles rivales…labor de mérito del Coro Gaos de Fernando Briones nada que objetar, para llevarnos al acto en el que Juliette se presente con el aria- vals Je veux vivre dans ce rêve, para ensalzamiento de Sofía Esparza, una voz expresiva y lírica que nos obsequió con sus mejores recursos,  preparando su dúo con Roméo Le nom de cette belle enfant. Mario Behg- Roméo-, fue el tenor agraciado para ese rol de squillo respetable y precisas agilidades para ahondar en las exigencias del personaje en perfecto acomodo para rendirse al patetismo que requería el sufrido compañero camino de una desesperación con amargo final.

Momentos como el del segundo acto, enzarzados en el drama, el recitativo-cavatine de Roméo L´amour, l´amour…Ah! lève toi soleil, de talante esperanzador y que permitió solazarnos con Ô nuit Divine, el éxtasis de arrebato en mutua contemplación de los protagonistas a los que se añadiría  Gertrude, Irene Zás, una cantante en alza de nuestro entorno, para entregarnos al   tercer acto en el que las convulsiones acuciantes  de la trama del  drama, ofrecía el trío y el cuarteto cargado de tintas Dieu, qui fit l´homme, que se reparten entre Frère Laurent, Juliette, Roméo y la entrada de Gertrude. Voces que cumplieron como de ellos esperábamos, fueron Gabriel Alonso,- Pâris-; Borja Quiza- Mercutio-, en su actitud desafiante y su contrincante Francisco Corujo- Tybalt. De forma distendida y sencilla, la canción que interpretó Stéphano:  Depuis hier je cherche mon maître- Patricia Illera, muy a tono para ese personaje menor e ingenioso.  El IV acto, consuma el estado emocional con el dúo de los protagonistas Nuit d´hyménée…i faut partir hélas!, exaltación de un drama en su grado sumo  como era preceptivo, en preparación del paso al acto final, con el interludio Le sommeil de Juliette. El  sueño eterno  acogió en un abrazo amargo en la escena con el dúo desesperado entre Roméo et Juliette C´est là…Salut, tombeau sombre et silecieux.

Ramón García Balado       

        

LXXI Amigos de la Ópera, A Coruña

Roméo et Juliette. Gounod.

Mario Bagh, Sofía Esparza, Borja Quiza, Francisco Corujo, Gabriel Alonso, Luis López, Patricia Illera, Fernando Latorre, Irene Zas, Jacobo Rubianes, Enrique Martínez y Christopher Roberston

Orquesta Sinfónica de Galicia / Alain Guingal.

Coro GAOS / Fernando Briones.

Escenografía / Riccardo Roggiani. Escena e Iluminación / Daniele Piscopo.  Producción de Amigos Canarios de la Ópera

 

Foto © Alfonso Rego                                                                                                                                                                                                                                                              

György Ligeti: Concierto para piano y orquesta, por Alberto Rosado

 Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

Apertura de temporada de la RFG en el Auditorio de Galicia-jueves día 5 a las 20´00 h.-,

Auditorio de Galicia

con su titular Baldur Brönnimann, con sesión previa de Conversando con… compartida con el pianista Alberto Rosado- 19´15 h.-, programa que repetirán mañana en el Auditorio de Ferrol- 20´30 h.-, para un estimulante programa que incluye el Concierto para violín de György Ligeti, Ciel d´Hiver de Kaija Saariaho y las danzas sinfónicas Op. 45 de S. Rachmaninov, con el aliciente a mayores de la colaboración de alumnos de la EAEM. Ciel d´Hiver, de Kaija Saariaho, es un arreglo del segundo movimiento de su obra orquestal Orion, en propuesta de Mousique Nouvelle Liberté para estrenarse el 7 de abril de 2014, en el Théâtre du Chatelet con la Orchestre Lamoureux, dirigida por Fayçal Karouil. Partimos de un período en el que la compositora finesa trataba composiciones inspiradas en textos de inspiración  poética: Sylvia Plath, para la cantante y amiga Dawn Upshaw quien grabaría Longh mientras interpretaba el rol de Clemence en L´amour de loin e igualmente en Orion. Fidelidades apreciadas por la compositora en esta labor de compartir obras, como hará con el chelista Anssi Karttunen. La lírica sería siempre uno de sus espacios de relevancia como se confirmará en sus óperas L´amour de loin; Adriana Mater, sobre libreto de Amin Malouf, para un trabajo a medias con Peter Sellars y Esa- Peka Salonen y Only the Sound Remains, sobre textos de teatro No japonés, en adaptación de Ezra Pound. Premio del galardón Fronteras del Conocimiento BBVA, destacó por su colaboración con el Instituto de Investigación Acústico Musical del IRCAM y el resultado en lo creativo, dejará un resabio de herencia procedente del espectralismo francés, que redundará en un ejercicio  creador que explorará los límites del sonido, a partir de las tecnologías avanzadas. Puede apreciarse en sus resultados el trato de sonoridades frías en el ámbito de sus gamas en lo que mucho tendrían que decir sus intérpretes. Piezas como la anunciada, tendrá aspecto compatibles con obras como D´om le vrais sens, inspirada en los tapices La dama y el unicornio, para clarinete y orquesta; Stilleben; Vers le blanc hasta Solar y la colorista Petales y Nyhmphea.

György Ligeti en su Concierto para piano, del que será solista Alberto Rosado, quien lo grabó en registro discográfico, con el Plural Esemble y al que tuvimos en las Xornadas de Música Contemporánea 2022, en las destacaron JONDE FOCUS, bajo la dirección de Fabián Panisello. Rosado,  con el Plural Ensemble, ofreció en la primera cita una sesión con obras de G. Friedrich Hass; Kaija Saariaho; Fabian Panisello y Steve Reich. El período de composición de este concierto, mostrará su tendencia a uso intenso de las polirritmias, un aspecto que estuvo presente en su evolución y que redundará en una aproximación a culturas distantes, tras la etapa fundamental de Colonia y Darmstadt, con resultados en este espacio como los Estudios para piano. Desde los fundamentos, Ligeti se preocupará por las técnicas de complejos cromáticos, dejando de ser las alturas del sonido y el ritmo la idea del idioma sonoro, en beneficio de la creación de texturas observadas con independencia armónica del sistema total. En su permanente evolución, el compositor aceptará que cada vez que completaba una obra, revisaría sus posiciones concluyendo por rechazar los estereotipos artísticos sin aceptar ninguno como definitivo, en función de esa irresistible curiosidad que nos trasmitía en el resultado de esos trabajos, forzado por una irresistible curiosidad, lo que le llevaría a perder aquella entrega a los principios adquiridos en Darmstadt.

El Concierto para piano y orquesta, no será ajeno a esos condicionantes, y que el autor pretende mostrar su independencia de los débitos de las vanguardias tradicionales o los posmodernismos. La obra en concreto será una dedicatoria al director norteamericano Mario de Bonaventura, quien lo estrenará el 29 de febrero de 1988, en Viena. Hubo bocetos previos en 1980 pero tardaría cinco años hasta completar el trabajo. Los tres primeros movimientos se presentaron en Graz (Austria), el 23 de octubre de 1986, a cargo del pianista Anthony di Bonaventura, con la Wien Philharmonic O., y al año siguiente, añadirán otros dos tiempos- el cuarto y el quinto-; esperando hasta 1988 para completar la obra en cinco tiempos: Vivace molto rítmico e preciso; Lento e deserto; Vivace cantábile; Allegro risoluto y Presto luminoso. Compleja resulta la propuesta en la plantilla orquestal, por el despliegue de recursos instrumentales que ayudan a su resolución  tímbrica y sonora, una aportación requerida además, ya que al mismo tiempo se dedicaba a ahondar en los Estudios para piano. Perceptible resulta esa recurrencia a las culturas que atraían sus preocupaciones y que se despliegan en los instrumentos de percusión como entramado de recreación observable en sumo grado en el Presto luminoso, una consecuencia previsible de los dos intermedios.

Las Danzas sinfónicas Op. 45, de Sergei Rachmaninov, conocieron su estreno en Filadelfia con Eugène Ormandy  (1941), respondiendo a los títulos de El Día;  El Crepúsculo y Medianoche que al final quedarán postergados por los actuales, aceptado que parte de la música proviene de un ballet inacabado. El Non allegro, se inicia con un arpegio de tres notas sobre un fondo ritmado que dejará paso al tema fundamental. Una ostentosa idea saltarina deja un aspecto grotesco marcado por los timbres de maderas. El desarrollo cambia de orientación por su talante nostálgico en el que las maderas insinúan una ambientación pastoral, permitiendo a las cuerdas un mayor protagonismo expresivo. El Andante  con moto-Tempo di valse, observa una serie de acordes disonantes de metales, que preparar el estilo de vals protagonizado por cuerdas y corno inglés. Un pulso continuo define este tiempo dejando una sensación de permanente enfrentamiento que añade matices cercanos a los estilos impresionistas.  El Lento assai-Allegro vivace, manifiesta con regocijo una serie de enfrentamientos entre instrumentos de la orquesta que se entremezcla con el tema del Dies Irae, un capricho recurrente del propio compositor y que anticipa la poderosa parte final, muy reforzada por la percusión.

Ramón García Balado

 

La violagambista Sara Ruíz: Tricentenario de K.F. Abel, en el V Ateneo Barroco

 Igrexa da Universidade, Santiago de Compostela

El V Festival Ateneo Barroco ofrece su concierto de apertura en la Igrexa da Universidade-miércoles día 4, a las 20´00-, con la violagambista Sara Ruiz en un monográfico centrado en el tricentenario de Karl Friedrich Abel, y con destacada atención al Manuscrito Drexel. Sara Ruíz, colaboró con Ateneo Barroco y en ese mismo espacio en la convocatoria de 2020, en otro programa de parecidas características, dedicado entonces a las 12 fantasías para viola da gamba, de G. F. Telemann, obras recuperadas del olvido. De nuevo la tendremos integrada en el grupo La Reverencia, que dirige Andrés Alberto Gómez, en otro proyecto dedicado a transcripciones de piezas de J.P. Rameau, la próxima semana el día 10, tras la charla que se nos ofrece la tarde anterior a cargo del director del grupo, en la Sede de Afundación, con el reclamo de Jean-Philippe Rameau, retrato íntimo. Sara  Ruíz, se formó con Itziar Atutxa y Pere Ros, para seguir en Sevilla con Ventura Rico y ampliar horizontes con Jordi Savall, Christophe Coin y Philippe Pierlot, En 2004, se trasladó a Trossingen, para estudiar en la Musikhochschule, en donde realizará un posgrado con Lorenz Duftschmid y Rolf Lislevand. Entre sus galardones (2006), un especial, precisamente, por la interpretación de obras de K. F. Abel, en el certamen Bach-Abel de Köthen, ante un jurado presidido por Wieland Kuijken, Paolo Pandolfo y Marianne Müller. Colaboró con agrupaciones como Al Ayre Español; O.Barroca de Sevilla; La Grand Chapelle; La Tempestad o La Bellemont. Es directora del Consort de violas de la Universidad de Salamanca.

Tricentenario de K. F. Abel, compositor perteneciente a una larga saga familiar, desde el patriarca  Clamor Henrich, autor de importantes sonatas de cámara para distintos instrumentos y que continuará su hijo Christan Ferdinand, asentado en la corte de Köthen, en donde creará escuela, dejando una serie de suites para el instrumento. Leopold August, para no perder el ideario de esa escuela, gracias a su nacimiento en Köthen, fue apreciado violinista, en parte por sus débitos con su maestro Franz Benda, llegando a ser Konzertmeister de las capillas de Sonderhausen y Ludwigslust (Berlin). Llegamos a nuestro K.Friedrich Abel (1723/87), compositor que alcanzará la gloria en Londres, después de una carrera fundamental en le Capilla de Dresde, como músico virtuoso de viola da gamba, y que igualmente ostentará en los dominios del clave y la trompa. Aquel período inglés, que ocupará los últimos años de su vida, se verá dignificado con la recepción colectiva, de los llamados Bach-Abel Concerts, una iniciativa a la par con el hijo de J.S. Bach, un proyecto asimilable a los Concert Spirituel, de París.  Durante un tiempo, su quehacer pudo acercarse a los modismos de otra de aquellas grandes escuelas, en concreto a la de Manheim

Sara Ruíz, en esta elaborada presentación del Manuscrito Dresel300, con la calidad del trabajo conmemorativo del tricentenario, trae a colación la importancia del compositor, en la plenitud de un barroco en transición, una experimentación en camino hacia el Clasicismo emergente. Sus obras gozan de una elegancia de aspectos preclásicos, a partir de una libertad del lenguaje. En ello primará el virtuosismo de un eminente gambista, siempre apreciado por sus contemporáneos y que con fortuna, la actualidad supo recuperar. La peculiaridad de ciertas ambivalencias, serán elemento a destacar en el grupo de obras incluidas en el Manuscrito Dresel, en el que despliega los mejores argumentos del instrumento solista, con concesiones a la improvisación como hilo conductor. Un factor de importancia, vendrá  por la liberación de peso de la propia escritura. La viola da gamba, a consecuencia de condicionantes históricos, padeció a la sombra durante un largo período histórico, tras haber sentado sus reales dominios por las cortes y palacios europeos. Cada país, en su contexto cultural, una historia con sus dispersas evoluciones. La francesa de Sainte Colombe; la inglesa de William Lawes o la propia del ámbito alemán con las sonatas a  tres- dos instrumentos y b.c.-, de maestros como Franz Biber, térmico aceptado tan para las sonatas da camera como para las sonatas da Chiesa. Músicos de gran calado como Dietrich Buxtehude, Philippe Heinrich Erlebach, merced a la serie de las VI sonate a violino e viola da gamba, col suo b.c. (1694); George Philippe Telemann- el mismo que nos ofreció Sara Ruiz-, y el presente Karl Friedrich Abel (1723/78), con seguridad el más notable y virtuoso de esa saga familiar de tres generaciones, en buena familiaridad reconocida con Johann Christian Bach, inmenso e impagable legado, en dos artistas de clara afinidad electica. Un manuscrito Drexell, que recibimos en una selección de piezas, ofrecidas sin solución de continuidad, comenzando por los movimientos que integran el WKO 186 (Andante), para continuar con páginas repartidas que pasarán desde la WKO 189 (tempo di minuet); a la WKO 212 (Arpeggio); WKO 206 (Allegro); WKO 209 (Preludio arpeggiatto; WKO  191 (Vivace); la WKO 192(Tempo di minuet), cerrándo las WKO 200 y WKO 201.

Ramón García Balado

Vanitas, naturaleza morta, de Salvatore Sciarrino, por Vertixe Sonora, en el Museo de Belas Artes, de A Coruña

 Museo de Belas Artes, A Coruña

Concierto en el Museo de Belas Artes de A Coruña- domingo día 1, las  12´30 h.- presentando el XXV Ciclo de Concertos de Outono, y que interpretará Vertixe Sonora, integrado para esta ocasión por la soprano Yuko Kakuta, el pianista David Durán y el chelista Thomas Piel, poniendo en atriles Vanitas naturaleza morta, de Salvatore Sciarrino. Dos de los músicos son miembros estables de Vertixe Sonora y la soprano Yuko Kakuta, es conocida por otras aportaciones como las ofrecidas con el Plural Ensemble o su visita al Paraninfo de la Universidad de Santiago, con la pianista Yukiko Sugarwere. Se especializó en la Universität der Kunste, de Berlín  tras formarse en Osaka y Kioto. Se estreno artístico lo realizó en Aix- en-Provence, avalando una carrera de repertorio, en la que tienen cabida obras contemporáneas: obras como la presentadas con el Plural Ensemble, de Fabián Panisello; Das Madchen mit den schwefeldhölzen, de Helmuth Lachenmann, en la Berlin Deutch Oper, o del mismo autor, Got Lost, que se dio a conocer en el SWR Freiburg y en el NDR Hamburg.

Vanitas naturaleza muerta de Salvatore Sciarrino, es una con pretensiones escénicas en el estilo de formas tratadas por el autor, con notable aceptación. Vanitas…se estrenó a finales de 1981, en la Sala Piccola de la Scala de Milán, y puede encuadrarse en otras de planteamientos similares: Un´Imagine di Arpocrate, para piano, orquesta y coro; Kindertotenlied (sobre la poética de F.Ruckert), para soprano y tenor (en eco), con orquesta reducida; Flos flowen, overo la transformazione della materia sonora, para coro y orquesta, que recurría a textos sacros de distintas culturas; la ópera Amore e Psique (texto de Aurelio Pes; L´invenzione della transparenza, orquesta y solistas y en especial, por Lohengrin (1982/4), action invisible (la voz no está presente), destacando una soprano/actriz, como en el programa de esta jornada. Perseo e Andromeda (1990), fue obra de recibió una acogida entusiasta.

Sciarrino siempre tuvo mucho de autodidacta en su evolución artística, tras el magisterio seguido con Antony Titone y Ton Belfior, período en el que se integró en la Semana de Nueva Música de Palermo en los sesenta. Seguiría en el Conservatorio G. Verdi de Milán y en el Conservatorio Cherubini, de Florencia, dejando sus primeros trabajos instrumentales y teóricos  que dejarán resultados posteriores como Le figure della música de Beethoven oggi (editado por Ricordi, 1998) o Carte da suono scritti 1981- 2001 (CIDIM- Novecentos 2001). Compañero de travesía de una generación memorable, podrá remitirnos a  creadores vigentes como Gian Francesco Malipiero; Goffredo Petrassi, evidentemente Luigi Nono; Sylvano Bussotti o Niccoló Castiglioni, todos ellos con trabajos para el canto de singular trayectoria. Sciarrino, queda dicho precisamente por Lohengrin, que cuenta con un registro discográfico dirigido por él, en el que destacó la voz de la soprano Daisy Lumini y el Grupo Instrumentale Musica d´Oggi. La asimilación con la ópera wagneriana ni pasa de ser puramente nominal, evocando en lo esencial un paisaje de espacio interior dentro de un largo monólogo, verdadero desafío para la soprano en toda su extensión, precisamente en lo relativo a las urgencias dramáticas y por el tratamiento permanente del estado febril, saturado por obsesivos ruidos que insinúan una recreación nocturna.

Vanitas, naturaleza morta, en forma de trío para soprano, piano y chelo, no queda tan distante en el ideario estético. En su frontispicio, la pieza en acto único, quiere incidir en que resulta una ópera que no es y un vacío que no está vacío. La fragilidad de la vida, sus resonancias, las huellas de lo que no estuvo, la brevedad, esa flor de un día, y ese día que pueden no concluir. En escena, una habitación casi vacía que ayuda a ubicarnos en un lugar inhóspito y desolador, responsabilidad en lo interpretativo que debe cubrir la soprano llevándonos a una situación desquiciante, entre el puro canto y los condicionantes propuestos por la serie de breves textos desde la Introduzzione a Rosa; Marea di rose; L´eco; Lo specchio  in frento (pulvis stellaris) y Ultime rose.  Sonoridades remarcadas por pasajes aislados y frecuentes silencios- tan en los dominios de Sciarrino-, entre amalgamas de sonidos que conceden identidad a la pieza. Una composición de la que en gran medida, será la soprano Yuko Kakuta, consiga trasladar al oyente al límite de su capacidad de recepción sensible. Una composición abocada en sus parámetros obligados a encontrarnos en su momento culmen con un glissando tratado por el chelo, de Thomas Piel, suspiro imprescindible para esa forma de canción impregnada de aspectos escénicos, resultando en definitiva Vanitas, naturaleza muerta, el Vanitas vanitatum que remite al Eclesiastés. Un vacío que intuye la fragilidad de lo cotidiano, su fragilidad insoportable dentro de la desolación con la que recobramos conciencia de la caducidad de las cosas. Sciarrino, había sido reconocido también por obras en el límite de lo vivencial, como su Macbeth, de la Fondazione P. Pierre (Mónaco) o el Premio Feltrinelli (2003) y el Fronteras del Conocimiento del BBVA (2011), en el apartado de Música Contemporánea

Ramón García Balado