Xiana Baliñas Vieites, viola, y Francisco Javier Ruiz Rivas, oboe, en el Paraninfo da Universidade

 Paraninfo da Universidade, Facultade de Historia. Santiago de Compostela

Concierto de la EAEM, de las sesiones de Fin de Curso en el Paraninfo da Universidade- día 4, a las 19´30 h-, comenzando por  Xiana Baliñas Vieites, alumna de Natalia Madison, y acompañada por la pianista Eriko Ishimoto, que ofrece dos obras en su sesión comenzando por los Märchenbilder, Op. 113, de Robert Schumann, una de sus obras postreras que pretendía buscar la inspiración en el universo de los Märchen (Cuentos de hadas) de ancestrales leyendas alemanas, producto de su acercamiento sensible a esos mundos imaginarios y que recibirá por sugerencia del viola J. von Wasielewski, antiguo alumno de Leipzig y que le motivará a apuntar en su diario un escueto reclamo Violageschichten (Historias para viola) a comienzos de marzo de 1851. Clara había consultado con Wasielewski para abordar ciertos recortes previos al estreno en Bonn, el 12 de noviembre de 1853, en una sesión ofrecida en el Hotel Estrella de Oro, preparado lo que será la edición definitiva dedicada al virtuoso para una composición que se convertirá en referencia del mundo camerístico, gracias al encanto de sus cuatro tiempos. Nicht schnell (No deprisa), en Re m. en 3/4, muestra una forma de Lied, merced a su talante melancólico sobre un motivo descendente en semicorcheas a cargo del piano que nos lleva al Fa M.   Lebhaft (Vivo),  en Fa M., 2/4, resulta un rondó pleno de energía con ritmo de puntillo, en dobles cuerdas de la viola, alternando episodios intercalados: el primero en Re m., que enfrenta fluidas semicorcheas del teclado hacia un motivo en torbellino junto a la viola y el segundo, en Si b, recibe un tratamiento de canon.  Rasch (Rápido), en Re m., 2/4, se ofrece en estilo de balada en un movimiento perpetuo de tresillos de semicorcheas staccato en la viola, perfilando algunos acordes pronunciados del piano y un intermedio curioso en Si M., a modo de pequeña tregua.  Langsam, mit melancholischem Ausdruck (Lento, con expresión melancólica), en Re M. en 3/8, resulta la conclusión de una pieza que descubre el mundo interior tan personal de su autor y que logra el culmen en este estilo de obras, una especie de canción de cuna emotiva y ensoñadora además de recogida, cantada a la sexta por viola y piano que evocarán futuras obras de su muy apreciado Johannes Brahms, todo ello resuelto en aproximadamente un cuarto de hora.

De Johann Nepomuk Hummel, la  Fantasía para viola y orquesta, en Sol m. Op. 94, obra en dos tiempos:  Andante grave y Andante con moto, especie de entrenamiento en estilo de potpurrí, y que toma como argumento de libre tratamiento el aria mozartiana Il mio tesoro intanto, de la ópera mozartiana Don Giovanni. Era Hummel un músico nacido en Bratislava-entonces Poszony-, cuya obra irá ocupando un segundo plano con el paso del tiempo, aunque su aportación al mundo de la música será fundamental, ya que entre sus alumnos destacarán S. Thalberg, rival de Liszt; Hiller quien dejará testimonios de la vida de Hummel; A. Hensselt, Czerny (profesor a su vez de Liszt); K. Eduard Hartnocht, K. Georg Mangold, Giuseppe Unia y Mendelssohn. Un espíritu artístico que en el conjunto de sus obras, le encuadran dentro del llamado estilo Biedermeier, que floreció en gran medida en la Viena imperial en la primera mitad del siglo XIX, el que corresponde a Schubert, al pintor L. Richter o a los poetas Mayhofer, Gillparzer y Bauernfelds, quienes marcarán tendencias artísticas en el Romanticismo. Previamente había quedado impregnado por el mundo mozartiano, de quien recibió un poderoso influjo o del propio F.J. Haydn, en órgano, detalle que compartirá con Salieri y con Albrechtsberger en acompañamiento y armonía, además de contrapunto, para destacar posteriormente por sus giras europeas en calidad de virtuoso, convirtiendo al piano en su principal destinatario, cuyas materias tratadas desde cualquier punto de vista están ilustradas con multitud de ejemplos en forma de figuras de mecanismo, hasta paulatinamente adentrarse a través de preludios o pequeños estudios explicados de manera clara y con una estudiada digitación, más racional, lo que ayudará a engrandecer su personalidad.

Seguirá Francisco Javier Ruiz Rivas, alumno de Christina Dominik, y acompañado también por Eriko Ishimoto, se enfrenta a tres obras, la Segunda Fantasía para oboe solo, en Si b M., de J.F. Telemann, en tres tiempos: Grave, Allegro, Adagio Allegro, un compositor que debe su relevancia a su iniciativa como fundador del Collegium Musicum, de Leipzig, en 1702, y que destacó por su enfrentamiento con otro gran artista como Kuhnau, rica experiencia que a todos beneficiará en medio de un clima agitado y que se enmarcará en el período de grandeza de Johann Sebastian Bach, llegando a ser maestro de capilla del conde von Promnitz, en Sorau (Polonia), lo que le facilitaría conocer las tendencias emergentes de la música francesa en boga. Telemann, compositor galante, abrirá perspectivas y escuelas en los géneros más diversos, desde su instalación en Eisenach (1708) y tras su renuncia a un puesto en Gotha, acepará el que reciba de Hamburgo, que será primordial, como kantor en el Johaneum y director principal de importantes iglesias, permaneciendo allí hasta el final de su vida. En Hamburgo, dará a conocer obras como la elegida para esta sesión como los XII solos para violín y travesera, con bajo cifrado, seis Scherzi melodici per divertimenti di colore (para violín, viola y continuo o las seis Sonatas a lo Corelli (para dos violines y continuo), modelo de la segura asimilación de aquella manera francesa junto a las formas italianizantes, en esa mezcla de tres estilos bien descritos por el teórico alemán Christoph Daniel Ebeling.

W. A. Mozart- Concierto para oboe y orquesta, en Do M. K. 314-obra del período de Mannheim (1778), un encargo del potentado holandés De Jean (El Indiano), producto también de sus urgencias económicas, lo que le obligará a tomar en préstamo material precedente de los años de Salzburgo como el Concierto para oboe K. 271 k. (definitivamente perdido), arrastrando la leyenda de que el demandante conocía ya aquella obra, incumpliendo su palabra ya que sólo pagó la mitad de la cantidad pactada. Avatares de época que veremos reproducirse con mayor frecuencia de lo imaginable. Escucharemos el Allegro, tiempo que para Della Croce, por su ímpetu espontáneo, se abandona a la melodía que nos deparará el tiempo siguiente, hacia a un pintoresco y asimétrico trazado en el final, que puede acercarnos a los conciertos para violín, de 1775. Será un período en el que su padre Leopoldo, le estimule para que se traslade a París, en donde tendrá más posibilidades de resolver sus apuros económicos, cerrando así las supuestas comodidades recibidas por De Jean.  

Richard Strauss- Concierto para oboe y orquesta op. 144, en sus tiempos Andante; Vivace y Allegro, año de vivencias en Suiza  durante el otoño de 1945, período de amargas circunstancias de quien había engrandecido s imagen artística gracias a sus ópera s sublimes y en el espacio de la música instrumental por poemas sinfónicos como Ein Heldenleben Op. 40; Don Quijote, para chelo principal Op. 35; Also sprach Zarathrusta Op. 30 o Till Eulenspiegel Op. 28, auténtico capricho para las grandes orquestas. La obra que nos afecta fue estrenada por Volmar Andreas, con la prestigiosa orquesta de la Tonnhalle (Zürich), ambos dedicatarios de la misma, con ayuda del oboísta Marcel Saillet, y con la curiosa aceptación por parte del compositor de que era un trabajo ganz nett, por sus cualidades precisas en la propuesta gracias a su estilo aderezado que presume una recreación elaborada en su acercamiento a un depurado clasicismo, sabia ilustración para la que recurrió a un orgánico de dos flautas, un corno inglés, dos clarinetes, dos fagotes, dos trompas y cuerdas acordes con el equilibrio buscado, en detalles como el pretendido en el Vivace, rápido y rapsódico, marcado por todos los elementos temáticos o el libre Allegro de conclusión, tras una corta cadencia tratada brillantemente sobre un ritmo de siciliana.

Ramón García Balado

Resignificacións: José Iges, Ana Vega Toscano y Concha Jerez, en el CGAC

 Centro Galego de Arte Contemporánea, Santiago de Compostela

Concierto que completa la serie Resignificacións. Performances, Mesa redonda e concerto que se completa con Préstame 88, en el CGAC- día 3, a las 20´00 h-, del que serán protagonistas la pianista Ana Vega Toscano, también responsable de las locuciones; Concha Jerez, performer y José Iges, locución y mezclas.  Un proyecto que tuvo un primer eslabón es pasado mes de febrero, con la performance intermedia de Iges y Concha Jerez para continuar en el mes de abril- día 24-, con la performance de Iges Dedicatorias: Presentacciones, una conferencia expandida basada en un trabajo permormativo basado en una selección de sesenta obras sonoras de un minuto que concedían contexto al proyecto y en los dominios de Concha Jerez- día 25 de abril-, una mesa redonda compartida con Iges, junto a diversos participantes: Gloria Picazo, Miguel Álvarez Fernández (artista sonoro y compositor, a la par de musicólogo, comisario de proyectos de ensayos sonoros. Como moderadora, Alicia Murría, comisaria de dicha exposición, como crítica de arte y fundadora de la revista Artecontexto, entre 2004/23.

La actividad que se anuncia en puertas abiertas en el CGAC, se sustenta en los artistas citados, José Iges, Concha Jerez y Ana Vega Toscano. José Iges, es también ingeniero industrial y doctor en ciencias de la información, iniciándose en el Laboratorio ALEA madrileño, y posteriormente en la Université de Pau (Francia), para seguir en los cursos de Técnicas y Análisis Musicales Contemporáneos que impartía el maestro Luís de Pablo, en el Real Conservatorio Superior de Música entre 1977/9, pasando en años siguientes a ejercer como miembro del Seminario de Arte e Informática (SAGF-M), Centro de Cálculo de la Universidad de Madrid y proseguir entre 1974/84, en el Colectivo ELEFANTE. En calidad de compositor e instrumentista, colaboró asiduamente con profesionales especializados, tanto individuales como en grupo, con personalidades como Esperanza Abad y la que tendremos como compañía Concha Jerez, colega a lo largo del ciclo al que asistimos, realizando sesiones radiofónicas, conciertos intermedia, videos o fotomontajes, en complemento con especialidades en el espacio del ars sonora. Produjo unas cien actividades dentro de este rango, con ejemplos de notable divulgación, entre los que sobresalieron los muy divulgados Ars Sonora, de Radio Clásica, recibiendo por ello galardones como el Prix Italia de Radio (1991) por  L´Escalier des Aveugles, de Luc Ferrari; un II Premio del Prix Radio de Brno (1988), por Palmeros; el Förderpreis del Karl-Sczuka-Preis (2005), con Call me yesterday, de Antje Vowinckel, llegando a producir una serie de cd´s Broaden/in/Gates (1992);  Ríos Invisibles  (1994) y tomar la dirección de los Encuentros Ciudades Invisibles (Madrid), Radio Horizontal, compartidos como miembro del Forum Ars Acústica, de la  UER y coordinador del mismo entre 1995/2005. Su dinamismo se proyecta en abundantes participaciones de crítica especializada en medios como La Caixa; la AMEE (As. de Música Electroacústica de España); la Universidad de Bogotá; Sta Mónica (Barcelona); Universidad Carlos III (Madrid); Bienales Latinoamericanas, con un punto de inflexión el revistas como Urogallo, Scherzo, Doce Notas, Ritmo, The New Grove Dictionary of Music and Musicians, Transversal, un monográfico dedicado a Luigi Nono y su tesis doctoral dedicada al Arte Radiofónico. En 2018, realizó para la Fundación Juan March, su indagación Escuchar con los ojos, además de ofrecer al año siguiente una organización de ciclos sobre arte sonoro SEM (Sonidos de Equilibrios Metaestables). Fue autor con Concha Jerez, de la serie de programas radiofónicos MONUMENTOS DEL ARTE SONORO, producidos por la Fonoteca Nacional de México (2011), que tendrá confirmación posteriormente en el estreno de la Ópera- Fluxus El Jardín de las Delicias, de Wolf Vostell (Museo Vostell Malpartida, Cáceres).

Concha Jerez (1941), pasó parte de su vida en el Norte de África y cursó estudios en el Conservatorio Superior de Madrid, logrando una  beca para ampliar en Arlington (USA), en 1958, antes de dedicarse en su vuelta a las prácticas artísticas, destacando en especial la pintura y probar con trabajos con distintos materiales que alternará con tachaduras y otras licencias de ingenio, aspectos que sabrá usar para cuestionar las presiones de la censura y las violencias que condicionaban esas ansias de libertad. Abundaron los escritos ilegibles, desarrollados con actitudes en el contexto de las performances, práctica habitual que vinculará al arte con el video y las instalaciones. Fue distinguida con la Medalla de Oro de las Bellas Artes (2010); el Premio Velázquez de Artes Plásticas (2017) y el Nacional de Artes Plásticas (2015).

Ana Vega Toscano (Huelva, 1958), es pianista y musicóloga, además de compositora con relumbrante experiencia, con estudios en la Universidad Complutense de Madrid, además de su paso por el Real Conservatorio de la Capital, en la especialidad de piano, composición, órgano y musicología, recibiendo el Premio Extraordinario de Fin de Carrera, tras disfrutar de asesoramientos de Pedro Espinosa y en la especialidad de baile flamenco, con María Magdalena y Sara Lezana, llegando a ser becada en prestigiados cursos internacionales, mientras cuidaba sus labores como intérprete e investigadora, abarcando escuelas y estudios de época, en la que cobran especial relieve las tendencias contemporáneas, como observamos en sus proyectos de temporada, a través de las Fundaciones que están en mente de los buenos aficionados, compartiendo oficios con músicos de su generación. Grabó trabajos modélicos como el dedicado  a los músicos de la Generación del 27 (Tecnosaga); o la integral para piano del compositor Alberto Núñez, para la misma productora y de la compositora M. Escribano (U.M.) En este apartado, el trabajo una Antología del piano español (RTVE); el Piano en el salón romántico (SEdM), participando como solista en el doble cd, en conmemoración del XXX Aniversario de Radio Clásica, medio de divulgación que le resulta particularmente familiar, con el que quedaría como finalista en los Premios Autor. Colaboró como intérprete en espectáculos de gran relevancia, entre los que merecen mencionarse Zambra 44. 1; de Adolfo Núñez; La risa de los huesos, del poeta José Bergamín; Préstame 88 (1995), obra en reclamo para el programa de esta tarde, encabezado por José Iges y Concha Jerez. Vega- Toscano no nos priva de encontrarla en renovadoras ambiciones en los espacios mediáticos y transgresores, que se reflejan en festivales de todo rango en los que se valora de forma primordial el criterio de la improvisación como argumento de guía. Es autora de estudios críticos presentados en publicaciones como las que ofrece el ICMM (Instituto Complutense de Ciencias Musicales), siempre con la garantía profesional de Emilio Casares Rodicio, y también la edición revisada de Canción y danza, de Joaquín Rodrigo, estrenada en el Auditorio Nacional de Música de Madrid. No olvidaremos labores suyas como los programas de Radio 3; los de Radio Clásica; La Caja de Pandora; Música y Arte; La Hora Española; Música Acuática o Café Concierto.

Ramón García Balado

Florentin Ginot: Obstinate para el VIII Festival Resis de A Coruña

 A Domus, A Coruña

Conclusión del VIII Festival Resis de A Coruña, en colaboración con la Fundación Ernest Von Siemens, en A Domus-día 31 a las 20´00 h-, con el protagonismo de Florentin Ginot, y un programa entre obras de Stefano Scodannibio, H.Lachenmann, G. Aperghis , Sarah Nemtsov, Clara Iannota además de una adaptación e improvisación realizada sobre la tradición ancestral de las Cantigas de Afonso X (El Sabio) y los barroquismos de Marin Marais, a través de fragmentos del Livre de pièces pour viole.  Una mayoría de obras estreno a cargo de este contrabajista que se consolidó como solista en el Ensemble Musikfabric  y que probó experiencias junto Rebecca Sounders, G. Kurtag o H. Lachenmann, dándose a conocer en lugares como la Cité de la Musique, Berliner Festspiel, Festival Présences, L´Auditori de Barcelona, la Biennale de Venecia, Filharmonie Kölner, Festival de Strasburgo, Sacrum Profanum (Cracovia) o Ultima Oslo. A partir de 2019, inauguró además una serie de colaboraciones con artistas implicados en sobrepasar fronteras, incluyendo al productor Helge Sten (Deathprod), el compositor Stefan Prins o la compositora palestina Kamyla Jubran y la actriz Valérie Dréville, realizando su primer registro Bach- Biber  (2022), acercando el barroco para contrabajo y sintetizador preparando su aparición en solitario en la Philharmonie de Paris, centrado en ese proyecto además  de ofrecer actuaciones en el Jazzdor Strasbourg,  y en el Festival St. Denis. También se presentó en dúo con el guitarrista eléctrico Yaron Deutsch y en esa dimensión de amplios recursos con su trabajo Disturbance, combinando sintetizadores analógicos modulares con instrumentos tradicionales durante su residencia en el programa AIR (Krems, Austria), estrenado en el Théâtre de la Cité Internationale, y ya que este período destaca como asociado con el Centro Coreográfico Nacional (Caen). Es fundador de HowNow, una productora que promueve la coparticipación con las artes escénicas contemporáneas.

Programa con obras en estreno o adaptaciones tomadas de improvisaciones de esa tradición del Medievo de la Cantigas de Afonso X (El Sabio), o de fragmentos del Livre de pièces pour viole, de Marin Marais, esenciales en la serie de los cinco libros publicados (además otras piezas sueltas), en las que se incluyen suites de danzas típicamente francesas que suelen comenzar con un Prélude mereciendo interés el Primero Tombeau pour M. de Méliton, conmovedor homenaje a otro virtuoso talento y discípulo de Sainte-Colombe. Marais estaba influenciado por los grandes virtuosos ingleses al igual que sus congéneres franceses por lo que al final solía añadir una serie de divisions on a ground o variaciones para bajo. Una característica inmediata será su simetría, , su hermoso sentido del fraseo y la armonía, en la búsqueda de un equilibrio de tales piezas maravillosas que competirá con la de Sainte-Colombe, Dubuisson o Hotmann en un conjunto que abarcará un grupo que se aproxima a las 600 piezas repartidas en el conjunto de estos Livres pour viole, editados a lo largo de su vida, que intérpretes actuales llevaron a su mejor dimensión desde Jordi Savall, a Jérome Hantaï, Paolo Pandolfo o Marianne Muller, Ton Koopman, Hopkinson Smith y Christopher Coin.

Stefano Sconnibbio- Farewell-, nacido en Macerata antes de retirarse a Cuernavaca (México), fue un importante contrabajista que tuvo una carrera intensa por los géneros cultivados siempre bajo la inspiración en el mundo de las letras desde Lezama Lima, a J.Cortázar, Giorgio Agamben o Deleuze aunque la vida le reservase un futuro amargo al padecer ELA- esclerosis lateral amiotrófica-, que le condenó el resto de su corta vida, razón por la cual decidió trasladarse a Cuernavaca. Había sido alumno del contrabajista Fernando Grillo y en composición  de Fausto  Razzi y Salvatore Sciarrino, ampliando en medios electrónicos con Walter Branchi y en Historia de la Música, con Michelangelo Zurletti. Los comienzos con el contrabajo, se centraron en explorar las posibilidades del sonido a través del uso de armónicos en cada parte de las cuerdas o la posición baja y media del diapasón, en ello tendrían que ver músicos como Giacinto Scelsi, Luigi Nono, John Cage, Terry Riley, Iannis Xenakis, Brian Ferneyhough, Julio Estrada o Franco Donatoni. Con Riley, en un encuentro buscado, tuvo una experiencia clave, quien se impresionaría por su estilo que sonaba como un sarangui (instrumento de cuerda frotada indú), realizando juntos el cd A Lazy Afternoon among the Crocodiles. También destaca su colaboración  con Luigi Nono, en su ópera  Prometeo y con Julio Estrada, la versión  radiofónica de Doloritas- inspirada en Pedro Páramo-, o con Brian Ferneyhough, la obra para contrabajo Trittico per G.S. y con John Cage, el compromiso Ryoanji.

Helmuth Lachenmann-Tocattina Helmuth-, el autor de Gran Torso o Accanto, dentro de su lenguaje que no busca el detalle sino  es en función  del conjunto nacido a través de una estética aparentemente feísta basada en el ruido. Cada efecto tiene su función en unas composiciones en las que el ambiente, la atmósfera de inquietud y el desasosiego se sitúan en plano primordial, mostrándonos una estética que en la dimensión de sus asperezas y en su rechazo de la autocomplacencia, se aproxima a las sonoridades de Iannis Xenakis o la trascendencia mística de G. Scelsi, un lenguaje abocado claramente a la provocación ante la recepción del oyente, obligándole a tomar posicionamiento frente a sus obras, tratando la serie de los ruidos sobre los que trabaja, con  una intención analítica y estructural en una ambición por liberar ese material sonoro en su planteamiento estimulante.

Georges Aperghis- Obstinate, pieza que da título al programa-, es un músico que con creces abunda en los elementos teatrales y gestuales, en calculado añadido de lo que serán auténticos signos de ruptura en los posicionamientos de vanguardia, que se acrecienta en plenitud sobre el espacio escénico, una propuesta para ser escuchada o especialmente vista. Voz y movimiento juegan entre los cuerpos como modelo trascendental en este compositor griego que forja el conjunto de sus obras al cuidado de esa dimensión escénica, con una atención estudiada hacia el mundo de la poesía sonora, tentada de recrear nuevos con conceptos que remite al estilo de la Commedia dell´Arte, en piezas como JoJo o el sincretismo desarrollado en el Sextour. Obras pues, en especial las instrumentales, pensadas dentro del espacio teatral, siempre apreciable en el conjunto de su legado.

Clara Iannotta- A blur of fur and bone-, formada en el Conservatorio St. Cecilia (Roma), en donde estudió flauta, se benefició de encuentros personales con Alessandro Solbati (Milán), Yan Maresz (IRCAM), Franck Bedrossian, Chaya Czernowin y Steven Takasugi, disfrutando de un patrimonio de obras en las que proyecta el campo de la experimentación musical. Entre ellas: Il colore dell´ombra (trío con piano); Al di là del bianco (clarinete bajo y trío de cuerdas); Limun (violín, viola y otros complementos; Clangs (chelo y 15 músicos); D´après (7 músicos) o Glockeniesserei (chelo y electrónica), manteniendo en su conjunto una determinante teatralidad y un apoyo en el uso del material sonoro en diferentes configuraciones en cuanto a la puesta escénica y aspectos técnicos en el tratamiento de los instrumentos a través  de un enfoque auditivo microscópicamente afinado, hacia una dicotomía marcada por un formato accesible para la capacidad receptora.

Sara Nemtsov- G´vurah- estrenó obras con la Deutsches Sinfonieorchester, Berlin Music Chamber, Klangforum Wien, Neue Vocalisten Stuttgart, O. Barroca Finlandesa, RSO Viena, Cuarteto Diotima, Trio Boulanger, Tonhalle Zurich o Arditti Quartet, al tiempo que trabaja con directore/as como Joana Mallwitz, Baldur Brönnimann, Manuel Nawri, Bas Wiegers,Michael Wendeberg, Franck Ollu, Peter Rundel, Johannes Kalizte o Ilan Volkov, asistiendo a certámenes como Darmstadt Summer Course, Munich Biennale,  Bregenzer Festspiel, Acht Brücken, Fest. Klanspuren Schwaz, ISCM World New Music, Holland Festival, Wien Modern o Essen NOW. En su obra, la literatura juega un rol esencial en calidad de inspiración en la que también aparece el teatro, resaltando los recursos audiovisuales. Había tenido como maestros a Johannes Schoellhorn (composición), Klaus Becker (oboe), y a B. Glaetzner (oboe), realizando el postrado de composición con Walter Zimmermann, en la Kunstuniversität Berlin. Entre sus obras: L´ Absence, ópera compuesta entre 2006/8; Sacrifice, para la Opera Halle, el ciclo HAUS, destinado un espacio insólito como una fábrica de turbinas (Bochum); el proyecto Mekoton, para una gira de conciertos, además de las compuestas para instrumentos diversos, procedentes de encargos personales.

Ramón García Balado 

Graffiti, de Unsuk Chin, estreno en el Festival Resis, en el Palacio de la Ópera de A Coruña

 Palacio de la Ópera, A Coruña

Fabián Panisello dirigirá a la OSG en el Palacio de la Ópera de A Coruña, dentro de las actividades del VIII Festival Resis, reservándonos en programa el estreno de Graffiti, de Unsuk Chin, junto a Metástasis de Iannis Xenakis y Tramuntana, de Gabriel Erkoreka- día 30, a las 20´00.-, un director prestigiado por sus labores con el Plural Ensemble, al que seguimos en propuestas como Poñer o foco, en las Xornadas de Música Contemporánea de 2022, este argentino destaca igualmente por su presencia en distintos países europeos y citas como las de la Fundación BBVA, siendo al tiempo profesor en la Escuela Reina Sofía y en el China Conservatory. Fue compositor en residencia de certámenes y academias como las que se convocan en Graz, Nueva York, Buenos Aires, Beijing, México o Leuk (Suiza). Tuvo como maestros a Francisco Kröpfl y Julio Vera, en Buenos Aires y a Boguslav Schaeffer, en el Mozarteum de Salburgo, completando experiencias como Elliot Carter, Franco Donatoni, Brian Ferneyhoug, Peter Eötvös o Luís de Pablo, recibiendo galardones como el Mozart Erben (Salzburgo), el Würdigunspreis (Austria) o el Rodolfo Halffter (México), entre importantes encargos recibidos de instituciones como Alte Oper Frankfurt, Festival  de Donaueschingen, Teatros del Canal, y de su ámbito creativo merecen mención Le Malentendu, para el Teatro Colón (Buenos Aires), obras de cámara para el Cuarteto Arditti o Ensemble Modern; Les Trois Mages, coproducción con la Fundación Ernest von Siemens, para un apartado del que queda constancia a través de las productoras NEOS; Col legno; Cypres; Columna Música o Verso.

Iannis Xenakis- Metástasis-, raíces griegas y asentamiento parisino y que llamaría la atención precisamente desde composiciones como Metástasis, tras su estreno en 1953, dignificada en su planteamientos estéticos por resultar especialmente atronadora, en sus anclajes definidos por una precisa organización de las masas de sonidos que, desde una perspectiva propuesta quedará asociada a los patrones de Gÿorgy Ligerti- Atmosphères-, resultando una obra de complejidad polifónica opuesta a determinismos marcados por la percepción puntillista de la pujante impronta serial, la misma que obliga a distinguir la sucesión de notas independientes. Xenakis, autor también de Lontano, guarda en mente el fluir de los sonidos llevados aspectos casi imperceptibles. Metástasis, definida por una partitura en forma de gráfico, es objeto de un destino que sugiere al oyente una actitud que se avenga a la totalidad del espacio sonoro, abriendo con ella un posicionamiento que como respuesta, tuvo una aceptación inmediata y que en el entorno de sus parámetros, pretende el reconocimiento de claros efluvios de mediterraneidad, que por detalles imaginables, nos traslada a la imaginaria sensibilidad de los ancestrales mitos griegos. El juego de alternancia de tensiones, remite a tales patrones entre la claridad y las penumbras. Una música que ahonda en esas tensiones, remarcadas por los aspectos tímbricos en manos del grupo instrumental alcanzando por necesidad el límite de esas posibilidades que nos cercan en un intenso estado ferviente a la búsqueda de ese imaginario fuego latente. Olivier Messiaen, su maestro, será fundamental dentro de esa evolución en el espíritu de las vanguardias, ya posicionado como creador que también sabrá acercarse al arquitecto Le Corbusier, con quien colaborará en el Pabellón Philips, de la Exposición Universal de Bruselas, el mismo en el que Varese estrenará su Poème électronique.

Unsuk Chin- Graffiti, en estreno- compositora coreana que recientemente presentó Súbito con forza-, en estudios en la escuela de Gÿorgÿ Ligeti, en Hamburgo y especializada en músicas electrónicas y acústicas, con obras que han merecido la atención la O. S. de Chicago, la O.S. de Los Ángeles o la O. F. de Berlín, recibiendo galardones como el Grawemmeyer Prix; el Premio Arnold Schönberg, el Wihuri Sibelius, el Ernest von Siemens, el Musical Léonie Sonning, destacando en su producción por obras como el Concierto para violín y orquesta; Acrostic- Worldplay, para soprano y grupo instrumental; Alice in Wonderlad, ópera en ocho escenas, trabajando en un lenguaje cercano al oyente y en el que destaca el uso de una instrumentación cuidada en cuanto al color ofrecido por los instrumentos; juegos de luces, una belleza abstracta, una escucha fluida y una grata amabilidad, fruto de los resultados compartidos como artista en residencia de La O. Filharmónica de Seul, en la que promovió el Departamento de Música Contemporánea. En ella encontramos una confluencia de influencias orientales y occidentales, en las que tienen cabida Toshio Hosokawa (Japón) y Wenchen Qin (China) además de lo magiar de Ligeti, durante tres años, dentro de una exasperante convivencia, apartándose de las exigencias de las urgencias postseriales que bien podrían defender alumnos del círculo de Darmstadt. The Unsun Chin Edition, es un trabajo en doble cd, que nos deja perfecta idea de esa proyección artística: El Concierto para violín; el Concierto para chelo; Le silence des Sirènes; el Concierto para piano; Chorós y Rocaná, con interpretaciones de Christian  Teztlaff (violín); Alban Gerhardt (chelo); Barbara Hanniggan (soprano); Sungwook Kim (piano), con la Berliner Philharmoniker/Simon Rattle, Myung- Whung Chung, Sakari Orampo y Daniel Harding, cumplen todo perfecto documento de una excelente trayectoria que complementa un formato audiovisual. Explosiones de color y una vitalidad salvaje que confirman los atributos de la compositora para una actitud que tiene poco de contemplativa.

Gabriel Erkoreka- Tramuntana (2017)- composición encargo de la SGAE/AEOS, en el XII Concurso de Dirección de Orquesta de Cadaqués, obra estrenada en L´Auditori de Barcelona el 18 de diciembre de 2017, bajo la dirección de Nuno Coelho, añadiendo el Concierto para violín de Chaikovki, con Daniel Lozakovich, para repetir en 2023, con la O.F. de Oviedo con Lucas Macías. Composición que se expresa a través de una serie de modulaciones métricas y técnicas extentidas, dentro de una recreación atmósfera manejada por el enfrentamiento de secciones de cuerda y viento, además de una aproximación en algunos pasajes a las tradiciones de la música catalana, tratada por la llamada del flabiol. Intensidad de dinámicas enfrentadas en esa búsqueda por cierta inestabilidad sonora que alude a una recreación ambiental permanentemente agresiva. Erkoreka estudió con Bernaola en la Escuela de Música Jesús Guridi (Vitoria) y en piano con Albert Nieto, Joaquín Achúcarro, Salomon Mikowski, Elza Kolodin y Malcolm Frager,  antes de trasladarse a la Royal Ac. of Music (Londres), en donde también sería profesor, para ampliar con Christopher Elton, estudiando composición con G.Ligeti, F.Donatoni, Luis de Pablo o H.Birtwistle.  Entre sus obras de interés: Nubes y Krater, sobre inspiración en las fuentes de la naturaleza, con notable ascendente en estructuras contrastadas y dramáticas; Akorda o Saturno, un estilo peculiar de orquestación; Kantar, que recurre al folklore vasco; Famara, inspirada en aires ancestrales de La Gomera y El Hierro; Cuatro diferencias, a partir de un tiendo de A. de Cabezón o Akorda, puesta en atriles  por la O.S. de Bilbao y un manifiesto de los recursos expresivos merced a la incorporación del acordeón como protagonista primordial.

Ramón García Balado