DOAUDIBLE25, por Vertixe Sonora, en algunas de sus actividades

 Museo do Mar, Vigo

Para próximas fechas Vertixe Sonora anuncia algunos de sus inmediatos proyectos comenzando el día 15, a las 19´00 h.-, en el Museo do Mar de Galicia (Vigo), para continuar en el mes de mayo, en dos espacios que se reparten entre San Domingos de Bonaval, el día 10 y al día siguiente en el Centro Penitenciario Teixeiro de Curtis (A Coruña), que contará con otra de las formaciones con intérpretes que colaboran para la ocasión con esta formación de carácter abierto, y que para entonces preparan In Vain, de George Friedrich Haas, bandera de vanguardismos y que ya tuvimos en las Xornadas de Música Contemporánea 2022 (Poñer o foco), en la serie de sesiones de la JONDE FOCUS (Anos 2008/2013), con el Plural Ensemble, dirigido por Fabián Panisello, con obras del propio Georg Friedrich Haas, Kaija Saariaho, Fabián Panisello y Steve Reich, para el concierto que ofrecerán entonces, contarán con 24 músicos de la Academia Vertixe Sonora, dirigida por Francesc Prat, y destacando entre sus intérpretes Julio Cabo y Clara Saleiro- flautas-; Daniel Vega y Pablo Piñeiro-clarinetes-; el oboísta Ismael Vaqueiro, la fagotista Sandra Ochoa, el saxofonista Pablo Coello y como intérpretes de trompa, Simon Lewis y Jorge Fuentes. Georg Friedrich Haas (Graz), tuvo como maestro a Gösta Newirth e Ivan Erörd, en composición, antes de ampliar en repertorios microtonales en la Wien Hochschule für Musik, con el insigne Friedrich Cehra, siendo galardonado con el Premio Sandoz (1992), merced a un estilo que muestra afinidades con el de György Ligeti, en esas materias de la micropolifonía, los microintervalos y la indagación de la serie de los armónicos. Fue miembro fundador del colectivo Die andere Seite, pero información más detallada se reserva para las jornadas de esas fechas.

El concierto que tendremos el martes día 15, se engloba para el título genérico de A arte do Guzheng, que tendrá como protagonistas a Niu Yiran- recitadora-; Vid Veljak- chelista-; el Hong Kong  Musik Ensemble: Angus Lee (director y flauta), Linus Fung- clarinete-; William Lane- viola-; Karen Yiu-percusión-y Chiu Tan-Ching, con el guzheng, entre sus manos, especie de cítara tradicional china y perfecto símbolo del taoísmo perteneciente a las llamadas clases populares. Vertixe Sonora, punto de equilibrio en esta aventura que entremezcla culturas menos habituales de lo común, estará integrado por el saxofonista Pablo Coello, el pianista David Durán; Nuno Marques, guitarra eléctrica y el violinista Roberto Alonso Trillo. El arte del Guzheng, reclamo de perspectivas, procede de una colaboración entre la Bienal de Zagreb; el Honk Kong New Arts Developement Council HKETO; la Acción Cultural Española(PICE); la Embajada Española de Croacia y la Deutscher Akademicher Austrauschlester (DAAD). Reclamo por excelencia nos ubica en el mundo de las cítaras chinas, en esta ocasión representadas por el Gugin, instrumento de siete cuerdas y sonido grave a la par que reposado con un profundo valor simbólico que representaba el refinamiento aristocrático y el buen gusto, que se acerca a la sensibilidad del pensamiento de Confucio, modelo de una manera de posicionamiento vital. El Guzheng, en contraposición, nos descubre sus posibilidades expresivas desarrolladas a partir de un instrumento de puentes móviles y más cuerdas en su manejo, aproximadamente unas 21, instrumento asimilado a las clases populares y con un fondo de cultura taoísta, que nos traslada a los Reinos Combatientes (V a C.), siempre con las pretensiones de distanciarse de los límites comúnmente establecidos, los rígidos protocolos o parámetros similares, en esa intención de situarse en una integración con las emociones más sencillas. El proyecto resume la indagación de la realidad del contexto musical en un clima de ambiciosa concordia entre Vertixe Sonora y el Hong Kong New Musik Ensemble que deja como resultado obras en estreno de Sonia Mutic (Croacia/Serbia); Agnus Lee (Hong Konk); Camilo Méndez (Colombia) y Pilar Miralles (España/Finlandia). Obras que serán: Angus Lee- hic/nunc-; Li Quinzhao- Wulling Chung-; Sonja Mutic- Spektrum…spekrtra-, para ensemble amplificado con electrónica y voces imaginarias-; LI Quinzhao- Yujiao Ao (Orgullo de pescadores), recitado y guzheng-; Camilo Méndez- Disappeared Quip(u); Broken & Forgoten, para ensemble; Li Qinzhao- Ru Meng Ling (como en sueños)- y Pilar Miralles-Done for the day, también para ensemble. DOAUDIBLE25, cuenta con la promoción de la Consellería de Cultura da Xunta de Galicia, en colaboración con  Vertixe Sonora, en esta búsqueda de encuentros éntrela música y otros ámbitos del arte y la cultura, dentro de un permanente desafío.

Las culturas ancestrales chinas del período indagado, nos lleva a la categoría de los instrumentos de seda, que alcanza un número sorprendente y en especial en el espacio de las cítaras de múltiples cuerdas con puentes móviles como había sido el caso del Se, de 25 cuerdas  y el Cheng, de 13. Durante un largo período, igualmente destacará la importancia del célebre ch´in, de siete cuerdas, instrumento asociado con la figura de Confucio y en consecuencia con la vida intelectual de su cultura. Una mirada de soslayo a cualquier colección de pinturas paisajísticas chinas de períodos posteriores tropezará de manera inevitable con esa figura de un Sabio barbudo que o bien está sentado tras su ch´in, contemplando el paisaje, o bien va caminando seguido de un aprendiz que transporta ese hermoso instrumento. A diferencia de las demás cítaras chinas, el ch´in no tiene puentes, sino que se toca pisando las cuerdas a lo largo y entre 13 posiciones marcadas con puntos de marfil, en un lado del instrumento. Si bien el ch´in se toca de manera divisiva, sus siete cuerdas están afinadas de acuerdo a los principios cíclicos (Do, Re, Mi, Sol, La, Do, Re). Autores habrá que aseguren que los numerosos efectos de glisando, los armónicos y otras pulsaciones especialmente ejecutadas por ambas manos, se adoptaron durante el período internacional, derivándolos de las ornamentaciones gamaka indias.

Ramón García Balado

Alain Resnais, en NUMAX, en De Lugares e Órganos

 Sala Numax, Santiago de Compostela

O Órgano sae á rúa, con A Pegada do Órgano no cinema, una vez más en la sala NUMAX- día 14, a las 19´30 h.- para asistir a la proyección del filme L´année derniere à Marienbad, de Alain Resnais, ratificando la presencia del órgano en la banda sonora del cineasta francés, un eslabón que añadir a una de las fidelidades de temporada en De Lugares e Órganos y que para la ocasión se justifica por la banda sonora de Francis Seyring, autor también de trabajos como Le procès de Jean d´Arc, de Robert Bresson o Marie Soleil, de Antoine Boursseiller. Un músico centrado en el estilo de los cortometrajes dentro de un contexto no muy cómodo en cuanto a las demandas de efectismos. Para contribución al resultado requerido, tendremos una charla con la pretensión de entrar en materia, tanto en el  cineasta como en el filme. La banda sonora, se acepta pues como uno de los elementos que ayudan a intensificar la recreación ambiental y que recibimos en versión original con subtítulos en gallego. L´année derniere à  Marienbad, había sido una producción de Terra Film/Société Nouvelle des Filmes Cormoran/Précitel/ Como-Films/Les   Films Tamara/ Cinetel/Silver Films Paris, con guión de Alain Robbe- Grillet, dirección artística de Jacques Saulnier, producción de Pierre Coureau (Précitel); vestuario de Chanel, Bernard Evein y la dirección fílmica de Alain Resnais. En el reparto, Delphine Seyring; Giorgio Albertazzi; Françoise Berlin; Luce García- Ville; Héléna Kornel; Gérard Lorin; Françoise Spira; Davide Montemuri; Gilles Quéant; Gabriel Werner y Karin Toeche- Mittler. ¿Qué ocurrió realmente el año pasado en Marienbad? Rara vez una película ha suscitado tantas polémicas  más activas e incluso virulentas. Se llegó a decir que ni tan siquiera el director Alain Resnais y el guionista Alain Robbe- Grillet, estaban completamente de acuerdo; que según el primero, el año anterior se había producido un encuentro entre los dos protagonistas, mientras que según el segundo, el episodio entero no era más que una fantasía imaginada por el narrador. Pero esta divergencia no era sino un recurso fríamente pensado, una indicación al espectador  de cómo debía abordar la película; es decir, sin ideas preconcebidas. Un destacado crítico francés, Jacques Brunius, afirmó tajantemente tras varios visionados que era la mejor película de todos los tiempos, mientras que otros la descartaron como una película de arte y ensayo. Pero hay algo innegable: para apreciarla plenamente es preciso que el espectador se entregue a su peculiar estructura narrativa y a su inimitable estilo. La primera voz que se escucha es la del narrador, que va diciendo al principio sin que se le entienda muy bien, y luego cada vez más claramente: Una vez  más recorro los pasillos, atravieso estos salones y galerías, en este edificio de siglos pasados…mientras la cámara recorre morosamente los interiores de un gran hotel rococó. En uno de ellos, el público contempla inmóvil una obra teatral. Y ahora, dice la actriz, sobre el escenario, soy finalmente tuya. Cae el telón. El final de la obra prefigura la entrega de la protagonista de la película al acabar esta. Filme que sugiere muchas preguntas más: ¿Ocurrió esta escena en el pasado?

La eterna fascinación de El año pasado en Marienbad, radica en que cada vez que el espectador cree haber encontrado la clave del acertijo, se presenta un nuevo aspecto que echa por tierra todas sus teorías. Con sus sutiles claves, su complicada interrelación entre pasado y presente y sus representaciones de una realidad que puede ser simplemente un sueño, adquiere el aspecto de una historia detectivesca. Las figuras pues, son mucho más que personajes y se mueven de manera exquisitamente controlada por un director que demuestra la precisión de un hábil jugador de ajedrez. El mundo onírico en el que transcurre la historia posee la calidad de un cuento de hadas y, al igual que la mayoría de ellos, un cierto toque de amenaza oculta que acecha en todo momento a sus personajes. Aquel hotel gigantesco y barroco, situado en medio de unos geométricos jardines, está habitado únicamente por unos pocos huéspedes que adoptan poses de estatuas o forman estáticos grupos, mientras contemplan un oscuro drama o practican juegos aparentemente sencillos.  Fragmentos de conversaciones, planos de personas cuidadosamente situadas o de grupos estáticos, tal cual quedaba dicho, para recrear un mundo perturbador, entre lo real y lo imaginario.

Ramón García Balado

Catro Quince: …Sonoridades do Barroco en De Lugares e Órganos

 San Paio de Antealtares, Santiago de Compostela

Concierto en  A Igrexa de San Paio de Antealtares- día 13 a las 20´30.- en la X edición del certamen De Lugares e Órganos, que tendrá como protagonistas al trío compostelano Catro Quince,  para un programa que nos lleva desde un anónimo a compositores del período barroco que completará con una típica batalla organística del portugués Pedro de Araujo. Son Catro Quince el violinista barroco Roberto Santamarina Fernández; el chelista barroco Carlos García Amigo y la organista Alejandra Escolante Mujico, intérprete también de espineta. Un programa con sobradas razones desde su reclamo de cabecera: …con moita invención e diversidade. Outras linguaxes e sonoridades do Barroco. Nuevos conceptos que vendrán a expresarse en ese período que insistentemente abundar sobre sus pretensiones de modernidad con aspectos como esa sonata que en una colección de Salomone Rossi, se da cita precisamente como La Moderna o la serie de volúmenes en forma de sonata que publicará Dario Castelo: Sonate in stil moderno (1621/9), además de la Opera VIII, de Biagio Marini: Curiose & Moderne inventioni. En la base, un criterio de monodia acompañada en la que los instrumentos contribuyen con sus propios argumentos que pasan por imitar la voz cantada, siendo el violín un definitivo paradigma a seguir, siendo G. Battista Doni uno de los más avezados en innovación instrumental, en sus Annotazzioni sopra il compendio de´generi e de´modi della musica (1640). Para dar cauce de entrada, una entrada de clarins antes de tocar canción (órgano a solo), pieza anónima del s. XVIII.

Bernardo Storace (1637/1707), aporta una corrente, para órgano solo, maestro de capilla en Mesina y del que conservamos la colección Selva di varie compositioni d´involatura per címbalo ed órgano. Maestro cuya escuela mantuvo su hijo Steven, con brillante carrera en Londres y suya estela se mantendrá en el ámbito familiar, en la figura respetada de Nancy Storace. La publicación citada de su fundamental trabajo, se había editado en Venecia siendo un trabajo que guardará afinidades con los estilos de Frescobaldi y Pasquini. Giovanni B. Fontana (1585/1630), con dudas en cuanto a las fechas de datación de su vida, fue maestro de la Escuela Veneciana, y del que se elige la Sonata Seconda, siendo el conjunto de su obra un legado de aparición tardía, por lo que abundan inevitablemente las dudas. Será con seguridad un modelo de notable virtuoso encuadrable dentro de este llamado stil moderno, bien apreciado por analistas como Willi Apel, por su tendencia a recalar claros pasajes infrecuentes a la par que sorprendentes. Violinista en Brescia y muy activo en Roma, Venecia a Padua, se le reconoció por sus sonatas a dúo, trío, algunas con incorporación de un instrumento de metal, como la corneta. Maestro clave precisamente en el nacimiento de estos géneros tan personales.

Dario Castello (1602/31)- Sonata Prima-, otro maestro de la escuela veneciana, igualmente con dudas en lo relativo a datos biográficos, pero muy apreciado durante su estancia en San Marcos de Venecia, dejando un conjunto de obras de gran inventiva auspiciada por el cuidado del tejido de las secciones polifónicas cuidadosamente elaboradas  y con una serie de complementos de respuesta en los recitativos dramáticos a lomos del b.c., que realzan esa pretensión del llamado stil moderno. Las atenciones otorgadas a los instrumentos de viento, gozan de gran relevancia en sus colecciones Sonate concertante in stil moderno per sonar nel órgano overo spineta con diversi, publicadas entre 1621 y 1629, que contribuyeron al gran desarrollo del lenguaje instrumental. Sus sonatas fueron probablemente compuestas para agrupaciones de viento, las mismas que dirigía en Venecia, en general para varios instrumentos con abundantes cambio de tempo, como las sonatas de Salomone Rossi o de Biagio Marini, algunas de su voces quedarían confiadas a flauta, corneta  en difíciles tesituras.

Marco Ucellini (1603/1680)- Sonata Prima (Il Ozio Regio Op. 7), músico dotado por las cualidades de las atenciones a los aspectos melódicos, fue autor de un catálogo de obras que gozosamente conocieron reimpresiones posteriores a lo largo de tres décadas. Piezas entre las que tendrán cabida estilos vocales, combinando con fortuna variados estilos de confluencia, aceptando los recursos vocales como una clara necesidad expresiva. Las villanellas a modo de fantasías, serán un modelo a tener en cuenta, modelos procedentes del Renacimiento, y muchas con acompañamiento de laúd. Profundamente idiomático en sus planteamientos, sabrá tratar los estilos diversos suponiendo por ello un maestro fundamental en sus años de plenitud en Modena, en donde dirigirá en la Corte de los Este, antes de trasladarse como m.c., a la Catedral y probar de nuevo en la corte de los Farnèse en Parma.

Johann Jakob Froberger (1616/67)- Plainte faite à Londres, pour passer la mélancolie- , seguidor de la escuela de G. Frescobaldi y que mantendrá la monodia ornamentada que se ofrecía en la Catedral de San Marcos de Venecia, destacando su calidad de virtuoso del órgano, para recibir el reconocimiento en Europa gracias a su habilidad en mezclar los estilos italiano y francés. Puede ser considerado como el divulgador  de la forma conocida como los gustos reunidos, en el que se encuentran formas tomadas de los distintos países europeos. Su etapa final le lleva a ocupar la plaza de la duquesa Sibylla de Wurtemberg, y obras como Diverse ingenosissime, rarisimi et non maj piu viste curiosi Partite, tardarán en darse a conocer a pesar de su importancia.

Domenico Gabrielli (1659?/1690)- Sonata para violoncello solo con il suo basso continuo-es ejemplo de las obras apreciadas por su talante virtuosístico destacando detalles como las sutilizas tímbricas  y el cuidado del melodismo. Compositor boloñés, será aceptado en Florencia por el tratamiento del sentido armónico de sus obras, asociadas a San Petronio, en donde se había formado como niño de coro y maestro de capilla, sobresaliendo precisamente por el cuidado de sus obras sacras, en especial los motetes y las piezas pastorales, en el estilo de Palestrina, a las que se añadirán intermedios, sin olvidarnos de las influencias constatables del Orfeo de Monteverdi. Fue miembro activo de la Accademia d´Floridi, de Bolonia.

Johann Heinrich Schmelzer (1620/80)- una Ciaccona en La-, digno representante de su época precisamente por la importancia añadida de sus obras profanas y las suites de ballet, llegando hacia el final de su vida a ejercer como maestro de capilla. Austríaco de nacimiento, fue miembro de la Capilla Real vienesa a partir de 1649, antes de ocupar el cargo de vice-maestro años después. Fue notable violinista gracias a una excelente formación que trasmitirá a través de sus alumnos, ubicados especialmente en la Alemania del Sur. Mención a sus obras sacras pero también a las puramente instrumentales como la que esta vez escucharemos. Su hijo Andreas Anton (1653/1701), recogerá su estilo y escuela, en la Capilla de la corte vienesa.

Para completar, el portugués Pedro de Araújo (1640/1750), con una ostentosa Batalla de sexto tono, para órgano solo, en reconocimiento de Alejandra Escolante Mujico, ese género tan impactante por el poderío sonoro que muestra los recursos del instrumento y una genuina manifestación de los dominios contundentes de este estilo conocido como batalla, siempre una forma de conseguir la relevancia en primer plano de los  instrumentistas y que en San Paio de Antealtares ha tenido momentos gloriosos desde que el equipo comandado por Gerhard Grenzing, logró restaurarlo en plenitud de garantías desde aquellas fechas de mediados de los setenta. La Batalla de sexto ton, obra fastuosa por su arrogancia sonora, es una declaración de principios del maestro portugués Pedro de Araujo, maestro del que nos quedan 13 manuscritos además de otros 6, de dudosa autoría.

Ramón García Balado

Les Sylvains: Museo das Belas Artes de A Coruña

 Museo das Belas Artes, A Coruña

Concierto del XXIV Ciclo Música para unha época, del Museo das Belas Artes, de A Coruña- día 13 a las 12´00 h-, con el dúo Les Sylvains, integrado por Armelle Morvan, soprano y la clavecinista Arrate Zubigaray Orbea y que se completa con una visita guiada, para un programa que se recibe bajo el título de Aura Soave . Armelle Morvan, estudió en Nantes y una de sus primeras experiencias la vivió como integrante de Coro La Parviene, para ampliar conocimientos en el Centro Musical Musikene, de San Sebastián, con Maite Arruabarrena, para continuar el magisterio de maestros como Lambert Climent, en la ESMUC y con el contratenor y director Carlos Mena, actual responsable del Coro de la OSG; también colaboró con La Capella Reial de Catalunya, de Jordi Savall; el Collegium Vocale Gent (Philippe Herreweghe); Gli Angeli (Stephan McLeod); La Chapelle Harmonique (Valentin Tounet); La Bellemont ( Sara Ruiz); Los Afectos (Nacho Rodríguez) o Conductus (Andoni Sierra), entre sus experiencias, el compromiso con las actividades de la Fundación Juan March, en los proyectos destinados a Jóvenes Talentos, ofreciendo La Voix humaine, de Francis Poulenc, en compañía de Álvaro Corral y Marina Bollain, para el trabajo escénico. La clavecinista Arrate Zubigaray Orbea, siguió la docencia de J.M.Ibarra y de Itziar Atutxa, en el Conservatorio Profesional Superior de Bilbao, para ampliar también en Musikene, y en el espacio de los géneros especializados de músicas históricas en La Haya, con el clavecinista Jacques Ogg y Patrick Ayrton, recibiendo a la par  asesoramientos de prestigiados profesionales como Pierre Antai, Elisabeth Joyé, Christophe Rousset, Kris Verhelst o Francesco van der Velden y que se reafirmará con Philippe Pierlot y D. Brüggen.

Obras en programa, un par de piezas de Luzzasco Luzzaschi (1545/ 1607), con Lucenti  e chiare stelle che sia di voi y Aura Soave- que da título al compendio genérico de toda la serie, manifiesto de la preponderancia de los italianismos al uso, período en el que los falsetistas desplazaban a los castrati de sus dominios, en especial también en los estilos a varias voces, resaltando en gran medida la forma de los madrigales de canciones, muchas rechazadas del ámbito de la propia iglesia, lo que presume igualmente el posible protagonismo de las mujeres. El canto a solo sobresaldrá en este momento, consiguiendo los estilos madrigalísticos una evidente preferencia, en particular dentro de la vida cortesana, en la que Luzzaschi, se convertirá en un maestro por excelencia, el oposición a la abundancia de aficionados de menor grado, los calificados como concertó delle donne, la mayoría con sede en Ferrara, acuñando el espacio del Renacimiento en su carrera definitiva hacia el barroco, distanciándose del poderío establecido por los ideales marcados por los polifonistas y que anunciarían las novedades de G. Caccini y la Camerata Florentina.

Nigra sum (Carlo G. manuscript, Anonymus, circa 1600/50), será la pieza que se ofrezca en cuarto lugar, tras dos temas que recurren a un mismo poema. Susanne un jour. Orlando di Lasso (1532/94), el primero de ellos, importante compositor de villanescas en sus múltiples variedades, como las morescas, llegando a gran nivel en el estilo de los madrigales y las canciones renovadoras. Cuidó de personal manera la importancia simbólica de los textos, acentuando la técnica del ostinato. Madrigales y canciones, se disputarán la primacía en cuanto a la perfección de factura y que conservará hasta el período de decadencia de los mismos. Para mayor conformidad, en sus canciones sabrá liberarse de las llamadas técnicas arcaizantes propias del cantus- firmus, modelo de un creador ambicioso que recorrerá Francia e Italia, un maestro franco-flamenco adalid de su generación que ya de joven había quedado impresionado durante su estancia como maestro de capilla en San Juan de Letrán (Roma), antes de forjarse un prestigio en Amberes, aspecto que ayudará a que conozcamos en profundidad la consolidación de una carrera que dejará huella. Dos de sus hijos, Ferdinand y Rodolphe, tomarán el testigo de su escuela. Claudio Merulo (1553/ 1604), autor también de otro trabajo musical sobre Susanne un jour,  había sido organista además de dotado compositor, formado con los maestros T. Menon y G. Donati, antes de ocupar la plaza de organista de la Catedral de Brescia, preparando así su incorporación como primer organista en San Marcos de Venecia y continuar en 1566, en el puesto de A. Padovano, compartido con el prestigioso A. Gabrielli. Fundó con F. Betanio una editorial de música de importante arraigo, publicando exitosos intermezzi, que se añadían a obras suyas. Obras de su editorial, habían sido Troiane, de L. Dolce, con motivo de la visita de Enrique III a Francia o La Tragedia, de G. Frangipane, a las que se añadirá un obligado compromiso para los esponsales de Francesco de Medici, aunque bastantes de aquellas obras se perdiesen definitivamente. Estuvo también al servicio de Duque de Parma.

Girolamo Frescobaldi- Ti lascio anima mia. Capriccio sopra l´aria Di Ruggiero e Cosi mi desprezzata-llevó a su máxima expresión las formas al uso entonces vigentes: Ricercare, Fantasia, Variazione (Partite), etc…ampliando con conocimientos el tratamiento de la construcción ternaria a 5, 6 o 7 secciones, típicas de compases diferentes. Compositor, organista y clavecinista, cultivó igualmente la faceta de cantante, teniendo como principal maestro a Luzzazco Luzzaschi, labores que consolidará con sus obligaciones en la Academia Sta Cecilia en su doble cometido como cantante y organista. En Bruselas, durante la etapa en la que desarrollo su carrera, publicó su Première Livre de Madrigaux a 5 v., año en el que además, llegaría a ser titular del órgano de San Pedro en Roma, 1608. Tuvo como discípulos a Froberger, Grassi o Battiferi. En su estética se valdrá también de las posibilidades de un atento melodismo, a partir de las influencias asimiladas de sus predecesores. 

Giulio Caccini (1551/1618)- con dos piezas, Dolcissimo sospiro e Torna deh torna y la inmarcesible Amarilli mia bella, capricho de tantas divas del belcanto- hablamos de una saga de grandes virtuosos comenzando por este personaje nativo de Tivoli, compositor y cantante, precursor a lo grande del ascenso del género operístico, a la par de Jacopo Peri, ambos se disputarán el reconocimiento cara a la historia, merced al magisterio en los dominios del recitar-cantando, siendo Caccini, quien dejase impronta de primer grado gracias a sus reconocidas dotes que tentarán a estudiosos a profundizar en la trascendencia de su figura, plena de virtuosismo, que tendrá refrendo en sus propias hijas: Francesca y Settimia.  Caccini, estuvo durante un tiempo al servicio del Gran Duque de Florencia, en todas las dimensiones centradas en el mundo de la música. Igualmente Ferrara supo de la valía y las dotes de este músico y su ambiente familiar, alcanzado el reconocimiento por el dominio de los vocalizzi y los trilli, con acompañamiento de laúd.

Claudio Monteverdi (1567/1607)- Quel sguardo sdegnosetto-perteneciente a los Scherzi  musicali (1632) una colección de siete piezas de la que la elegida ocupa el segundo lugar, piezas en conjunto de menor relevancia por sus dimensiones, caracterizadas por su ligereza, editadas por Bartolomeo Magni, iniciativa surgida por deseo de este último, del conjunto de lo que será un pequeño florilegio vocal, en el que aparecen también ciertas composiciones  que se permitían a voces tonos de tipo anacreóntico- las ariettas- y que se pusieron de moda en los años anteriores con gran éxito de público, a juzgar  por el gran número de publicaciones de este tipo aparecidas hasta entonces: Cifra, Kapsberger, Stefani o Milanucci. La pieza elegida  Quel sguardo sdegnosetto, resulta una canzonetta, para voz de soprano.

Ramón García Balado