Josep Planells Schiaffino, dirige a la OSG dentro del IX Festival Resis

 Palacio de la Ópera, A Coruña

Concierto  de la OSG dirigida por Josep Plannels Schiaffino dentro del IX Festival Resis de  Coruña, en el Palacio de la Ópera. Día 15, a las 20´00-, para ofrecernos obras de Jacobo Gaspar, Georg F. Haas, Wolfgang Rhin y preludios wagnerianos en una sesión que se anuncia como Ars Umbrae, por sus debidas connotaciones. Josep Plannels Schiaffino, colaboró con formaciones como la WDR Sinfonieorchester Köln, la Basel Sinffonietta, el Festival de Lucerna, la Deutsche Radio P.; el Zafrain Ensemble, Remix Ensemble, Bayerisches Landesjugendorchester, Ensemble Modern y otras de nuestro entorno nacional. Fue asistente de Franck Ollu, participando en producciones como  Jacob Lenz de Rihm; Medea, de Dusapin, en el Festspielhaus, de Salzburgo; Oresteia, de Xenakis, en el Theater Basel, tras estudiar con Fred Butkewitz en Berlín y participó en masters de Peter Rundel, Peter Eövöts, y realizó su licenciatura bajo la tutela de Arnulf Hermann y Hanspeter Kyburz, en la Hochschule für Music Hanns Eisler (Berlín), recibiendo asesoramientos de Salvatore Sciarrino, Brian Ferneyhouh, Wofgang Rhin, con el apoyo de la Fundación Alexander von Humbolt. Completó su formación en la Cambridge University,  junto a Richard Causton, obteniendo el XLII Premio Reina Sofía por su obra Metalepsis y ejerce la docencia en la ESMUC, dirigiendo proyectos en el Conservatori del Liceu, mientras continúa con sus labores creativas, en especial dentro del género lírico.

Jacobo Gaspar- Ars Umbrae-, obra en estreno, se una a otras que han recibido excelente consideración como De mar a mar; Ambar o Via Láctea, Haiku espiral, compositor con estudios en el Conservatorio Superior de Aragón, con J.M.López López, antes de doctorarse en musicología en la Universidad de Oviedo, recibiendo premios como un primero Xavier Montsalvatge; el XX Fundación Autor- CDMC; el VI Int. Jurgenson Competition for Young Composers (Moscú); el Valentino Bucchi- Parco della Musica (Roma); un segundo de Povoa do Varzim (Portugal); el Premio de Composición Isang Yun (Seul), mostrando en su evolución un interés por las formas musicales y su uso artístico con las distintas materias sonoras disponibles en la amplitud de los recursos de ese espacio, ideas extraídas del medio natural, mimético o simbólico. La expansión de medios y técnicas instrumentales o la transformación de la propia experiencia de escucha. En un caso, podría recurrir al uso de un pequeño poema en forma de haiku, en el que se siente un abismo similar al que nos embarga cuando reparamos en la dimensión del cosmos o en otro, a una travesía marina referida a la emigración, desde una doble perspectiva, con inspiración en recursos poéticos que nos trasladan en un salto oceánico, marcado por distintos niveles o ideas musicales, tratadas como ondas, en las que destacan detalles de ruido en blanco, para emular el sonido marino, entre trinos y glissandi, una impresión de la idea de fluidez marina.

Wolfgang Rhim- Danza negra y roja: Tutuguri-, creador en la vanguardia y que marcó referencia a partir de su ópera de 1978, basada en un breve relato de Georg Büchner, Lenz, con el título de probablemente sin grandes pretensiones de encubrir influencias, se inclina por ajustarse a un esquema de escenas aparentemente cercanas al Wozzeck,  de Alban Berg, mostrando una disposición operística en el estilo de formalismos más clásicos (rondó, sonata, zarabanda…), apoyándose igualmente en una orquestación reducida, en el contexto de un planteamiento camerístico. El uso  del Sprechgesang, resulta claramente necesario para las piezas en beneficio de otorgarles la entonación precisa, de fuerte penetración psicológica. Un  resultado musical, en sus obras, que llegó a plasmarse en trabajos como Die Veroberung von Mexico, que más que una ópera, dejará la impresión de un trabajo teatral, basado en un proyecto de Antonin Artaud, para el que se valdrá del recurso de instrumentos ancestrales o complementos ruidistas, que reformarán su legado étnico, con tintes expresionistas.

Geog Friedrich Haas (1953)- Dark Dreams- maestro en la exploración de las posibilidades del sonido en amplia gama, dejando la impresión de un continuum, observado en otros contemporáneos, músicos entre los que se encuentran Feldman, Lucier o Niblock, atentos a la indagación en las profundas presencias de las microinterválicas, muy cercanas a colegas de esos medios expresivos que practicaron Aloys Haba o Wyschnegradski, su obra se centra en preferencia por las sonoridades más graves, con previsibles afinidades en lo relativo, a la estética con Giacinto Scelsi, una idea que expresa un interés común, procedente de un magma de raíces ignotas. Obras como Werm wenn ich schriee, hörte mich…Nacht- Schatten, los Cuartetos de cuerda primero y tercero o la extensa pieza instrumental In vain, acercan al oyente predispuesto a probar con las corriente en la onda del espectralismo, siendo obligada la observación de la evolución del sonido, en su comportamiento, ya desde los primeros apuntes, en donde Grisey o Murail mantienen una dependencia de aspecto en cuanto abordan los recursos electrónicos. En Haas, solo se  tiene en cuenta el valor del sonido por sí mismo, y para idea, la pieza Werm Wenn ich schriee, hörte mich (¿Quién cuando yo grite me escuchará? La música, en su esencia, intenta reactivarse, pero sucumbe de manera inexorable, en un juego de flujo y reflujo, cobrando la pujanza por medio de sonidos fundidos encadenados, cubriendo capas instrumentales cada vez más densas.

Richard Wagner-Preludios de Lohengrin, actos Primero y Tercero, además de la Liebestod, amalgamados entre las piezas del programa, ópera de gran espectáculo en la que sobresalen los medios escénicos, desde los comienzos del Primer acto hasta la importancia de la escena final, una ópera que se hace valer por el menor sentido en la evocación lírica de sentimientos íntimos, con una elevada sugestión de misterio, ópera destinada al estreno en Weimar, y que por mediación de Franz Liszt, tendría una consideración precisa en la Corte de Weimar, en el trasfondo, la leyenda del Santo Grial a mayor gloria de sus protagonistas Elsa, hija del último duque de Brabante. Lohengrin, caballero del Santo Grial. Enrique I; Rey de Alemania Friedrich von Telramund, noble de Brabante. Ortrud, hechicera, esposa de Telramund. Un heraldo, entre cuatro nobles y cuatro pajes. Dramatización de un Medievo pintoresco que nos llega en un momento de transición. El Liebestod, de Tristán e Isolda, es una pasaje que se encumbra por sí mismo hasta alcanzar el grado de sobrenatural, el dúo amoroso que responde al texto So starben wir, um ungetrennt, que anuncia un nuevo tema, el Liebestod, en el acto final, tras la muerte de Tristán e Isolda contempla también su propia muerte, en el pasaje Mild und leise, desde la palabra Liebestod. Una música amorosa que encierra la intención erótica, en el marco de una sensualidad cromática, en contraste con la verticalidad diatónica de Kurwenal y los marineros del primer acto.

Ramón García Balado

Alex Alguacil, pianista para el XIX Pórtico do Paraíso, en el Liceo de Ourense

 Liceo de Ourense

Concierto del pianista Alex Alguacil en el Liceo de Ourense dentro de las actividades de XIX Pórtico do Paraíso-día 14, a las 20´00 h-, con obras de F.Liszt, en distintos tratamientos y una selección de piezas procedentes de Goyescas, de Enric Granados. Un pianista emergente que destacó en su presentación en el Carnegie Hall neoyorquino y que colaboró con formaciones como la Orquesta Sinfónica de Castilla y León, la Bergen Philharmonie Orchestra o la Vancouver Symphony O., se presentó en el Palau de la Música Catalana y su más reciente compromiso, es su álbum dedicado a Goyescas, de Granados (Solfa Records) y el álbum Piano Serenade (Aglae Musica), dedicado a obras de Richard Strauss.

Franz Liszt, con las 6 Consolaciones, obras de su etapa en Weimar y que recurren en su imaginario a la poética de Saint-Beuve, que atienden al mismo título, en una encarecida dedicatoria de Víctor Hugo, que serían editadas en la primavera de 1830, piezas que seducirán al compositor por su tono melancólico y su íntima confidencia, dejando en su demanda cierta complejidad en lo relativo a su ejecución, valiendo en especial por su brevedad para concederle sentido al que el pianista sabrá darle el sentido preciso, distante de posibles manierismos propios de la música de salón. El Andante con moto, ofrece una actitud meditativa, quizás un poco solemne, con una fluidez sonriente y esbelta, para pasar al tiempo Un poco più mosso, que evoca vagamente las sonoridades del arpa, para continuar con un Lento placido, muy personal por los pasajes que describe que en cierto modo, recuerda a los Nocturnos de Chopin, con su acompañamiento ondulante y  la forma de resaltar la melodía en la mano derecha, en sus modulaciones desde un apacible y tranquilo Re b M.,  hacia un Fa, preparando la entrada de un amargo La m, que nos traslada a la tonalidad original. Cantabile con devozione, se sitúa en el ámbito de una marcha lenta y ceremonial, un aire de devoción mística, pasando al Andante con grazia que resalta las oposiciones mayor/menor, dentro de un estilo de lied ingenuo antes de entrar con un Allegretto sempre cantabile que concluye la colección, inspirada según pareceres en El arpa eólica del citado Saint- Beuve, y que resalta sus pasajes virtuosísticos. Otro es el Liszt de las transcripciones sobre lieder de Franz Schubert, cuatro de ellos entre los más apreciados por parte de sus entusiastas seguidores. Ständchen (Serenata), lied por excelencia y que ha recibido los tratamientos más atrevidos que poco beneficiarán a la gracia de su musicalidad, una calidad de melodía acariciadora cargada de sutilezas y una perceptible recurrencia de ambigüedades, apoyándose en concreto en  la poesía del joven Rellstab, que descubrirá en medio de otras colecciones, al mismo, pertenecen Liebesbotschaft; Krieger´s Ahnung; Frühlingsshnuscht; Aufenhalt o In der Ferne. Otro de los lieder es Auf dem Wasser zu zingen (Canto sobre el agua)D. 774, que se expresa dentro de un estilo escuetamente estrófico y que nos lleva a una evocación popular por la atractiva desenvoltura en su trazado musical, estamos en unas fechas en las que Schubert encaraba uno de sus ciclos más logrados, La bella molinera, que acapararía un período sustancial de aquel momento en el que mostrará una gran atención a trabajar sobre las poéticas de de escritores afines, de entonces, serán lieder como Drang in der Ferne (Evasión) D. 770 o Schwanengesang (Canto del cisne) D. 774, en esta relación próxima a poetas de distintas afinidades, nos encontramos con Frühlingsglaube D. 686, una dulzura y sensibilidad extremas muy acordes con los estados de ánimo de nuestro compositor, autor de más de seiscientos lieder, para esta pieza, se encadenan dos estrofas idénticas con un curioso ritornello que impone una figura rítmica de notable recorrido, uno más de sus lieder de irresistible encanto antes de encontrarnos con otra de sus perlas Gretchen am Spinnrade  (Margarita en la rueca) D. 118, del que no se conoce una versión manuscrita, tan sólo la editada el 19 de octubre de 1814, en este caso, Schubert volverá a ofrecernos una de sus páginas más entrañables en medio del florecimiento del género que marcará toda una época.

Enric Granados, en una selección de Goyescas su ópera que nos lleva a Goya, precisamente en sus Caprichos, de las piezas para teclado que nos interesan, tendremos el Intermezzo; Los requiebros, una de las más complejas en su ejecución por la abundancia de arabescos y notas ornamentales, con motivos en su elaboración que nos aproxima al mundo de Domenico Scarlatti o de Antonio Soler, dentro de un espíritu más galante con pinceladas en sus divagaciones que nos sitúan en el espacio de la tonadillas, melodías que el músico tratará como propias, comenzando por un detalle de exquisita gracia un poco preciosista y que respira una gran libertad atmosférica que podrá dejar la impresión de una improvisación. La maja y el ruiseñor, considerada como una de sus obras maestras para la que se demanda una actitud de comprensión de cómo se expresan los murmullos de la noche y la impregnación de los perfumes para esta página profusamente armonizada que concluye con trinos del ruiseñor que contesta a la enamorada, sin llegar a romper el encanto, en algunos pasajes nos encontramos con la queja de la maja. El amor y la Muerte, nos deja una balada en la que abundan los acentos dramáticos con indicación Molto espressivo e come una felicità nel dolore (Muy expresivo y como una felicidad en el dolor), pieza bastante extensa y un poco repetitiva que usa además temas ya escuchados en la colección.

Ramón García Balado

Actividades en Contemporáneas, para este mes

 Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

Tres actividades completan el ciclo Contemporáneas abierto el pasado mes de octubre con la actuación del Grupo Instrumental Siglo XX, de Florián Vlashi,  que nos dejaron obras de George Crumb, Kaija Saariaho, Helena Cánovas i Parés y Earl Kim, cuatro  de ellas en estreno, siendo miembros del grupo Adriana Aranda- voz y audiovisuales-; Caroline Bournaud-violín-; Raymond Arteaga-viola-; Millán Abeledo- chelo-; Joan Ibáñez- flauta- y la arpista Alba Barreiro. Mayo recibe las últimas convocatorias con un perfil curiosamente sorprendente por el tipo de actividades, que se distancia de lo común acostumbrado, como pudimos seguir a lo largo de la temporada. Una modalidad complementaria con la Xornadas de Música Contemporánea, que se ofrece en el espacio de fechas más concentradas y que fueron pasando desde las fechas primaveras a las previas a las comunes de temporada, ya en el otoño.  Compostela In-Audita, que reúne a Nacho Muñoz- pianista, compositor y productor-, y a Sol Álvarez – fotógrafa y videógrafa-, estarán en la Sala Mozart del Auditorio de Galicia- día 12, a  las 20´30-, para un proyecto de escucha, documentación y transformación artística del patrimonio sonoro contemporáneo de Santiago de Compostela, que se materializa en una sesión audiovisual de aproximadamente una hora, elaborada a partir de imágenes y sonidos específicos tomados de las rúas y de las parroquias, recogidos durante una Residencia Rega no Gaiás, en 2022. La proyección del filme sonoro, va acompañada por ese concierto con la música preparada por Nacho Muñoz, junto a la realización al vivo del trabajo videográfico de Sol Álvarez. Iniciativa enmarcada en el proceso de investigación artística sobre el sonido y el espacio público denominado Sonic Parkour, una idea del propio Nacho Muñoz, en un trabajo que le ocupó estos últimos años, explorando cómo nos relacionamos con el territorio a través del espacio sonoro, transitando por diversas disciplinas como la antropología, el urbanismo, la arquitectura, el patrimonio inmaterial, las artes urbanas y las visuales, el video-arte, el walking art, o la acusmática. Una recreación musical del imaginario sonoro compostelano, dentro de una especie de incorporación a la identidad y espiritualidad a través de la escucha, atendiendo a sus especificidades sonoras de cada lugar y las sensaciones auditivas que se definen en las variadas localizaciones elegidas. Nacho Muñoz, es creador de la ópera OFF Opera Forte Fonética, un trabajo que guarda afinidades con sus compromisos para el cine, las artes escénicas, los documentales, el video-arte, el teatro o el circo. Fue coordinador del Espazo de Residencias Artísticas Alga Lab, en Vigo, y director de la iniciativa sobre arte y medio rural Verbenas Periféricas, además de miembro del Colectivo Galicia Emocional, con el que promueve diferentes prácticas artísticas en barrios y parroquias, de la Península Ibérica. Sol Álvarez, fotógrafa y videógrafa, centra su carrera en temáticas dedicadas a las artes de esas preferencias, merced a su formación adquirida en Belas Artes, Fotografía Artística y Documental, además de Gestión Cultural, colaborando con compañías de teatro, circo, teatro y danza, desenvueltos en medio de creación facilitada por esos medios y recursos, integrándose en el Colectivo Galiza Emocional, en donde promueve proyectos de participación ciudadana a la búsqueda de la recuperación de la memoria histórica a través precisamente de la imagen y el sonido. Ejerce la docencia en Escolas Públicas, en una práctica que combina creatividad y sensibilidad documental, poniendo como referente ese valor de la memoria, el territorio y en especial, el trabajo de la mujer.

Colectivo Galiza Emocional, en el toman protagonismo de nuevo Nacho Muñoz y Sol Álvarez, junto a Marcos PTT- día 23, entre las 11´00 h, y las 12’ 30 H., un Paseo acústico polo Sarela, Sarela, caudal sonoro, desde a Ponte do Carme até o Muíño de Parente, con la limitación previa de 20 personas en cada paseo, previa obligada inscripción. Sarela Caudal Sonoro, consiste en un paseo sonoro amplificado que permite la escucha atenta y consciente de las múltiples formas del agua, la vida, el paisaje y la memoria da contorna do Sarela, una experiencia inmersiva mediante el sistema Silent Disco, de alta calidad resolutiva, captando y transformando en directo los sonidos del recorrido  y creando una pieza sonora única en cada ruta, para ello, se emplearán distintas técnicas tomadas de los recursos que facilitarán la experiencia, en lo relativo a la captación del audio y aunque más allá de tales medios tecnológicos, el objetivo sustancial es evocar emociones, un recorrido diseñado para conectar con la memoria del lugar, a través de sus ruinas, casas y lavaderos, contando con una persona que oficia como guía del grupo, que propone dinámicas que ayuden a generar contrastes poéticos en el ámbito de la escucha. Los asistentes podrán encontrarse con breves intervenciones artísticas, en forma de instalación, performances o la propia música, a los que se añaden testimonios vecinales, en charla abierta y distendida, incorporando historias presentes y recuerdos que enriquezcan la experiencia en esa búsqueda de un futuro que realmente valga la pena.  Colectivo Galiza Emocional, se manifiesta para el evento en una aproximación al Sarela, lugar que fue alimento y motor de la economía compostelana, desde los tiempos en los que tan solo era unha pequena vila, sirviendo de silencioso testimonio de ese peculiar paso del tiempo, un constante murmullo que singularizaba su entorno, y a ese transcurso el grupo que nos acompañará en vivo, realzará la importancia económica e industrial de esa llamada periferia compostelana, con menor vigencia en la actualidad, pero que nos permite ver esos lugares que con una generosa aceptación, abarca más allá de una simple vista: secretos, intimidades, la importancia del paso del tiempo, que se revelará en esa experiencia compartida, legada por antiguas infraestructuras fluviales, teniendo permanentemente en la memoria, los recursos naturales que aportaba a la ciudad, facilitando los recurso a agua que benefició durante tiempo indefinido a más de 2.200 millones de personas, beneficio que no cesa que beneficiarnos en la actualidad.

Pulso Ensemble- Laboratorio Sonoro Inclusivo- agrupación formada por Sara Méndez- saxos-, Pedro González- violín y multimedia-; María Domínguez- piano y teclados-; Pablo Paz, en percusiones, cerrarán la convocatoria- día 31, en la Sala Mozart, a las 12´30 h-, agrupación nacida en 2019 en forma de continuidad del proyecto Galicia Container, se centra en repertorios de nuevas exploraciones, y participaron en convocatorias por distintos países europeos en colaboración con artistas como Alexander Schubert, Stefan Prims, Michael Bail, César Camarero, Simon Steen- Andersen, J. M. López- López, Fritz Hauser, François Sarhan o Marko Ciciliani,  siendo El Laboratorio Sonoro Inclusivo, un espacio en el que la música contemporánea, dialoga con múltiples miradas y sensibilidades. Proyecto pedagógico, que busca establecer puentes entre sonidos, personas y comunidades, acercándose a la creación artística que por distintas razones puedan estar al margen del medio escénico habitual. Cada uno de sus talleres se convierten  en un lugar de hallazgos en los que sonidos resultan argumentos de expresión, encuentro y transformación, un laboratorio que ahonda en las posibilidades del fomento y el encuentro entre músicos.

Ramón García Balado

Rebecca Saunders: Void, desde las fracturas del ruido

Santiago de Compostela - 30/04/2026

Concierto de la RFG dirigida por Josep Planells, presentando en programa obras de Francisco Domínguez, con Negra sombra, de la serie Cometa, también de Rebecca Saunders, con Void y de Francisco Guerrero, con Coma Berenices, participando como solistas los percusionistas Noè Rodrigo Gisbert y Adèlaïde Ferrière. Noè Rodríguez Gisbert, estuvo en el ciclo Solos do CGAC, un músico que es miembro del Asko Schönberg Ensemble y que colabora con formaciones especializadas en repertorios actuales además de ofrecer su primer registro en cd para la firma IBS Classical. Le escuchamos entonces con un programa que incluía obras de S.Sciarrino,H. Lanchenmann, Rebecca Saunders, Voro García y Iannis Xenakis. Adélaïde Ferriere, estudió en el Conservatorio de París y en el de Dijon, con su padre Didier Ferrière, ampliando en la Academia Regie Pasquier con Pierre Cao, en el CNSM parisino con Michel Cerrutti, y dejarnos un trabajo testimonial en cd, con obras de Philippe Hurel, Bruno Mantovani, R. Rodney Bennett y Iannis Xenakis, colaborando con formaciones como la Radio France Philharmonic Orchestre, dirigida por George Benjamin, la Nationale de Lorena, la Orchestre du Pays de Savoie o la Orchestre Nouvelle Aquitain.

Francisco Domínguez, con estreno de la serie Cometa, es un compositor nacido en Alcolea, que estudió en Musikene, con Gabriel Erkoreka, para ampliar en la Kunst Universität Graz de Austria con Beat Furrer y Klaus Lang, y seguir posteriormente con Helmuth Lachenmann, Ramón Lazcano, Héctor Parra y Alberto Posadas, pianista que nos ofreció en Solos do CGAG en soberbio concierto entre obras de Béla Bartók, G. Ligeti y György Kurtag; recibió premios como el XV Pablo Sorozábal; los VII y IX, Francisco Escudero; el Toru Takemitsu, de 2020; el X Franz Schubert; el XXVI, de la Fundación SGAE, además de incorporarse a la Ac. de la Fundación Peter Eötvös, de quien sería colaborador, actividad que compartirá con Toshio Hosokawa, iniciativa que tendrá constancia en sus participaciones con la Fundación BBVA o la Fundación Juan March. Un poema de Rosalía de Castro tratado sobre fenómenos acústicos como batimentos, sonidos diferenciales y sumatorios que emergían entre interacción de capas, aludiendo por momentos a un juego de imágenes que simularían el viento, el llanto o imágenes literarias, en búsqueda de efectos insólitos.

Rebecca Saunders-VOID, estreno en España, obra en preferencia de la sesión y escuchada en la primera parte,-trabajo que se dio a conocer el 10 del mayo de 2014, encargo de la Westdeurscher Rundfunk y el Wien Modern, participando como solistas dos percusionistas Christian Dierstein y Dirk Rothbrust, con la WDR S. Orchester dirigida por Peter Rundell, una compositora que recibió galardones como el Premio Busoni, de la Kunst Akademie für Arts Berlin; el Ernst von Siemens, el Hindemith del Schelswig- Holstein o el Mauricio Kagel (2015). Había sido alumna de Nigel Osborne y Wolfgang Rihm, quien sería fundamental en su carrera por su profunda sensualidad y por el dominio en el tratamiento de los timbres sonoros, dentro de una complejidad fascinante, preparando con ello la aproximación a la compositora Galina Ustvoskaia, por la variedad tratada por su impulso pasional. La poética de Samuel Beckett, estuvo presente como trasfondo de muchas de sus obras, facilitando extensas explicaciones sobre los textos elegidos, inglesa de nacimiento, reside en Alemania a consecuencia de lo que su evolución artística que la deparado, ya desde obras como Quartet, escrita para acordeón, clarinete, doble bajo y piano, pensada para como una sucesión de objetos sonoros concisos y secos, interrumpidos por períodos de silencio meticulosamente calculados. El silencio se convierte en un elemento tan importante como las propias notas. La importancia de los sonidos sostenidos, la fisicidad del sonido- influencia del último G. Scelsi-, resulta el signo distintivo de su estilo creativo. Preferentemente se mueve entre instrumentos que permiten amplias resonancias, reverberaciones y efectos parejos, que descubriremos en obras como Blue and Gray o la impactante Stirrings still. Capítulo de un tríptico integrado por Still y Alba, cúmulo de momentos fugaces que se superponen sobre violentos arranques de ira, expresados a través de una superficie en la que yace una cacofonía de silencios y ruidos con un potencial de recursos estremecedores, expresados en mayor grado por la pujanza de los recursos de percusión en amplia gama.

El jienense Francisco Guerrero Marín (1951/1997)- Coma Berenices-fue un creador ciertamente autodidacta y que tuvo como primer maestro a su padre, junto a Juan Alfonso García, logrando su Primer Premio de Composición Manuel de Falla (1970) que marcará una tendencia difícil de seguir, por la evolución de su técnica y su trayectoria, que no supondrá calificarle como un innovador a ultranza, ubicándole en un posicionamiento claramente aislado desde ejemplos como Eine Kleine Nachmusik, para guitarra y diez instrumentos de cuerda o Acte préalable, cuyo título refleja esa actitud personal en un estado crítico de su carrera. Desde aquellos mediados de los ochenta, ideará un procedimiento de carácter técnico a partir de la teoría de los fractales- objetos geométricos cuya característica esencial es la autosemejanza a diferentes escalas-, que ya venía poniéndose en práctica desde tiempo atrás, una virtud elaborada desde la economía fractal en una teoría que funciona y proporciona la lógica adecuada de relaciones para sostener su escritura sonora y gráfica. Obra de interés había sido Jondo, para voces masculinas, grupo instrumental y cinta magnética, etapa en la que participó en eventos con Claudio Prieto, Féliz Ibarrondo y Francisco Otero, siendo seleccionado para participar en la Semana Int.Gaudeamus, paso previo a obras como Actus, dedicada a Luís de Pablo.

Fue becario de la Fundación Juan March, dejando proyectos como el Laboratorio Alea y Radio Clásica, junto a Alfredo Aracil, Tomás Garrido y Pablo Riviere, sería uno de los integrantes del Grupo Glosa, especializados en músicas gráficas, dinamizando labores docentes para el Centro para la Difusión de Música Contemporánea y con el Conjunto de Percusionistas Aula 44, dirigido por Juan García Ivorra, se interpretarían Acte préalable, de su propia firma; A chuva que nao cesa (Manel Rodeiro); Acik (Satué) y Zejel (Martínez Fontana). Próximos estamos a ese interés por la matemática, la estadística y la informática, observables en obras como Ars Combinatoria, para grupo instrumental estrenada en el IRCAM, con el grupo L´Itinéraire, de Pierre Boulez, en febrero de 1980, que derivará en trabajos como Rhea, para doce saxofones; Sahara- donde pone claramente el manifiesto de una estética fauve y brutalista, próxima a los planteamientos de Xenakis, para orquesta y para electroacústica-, Rigel, para seguir con Oleada, para cuerdas y Hyades, una producción sonora que aporta la serie Zayin- séptima letra del alfabeto hebreo, que corresponde con el número siete de la cábala- destino a los integrantes del Cuarteto Arditti, en pura consonancia con esa insistencia las teorías de los fractales, que por esas fechas se consolidará como opción de indagación estilística. Proyectos de obligada mención serán la orquestación de la Suite Iberia (Albéniz), de la que dejará escritas seis de sus páginas y esta Coma Berenice , encargo de la Junta de Andalucía para ser estrenada por la Orquesta de Córdoba, dirigida por el cubano Leo Brouwer.

Cierra un ciclo breve e intenso en su música orquestal inaugurado años antes con Antar Atman, marcado por la violencia innata del autor que apenas cede un ápice en un concreto intervalo de tiempo en sus años creativos conformando un discurso de una lógica aplastante a pesar de las conflagraciones a las que fueron sometidas las fuentes sonoras. Capítulo de esas obras orquestales que se culminan con Sáhara, quizás la obra de mayor unidad por su secuencia ininterrumpida. El tono amargo se ratifica en la obra Coma Berenices, marcada por un exacerbado expresionismo. Sus trabajos orquestales se destacan por el empleo de masas sonoras compactas derivando hacia un gusto sistemático acentuado por el uso de clusters, aspectos que encontramos en Ligeti o Xenakis. Coma Berenices, se dio a conocer en una de las ediciones del Festival de Alicante, dirigida por Lucas Pfaff, y era una exposición de sonidos en los límites de la orquesta, empleando en ella sistemas de simulación fractales, métodos matemáticos y computacionales que generan estructuras geométricas complejas, que en el caso de la obra, hacía referencia a una constelación de hemisferio norte.

Ramón García Balado

 

Noè Rodrigo Gisbert / Adélaïde Ferrière.

Real Filarmonía de Galicia / Josep Planells

Obras de Francisco Domínguez, Rebecca Saunders y Francisco Guerrero

Colaboración con el Festival RESIS

Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

https://www.ritmo.es/auditorio/critica-rebecca-saunders-void-desde-las-fracturas-del-ruido-por-ramon-garcia-balado