Suite Circo, de Manuel Otero Payno, estreno en versión para banda, dirigida por Casiano Mouriño Maquieira

 Teatro Principal, Santiago de Compostela

Concierto en el Teatro Principal de Santiago- día 27, a las 12´00.-, dirigida por su titular Casiano Mouriño Maquieira, para abordar dos clásicos con procedencia jazzística, a los que recibimos con cierta frecuencia, un maestro de la vieja escuela española, en cuanto a la dirección y la composición, Ricardo Villa, con la Gran fantasía española y el homenajeado de la jornada, Manuel Otero Payno, del que se estrena la Suite Circo, en versión para banda, en sus tres tiempos: Funambulista,  Ilusionista y Clown. George Gershwin,  con Un Americano en París, en arreglo de J. Schyns, en principio esa forma de poema sinfónico tan arraigado y que se presta a vistosos arreglos cuyo estreno nos traslada al Carnegie Hall neoyorquino el 13 de diciembre de 1928, bajo la atenta observación de una batuta de gran prestigio, Walter Damrosch, culmen en este estilo del que recibimos ejemplos en obras como Porgy & Bess, la Rhapsodie in Blue o la inabarcable serie de songs que representarán el sentir de toda una época. Un americano en París, será para el autor ese paseo distendido por las calles parisinas y que con todo, en lo musical, no dejará de suscitar curiosas controversias ya desde su comienzo plagado de sugerencias a través de su paseo pour les Champs Élisées,  marcado por peripecias en puro vagabundeo que no cesa de impresionarnos por sus audacias. Detalles como el blues central; ciertos exotismo de libre ingenio en cuanto a tipismos americanos, el solo de trompeta con sordina, exotismos a la parisina y especialmente por la propuesta de una instrumentación en la que sí reconocemos al autor, impregnado de esas influencias jazzísticas que alimentan el conjunto de su legado: el sentido del ritmo, instrumentos como el glockenspiel, el xilófono, la marimba y otros que contribuyen a la recreación de la necesaria ambientación sonora.

Para mantener el pulso ya en el comienzo, la obertura del musical Candide, de Leonard Bernstein, en arreglo de G. Grundman, Candide, un musical destinado al Martin Theatre Beck neoyorquino, escrito a través de un libreto de Lilliam Hellmann, quien remitiría al clásico de Voltaire, en curiosa modernización en versión revisada para convertirse en un clásico del musical americano con todas sus virtudes que se manifiestan desde la obertura que se nos reserva, con su distendida fanfarria, tan típica de ese estilo musical, y que nos conduce directamente a la cascada de frases ascendentes y descendentes dentro de un talante jocoso y humorístico, en el que no faltan citas de otras obras, como la popular Glitter and be gay, hasta un ritmo in crescendo. Leonard Bernstein, había sido aquel talento que igualmente marcaría época desde su debut con la New York Philharmonic O., en 1943, sustituyendo al mítico Bruno Walter. Su destino quedaba trazado como uno de los grandes entregados a estos géneros con títulos como On the Town; Wonderfool Town y especialmente por West Side Story. El musical como cabeza de serie, al que no faltarán estilos parejos: Fancy Free; The Dybbuk Variations; A Quiet Place y en la distancia, Chichester Psalms, para coro y orquesta. La ópera, como es sabido, fue otro espacio en el que se prodigó con fortuna, dirigiendo a  grandes divos en  los principales coliseos internacionales. Destacan por lo mismo, sus apreciados arreglos o los compromisos para el mundo del cine, como On the Waterfront (La ley del silencio) o sus trabajos de investigación teórica.

Manuel Otero Payno, con la Suite Circo: Funambulista, Ilusionista y Clown, obra en estreno para banda, compositor apreciado por trabajos como Ápeiron, ofrecido con  nuestra Banda Municipal y con inspiración en la cultura de los clásicos griegos. Trabajos como el incluido en las Xornadas de Música Contemporánea  de 2022, Poñer o foco, en las que colaboró la JONDE, bajo la dirección de Fabián Panisello, en cinco de las propuestas, reservando una de ellas para nuestra Banda Municipal dirigida por David Fiuza Souto, en una propuesta titulada Novos Vieiros, en A Praza da Quintana, con un programa repartido entre cuatro compositores. Manuel Otero Payno, había presentado precisamente Ápeiron, junto a Iacobus-Symphony nº 1, de Raúl Martín Niñerola; la Sinfonía Galega, de Miguel Rueda Carpio y A pedra moura, de Israel Quintás Alonso. Un programa que respondía al reclamo del ciclo Sinerxias, de temática exclusivamente gallega. Para aquellas Xornadas, un ideario que avanzaba un itinerario renovador, con esa incorporación de la JONDE, con excelentes resultados, por sus sesiones JONDE FOCUS, o el homenaje a Carlos López García- Picos, con la RFG, dirigida por Maximino Zumalave, en sus obras Sindy, A. 31 y el Concierto para piano y fagot, del que serían solistas Javier Ares Espiño y Álex Salgueiro, miembro de la OSG y del Quinteto Zoar.

Ricardo Villa (1873/ 1935)- Gran fantasía española, en sus dos tiempos: Molto moderato y Molto tranquilo-,director y violinista se formó en un ambiente musical probando de joven como miembro en orquestas capitalinas como la del Teatro Real y la de la Sociedad de Conciertos en donde colaboró con importantes directores. Pronto recibió el reconocimiento de obras como la Misa a cuatro voces con orquesta (1898) y la Suite sobre temas asturianos, galardonada por la Sociedad de Conciertos de Madrid. Fue autor de óperas y zarzuelas además de páginas sinfónicas y para piano y orquesta. Dirigió a la Banda Sinfónica de Madrid desde su creación en 1909, alcanzando una gran celebridad tras la ocupación de la plaza de concertino realizando numerosas transcripciones que mantendría con el Teatro Real, en una sesión en los Jardines del Retiro. El empresario Luciano Berriatúa, proyecto la creación de un Teatro Nacional de Ópera, encargándole un poema de Joaquin Dicenta, que resultaría la ópera Raimundo Lulio, que se presentaría junto a otras de Tomás Bretón y Ruperto Chapí. Fue nombrado director del Teatro Real en el que realizó una importante labor, en la que colaboraría en la divulgación de voces en promoción además de la promoción de estrenos, de los que la SGAE conserva cinco obras líricas a su nombre: Raimundo Lulio; El Cristo de la Vega; El Patio de Monipodio y El Minué Real.

Ramón García Balado.

Ekphrasis, de Nani García, entre obras de Roberto Sierra, Daniel Freiberg y Leonard Bernstein

 Palacio de la Ópera, A Coruña

Vía Latina para un concierto de poderío sonoro con el trompetista Pacho Flores, en el Palacio de la Ópera de A Coruña- día 25, a las 20´00 h.-, con atención destacada para Nani García y su estreno Ekphrasis-X1/22-, al que harán la corte obras de compositores reconocibles como Roberto Sierra, a través de Salseando; Daniel Freiberg- Historia de flores y tango-, y una selecta miscelánea del universal West Side Story, a través de sus Danzas Sinfónicas,  de Leonard Bernstein, musical que completa este cuadro tan seductor. José Luis Gómez dirigirá a la OSG, para el consumando protagonismo de Pacho Flores, del que mantenemos un aprecio especial por su registro Cantos y revueltas, realizado en esa sala con la RFG, bajo la supervisión como ingeniero de sonido de Pablo Barreiro, y el apoyo de la firma de trompetas Stormi, quien le asiste desde hace años en su condición de artista de confianza, fabricando para él instrumentos con los que estrena obras de encargo, desde el primero La trompeta venezolana, para Guataca Prod. y centrarse de lleno para DG, que avalará Cantar- Konzerthaus O. Berlin; Entropía, con Jesús Pingüino González; Golden Price de Global Music Award  2017 o Fractales, con la O. F. Ártica Noruega. En Cantos y revueltas, incluyó esta pieza propia, para trompeta, cuatro venezolano-Leon Rondón- y orquesta de cuerdas, junto al Aria de las Bachianas brasileras nº 5; El diablo suelto, de Heraclio Fernández; el Invierno Porteño, de Piazzolla y un concierto de J.B. G. Neruda, con dirección de su colega Manuel Hernández-Silva.   Flores formado en  el Sistema fomentado por Abreu, recibió galardones de los concursos promovidos por Maurice André, Philip Jones o Cittá di  Porcia, permitiéndole una inmediata carrera que le encumbrará a primeras formaciones mientras se proyectaba como solista con compositores como Efrain Ocher, Arturo Márquez; Paquito D´Rivera, Christian Lindberg y los que hoy destacan en cartel.

Nani García, compositor gallego, estudió en Suecia un período fundamental repartido entre Upsala y Estocolmo (1976/80), dedicando sus atenciones al jazz avanzado en confluencia con indagaciones en el ámbito de la lingüística, para continuar en nuestra tierra tras la fundación del Grupo Clunia, uno de los primeros en consolidarse y con la miraba puesta en la ampliación de recursos pensados para los espacios audiovisuales de todo género, probando en trabajos como O Xigante- corto de animación-; De Profundis o Enrrugas, guiones adaptados  y Una mujer fantástica, Óscar 2017. Para Amigos de la Ópera, de A Coruña, compuso O Loro de Carlos V (Favola in Mvisca, ópera buffa, en un acto), con libreto de Mª Inés Cuadrado y él mismo, espectáculo para el Teatro Colón y el Pazo da Cultura de Narón, en el que colaboró el CDG, a partir de un texto homónimo de Michel de Ghelderode. Ópera para todos los públicos, con dirección de Diego García Rodríguez; tratamiento escénico de María Peinado; escenografía y vestuario de Miguelanxo Prado e iluminación de Baltasar Patiño, destacando como solistas Helena Abad- Bigariño/Eva Crispi-; Borja Quiza- Conde de Buren/La Biloque- y Francisco Corujo, en los roles de Carlos V, Adamus Crispil y Heraldo.

Roberto Sierra- Salseando-, natural de Vega Baja(Puerto Rico), asistió a clases del Royal College of Music (Londres), al Instituto de Sonología de Utrecht (Holanda) y a la Musikhochschule (Hamburgo), en donde fue alumno de György Ligeti, con  quien compuso Conjuros, basados en Vestigios rituales , para dos pianos (1984). En Cinco bocetos, para clarinete, usa una cita del Cant dels ocells antes de dar a conocer su ópera El mensajero de plata y Glosa de sombra, un ciclo de canciones y el gran primer éxito Júbilo, destinado al Carnegie Hall, con la Milwaure Symphony O. Entre obras de importancia un destacado para su Sinfonía nº 3 (La Salsa), solicitud de esa orquesta y su director Andreas Delf cuyo nombre remite a la serie de ritmos afrocubanos en estilo Salsa, con un nutrido aparato orquestal que usa en amplitud recursos de percusión- cencerros, güiro, calabazas, marimbas o similares, ya desde primer Tumbao: Salseado , con fanfarria marcada por piano y marimba, entre cuerdas y ricos contrastes.  Habanera, muestra de Habanera repartida entre fagot y marimba, lento de sinfonía a la que la madera añade comentarios casi impresionistas, además de metales disonantes con  una fuerza contundente. Las Danzas, en su original, resultaban una contradanza preparando en Jolgorio, que resumía la fiesta de Salsa, que toma motivos de jazz de impregnación sincopada.

Daniel Freiberg- Historia de flores y tangos-, un ejemplo del estilo de este argentino al que Flores presta atención y al que reivindicó en sus giras y conciertos por el tipo de instrumentos que utiliza por las posibilidades que concede por sus cualidades tímbricas y sonoras, obra a la que dio cauce en sus compromisos con la O.S. Minería, dirigida por Carlos Miguel Prieto (2022). Freigerg es compositor formado en la Juilliard  School, neoyorquina, teniendo como maestros a Don Sebesky, Gil Goldstein, Hal Galber, Earl Hagen, Charles Jones, Eduard Bilons Samuel Zyman. Dizzy Gillespie estuvo en la órbita de sus maestros en la faceta como arreglista, en la que también destacaron en composición Gerardo Gandini, McNeil Robinson, Paquito D´Rivera, J. Behrends. La obra en cartel, resulta especialmente emblemática en el catálogo interpretativo de Pacho Flores.               

Leonard Bernstein- West Side Story (Danzas sinfónicas)-perfecto complemento de quien se batiría el cobre con la New York P.O. en sus debut, sustituyendo a otro mito, Bruno Walter, será ese maestros al que inevitablemente asociaremos con musicales como Wonderful Town, Candide, On the watherfront, y que en este musical logrará encumbrar el género a su mayor popularidad, logrando en esta suite de danzas un muestrario a  disposición de los aficionados más entusiastas. Realmente en cuanto a recursos musicales, un tratamiento de piezas que redundarían en los beneficios logrados por la taquilla a lo largo de fructíferas temporadas resultando la suite de  Danzas sinfónicas, un apetecible condensado de uno de los trabajos escénico/musicales.  Bernstein, tras su formación en el Philhardelphia Curtis Inst., se convertirá en el paradigma de la música norteamericana, junto a los grandes maestros de universal reconocimiento. Otro será el compositor que se hará célebre en el espacio de la ópera, con su debut en el Teatro alla Scala, para dirigir a la en 1953.

Ramón García Balado                                                                             

A expresión do movemento: Arxis Ensemble, en el Festival RESIS

 Teatro Rosalía Castro, A Coruña

Concierto del Arxis Ensemble para el Festival RESIS, en el Teatro Rosalía Castro de A Coruña- día 25 a las 20´ 00 h-, bajo la dirección de Daniel Huertas, en colaboración con el Coro de la OSG, de Javier Fajardo, para un programa que reserva obras de Wolfgang Rihm, Helmut Lachemann, Enrique X. Macías, en el tratamiento de Roberto Oliera Ogando, Johannes Brahms y la lectura de Knut Nystedt, de un motete de J. S. Bach. El Arxis Ensemble, es formación dedicada a repertorios contemporáneos, abundando es estéticas diversas en un flujo permanente de intercambio de pareceres y que tuvo una primera etapa con Aitor Vázquez Torres, como director, teniendo a Igor C. Silva, como compositor residente, destacando por su atención a la obra de Iannis Xenakis, alcanzando un grado de prestigio en torno al centenario con la obra Pléïades, destinada a percusión en el V Festival Resis. Estrenaron Akusmata, de Beat Furrer, con el Ensemble austríaco Cantando Admont, dirigido por el autor (2022), para ofrecer al año siguiente, a medias con el ENSEMS, una obra de Claudia Cañamero y otra de Hugo Gómez Chao, y el estreno en España de A lumière du noir, de Alberto Posadas, bajo la dirección de Nacho de Paz, a los que se añadirán el realizado en la Acc. Real de España, en Roma, preparando nuevos proyectos con  Alberto Posadas, Luigi Nono, Rebecca Saunders y otras piezas de compositoras, dirigidas por Bas Wiegers.

Daniel Huertas, recibió galardones como el Premio Neeme Jarvi, del Festival Yehudi Menuhin Gstaad (2022), el Segundo de dirección, de Juventudes de España (2023) y el de la Ac. de Dirección del Festival de Lucerna. Fue director asociado del Ensemble Intercontamporain y sus estudios los realizó con J.L. Estellés (clarinete) y dirección en Musikene, con G. Baltés. Amplió en el Conservatorio della Svizzara Italiana (Lugano) y en la Haute École de Musique (Genéve), con Laurent Gai. Arxis Ensemble, serán Clara Giner y Héctor Rodríguez- flautas-; Sergi Bayarri, Elena Arbonies y Pablo Piñeiro- clarinetes-; Francisco Gaspar y Andreu Moros- trompetas-; J. J. Saborido- trombón-, Noé Rodrigo, Joâo Miguel Braga, Nuria Carbó- percusión-;  Magdalena Cerezo- piano-, Aglaya González-viola-, Claudia Do Minh, Blanca Budiño y Adya Khanna- chelo- y el contrabajista Zacharias Fasshauer.

Wolfgang Rihm, con obra, el estreno en España de Tryptique (Pol-Kochis- Nucleus), músico que siguió la escuela de Eugen Werner Velte, y en Colonia con Karlheinz Stockhaus, para ampliar en Friburgo con Klaus Herber y Wolfgang Fortner y Heinrich Eggebrecht (1972). Asistió a los cursos de Donaueschingen, con su obra Sub-Kontur, vía hacia los proyectos que marcarán su futuro con experiencias como Innerstern, Lichtzwang, la ópera de cámara sobre textos de Celan, Faust und Yorick, las piezas de Chiffre-Zyklus; Zweiter Doppelgesang; Schatten-stück; el ciclo Jagden und Formen; Gejadte Form; Verborgene  Formen; las Abengesangszenen y la serie de versiones de Vers une Symphonie fleuve. Una obsesiva ambición por la libertar dentro de esa tendencia creativa que recibimos a través de obras tan dispares, algunas de ellas hasta el límite de lo imposible como los Alexander lieder o las Neue Alexanderlieder y en especial, los Hölderlin-Fragmen.

Enrique X. Macías- Natchmusik II- obra de 1981 y que recibimos en la óptica de Roberto Oliveira Ogando, compositor cuya carrera se truncó apenas comenzada y que para el caso que nos atañe, había sido estrenada por el Grupo de Música Contemporánea de Lisboa, en los V Encontros de Músicas Contemporáneas, con edición  de Salabert, incluyendo viola, chelo, flauta, trompa, arpa y banda magnética. El patrimonio artístico de Macias, se trasladó a la USC, por cesión de la propia familia, con la pretensión de velar por su legado, obras muchas de ellas, que de forma irregular tuvimos en convocatorias de certámenes como las Xornadas de Música Contemporánea, ofrecidas por la USC.

Helmut Lachenmann- Mouvement (vor der Erstarrung), estreno en Galicia-, compositor nacido en Stuttgart, con estudios en la Staatliche Hochschule für Musik, y que tuvo como maestro a Jürgen Uhde, además de Nepomuk  David. En 1957, se integrará en los Cursos de Darmstadt, antes de continuar en Venecia con Luigi Nono, realizando obras tan representativas como Souvenir, para un orgánico de 41 instrumentistas, una sutil simplificación y poética de Inconntri, de Luigi Nono. Vendrán obras que resulten una síntesis crítica de las corrientes más encontradas, como Klang-schatten mein Saitenspiel; Gran Torso. Musique pour quatour a cordes o Reigen seliger Geister (1989) y el conjunto de las Introversions, dejando en medio otro cuarteto para cuerdas, en tercero, titulado Grido, marcado por un murmullo de las cuerdas.

J. Brahms, en dos piezas desde Einförmig ist der Liebe Gram, un canon de los 13 que integran el Op. 113, para coro femenino compuesto en su retiro dorado Ischl, cuando el músico frisaba los 57 años. Grupo de piezas que había esbozado en los años del Hamburgischer Fraunenchor siendo interpretadas algunas en sesiones públicas. La que tendremos merece una consideración especial por sus valores intrínsecos, superando por su interés al resto de las piezas, el texto de esa pieza para coro, pertenece a Friedrich Rückert.   Warum ist das Licht gregeben des Mühselingen?, es obra para coro mixto a cappella, sin acompañamiento, siendo uno de los dos motetes del Op. 74, páginas complejas de excepcional magnitud y extraído de unos textos sagrados. Para Geringer, resulta muy interesante hacer una comparación entre los dos motetes. Este segundo compuesto en el período del precedente, presenta una serie de variaciones corales basadas en modelos antiguos. El canto es adjudicado a la soprano en el primer y en el segundo verso, el tenor en  el tercero y el bajo en el cuarto. Para completar,  Komm, Süsser Tod, BWV 478, de Johann Sebastian Bach/ Knut Nystedt. Le melodía se encuentra por primera vez en Schmelli y es una de las que más predicamento alcanzó como auténtica de J.S. Bach. El texto es de autor desconocido, apareciendo en Dresde, en 1724.

Ramón García Balado  

Jessica Cottis, dirige a la RFG, con obras de Raquel García-Tomás, Brett Dean y L. v. Beethoven

 Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

Palacio de la Ópera, A Coruña

Centro Cultural Afundación, Pontevedra

Tres jornadas para el concierto de la RFG que dirigirá Jessica Cottis bajo el reclamo Contornos con obras de Raquel García- Tomás, Brett Dean y L. v. Beethoven- día 24, en el Auditorio de Galicia-20´30 y sesión previa de Conversando con… 19´45 h., en la que serán protagonistas la compositora en residencia y Jessica Cottis, para continuar al día siguiente en el Centro Cultural Afundación de Pontevedra- 20´30 h- y completar en el Palacio da  Ópera de A Coruña, sábado a las 20´00 h.-, Jessica Cottis, directora, estuvo con nuestra RFG para un programa que estrenaba Island Songs de Peter Sculthorpe (1929/2014), entre la Sinfonía Clásica en Re M. Op. 25, de  S. Prokofiev y la Sinfonía nº 104, de F.J. Haydn, en Re M. (Londres-Salomon). Fue directora artística de la Västeräs Sinfonietta (Suecia) y pronto demostró preferencias por repertorios contemporáneos, con obras como The Handmaid´s Talle (Poul Rouder), para la Royal Danish Opera; The Death of Klinghoffer (J. Adams), para la Norrlandersoperan y The Blue Woman (Laura Bowler), en la Royal Opera House. Se había formado como organista con Marie- Claire Alain, antes de entregarse a la dirección  con maestros como Sir Colin Davis, Charles Dutoit, Sir Donald Runnicles o Vladimir Ashkenazy.

Raquel García- Tomás, compositora en residencia, se  doctoró en el Royal College of Music (London) y su experiencia está ratificada por su trayectoria desde los coliseos nacionales a los internacionales, con ejemplos confirmados por trabajos como Dido reloaded; Go, AENEAS, go!; recibiendo el Berliner Opernpreis (Neuköllner Oper); displace-II; Història d´unha casa (texto de H.Tornero y realización escénica de P. Pawlik), para el Musik Theater Tage Wien, que recalaría en las propuestas del Teatro del Canal (proyectos del Teatro Real) y la obra de gran audiencia Je suis narcisiste (H. Tornero/Marta Pazos), para el Teatro Real; el Teatro Español y el Teatre Lliure (Barcelona), ópera ganadora de un Premio Alicia, en categoría interdisciplinar y nominada al Opera Awards, en la categoría Premios Max.  Alexina B., fue otro compromiso para el Teatre del Liceu (Barcelona), con libreto de Irène Gayraud. Obtuvo la beca Leonardo de la Fundación BBVA 2020 y entre otros trabajos consecuentes destacan Las constelaciones que más brillan, que se ofreció en la Elbphilharmonie (Hamburgo); el Cuarteto de cuerda à plein air (Cuarteto Quiroga) o Ara si que ets divina, para la OBC, dirigida por Ludovic Morlot. Para inaugurar la temporada en curso, había reservado precisamente Las constelaciones que más brillan, entre obras de K. Szymanowski- concierto para violín con Alena Baeva- y la Sinfonía Fantástica Op. 14, de Berlioz.  Su obra en cartel, tomaba inspiración en la plástica de Pere Ginard (Libro de maravillas, 2003), con estreno en el Palau de la Música y la OBC, dirigida por Ludovic Morlot, para repetirse en otras citas, un encadenamiento de impresiones y sensaciones subjetivas en estado de contemplación hacia un arrebato auspiciado por tendencias minimalistas a través del uso de escasos recursos.

Blind Contours nº 2, pieza que subyugará nuestra atención y que continúa la estela dejada por Cecí n´est pas une vals, compromiso con la RFG y con el Palau de la Música Catalana, pieza igualmente de profundas impregnaciones que podría acercarnos las poéticas de Magritte y Foucault, supone un nuevo escalón en esta dimensión de planteamientos tanto tímbricos como sonoros y estéticos. Una obra de connotaciones reconocibles producto de un trabajo de afinidad creativa con la JONDE, para ser estrenado en el Auditorio Miguel Delibes, de Valladolid, el 18 de octubre de 2022, con la dirección de Erick Nielsen  y la O.S. de Bilbao. Actividad encuadrable en los IV Encuentros de Ávila, incluyendo Prélude à l´après midi d´un faune (Debussy) y la Primera Sinfonía de J.Brahms. Composición que maneja técnicas inspiradas vagamente en los trazados de dibujos libérrimos sin un contorno preciso, que otorgan a los intérpretes una recreación próxima a un grado de aleatoriedad en un marco armónico concedido a través del planteamiento de la  gestualidad y la acentuación de las dinámicas, con un final inesperado por su diseño microtonal.

Brett Dean- Testament-compositor que estrenó recientemente In spe contra spam (Esperar contra la esperanza) ópera de tintes trágicos y que puede acercarnos a la épica donizettiana, fue dada a conocer bajo la dirección de Jaime Martin, con las sopranos Jennifer France y Emma Bell, músico que ya había destacado por obras como Carlo (Gesuado); Song of Joy; Polisomnography, para quinteto con piano, compromiso para el Festival de Lucerna; One a Kind, un ballet para Jiri Kylian; el Concierto para clarinete Ariel´s Music, Premio de la UNESCO; The Last Letter Writing, para violín y orquesta; The Last day of Socrates-voz grave, coro y orquesta; Vexations  and Devotions, también otras óperas como Bliss y Hamlet; Electric Prelude, para los BBC Proms, recibiendo parte de sus estrenos las atenciones de maestros como Daniel Harding, Vladimir Jurowski, Sakari Oramo, Marin Alsop, Andris Nelson, Sir Simon Rattle. Testament, surgida como obra camerística para sus colegas de la Orquesta Sinfónica de Tasmania, resultaba una densa indagación en los trabajos de investigación sonora en lo relativo a medios expresivos en toda su amplitud, remitiéndonos en lo primordial al memorial plasmado en el testamento de Heiligenstatd, carta a sus hermanos, fechada el 6 de octubre de 1802, compendio de tres folios y un apéndice posterior: Así pues me despido de vosotros y por supuesto con tristeza, sí, esa querida esperanza, que traje aquí conmigo, de ser curado al menos en alguna medida- debo abandonarla ahora por completo. Así mi esperanza se ha marchitado. Me voy ahora de aquí- casi igual que cuando vine-, incluso el gran coraje que a menudo me inspiró en los bellos días del verano- ha desaparecido- Oh! Providencia- concédeme al menos un día de pura alegría- hace tanto tiempo que la alegría no resuena en mi corazón-Ah! cuándo Divinidad única volveré a sentirla en el templo de la naturaleza y la humanidad...Entre las aportaciones musicales, citas del propio Beethoven y en especial del Primer Cuarteto Razumowski, Op. 59, en Fa M., en esta obra que tendrá orquestación posterior.

L. v. Beethoven, en esta tesitura de reconocimiento, completa en calidad de rendimiento con la Sinfonía nº 7, en La M. Op. 92, aquella apoteosis de la danza, en la que entusiastas verán un estado de trascendencia afectiva con respeto a la amistad mantenida con Bettina Brentano, tras el distanciamiento de Therese von Brunsvick. Para Berlioz, obra maestra de su habilidad técnica y ciencia inventiva y para Ballola, la coronación lograda mediante la superación de la fase de su crucial individualismo heroico, en esa obsesiva urgencia por la sublimación de su contenido. El Poco sostenuto vivace, resulta una larga introducción pomposa, quizás la más larga jamás compuesta en sus últimos recursos, destacando el uso de instrumentos de viento (oboe, clarinete y flauta), superando los límites de la forma sonata. El Allegretto, resulta huidizo a la par que insuperable por la fascinación que ejerce este episodio por sus juegos armónicos con una nostalgia que consigue imponerse en virtud de los instrumentos de viento graves, con una melodía tierna y consoladora. El Presto, un brillante Scherzo, otorga mayor vuelo en lo relativo al resto de sinfonías, animado por esa jovialidad rayana en la arrogancia, una preparación para el Allegro con brio, dentro de una magia que responde a ese reclamo de Apoteosis de la danza, obra con todo libre de subtítulos programáticos y otros apuntes determinantes. Fue Wagner quien acuñó tan peculiar título, para una velada en Venecia a modo de curiosidad, en el Palacio Vendramin, llegando a permitirse incluso unos pasos de danza, en la interpretación al piano de F.Liszt.

Ramón García Balado