Yiran Niu, Irene Sancho Álvarez y Jorge Denís Sanromán, la EAEM en el Paraninfo da Universidade

 Paraninfo da Universidade, Santiago de Compostela

Cuarto concierto de alumnos de la EAEM, en el Paraninfo da Universidade-día 10, a las  19´30 h-,Intérpretes para la sesión de la EAEM, dentro del CAO, que comenzará  Yiran Niu, quien siguió la tutoría de Anca Smeu y que tendrá como acompañante a la pianista Simona Velikova, para las dos obras que nos ofrecerá. El Adagio de la Sonata para violín solo, en Sol m. BWV 1001, de Johann Sebastian Bach, piezas que mantienen la duda de si estuvieron pensadas para su propio disfrute o para Pisendel,  dejando constancia del gran nivel de dominio y conocimiento del instrumento resaltando su melodía cantabile y la importancia de la expresión armónica a partir de una técnica que brotaría del más depurado virtuosismo. El autor se familiarizó con la técnica de las dobles cuerdas que tan importantes serán en el conjunto de sus obras, tras haberlo hecho con las sonatas italianas y los conciertos de igual procedencia. El Adagio de la BWV 1001, resulta un majestuoso movimiento en forma de obertura, resultando una página emocionante sobre grandes trazos rápidos de toccata jalonados por acordes de tres y cuatro sonidos. Bach adoptará aquí un estilo cercano a la fantasía improvisada. En las tres Sonatas, se observa una elaboración dentro del modelo sonata da chiesa en sus cuatro tiempos, conteniendo cada una grandiosa fuga precedida de un Preludio lento con rasgos de improvisación y con una riqueza polifónica extraordinaria.

Max Bruch, con el Concierto para violín en Sol m. Op. 26, en sus tiempos Vorspiel (Allegro moderato); Adagio y Finale (Allegro energico), uno de sus tres conciertos para el instrumento y perteneciente este al año 1886, antes de ser ejecutado dos años después atendiendo a los modelos de Mendelssohn y Johannes Brahms. Obra dedicada encarecidamente al virtuoso J. Joachim, significándose por su abundante calidad melódica y el detallismo de su escritura para la parte solista. El Allegro moderato, pasará como una introducción a los movimientos que siguen, lo que para el autor supondría más de una duda en lo relativo en dar un nombre al concierto, afectando al Allegro de sonata, aunque desprovisto de desarrollo y de reexposición, pudiendo hablarse de una forma rapsódica con un diálogo entre solista y la orquesta. El tema principal, de acentuado dramatismo, verá surgir en la madera a la que secunda el violín una cadencia que se despliega en una larga extensión que alcanza un tema secundario lírico con el violín en registro agudo para recuperarse con el tema inicial. El Adagio, amplio y generoso, se elabora sobre un tema en Mi b M., anunciado por el violín, adornado y variado hasta una celosa cima de clara intensidad antes de la vuelta del silencio preparando entradas de flauta y trompa, que invitan de nuevo al instrumento solista. El Allegro energico, fogoso y temperamental, evoca ritmos y acentos zíngaros que nos acercan a Brahms, llevándonos a otro tema contrastante e impulsivo, que desafía al violín. La presente transcripción nos marca evidentemente nuevos derroteros.

Irene Sancho Álvarez, alumna de Carlos Méndez y acompañada por Simona Velikova, apuesta por la Sonata nº 2, en Mi m. Op. 6, de Adolf Misͮek, compositor de Modleton, 1875- entonces Imperio Austrohúngaro- y que nos dejó en Praga, en 1955, dotado contrabajista checo perteneciente al Romanticismo tardío y autor de repertorios camerísticos además de excelente pedagogo, músico forjado en la Ópera Estatal de Viena, tras estudiar en la Universidad de Música y Arte Dramático, con Franz Simandl, donde se graduó en 1894. Pasó también por la Wien P.O.,  y tras el fin de la Primera Guerra Mundial, abandonó su plaza para volver a Praga, donde fue nombrado solista de la O. del Teatro Nacional de Praga. Su música muestra un talante bohemio con referencias a Brahms, Wagner o R. Strauss, manteniendo una importante actualidad. La Sonata nº2, en Mi m. Op. 6, fue editada en 1911, lo que hace presumir una escritura anterior. Cuatro tiempos: Con fuoco; Andante cantabile, Furiant, allegro energico y Finale. Allegro appasionato, de los que tendremos los tres primeros, y que pueden interpretarse de forma separada, llegando a durar casi media hora. La influencia de Brahms y los compositores del Romanticismo tardío resulta ya evidente desde el primer movimiento.

De Serge Koussevitzky, el Allegro del Concierto para contrabajo y orquesta en Fa sost. m., Op. 3, director que estudió contrabajo en el Conservatorio de Moscú con Rambousek y composición con Blaramberg y Krugliakov, llegando a formar parte de la Orquesta del Bolshoi, donde fue solista entre 1901/5, preparando una importante carrera como solista realizado a través de transcripciones de obras para chelo y páginas de propia firma. Fijó su residencia en Berlin (1907), donde debutará como director, faceta en la que se prestigiará tras su presentación con  la Berlin P.O., antes de confirmarse en Moscú a nivel universal. Dirigió óperas rusas y fundó los célebres Conciertos Koussevitzky, fundando años después el Festival deTanglewood (1935) y promoviendo la Fundación que lleva su nombre, en honor de su compañera Natalia Ushkov.  El profesor Rainer Zepperitz, aconsejará a alumnos suyos sobre este concierto, dejando precisas indicaciones sobre ese primer movimiento Allegro, en Fa sost. m, cuyo principio tiene que ser una nota larga con un gran arco. Hay que escuchar continuamente el sonido que produce, los tresillos son más rápidos. Este concierto requiere un montón de energía, muchas veces tocando además en la misma cuerda. Las pausas entre frases tienen que ser cortas para no interrumpir la inercia, es sólo impulso para  seguir con la misma fuerza. La relajación es importante para abordar los pasajes  comprometidos. En el climax hay que anticipar un crescendo molto justo antes y luego coger el tempo.

Jorge Denís Sanromán, alumno de José Vicente Faus, nos traslada a mundos sonoros centrados en los medios de la percusión. Jan Freicher, tendrá Koda, para vibráfono, obra divertida que no duda en acercarse a los modismos de las músicas latinas cuidando los aspectos armónicos y sorprendentes. En sus cercanías, los maestros jazzísticos del vibráfono como Lionel Hampton o Milt Jackson, por citar a los más emblemáticos o quizás Red Norvo, en la vertiente latina, y la concomitancia con el swing. Otros músicos en cartel, Eddie Costa,  Vic Feldman, Terry Gibs, Gary Burton, Tom van der Geld, Bobby Hutcherson o Carl Tjader. El vibráfono se hizo grande en el espacio del jazz creando una corriente reconocible y para muestra, otro personaje como Cassey Cangelosi, con una pieza cargada de energía como Tap Oratory para caja y electrónica (2015), pieza cercana a los siete minutos electrizantes de este músico integrado en la Classical Marimba League y dinamizador del Festival Marimba Zeltzman (2011), en Appelton, tras formarse en Boston, Massachussets y en el Instituto de Artes de California. E. Sejourné, con el Concierto para marimba y cuerdas-Tempo suple-, se caracteriza por su expresión neo-romántica, sazonada a salto de mata por algunos gestos y armonías que parecen provenir del mundo del jazz, entre figuraciones que destacan precisamente en este tempo suple, que resulta especialmente atractivo por su ambiente evocador y sus sugestivas armonías. Su catálogo de obras concertantes ofrece trabajos como el Concierto Magallanes, para percusión y cuerdas, ejemplo del alto nivel conseguido como notable percusionista y en el que caben también obras escénicas. El ConCerto Fuoco, para marimba (percusión y banda) o el Concierto para tres percusiones y banda, además del Concierto para vibráfono y cuerdas, son las obras más difundidas, junto al encargo del Festival Grame, para el Grupo Teclados de Percusión de Lyon.

Ramón García Balado

Tercer concierto del CAO de la EAEM: Inès Fernando y Óscar Rial Salgueiro, en el Paraninfo da Universidade

 Paraninfo da Universidade, Santiago de Compostela

Dos intérpretes de la EAEM, en el Paraninfo da Universidade, día 9 a las 19´30 h., y que abrirá Inès Fernando, alumna de Timur Sadykov,  acompañada por la pianista Eriko Ishimoto, tendrá en programa la Sonata Arpegione, en La m. D. 821, de F.Schubert, obra que según Briggite Massin está relacionada con el fabricante vienés Johann Georg Staufer (1778/1853), especializado en instrumentos de cuerda quien construyó una especie de violín (por su forma) y guitarra  (por el número de cuerdas, seis), que llevaba el nombre de arpegione, o también guitarra-violonchelo o guitarra de amor. Vicent Schuster fue un virtuoso de este efímero instrumento y fundador de la escuela para promocionar el arpeggione; fue probablemente quien encargó a Schubert la composición de una sonata destinada a probar la musicalidad del nuevo instrumento. La sonata fue escrita muy rápidamente, como demuestra el manuscrito muy poco cuidado. Fue interpretada antes del fin de año en casa de Schuster, con Schubert al piano. No queda ningún documento que hable de esta ejecución. La sonata no tiene la dimensión de los cuartetos de cuerda escritos algunos meses antes. Solo consta de tres movimientos, relativamente reducidos, que dejan traslucir la intención de destacar un instrumento inusitado. El primer movimiento, Allegro moderato, está en La m., y su primer tema melancólico, está expuesto al piano pero repetido pronto por el arpegione; es este el que expone el segundo tema, vivo y danzante. El desarrollo, después de un único enunciado del primer tema ampliado, está llevado por el arpeggione; una bella transición de clima inquietante, trae consigo la reexposición, durante la cual el instrumento vedette vuelve a exponer alternativamente los dos temas. La conclusión se mantiene en la línea melódica del comienzo del movimiento.  El segundo movimiento, es un Adagio en Mi M., concebido como un Lied; el arpeggione corresponde a la soñadora melodía, al piano el acompañamiento discreto y tranquilo. El interés se centra sobre las cualidades expresivas  del insólito instrumento; es el encargado de termina el movimiento sobre cuatro compases de una cadencia que introduce directamente al final. El Allegretto, en La M., es un rondó en varios episodios. Sigue siendo evidente el interés por realzar el instrumento de cuerda, tanto si se trata del estribillo de aire popular, o de los intermedios  (el primero en Re m., violentamente ritmado, el segundo en Mi M., mucho más melódico, y también mucho más desarrollado), la parte principal vuelve a corresponder al arpeggione, que debe demostrar sus posibilidades de agilidad y de virtuosismo como demostraba su expresividad en el movimiento precedente. Obra de circunstancia, de evasión, la sonata, no deja de tener, por el sabor de sus temas, la sucesión casi improvisada de sus elementos melódicos y la soltura de su desarrollo, un encanto evidente, un poco anticuado y nostálgico. La primera edición de la obra, en 1871, incluía la transcripción para violín o violonchelo, junto a la parte del arpeggione. Se hicieron arreglos más tardíos para viola o para guitarra. E incluso transcripciones orquestales de la parte del piano. En nuestros días se interpreta casi siempre con violonchelo y piano. Es la única obra en dúo de Schubert que puede inscribirse en el repertorio de los violonchelistas.

Óscar Rial Salgueiro, alumno de Javier Simó y Ramón Llaster, disfrutará de la asistencia de Haruna Takebe, en la transcripción para dúo del Concierto para trompeta, en Mi b m.Hob. VIIe.I, de Franz Joseph Haydn, obra de 1796, en la serie menos afortunada de los dedicados a instrumentos de viento, en los que abundan de forma especial los perdidos y abandonados, además de los apócrifos, como habían sido dos de los dedicados para flauta- Conciertos en Re M. Hob. VIIf.1 y Hob VIIf. D1, el primero con el íncipit Entwurf-Katalog, perdido y el segundo, definitivamente asimilado a Leopold Hofmann, a pesar de que fue siendo interpretado con frecuencia con originalidad errónea. Concierto destinados al definitivo olvido fueron el destinado para trompa, en Re M. Hob. VIId1; el destinado para dos trompas en Mi b M. Hob, VIId.2, añadiendo el apócrifo Hob, VIId.4, para trompa en Re M. Otro para dos trompas, en la tonalidad de Mi b M., se encuentra en los archivos Oettingen-Wallerstein, de cuya evidencia se tuvo conocimiento en fecha tan cercana como 1959, gracias a la mediación de Karl de Nys, obra que circuló con el nombre del maestro de la sinfonía y de los cuartetos de cuerda y que curiosamente podrá atribuirse a su apreciado hermano Michael, siempre condenado a ocupar un rango inferior en la historia de la música. Es verdad que la sombra de Franz Joseph era sobradamente alargada. Para mayor gratificación, en medio de una situación plagada de equívocos, podremos consolarnos con obras incuestionables como el Concierto Hob. VIId. 3, en Re M., para trompa (1762) o este modélico Concierto para trompeta, en Mi b M. Hob. Vlle. 1., cuyo manuscrito autógrafo está fechado en 1796, tratándose de su último concierto además de su postrera partitura orquestal. Dedicado a Anton Weidinger, trompetista  prestigioso de la corte vienesa, sería además inventor de unas trompetas con llaves capaces de tocar en una extensión de dos octavas, de una forma justa y pura, todos los grados de la escala cromática. Weidinger interpretó por vez primera este concierto de Haydn, precisamente en Viena, el 28 de marzo de 1800. Su trompeta de llaves dejaría a los asistentes en un grado de éxtasis arrebatado, mientras que Hummel realizaría lo propio para el mismo instrumento tres años después. Un concierto para gran orquesta y que en lo orgánico mantendría dos flautas, dos oboes, dos fagotes, dos trompas, dos trompetas y un equipamiento de timbales, además de cuerdas. Un año antes el maestro había presentado lo que sería su última sinfonía- la nº 104, en Re M., conocida como Londres y que se daría a conocer en beneficio propio del autor, en la capital inglesa, dentro de los Opera Concerts). Tres tiempos en la obra que se nos reserva, comenzando por el Allegro 4/4 , en el que condesa un trabajo temático densamente ceñido, dentro de los cánones de la forma sonata abreviada para esa concisión lapidaria del ideario postrero. Los detalles rítmicos o los melodismos del solista, resumen precisamente un tratamiento hasta las profundidades.  El Andante, en La b M. 6/8, emparenta con la Gott erhalte  Franz den Kaiser Hob. XXVa. 43, una evocación del himno austríaco que compondrá al año siguiente, con atisbos si cabe de la sensibilidad romántica.  El Allegro final 2/4, es una amalgama lúcida y brillante de detalles tomados del propio compositor, desde la forma sonata a los modismos del rondó. Página claramente luminosa cargada de episodios contrastantes que para cualificado estudiosos acabará sorprendiendo que no haya sido publicada hasta el siglo XX o que sorprendentemente no hubiese pasado por la criba del desafuero, soportando la destrucción de su manuscrito original.

Ramón García Balado

Da trisca as praterías

  Praza das Praterías. Santiago de Compostela

Concierto de la Banda Municipal en As Praterías- día 5, a las 20´00, con su titular Casiano Mouriño Maquiera, ofreciendo en programa obras de compositores habituales comp Phillip Sparke, Alfred Reed, Franco Cesarini, el menos frecuente Arie Malando (Arie Maasland), un holandés converso y especializado en tango a lo largo de su dilata vida y una selección de la zarzuela Alma de Dios, de José Serrano.  Phillip Sparke (1951), con To a New Day, un compositor formado en el Royal College of Music, de Londres, en las especialidades de trompeta y piano, destacando pronto por obras como el preludio de concierto, para banda de metales, suscitando un creciente interés por el estilo de obras que cultivaba, por lo que recibiría encargos ya desde su juventud, entre los que se encontrarán los destinados para cadenas de tv, como los recibidos de la BBC, llegando a ser galardonado por tres veces, por el Contest of the European of Music Band, merced a  trabajos como Slipstream, Skyrider y Orient Express, siendo alguna de sus obras piezas habituales en las programaciones de nuestra Banda Municipal. Una idea de trabajo que le llevará a proyectarse en otros ámbitos distintos a las obras de concierto, destinadas a géneros cercanos a las formas incidentales. Recibió el Sudler  Prix International of Composition (1997) y el Contest Int. de 2005, por La Música de las esferas.

Franco Cesarini-Old Russian romances (2013): Come my guitar play on; Great Affliction all hope gone y Two guitars, un músico familiar entre los aficionados, compositor con estudios en el Conservatorio Giuseppe Verdi, de Milán, teniendo como maestros a Robert Suter o Jacques Wilberger (teoría y composición); Petter- Lukas Graf (flauta) y Felix Hauswirth, en dirección de banda de viento. Ejerció la docencia en la Universidad de las Artes de Zurich, entre 1989 y 2006, y llegó a ser nombrado maestro de la prestigiosa escuela del Conservatorio della Svizera Italiana (Lugano), donde amplió perspectivas en trabajos para banda, teniendo un inmediato refrendo en sus giras de concierto y siendo nombrado compositor en residencia de la Southeast Missouri State University y en la Cape Girardeau. El repertorio para banda ocupa una atención preferente, destacando obras como Rapsodia Ucraniana Op. 3; la Suite Ancienne Op. 1; Mexican Pictures Op. 8 o El butaquito.

Alfred Reed- El Camino Real (Fantasía Latina) (1983)- creador de primer rango con más de doscientas obras, es efectivamente uno de los incondicionales de las propuestas de temporada, un neoyorquino de arraigo internacional, siempre en cartel de las bandas de mayor prestigio, pasó parte de sus años de formación en bandas militares, lo que determinó la evolución de su carrera. Fue director de la Baylor Symphony Orchestra University, después de estudiar en la Juilliard School of Music, con Vittorio Giannini, llevando a presentar una tesis sobre la Rhapsody for viola y orchestra, galardonada con The Luria Prize (1959), fue también miembro del Beta Tau Chapter of Phi Mu Alpha Sinfonia, una confraternización en defensa de la divulgación de la música y de los propios compsitores/intérpretes. La Universidad de Miami, le tuvo entre sus maestros en estos oficios, que compaginará con la composición de obras de notable prestigio, como los conciertos para banda Russian Christmas Music; The Musik Maters; A Ceremonial Fanfare; A Northern Legend; Armenian Dances, inspiradas en piezas de raigambre tradicional; In Memoriam an Elegy for the Fallen o la First Suite for Band.

Arie Malando (Arie Maasland) (1908/80)- El ciclo de los ríos, en arreglo de Kees Vlak: Río Negro; Orinoco y Chubat. Curioso personaje holandés profundamente interesado en el mundo del tango desde años jóvenes, de ahí el detalle de su nombre, la latinización de su nombre que conoceremos como Arie Malando, que llegó a formar una orquesta dedicada al fomento de los estilos de tango en los años treinta. Una vida poco fácil ya que padeció los turbio amargos cuarenta, en medio de la ocupación nazy. Había estudiado piano con Jan Kriek antes de entregarse a la seducción del acordeón que enfocaría el resto du su vida, gracias al embrujo del tango y las orquestas milongueras, fue su sonido una perfecta asimilación que ya desde los años treinta, conseguirá una aceptación internacional pero en su favor, la garantía de un estilo claramente personal, garantizado desde su primer gran éxito Anny, dedicado a su compañera sentimental, que repetirá también en su hija. Acuñará definitivamente el nombre artístico de Malando, tras probar impresiones artísticas con la orquesta de Eduardo Blanco y después de pasar un importante período como músico de sesiones de acompañamiento en los filmes de cine mudo. Con los Jumping Jack, había actuado en oficios parecidos mientras daba gusto a las composiciones tangueras- Olé guapa, Cosmopoliet, en su título original y otras tantas de las que sacará buen partido. En la memoria, se conservan en registro, Niña Bonita, dedicada a su hija Lía; Cornelita o Guapita; Noche de estrellas; Con sentimiento o Soleado. Llegó a formar su propia orquesta con sus colegas Ben Rodenhuis (violín) y Rinus de Recht (violín, clarinete y canto), la radio y los conciertos, había sido una excelente vía de popularidad, facilitando su visita a Buenos Aires, en una de sus largas giras e incluso en Japón, donde le recibieron con los brazos abiertos, todo un acontecimiento de época. Tras su muerte, la orquesta se mantuvo activa, bajo la dirección de su yerno el percusionista Evert Overweg, quien incorporará nuevos repertorios sobre ritmos latinos y entre los que destaca precisamente Rivieren Cyclus (Río Negro; Orinoco y Chubat), obra que fue incorporada a los repertorios de orquestas sinfónicas.

José Serrano, estará representado por la zarzuela lírica Alma de Dios, acuarela de costumbres populares, sobre libreto de Carlos Arniches y Enrique García Álvarez, para estrenarse en el Teatro Cómico madrileño, el 17 de diciembre de 1907, destacando como solistas Loreto Prado; Enrique Chicote, en calidad de tenor cómico; la Señorita Anchorena, como actriz; el Sr. Delgado, como actor y un  importante elenco de artistas de éxito del momento. Fue la Compañía de Chicote quien veló por ella, consiguiendo gran aceptación desde las primeras funciones gracias a sus virtudes trabajadas sobre los madriles castizos, las pinceladas sainetescas, los detalles propios del género chico y otras deferencias.  Alma de Dios, revela sus cualidades desde el Preludio en forma de seguidillas, consolidando el talento de José Serrano quien con ingenio describe aires quijotescos reservados a los protagonistas, manejándose con soltura en la selección de números musicales, que serán recordados durante bastantes años, como la melodía Canta mendigo errante o las seguidillas del fuelle, cuyo estribillo se repetirá machaconamente.

Ramón García Balado

Pedro Budiño Pinaque, Roi Guzman Gómez y Belén Aragunde Canaval, concierto de la EAEM, en el Paraninfo da Universidade

 Paraninfo da Universidade, Santiago de Compostela

Segundo concierto de Fin de Curso de la EAEM, en el Paraninfo da Universidade, día 5, a las 19´30 h-,  que iniciará Pedro Budiño Pinaque, alumno de Gregori Nedobora y que estará acompañado al piano por Haruna Takebe en las piezas que lo requieran, comenzará su sesión con dos tiempos de la Partita nº 2, para violín solo BWV 1004 ,de Johann Sebastian Bach: Sarabande y Gigue, siendo el violín uno de los instrumentos favoritos del maestro y uno de los primeros ejemplos en práctica dentro de los géneros camerísticos tanto en Leipzig como en Köthen. Durante su estancia en la corte de Weimar, en 1703, se encontrará con grandes representantes de la escuela polifónica, adaptados al violín, Johann Paul von Westhoptf quien sin duda alguna le inició  en la tradición alemana como lo que supondría un colega de viaje, familiarizándole en la técnica de las dobles cuerdas  que tan fundamental sería para la evolución de sus obras. Igualmente, descubrirá las sonatas y los conciertos italianos que supondrán la base del repertorio para pequeña orquesta. Estamos en el medio de las tres sonatas y partitas para violín solo, que dejan constancia del profundo conocimiento del instrumento por parte del compositor. Aspecto más agudo será la utilización del arco y aunque el manuscrito de las sonatas y partitas para el instrumento llevan la fecha de 1720, no se conoce la fecha exacta de composición, siendo ese año de Köthen el que ofreció su definitiva recopilación. Las presentará en alternancia sonata- partita. Siendo las primeras en estilo da chiesa y las partitas en forma de suite de danza, dentro de la tradición de la época, con un Preludio de introducción en lugar de la Allamande.  La Sarabanda de la BWV 1004, en ¾, anterior a la Gigue y la densa Chaconne, con la que se completa la obra, intercala una página muy emotiva en la que cortos pasajes improvisatorios parecen responder a los largos acordes acumulados. La Gigue, 12/8, pieza animada observa cuidados matices desde el forte al piano, tan apreciados por el autor, preparando la entrada de la Chaconne final.

Claude Debussy-Sonata para violín y piano en Sol m., en sus tiempos Allegro vivo, Intermède: fantastique et lèger y Finale: Très animé obra que para Harry Halbreich, será una fusión de fantasía armoniosa gracias al ensamblaje de los dos instrumentos igualando la grandeza de su predecesor W.A. Mozart o el propio Johannes Brahms, en la Sonata en Sol. Una etapa en Arcachon, en la que se reponía de un período ingrato mientras daba forma a obra tan importante y con notables esfuerzos en esa búsqueda de equilibrio y soltura ofrecidos en sonatas anteriores. La primera audición se escuchó gracias al joven talento Gaston Poulet, acompañado al piano por el autor, el 5 de mayo de 1917, en la Salle Gaveau parisina, antes de ser editada por Durand. El Allegro vivo, ¾, dolce espressivo a cargo del violín (Sol m. modal), domina un movimiento bitemático con un segundo tema que aparecerá en el final tras un episodio apasionado y un relajamiento del violín apoyándose en una misma nota de forma ostinada, antes de repetir el teclado para alcanzar un reprise del tema del comienzo, camino de una extensa  coda, en forma de desarrollo de conclusión y un ahogado cierre en Sol m.    Intermedio (Caprichoso y ligero), destaca por su púdica ironía en la que conocedores verán un cierto iberismo, con un ostinato rítmico en semicorcheas en staccato, procedentes del tema inicial que conceden ese carácter español de este tiempo, que contrasta con el primero sin ser más que un divertimento.  El Final (Muy animado), será comparado por Debussy con un simple juego de una idea evolucionando sobre sí misma, embriagándose en un alarde de perpetuum mobile entusiasta y locuaz, bastante original en su planteamiento por su intermedio central (doble más que lento) de idea monotemática. Obra que concluye con un fragmento de violín poco a poco más animado, sobre un movimiento cromático del piano, cual adiós a la vida.

Johannes Brahms, Sonata FAE, Scherzo en Do m., obra ciertamente infrecuente frente al amplio catálogo de sus trabajos camerísticos, un trabajo en colaboración con su apreciado Robert Schumann y con Albert Dietrich, entre el 15 y el 28 de octubre de 1853, en Düsseldorf, en dedicatorio a Joseph Joachim, una idea de Schumann en forma de entrañable obsequio como amigo de los tres músicos y que en el caso del dedicatario, se adoptó el lema Frei aber einsam (libre pero solitario), en sus tres movimientos basados en las notas musicales F-A-F, (Fa- La-Mi), en la nomenclatura alfabética germánica a modo de criptograma musical. Schumann le asignará a cada tiempo uno de los músicos implicados en el proyecto. Dietrich tendría el primero, en forma sonata al que seguirá Schumann en un corto Intermezzo y Brahms, con el Scherzo en Do m., maestro por excelencia de esta forma, proporcionando Schumann el Final, con la citada dedicatoria. Dirá nuestro inestable Robert, cual aprecia su amarga biografía: F.A.E., In Erwartung der Ankunft des verehrten und geliebten Freundes JOSEPH JOACHIM schrieben diese Sonate R. S., J.B., A. D. (F.A.E., en Espera de la llegada de su reverenciado y querido amigo JOSEPH JOACHIM, esta sonata fue escrita por R.S., J.B., A.D). Schumann incorporará sus dos movimientos a su Sonata para  violín nº 3, y Joachim, conservó el manuscrito original, permitiendo que solo se publicase el Scherzo de Brahms, en 1906, casi diez años después de la muerte del compositor.

Roi Guzmán Gómez, alumno de Jorge Ortega y acompañado al piano por Simona Velikova, elige el Concierto para trompa y orquesta, en Si b M. Op. 91, de Reinhold Glière, obra de 1951, contando con el protagonismo de Valery Polekh, en Leningrado, con la Orquesta Sinfónica de la Radio de Leningrado. Obra en tres tiempos: Allegro; Andante y Moderato-Allegro Vivace, el autor conocería al solista en el Teatro Bolshoi, en 1950, durante un breve encuentro dejando como resultado el compromiso de esta obra que abordará en sus momentos de asueto, mientras que ambos revisarían el resultado a medida que se iba desarrollando, admitiendo las posibilidades notables de la trompa, por la incorporación de válvulas desde comienzos del XIX, logrando con ello una mayor extensión en lo relativo a la expresividad. Otros compositores no dudará de apuntarse a estos logros, siendo Glière uno de los principales dinamizadores, captando el potencial admitido. Con las limitaciones de los años 50, el concierto en programa apunta a un estilo neoclásico de fuertes influencias románticas. Una cadenza típica que acompaña a la obra fue tratada por Valery Polekh, pendiente de las cualidades virtuosísticas que sobrepasan el tipo común de la forma, por lo que muchos intérpretes prefieren modificarla.

La tercera intérprete será Belén Aragunde Canabal, alumna de Laurent Blaiteau y acompañada por Haruna Takebe, prueba en su reto con tres obras, desde el clasicismo de W.A.Mozart- Cuarteto para flauta, en Re  M. K. 285: Allegro; Adagio y Rondó, obra que emparenta con los K. 285a y K.285 b, obras escritas en Mannheim en donde había estado acompañado por su madre, distanciándose de los infortunios de Munich y Ausburgo, gracias a las atenciones benefactoras de J.B. Wendling, un dotado flautista de la orquesta de la respetable orquesta de la ciudad y en donde conocería a De Jean, otro estimado aficionado. Serie de tres cuartetos para flauta con los que parecía no sentirse a gusto.  Para Abert, ya el inicio con sus numerosos suspiros, remite al gusto de Mannheim, siendo lo más destacado el Adagio por la melodía para flauta acompañada a modo de romanza  por un pizzicato. Alfred Einstein recordará ese Adagio por su melancolía a solo, escrito especialmente para la flauta.

Pierre Sancan (1916/ 2008), tendrá el Adagio de la Sonatina para flauta y piano: Moderato; Andante espresivo y Animé, pianista y compositor que se relacionó con Olivier Messiaen y Henri Dutilleux, en la transición de mediados del XX, tras comenzar sus estudios en Marruecos y Toulouse, para  trasladarse a París, con Jean Gallon, tomando estudios de dirección con Charles Munch y Roger Désormiére y en composición con Henri Busser, pronto destacó en el Prix de Rome por su cantata La léyende de Icare, aunque no se dedicará a la docencia como podría presumirse. Fue acompañante de músicos como el chelista André Navarra y los Conciertos de Ravel, con en disco con Pierre Dervaux, en su entorno profesional, músicos como Jean-Bernard Pommier, mientras ayudaba a otros como Michel Béroff, Olivier Cazal, Abdel Rahman, Selman Ada, Daniel Varsano, Jacques Rouvier, Géry Moutier, Jean Bernard Pommier, Daniel Varsano,  Géry Moutier, Jean- Effram Bavouzet o Jean Philippe Collard. Dejará obra que mantiene su presencia como la serie de sus tres ballets; una ópera, Ondine (1962); la Overture joyeuse; Les malheurs de Sophie, música incidental que repetirá en experiencias similares.

Giacinto Scelsi (1905/88)-Qyais para flauta sola-, pieza de 1953, un compositor que nos visita con frecuencia en cuanto a sus obras en los certámenes de músicas contemporáneas, un valor fijo por su magisterio, artista confinado en su aristocrático retiro en las afueras de Roma, logrando en su oficio creativo una comunión de los fenómenos sonoros que supondrán la madurez de su éxtasis creativo, un camino de perfección que se confirma en sus Quattro pezzi, un posicionamiento encrespado y provocativo. En Cantos de Capricornio, ciclo de 19 piezas para canto elaborados sobre modelos indúes, el sonido sería tratado como la gran cultura de la meditación, símbolo del principio creador del mundo según Scelsi, disolviendo la subjetividad y la conciencia del yo, el texto de esos cantos no posee significado aparente como sucede en los Mantras  del Tibet, funcionando por su coherencia estrictamente musical.

Ramón García Balado