Pálido punto de luz, ópera de Javier Otero Neira, en Contemporáneas

  Teatro Principal, Santiago de Compostela

 

Segunda actividad de Contemporáneas con la ópera Pálido punto de luz de Javier Otero Neira en el Teatro Principal- día 27, a las 20´30 h-, obra que  tuvo se estreno recientemente en las programaciones de Amigos de la Ópera de  Coruña, en el Teatro Rosalía Castro, el día 12 y que contó con una charla previa de compositor la jornada anterior en la Sala de Prensa de la Sede Afundación. Pálido punto de luz, remite a la dirección escénica de Iria Azebedo, autora también del libreto y que para sus roles principales, tiene a Esperanza Mara(Fatma), Nerea Rey (Sombra), contribuyendo Javier Otero Neira al cuidado de los recursos sonoros en cuanto a interpretación de piano, electrónica y programación, disponiendo de detalles visuales e iluminación de José Faro Coti, aspectos del movimiento escénico confiados a Rut Balbis y un vestuario que preparó Josu Santos Blanco.

Javier Otero Neira, es artista que dispone de un contrato con Yamaha para la realización de proyectos suyos, que supondrán registros como Impromptus (Schubert, Chopin y G.Fauré); Galician Folk Songs, sobre compositores de la tierra; Vibrations (Rautavaara, S. Prokofiev y Ginastera); Nocturnos (Chopin y G.Fauré); Intuition Vol. I y II; Cantigas dos arrieros, con obras de su propia firma; Reconstrution, trabajo elaborado durante el confinamiento y de talante más experimental; Saraiba, dedicado a las aportaciones de los sintetizadores y divagaciones electrónicas y la colaboración con Adrian Solla, que aportará Variaciones. De propias raíces, saldrá Inmersión y para Deninghures, Yalah rework. Dinamizó el Piano Meeting, en Ourense, durante tres temporadas, realizando su primer concierto Silent System WIFI, en nuestro país, con una actuación en abierto, en la que los oyentes dispusieron de auriculares mediante una red WIFI y un Yamaha TransAcoustic, asistido por la tecnología Sylem System.  Estrenó en 2023 el proyecto Xogo de Espellos, con la RFG, sirviéndose de piano, música electrónica y orquesta.

En las Xornadas de Música Contemporánea de 2023, A voz a escena, participó con una obra suya en O poder das palabras, en el Cemiterio de Bonaval, junto a la poetisa Lúa Mosquetera, activista de la palabra armada y creadora de reguetón feminista, especializada en realizar recitales en vivo apoyada en una necesidad de expresarse ante el público en una actitud provocadora de intensidad pasional, surgida de su poemario expuesto en conexión directa con el oyente. Para ella, un poema era una fotografía de un sentimiento que, llevado al papel, se extendía hasta la eternidad. O poder das palabras enhebraba esas poéticas con una música precisamente elaborada en su tratamiento y a través de los más arriesgados recursos sonoros.     

Pálido punto de luz toma como punto de partida la fotografía tomada por la sonda Voyager I, en 1990, a una distancia de  6.000 millones de quilómetros. Una petición de Carl Sagan y la imagen final antes de que se apagar definitivamente las cámaras. Una representación del lugar que ocupa la humanidad en el universo a través de diferentes dimensiones artísticas (música original, libreto original, acompañado por visuales ad hoc). Esperanza Mara (Fatma) , nos cuenta y canta su propia odisea en la búsqueda de una identidad, en un tiempo cambiante, polarizado, manipulado en que vivimos. La identidad que constituye en relación a los  otros y su entorno y lo que implica comprender, representar y ser consciente de quiénes somos y de cómo nos consideramos personal y socialmente. A su vez, esclava de la inmediatez, está sujeta a las tarjetas personales que compartimos con los demás a través de las redes, donde muestran nuestra intimidad, sin percibirlo como algo peligroso. Fatma, al igual que la gente que la rodea, ofrece una imagen en oferta que cualquiera de forma fácil y rápida. Las redes, convierten a los usuarios en cámaras de eco que repiten las últimas palabras que escuchan o leen. Actuamos conforme queremos que nos vean una vida espectáculo que enmascara la vida real.

Pálido punto de luz, para voz, piano y recursos electrónicos, aporta la música como un personaje más. Los ecos, las frecuencias son vitales para la propia existencia de la música. La consonancia y la disonancia, son reflejo de la respiración, y la inhalación o la exhalación. Cinco tiempos: Obertura. Acto I, SER-respirar. Columna vertebral-cantos de sirenas. Acto II, ESTAR- Estoy-un pedazo de atmósfera-Troyanos-Pestanas. Acto III PARECER-Parecer- Efecto Wow. Acto IV. Conflicto. Ser-Estar-Parecer. Acto V FINAL. Heart- Beat. Una producción de Otero Neira; Xunta de Galicia; Deputación de Pontevedra; Concello da Estrada y la colaboración de Inversia Seguros e Wecom, NONONOM lab., y  el CMUS.

 Esperanza Mara, se incorpora al elenco ocupando la plaza de la anunciada en un principio, Adriana Laespada y que el pasado día 10 ofreció un concierto con la Banda Municipal de Santiago junto al tenor valenciano Eduardo Sandoval, en colaboración con Amigos de la Ópera de Santiago, bajo la dirección de Casiano Mouriño Maquieira, para ofrecernos un programa con páginas de ópera y zarzuela y una consideración especial al compositor gallego José Fernández Vide, del que se recuperó en año pasado su zarzuela Miñatos de vran y de la que se escogieron la Balada de Manuel y Quixen morrer!, que interpreta el rol de Maripepa. Ya como cierre, el dúo entre ambos.

 Nerea Brey (Sombra) Titulada en la Arte Dramática por la ESAD, participó en proyectos como la serie Rapa, de Jorge Coria, y en 13 exorcismos de Jacobo Martínez, para el programa Violencia Zero, con Miriam Rodríguez; Illas desertas, en la Gala de Premios María Casares; Péndulo y Cancións amárelas, flores tristes. En la Mostra de Teatro de Ribadavia, presentó su obra Manual de Patronaxe, Premio Abrente de Teatro. Iria Azevedo, clave en el equilibrio de Pálido punto de luz, realizó cursos repartidos entre María Ripoll, Amado Cruz, Joel Beddows, Jorge Coira, Massimo Malucelli, Sandra Montes o Laia Oliveiras. Fue protagonista en papeles teatrales como Daifa (Martes de carnaval), dirigido por Marta Pazos; Susie (Suise), dirigida por Xulio Lago; Serramoura e Viradeira, para la TVG y Argonautas (RTVE). A partir de 2005, se dedicó a labores dramatúrgicas, logrando en 2016 el Primer Premio de Dramaturxia no Certame da Revista Galega de Teatro, probando en dirección en gira a partir del espectáculo NEP, del CDG, confirmado con  As oito da tarde cando morren as nais (2009), mientras mantiene sus actividades docentes de creación e interpretación con la propuesta CHÁ Summer School, de creación teatral y el proyecto itinerante de Teatro Amador 5x5, de las Aulas  Municipais de Teatro e Mostra Itinerante de Teatro Amador 5x5 o el de Viaxes Sonoras Os Andanres.

Ramón García Balado

Doña Francisquita, un filme de Hans Bherendt, dentro del ciclo Cantantes Líricas galegas dos séculos XIX e XX

  Facultade de Xeografía e Historia, Santiago de Compostela

Punto de encuentro en el ciclo dedicado a Cantantes líricas galegas dos séculos XIX e XX que nos  invita a descubrir un filme prácticamente desconocido y realizado en 1934, a partir de la zarzuela Doña Francisquita (Amadeu Vives), con presentación del profesor de la USC Xosé Nogueira Otero, en la Facultade de Xeografía e Historia – día 20, a las 18´30 h.-, una zarzuela que entonces, tuvo como protagonista a Matilde Vázquez, en el rol de Aurora (la Beltrana). Fue Matilde una cantante realmente  popular y  admirada durante aquellos años, por su participación en películas entre las que destacaron Prim, esta que nos afecta en esta cita, La última falla (1940), de Benito Perojo o Todo por ellas (1943), de Adolfo Aznar. Junto a Luisa Fernanda o La Picarona, se añadirían Los claveles, La chulapona, alternando papeles de soprano con los de mezzo d´utilité, gracias a su espléndida voz dotada de un notable color y volumen, se decía que su canto resultaba poco ortodoxo, temperamental e intuitivo, gracias a su fogosidad permanente como argumento preciso, que la llevaría al final de su carrera, a una exageración redundante en cuanto a la acentuación de los detalles escénicos, en beneficio de un vibrato demasiado intenso. Sus mejores resultados, los había dejado para los sellos Parlophon y Odeón.

Hans Behrendt (1889/ 1942) realizó en 1934 Doña Francisquita, un alemán tras una vida precipitada desde sus estudios en la Ac. de Arte Dramático Ernst Busch, en Berlín, interesándose por las artes Rex (Federico II, de Prusia), período en el que compaginaba oficios de actor con los de director. En esa escénicas y el mundo del cine en sus orígenes, probando con Bobby E. Lüthge, en un biopic Friederich necesidad de aventura llegará a nuestro país en 1934, antes de seguir en Viena (1936), para realizar Fräulein Lili, en el Theater der Josefstadt, y continuar posteriormente en Bruselas y en la Francia de Vichy. Años convulsos que supondrán la amargura del secuestro que le trasladará a Alemania por su condición de judío, y que acabará con sus días en el campo de concentración de Auschwitz (Polonia).

 Behrendt fue uno de aquellos alemanes que contribuyeron a la consolidación  del mundo del cine en nuestro país, entre otros como el suizo Arthur Porchet (Hogueras de la noche); los franceses Raymond Chevalier (Dale de betún), o Jean Gremillon (La Dolorosa o ¡Centinela alerta!) y los latinoamericanos Carlos Sanmartin (Cantos de ruiseñor) y Adelqui Millar (Madrid se divorcia). No menos importancia tendrá la representación alemana incorporada a la industria española y entre la que aparecen Adolf Trotz (Alalá, 1943), nuestro Behrendt y Doña Francisquita o el muy activo Max Nossik (¡Alegre voy!). La mayoría de aquellas producciones, dispusieron de financiación alemana bajo el soporte de Ibérica- Filmes S.A. En gran medida, una cantidad considerable destacaron por su calidad para las posibilidades de entonces y otro ejemplo sería el filme del francés Harry d´Abbadie d´ Arrast, con el realizado a partir de El sombrero de tres picos (Pedro Antonio de Alarcón), que dispuso de la colaboración de Eleanor Boordman, Hilda Moreno, Alan Jeayes y Víctor Varconi, con ilustración musical de Rodolfo Halffter, recurriendo a un estilo de folklorismo musical. La productora había sido fundada por David Oliver, en Barcelona, un judío polaco (1880/1947), cuya familia se había establecido en Bremen en 1905 antes de exiliarse en Barcelona en 1934 y huir a Inglaterra con el comienzo de la Guerra Civil. Allí probará proyectos con Alexander Korda.

Entre las producciones basadas en sainetes o zarzuelas llevadas a cabo en España, recordaremos títulos como Carceleras (José Buch, 1932), uno de los primeros en abrir brecha y que inauguró el período sonoro; La Dolorosa (Jean Grèmillon), mano a mano con Doña Francisquita: La farándula (1935), de Antonio Momplet; La Reina mora (1936), de Eusebio Fernández Ardavín; Bohemios (1937), de Francisco Elías y para mayor énfasis, La verbena de La Paloma (1935), sainete de Ricardo de la Vega y Tomás Bretón, que dirigió el muy prolífico Benito Perojo, cuyo éxito arrasaría en taquillas

Doña Francisquita, comedia lírica de Amadeu Vives sobre libreto de Federico Romero y Guillermo Fernández Shaw, destinada al estreno en el coliseo por excelencia del género, el Teatro Apolo- 17 de octubre, de 1923-, a mayor gloria de María Isaura, Cora Raga, Felisa Lázaro, Beatriz Carrillo, Ricardo Güell o Antonio Palacios, tendrá como antecedentes la intención de componer una obra inspirada en los madriles confiada a esos libretistas desde la adaptación libre de La discreta enamorada de Lope de Vega, coincidiendo en fechas con el fallecimiento de Gerónimo Giménez, en la absoluta indigencia, personaje con el que había colaborado en varias ocasiones. Una lenta elaboración prevista para un desarrollo en cuatro actos, que poco contribuyeron a las pretensiones del autor, dejando los dos primeros en uno. En su interés, se decidirá por un joven intérprete, Juan de Casenave, jaleado por títulos como Balada de carnaval o el tratamiento de Bohemios en forma de ópera; para el rol femenino, la citada María Isaura, con solvencia en el mundo operístico. Aventura en la que igualmente tuvo argumentos el empresario argentino Francisco Delgado, del que se contaría una jocosa y chocante anécdota.

En su evolución, habremos de tropezarnos con el fatídico asunto de un fatal accidente sucedido poco antes del estreno, que obligaría a la participación de cuatro colegas a completar la orquestación de la zarzuela. Joaquín Turina, se responsabilizó del final del primer acto, después de La canción del ruiseñor y del principio del Segundo; Conrado del Campo, optó por el Segundo acto, en su final, además del dúo de La Beltrana y de Fernando. Pablo Luna, orquestó el coro de románticos, dejando a Ernesto Rosillo, para el dueto de Francisquita y Francisca, del Primer cuadro del Acto segundo, que sólo se cantó en la noche del estreno, descartándose por su interés escaso. Chispero, en su sagacidad, supo destacar la canción de Francisquita, llevando a los aficionados al éxtasis, en un murmullo de admiración. Mayor trato se llevó La canción del ruiseñor, de la que se aceptada que Vives, devolvía a Madrid aquel himno genial que, de ser nuestro pueblo un poco más aficionado a la canción conjuntada, quedaría como un auténtico himno obligado. Casenave, hubo de bisar tres veces la romanza Por el humo se sabe dónde está el fuego. El coro de románticos y el bolero de Candil, hicieron pareja en el éxito logrado. Una recepción que logrará una de las cifras más reseñable de difusión, representándose en dos décadas 5.210 funciones, repartidas entre Madrid, Barcelona y Buenos Aires, con cálculos que superarían los quince millones de las pesetas de entonces, y que inevitablemente arrastraría parodias de la misma: Doña Francisquita, la maleva (Ivo Pelay), con ambiente arrabalero porteño además de otras en inglés y el francés. Una primera se estrenó en Montecarlo, en 1933, obra de André de Badet y René Gilbert. Ladislao Vajda, curioso director de cine, dirigió otra en 1953, con Mirtha Legrá y Armando Calvo.

Ramón García Balado

Andrea Rey y Mónica Redondo, en el Festival de Amigos de la Ópera de A Coruña

 Auditorio Afundación, A Coruña

Museo das Belas Artes, A Coruña

Dos conciertos que contribuyen a la programación de Amigos de la Ópera de A Coruña, comenzando por la mezzo Andrea  Rey, acompañada por el maestro Aurelio Viribay, en el Auditorio de la Sede Afundación-día 20, a las 19´ 00 h., para un programa en preferencia de autores gallegos: Margarita Viso, Juan Durán, Borja Mariño, Octavio Vázquez, Fernando Buide, con la aportación del turolense Antón García Abril, tan relacionado con nuestra tierra por sus actividades en los géneros más diversos.  Andrea Rey, se formó en el CMUS Manuel Quiroga (Pontevedra), con la soprano Conchi Rodríguez, para ampliar con el tenor J.Antonio Campo, en el CMUS, de Vigo, antes de trasladarse a la Escuela Superior de Canto de Madrid, para seguir la docencia de Susana Cordón y la repertorista Irene Alfajeme. Se integró en la 4ª edición de Crescendo, un proyecto de la Fundación Amigos del Teatro Real, dedicada a fomentar, incentivar y respaldar el crecimiento artístico y profesional de nuevos talentos. En su repertorio, destacan roles en obras como el Magnificat (J.S. Bach); el Gloria (Vivaldi); el Stabat Mater (Pergolesi) o el Te Deum (Brucker), y en la  ópera: L´enfant et les Sortileges (Ravel- libélula y la taza china-); Mme Butterfly- Suzuki- (Puccini); Dido y Eneas-Dido- (Purcell); Suor Angelica- Zia Principessa- (Puccini); tercera dama de La flauta mágica (Mozart) y en la zarzuela: Manuela de La Chulapona (F.M. Torroba) o Dolores, en La Dolorosa (J.Serrano).

 Aurelio Viribay, un ejemplo de respetado repertorista, acompañó a ilustres como Walter Berry, Annalisa Stroppa y tantos otros. Fue profesor en la Universidad de Música y Arte Dramático de Viena, (Wien Kunst Universität) y actualmente es responsable de la Cátedra de Canto, en Madrid, mientras colabora con otros artistas en cursos especializados como Thomas Quastoff, en la Mozarteum Universität (Salzburg).   Fue Premio Extraordinario de Doctorado de la Universidad Rey Juan Carlos (Madrid), con su tesis La canción de concierto, en el Grupo de Los Ocho de Madrid. Su presencia en ciclos y convocatorias es una de sus mejores aportaciones, en programaciones como la Juan  March (Madrid).

En este programa, el tratamiento de piezas de las 7 Cantigas de Martín Códax, cuatro en concreto firmadas por Margarita Soto: Eno Sagrado en Vigo; Ai ondas, que eu vin ver; Ai Deus, se sab´ora meu amigo y Ondas do mar de Vigo. Borja Mariño, al que tenemos presente por sus muchas aportaciones en estreno y en programas de ciclos especializados, y que para este concierto nos reserva Tres canciones gallegas sobre poetas de toda época: Lúa de vrau (Pura Vázquez); Saudade (Manuel Cuña Novás) y Cantiga de amigo, una mirada hacia el Medievo de Mendiño. Juan Durán, autor de abundantes estrenos con nuestras orquestas y en abundantes proyectos por encargo, aportará su Tríptico Rosaliano (Rosalía de Castro): Cada noite eu chorando pensaba; Tecín soia y Lúa descolorida. Ya en la segunda parte, el compositor con residencia en los Estados Unidos, Octavio Vázquez, siempre bien apreciado en las iniciativas de música contemporánea, tendrá Como chove miudiño (Rosalía de Castro) y En Cornes de la misma poetisa. Fernando Buide, autor de la ópera A Amnesia de Clio, con libreto de Fernando Epelde, repite con Rosalía de Castro con Dous cantares, para completar Antón García Abril, con las Cuatro canciones sobre textos gallegos: Cando vos oyo tocar, Todo é silencio y As de cantar, meniña gaiteira, todas de Rosalía de Castro, y Coita, poema de Álvaro de las Casas, el mundo de las canciones para voz con acompañamiento de las que fueron modelo As canciones Xacobeas, Homenaxe a poesía galega 1992/3, para mezzo y orquesta sobre textos que iban desde Ramón Cabanillas a Valle-Inclán, Cunqueiro, Pedro Meogo o  Lois Pimentel y Celso Emilio Ferreiro

Mónica Redondo, en el ciclo Generación ascendente- día 22, a las 19´00 h.-en el Museo das Belas Artes, estará acompañada por el pianista David Serrano. Mónica se perfeccionó gracias a becas como el Certamen Int. de Zarzuela de Vallesco, antes de conseguir primeros premios en convocatorias nacionales, interpretando roles como Dido (Dido y Eneas); Manuela (Agua, azucarillos y aguardiente); Maddalena y Giovanna (Rigoletto); Curra (La Forza del Destino); Estiro (Jason o la conquista del Vellocino); Soledad (La Revoltosa), dirigida por L.M. Pérez Sierra. Probó en el género del oratorio con El Mesías (Händel); Stabat Mater (Pergolesi); o el sinfónico con la Novena Coral, de Beethoven y la Messe de Requiem (Verdi). Debutó recientemente el rol de La Beltrana (Doña Francisquita) en el Teatro Cervantes (Málaga), en donde realizará próximamente el rol de Pepa (Goyescas, de Granados)

David Serrano realizó un master en el Royal College of Music (Londres), perfeccionándose como apreciado repertorista, tras ser alumno de Alexander Kandelaki y Nino Kereslidze y lograr el Premio del Concurso Marisa Montiel, de Linares y la mención de finalista del Concurso Infanta Cristina (Madrid). Compagina las labores docentes con los compromisos concertísticos actuando en Festivales como el Rubens 2024, artista revelación bajo el título Pasión, desencanto y muerte. Concierto con reseñable cuño Latinoamericano, tras una primera parte iniciada con el tintes impresionistas de Claude Debussy, por Beau soir, para continuar con el personalismo de Francisc Poulenc, en pieza tan representativa como Les chemins de l´amour y un quiebro provocativo por el Kurt Weill, de Wie lange noch.  Una carta de transición a través de la música española representada por Xabier Montsalvatge, en las populares Cinco canciones negras, un salto cultural de herencias hispanas: Cuba dentro de un piano; Punto de habanera; Chévere; Canción de cuna para dormir a un negrito y Canto negro. Ernesto Lecuona, con la romanza de María de la O, sainete lírico en prosa y verso en un acto, divido en cinco cuadros, sobre libreto de Gustavo Sánchez  Galarraga, para ser estrenado en el Teatro Payret (La Habana), el 1 de marzo de 1930, dejando una transcripción para piano y voz del propio compositor, al que seguirá la zarzuela en un acto El Maizal, que se estrenará en el mismo teatro pocos días después.

Para la segunda parte, un reparto entre Carlos Guastavino, en el ciclo de canciones coloniales- Cuando acaba de llover…; Préstame tu pañuelito…Ya me voy a retirar…y Las puertas de la mañana. De este compositor, La rosa y el sauce y Pueblito, mi pueblo. De este estilo de canciones nacionalistas, algunas destacan gracias a sus melodías folklorizantes en la tradición del siglo XIX, que supo armonizar escribiéndolas con acompañamientos elaborados e idiomáticos para el piano, respetando en un todo texto, melodía, ritmo y forma e imitando las sucesiones armónicas y las situaciones cadenciales propias de dichas canciones en su ambiente original. El resultado puede describirse como una imagen casi literal de la canción tal como se la podía escuchar en la tradición, como es el caso de las Cuatro canciones argentinas (1949), piezas que se hermanan con las elegidas para esta velada tan latinoamericana. Será Astor Piazzolla quien ponga el grado superlativo con las piezas claramente representativas: Piano solo; Invierno porteño y Estaciones porteñas. Lo mismo podremos decir de Los  pájaros perdidos y Yo soy María. Piazzolla en María de Buenos Aires (1968), gran éxito artístico del que entonces se diría: La poesía de Horacio Ferrer era al tango, lo que al tango era la música de Astor Piazzolla. Llegaba el músico a su altura creativa suscitando en el agudo Quito González  Azcona, uno de sus furibundos entusiastas quien llegó  a constatar: María de Buenos Aires, no necesita letra: se entiende escuchando la música. Recordaremos la Balada para un loco para hablar de los delirios del amor y que sabrá estremecernos en la voz de Amelita Baltar.

Ramón García Balado

 

Plural Ensemble, ciclo Vertixe 12 en el Museo das Belas Artes de A Coruña

 Museo das Belas Artes, A Coruña

Plural Ensemble, grupo que dirige Fabián Panisello,  aportarán su colaboración en las actividades de Vertixe 12, en el Museo das Belas Artes de A Coruña- día 17, a las 20´00 h.-, ya como cierre de este ciclo, y con un programa dedicado a compositores actuales, con un homenaje a Joaquín Rodrigo, en el 25 aniversario de su fallecimiento, con una de sus composiciones englobadas dentro del llamado estilo casticista, como son las Set Cançons Valencianes, en sus tiempos Allegreto, Andante moderato y Andante moderato e muy cantábile. El resto de los compositores encuadrables dentro de la joven vanguardia de indagación sobre los recursos expresivos, serán José Luís Perdigón, con la obra Son de madeira rota, un encargo del INAEM y el propio Plural Ensemble, en estreno absoluto; Guido López Gavilán, con Plural toccata, también en estreno para este ciclo; Andrés Poncela- O sombreiro da sorte- , ganadora de la Convocatoria de Jóvenes Compositores, en un proyecto realizado por el Plural Ensemble 2024, igualmente en estreno; Aitor Vázquez  Torres- Credo- merecedora del mismo galardón citado en esa convocatoria del Plural Ensemble y Mercedes Zabala- Cual (Un cervo no faiado), encargo del INAEM y del Plural Ensemble. Acentos, se anuncia como título de reclamo para este concierto, una fiesta de la inmigración y la multiculturalidad, recreándose en esos acentos de las ingentes voces y charlas que se escuchan en las variadas  culturas. Madrid, pasa por ser una ciudad de acogida y una metrópoli que recibe gentes provenientes de los lugares más diversos, quedando representados precisamente por las obras que se escucharán en esta sesión.

Plural Ensemble, participó en las Xornadas de  Música Contemporáneas ofrecidas en Santiago, en 2022 bajo el título de Poñer o foco, en las que las principales propuestas se habían confiado a la JONDE FOCUS, repartidos en diversos períodos a lo largo de años concentrados entre 2008 y 2022, con obras que iban desde G.F. Haas, a Kajia Saariaho, Steve Reich, Peter Eövöst y compositores españoles del momento, desde J.M. López López, Jesús Torres, Ramón Humet, Elena Mendoza, Raquel García-Tomás o Alicia Díaz de la Fuente. Cartografías do Plural sirvió como punto de referencia que tendría a la musicóloga Rosa Fernández, como presentadora de cada uno de los conciertos. Plural Ensemble, especializado en repertorios de los siglos XX y XXI, participa en los ciclos de Conciertos de la Fundación BBVA, en el Auditorio Nacional y en la serie de propuestas con solistas en su sede del Palacio Marqués,  mientras realizan giras como parte de sus compromisos con festivales del ámbito contemporáneo desde Estrasburgo a los Présences parisinos; Manca de Niza; Spaciomusica (Cagiari); Quincena Musical Donostiarra, ciclo WRD (Köln); Otoño de Varsovia; Klangspuren Schwaz (Tirol) o Konzerthouse Berlin. Estrenan obras de Jörg Widman, Cristóbal Halffter, Siegfried Mauser, Nicolas Alstaedt, J.M. López-López, Mattias Pintscher, Jon Ketilsson, Zsolt Nagy, César Camarero, Tadeusz Wielecki, Hansjorg Schellenberger, Marco Angius, Peter Csaba, Luís de Pablo, Toshio Hosokawa,Dmitri Vasilakis o Peter Eövöts. Realizaron registro de los compositores citados para los sellos Col  Legno; Columna Musica; Verso; Cervantes o NEOS, participando en grabaciones para la radio como las llevadas a cabo con WDR; RNE; RBB; Radio France; RTBF, la Radio polaca, y otras muchas.

Para el programa del día, Andrés Poncela- O sombreiro da sorte-, músico con formación en el Centro Katerina Gurska, en la especialidad de dirección y en el RCSMM, teniendo como maestros a Konrad von Abel (alumno de Sergei Celebidache, que tan excelentes impresiones dejó en nuestro país durante años), Enrique García Asensio o Alejando Vila. Su obra fue galardonada con el Premio de Jóvenes Compositores de Plural Ensemble 2024 y llega como estreno absoluto. José Luís Perdigón-Son de madeira de rata- músico con formación en Graz, en la Musik der Jahrhunderte (Stuttgart) y que su quehacer se interesa por la exploración de objetos sonoros extraños, en una indagación hasta los límites inesperados. Fue dinamizador del Trío Acento. Joaquín Rodrigo- Set cançons valencianes, típico estilo de un nacionalismo convencional, en la muestra de sus tres tiempos fácilmente reconocibles: Allegretto; Andante moderato y Andante moderato y muy cantábile. En medio de tantos compositores de estricta contemporaneidad, la obra queda como un homenaje conmemorativo del compositor universalmente apreciado.  Guido López Gavilán- Plural Toccata-, estreno por excelencia para este grupo, composición de un músico de Matanzas (Cuba), Premio Nacional en su país y con formación en el Conservatorio Amadeo Roldán, con Manuel Ochón, ampliando en dirección de orquesta con Daniil Tiulin, disfrutando de las docencia de Haroldo Gramatges, Leo Brouwer, J.Ardevol, Esther Ferrer o Edgardo Martín. Recibió una beca para ampliación de estudios en el Conservatorio Tchaikovski, de Moscú, con Leo Goinsburg. Aitor Vázquez Torres- Credo- obra con Premio del Plural Ensemble 2024, de Jóvenes Compositores y que se ofrece también como estreno, Aitor probó en la dirección con Arsis Ensemble, agrupación que tuvimos en el Ciclo Contemporáneas, con La fabbrica illuminata, de Luigi Nono, y que se ofreció en el Festival Resis (A Coruña). Tuvo como profesores a Marco Piollet, Wolfgang Dörner, en la Kunstuniversität Salzburg, y como director estuvo al frente de la O. de Hungría, el Ensemble für Neue Musik, mientras compartió experiencias con Sánchez-Verdú, Cristóbal Hallfer, Luís de Pablo o Alberto Posadas. Recibió el Premio Flora Prieto. Mercedes Zabala- Cual  Un cervo no faiado), un encargo para el INAEM y el Plural Ensemble, compositora tentada por la indagación de culturas ajenas al medio occidental, investigando a fondo las raíces de las tradiciones senegalesas. Estudió en el Conservatorio Teresa Berganza de Madrid y entre 2007/10, fue una activa promotora de la Asociación de Mujeres de la Música. Otro espacio a tener en cuenta, fue la puesta en activo del Grupo Secuencia, centrado en las artes escénicas.

Ramón García Balado

Las Cuatro estaciones de A. Vivaldi en el tratamiento de Max Richter, en Ópticas Contemporáneas

 Cidade da Cultura, Santiago de Compostela

Concierto en el ciclo Ópticas Contemporáneas proyecto de la Consellería de Cultura, Lingua e Xuventude que nos invita al Gaiás con la RFG dirigida por su titular Baldur Brönnimann- día 16 a las 20´00 h-, a descubrir el tratamiento que da Max Richter a las Cuatro estaciones de A. Vivaldi, obras integradas en el grupo Il Cimento dell, armonía dell´Invenzione Op. VIII, doce, diez de ellos para violín, cuerda y bajo continuo a los que se añaden dos para violín, oboe, cuerda y bajo continuo. Obras dedicadas al conde bohemio Wenzel von Morzin (1676/1737), al parecer alumno suyo, o más bien cliente, del compositor en Italia y que según el frontispicio de la edición, los gastos editoriales corrieron a cargo de la imprenta sin patrocinio aparente del dedicatario. La serie de composiciones que integran el grupo, retomaría la audacia y el refinamiento de los conciertos del Op. III L´estro armonico o del Op. IV La Stravaganza, editadas en Amsterdam a finales de 1725, en la imprenta de Charles Le Cène, sucesor de los Roger, incluyendo en prueba de su importancia el célebre retrato del compositor.

Le Quattro Staggioni (Las cuatro estaciones) son una auténtica e imprescindible guía de l música dramática vivaldiana a la par que tantas numerosas páginas religiosas y operísticas y los cuatro conciertos que la componen, constituyen un ejemplar magisterio del ardoroso e inmortal dentro de su lenguaje marcado por el florilegio de soluciones expresivas que, de forma reveladora, vienen a dar todas las claves tanto retóricas como expresivas o simbólicas de su lenguaje instrumental. El primer concierto La primavera RV 269, se abre con el celebérrimo tema, un rústico ritornello, una suerte de himno pastoral  y homofónico compuesto con dos breves frases repetidas y basadas casi exclusivamente en insistentes acordes sobre la tónica. El Segundo concierto L´estate (El verano), supone junto a L´inverno RV 297, el perfil más punzante de sus obras en general, comenzando por un Allegro non molto, inspirado en la recreación de la canícula Languidezza per il caldo que se resuelve en tres secciones, para alcanzar un tema turbulento con Il pianto dell villanello, un claro capolavoro de su música dramática. El tercer concierto L´autunno (El Otoño), RV, 293, resulta optimista y exultante que presenta la vendimia: Ballo e canto de´ villanelli, ingeniosamente evocado por el homorrítmico e incisivo ritornello, que constituye una fina parodia de la música popular. El Cuarto concierto L´inverno (El invierno) KV. 297, comienza con un Allegro non molto, sustancialmente contagioso e irresistible por su resolución sonora, destacando sorprendentes disonancias.

Max Richter, se acercó a la obra en 2012, en un tratamiento que podremos descubrir en esta velada de tarde, obra de un músico que muestra su interés por los géneros actuales y el minimalismo en particular, tras estudiar en la Universidad de Edimburgo y posteriormente con Arvo Pärt, Brian Eno, Steve Reich, Julia Wolfe  o Luciano Berio, con quienes compartirá estrenos de trabajos en común, cultivando desde finales de los noventa experiencias dentro de las músicas electrónicas, con Future Sound of London, con el trabajo Dead Cities que aportarán otros resultados como The Isness, The Pippermint Tree and Seeds of Superconsciusness. En 2002 presentó su primer cd en solitario Memoryhouse, grabado con la Orquesta Filarmónica de la BBC, que tendrá continuidad con The Blue Notebook. En 2005 produjo para la escena Songs from before, basado en textos de Haruki Murakami, probando de inmediato con los límites de lo sonoro con From the Art of Mirrors, banda sonora para un filme de Derek Jarman, una línea de trabajo que le llevará a experiencias como 24 Postcards in Foul Colour, puerta hacia nuevos proyectos de cine y teatro : My trip to Alb Qaeda, de Alex Gibney; Womb, de Benedek Fliegauf; Last Word, de David McKenzie; Vals con Bashir, del film de animación de Ari Folman. Entre sus trabajos más destacados aparecen Memoryhouse (2002), álbum experimental sobre temática documental, grabado con la  O. Filarmónica de la BBC, una exploración sobre historias reales. The Blue Notebook, que contaba con la participación de la actriz Tilda Swinton, leyendo un texto de Kafka y la obra de Czeslaw Milosz, un rechazo a la Guerra de Irak; Songs  from Before, que nos muestra al actor Robert Wyatt leyendo textos de Haruki Murakami; Sleep y From Slepp, uno de los proyectos más ambiciosos para una obra que observaba relaciones estéticas con la música de Gustav  Mahler. Obra elegida por Jarvis Cocker como álbum del año de BBC6. Three Worlds: Music from Woolf Works, composición dedicada para el ballet del mismo título, en colaboración con el coreógrafo Wayne McGregor, y estrenado en la Royal Opera House, de Londres, en sus tres partes, inspiradas en la poética de Virginia Wolf- La Señora Dalloway, Orlando y Las olas-, musicalmente resuelto entre recursos clásicos y aportaciones electroacústicas, a los que se añadía la voz grabada de Virginia Wolf. Otros títulos de interés, serán Voices, para un proyecto visual de Yulia Mahr o Exiles, grabado en Tallin, capital de Estonia, con la colaboración del director Kristjian Järvi y la Orquesta Filarmónica del Mar Báltico.

Ramón García Balado