29/09/2024

Rosa del Ciel, Monteverdi por Ars Atlántica, para el VI Ateneo Barroco, en el Paraninfo da Universidade

 Paraninfo da Universidade, Santiago de Compostela

Ars Atlantica

Comienzo del VI Ateneo Barroco en el Paraninfo da Universidade- día 2, a las 20´30 h-, con el protagonismo de un grupo veterano en esta cita, Ars Atlántica, dirigido por el arpista Manuel Vilas, tras la presentación de su reciente trabajo en cd el pasado lunes, de su labor de investigación dedicada a himnos en latín y quechua (siglos XVI/ XIX) Yaya Kuntur (Padre Condor) con charla incluida y la muestra de un arpa histórica del VIII, trabajo del luthier Javier Reyes de León, la tradición del Virreinato peruano, excelentemente expuesta por Manuel Vilas integran el grupo el arpista,  la soprano Roberta Invernizzi y el tenor Marcello Nardis, para un monográfico centrado en la figura de Claudio Monteverdi, especialmente en  el Orfeo. Ars Atlántica es una agrupación fundada en 2007, especializada en repertorios que se encuadran entre los siglos XVII y XVIII, con preferencia en atenciones a las temáticas ibéricas y latinoamericanas, tras haber realizado su presentación en el Palacio Contarini en Piazzolla Sul Brenta (Padova), con la colaboración de la  mezzo Marta Infante, destacando las peculiaridades de un estilo que se convertirá en patrón de identidad. Recordamos su presencia en el añorado Festival Via Stellae, con la ópera Rinaldo (G. F.Händel), en versión camerística  por el autor en el año 1711. Colaboró con el cuarteto vocal Vandalia, en la interpretación de tonos humanos polifónicos del barroco español titulado Hirviendo el mar, editado por BIS (2018), que supondría el beneficio de la beca otorgada por la Fundación BBVA, y que traería un nuevo proyecto dedicado a los grandes cancioneros del siglo XVII español, Cancionero de la sablonara.   

Manuel Vilas, siguió las docencias de Nuria Llopis y Mara Galasi, comenzando pronto sus colaboraciones con grupos como Al Ayre Español, Musica Ficta, La Spagnoleta, Ars Longa, Ensemble Elyma y otros señeros en el ámbito del barroco hispano. Especial atención merece su trabajo de investigación editado en formato cd, el Manuscrito Guerra, una recuperación que dormía el sueño de los justos hasta su labor impagable de su puesta en vida, gracias al interés mostrado por el sello NAXOS, una trayectoria de años e intenso trabajo, del que fueron compañeros de viaje cantantes que actualmente participan en ciclos como el presente, como es el caso de Roberta Invernizzi, especializada en estos repertorios tras sus años de estudio con Margareth Heyward, convirtiéndose en una especialsita en Händel y otros barrocos que macaron su carrera, de la que fue solista La Resurrezzione (Maria Magdalena), en la Opera de Versalles, Giulio Cesare, con la O. Age of Enlightenment; Flavia (Silla), en el Thèâtre des Champs Elysées o Adriano en Siria, ofrecida en el Teatro Real, de Madrid. En este amplio catálogo, aparecen los Monteverdi del Orfeo- Teatro alla Scala-, Il Ritorno de Ulisse in Patria, y óperas como Acis, Galathea e Polifemo (Händel), Statira (Cavalli) o Il Triunfo del Tempo e del Disigano. Marcello Nardis, tenor, fue asiduo en festivales recientes como La Fenice de Venecia, Teatro Donizetti (Bergamo), Carlo Felice (Génova), Maggio Musicale Fiorentino, Macerata Opera Festival, abarcando épocas y estilos que incluyen Arturo (Lucia di Lamermoor); La vida alegre (Raoul); Turandot (Pong); Falstaff, de Verdi, en Piacenza y Módena o Gianni Schichi, en la Arena (Verona). Su formación  musical le lleva a la Franz Liszt Hochschule (Weimar)  con Peter Schreier, y  el Mozarteum de  Salzburgo, con, tras un primer período como pianista.

El Orfeo de Claudio Monteverdi, acapara la sesión de la jornada, junto a otras piezas procedentes de un par de óperas, y madrigales del VII Libro de Madrigali (1619). Piezas como Zefiro torna- Scherzi musicali, 1643-, Rosa del Ciel, frontispicio del programa, de L´Orfeo (1607) y que también nos aporta de la misma ópera Vi ricorda o boschi ombrosi, un solo de Orfeo o el de Proserpina Signor que´ll infelice; el dúo de Melanto e Eurimaco (Il ritorno d´Ulisse in Patria, (1640). No menos señorío vendrá por L´incoronazzione di Poppea, con el seductor solo de Ottavia, Disprezzata Regina o el sobrecogedor final del dúo entre Poppea y Nerone, página que nos eleva a la más sublime dimensión de arrobo Por ti miro. Imposible no rendirse hasta el grado de entrega de la que darán el punto de gracia ambos cantantes. Del VII Libro di madrigali (1619), Soave  libertade y Tempo di cetra, con el complemento de Voglio di vita uscir (1632)

El estreno de Orfeo había tenido lugar en el Palacio ducal de Mantua, en la sala que fue modelo del estilo de vida de Margherita Gonzaga, viuda de Alfonso II d´Este y que dio razones a la instauración de la Academia de los Invaghitti, fundada por Cesare Gonzaga, hijo de Alessando Striggio y de la diva Virginia Vagnoli, artista que cultivaba la música y las artes por vocación. El éxito logrado le permitió volver a representarlo ya como favola, con gran placer para cuantos fueron partícipes de una experiencia tan innovadora, guardando memoria de algunos protagonistas como el castrato Giovanni Gualbertov Magli, al servicio de la corte Florentina; Francesco Rasi, noble de Arezzo, tenor, provenientes de la prestigiada escuela cacciniana de canto a solo affetuoso. En las  décadas finales del XVI, el carácter melódico arioso, de las partes polifónicas y del canto a solo, con acompañamiento instrumental, se había convertido en objeto de particular y creciente interés, en los círculos romanos, florentinos y ferrareses.

La práctica del canto a solo, vinculada a la improvisación o a géneros menores, se ennoblecía y transformaba en una técnica de un alto nivel artístico y expresivo, penetrando en ciertos círculos de la exclusiva aristocracia cultural en los que gozaba de un favor superior al otorgado a la polifonía tradicional. En Florencia, aquellos pujantes experimentos de segura consolidación hacia un inmediato futuro, los tanteos monódicos quedaron como una referencia con sólidos argumentos, que forjarían por necesidad un renovado humanismo, con la llamada  Seconda Prattica monteverdiana, que se fundamentaba a la armonía como no rectora. El compositor había puesto música a Arianna (1608) como prueba solemne después del triunfo supremo del Orfeo (1607), surgido en aquel citado ámbito íntimo de los Invaghitti.  L´Incoronazzioni di Poppea (1643), éxtasis de esta gala, sobre un texto de Gian Francesco Busanelli, quien ya había trabajado con Cavalli, fue una ópera para el Carnaval de 1643, destinada al Teatro Grimani en SS Giovanni e Paolo con la muy apreciada Anna Renzi, en el papel de Ottavia. El libreto se había escrito en el breve espacio de una semana, y la ópera llegó hasta nosotros en dos partituras, una de ellas conservada en Venecia (Biblioteca Nacionale Mariana) y la segunda se encuentra en Nápoles (Biblioteca del Conservatorio San Pietro a Maiella). Ambas no indican más que las líneas vocales y el bajo continuo. Las sinfonías y los ritornellos, se presentan en tres partes en el manuscrito veneciano y generalmente a cuatro en el napolitano.

Ramón García Balado

26/09/2024

Comienzo de curso en el CMUS, con la actuación de Isabel Rei Samartim, Carmen Ferreiro y Miguel Vizoso

 Conservatorio Profesional de Música de Santiago de Compostela

Heitor Villa-Lobos
 

Actividad de apertura del curso en el CMUS, con un concierto en su Auditorio y con entrada libre- día 1, a las 20´00 h-, con el concierto que ofrecerán la guitarrista Isabel Rei Samantim, la flautista Carmen  Ferreiro y el pianista Miguel Vizoso, que eligen una selección de obras de Paco Barreiro, Charles Marie Widor y  Heitor Villa-Lobos- con dos de sus composiciones-; piezas populares, en arreglo de Ernesto Campos, y tres danzas rumanas, de Béla Bartók, en el tratamiento del especialista holandés Peter Verhoyen. Tres piezas como Danza de palo  (Jocul cu bâta), Polca rumana (Poarga româeasca) y  Danza rápida (Manuntel), un músico que ejerce como flautista píccolo en la O. Sinfónica de Amberes y que fue cofundador del grupo Arco Baleno,  con el que llevó a registro obra como el Concerto Il gardelino (El jínguerillo) de A. Vivaldi y un trabajo dedicado a obras de W.A. Mozart, entre otros. Es profesor del Conservatorio de Amberes y de la Universität für Musik und Darstellende de Graz, además de dinamizar labores en el Collegium Instrumetale Brugese, con Patrick  Peire y con la Orquesta Novecento, que dirige Robert Cros. Intérpretes de esas piezas, serán la flautista Carmen Ferreiro y el pianista Miguel Vizoso.

Para iniciar sesión, tres piezas de Paco Barreiro: Laios do Forriolo, Agreste y Chuva de abril, instrumentista, compositor, arreglista, especialista en doblaje y miembro de la Asociación  Galega de Guitarristas, además de haber colaborado con artistas como Pilocha, Pedro Salmerón, Xose M. Conde, Mª Manuela, y grupos como Luada, Ollomol- Tanvia, CDG, Tranvía Teatro,  y Amamoura. En las artes escénicas, tuvo un importante protagonismo con Máscara 17 y es autor de un trabajo literario Beixos de lingoa, editado por Xerais. Destaca su registro para guitarra solista Dangerendón. Para continuar con el programa, Três peças galegas, en interpretación de Isabel Rei Samartim, arreglo de temas populares realizados por Ernesto Campos: Moinheira da Ponte Sampaio; Nom te namores, meninha y Ares da Ponte Vedra.

Heitor Villa-Lobos (1887/1959), compositor del que tendremos  la Bachiana Brasileira nº 5, en la interpretación de la flautista Carmen Fernández, flauta y la guitarrista Isabel Rei Samantím, ademád de la Suite para flauta y piano, en sus tiempos: Moderato, Scherzo, Romance y Final, de Charles Marie Widor. Villa- Lobos, calificado como el Rabelais de la música moderna, precisamente por su aportación a la renovación de la música brasileña, se le apreciará en muchos aspectos por su carrera y personalidad y la grandeza de su incansable atractivo y unidad orgánica, su espontaneidad y refinamiento, además del enfoque intuitivo de su música. Las Bachianas brasileiras, resultan el conjunto de nueve suites compuestas entre 1930 y 1945, para rendir homenaje a J.S. Bach. La mayor parte de los movimientos llevan títulos sugestivos de esa concepción barroca: Preludio, Aria o Fantasía. Suites que constan de dos movimientos (números 2, 3, 4, 5, 6 y 9); tres movimientos (la primera); cuatro movimientos (2, 3, 4, 7 y 8). Los diversos medios musicales elegidos reflejan la naturaleza de los materiales musicales, antes que un intento de reproducir conjuntos que fuesen comunes durante el período bachiano. A este respecto, Villa-Lobos siguió la práctica barroca de acomodarse a los medios musicales de que disponía.

Si se las compara con los choros, las Bachianas brasileiras, reflejan un vocabulario armónico mucho más tradicional y tonalmente orientado. El empleo de instrumentos aborígenes no está presente en las obras, pero la concepción de Villa-Lobos, aún se expresa en medios no tradicionales. Escasamente se usan melodías populares, siendo una excepción la nº 4,  que contiene citas de temas folklóricos, en el tercer movimiento, Aria (cantiga) y el último movimiento Danse (miudinho), una canción del Nordeste brasileño, miudinho, responde a los pasos de danza de la samba. Los años de madurez del compositor, fueron una época creciente reconocida internacionalmente, realizando su primer viaje a los Estados Unidos en 1944 y al año siguiente con su participación, el 22 de febrero, con la O.S. de Boston, en un concierto con obras propias, en el que incluía Rudêpoema y la Bachiana brasileira nº 7

Charles Marie Widor (1845/ 1937), compositor y organista francés, comenzó su carrera en Lyon, donde siendo muy joven fue nombrado organista, antes de trasladarse a Bruselas para estudiar bajo la dirección de Fétis y de Lemmens. En París, desde 1869, fue organista de Saint- Sulpice hasta 1933, ejerció la dirección en el Conservatorio de París y entre sus discípulos destacaron Ch. Tournemnire, H. Libert, L. Vierné y M. Dupré. La obra elegida es la Suite para flauta y piano Op. 34, de 1877

Isabel Rei Samartim, en Breve história da viola (violão) na Galiza, editado por Através, en 2021, comenta: Os recitais de solistas começaram a fazer-se no seio de eventos maiores, onde normalmente participavam conjuntos musicais e havia teatro, declamação e outros espectáculos, como jogos de magia ou malabarismo. Estes eventos eram organizados pelas sociedades filantrópicas que se fundam por todo o país, sustentadas pelas gentes operárias e a burguesia local. À margem das instituções estatais, estas sociedades costumam ser centros recreativos onde se estimula a educação artística do povo, Uma das primeiras de que temos notícia, é a Sociedade Filantrópico- Dramatica de Ribadeu que em 1835 se constitui, abre o Salão-Teatro da vila e financia uma academia de música. Em Compostela, o Teatro Principal e o Liceu da Juventude eram locais onde decorreram os primeiros recitais de guitarra de que temos noticía. Outra importante sociedade é o Circo de Artesãos da Corunha, onde se realizam também recitais com participação de guitarristas solistas.

A activiade concertística na primeira metade do século XIX assentará as bases do grande desenvolvimento na segunda metade, tanto da música de cámara e das orquestras de guitarras, quanto da quantidade e qualidade de recitais, de intérpretes, que nos visitam. Deste modo, da música em familia (Biedermeier), passa- se aos eventos organizados pelas sociedades filantrópicas e teatros, que continuarão ativos até ao século XX. Estes eventos com recitais de guitarra solista, de música de câmara e de orquestras, passam a organizar-se nos cafés, círculos mercantis e recreativos, liceus, casinos e ginásios e tertúlias.

Ramón García Balado

23/09/2024

asLan ensembLe: La bocca, I piedi, il suono, de S. Sciarrino, en Espazos Sonoros

 Porto do Son, A Coruña

 

El Edificio de actividades náuticas, de Porto do Son- recibe al cuarto de saxos asLan ensembLe- día 28, a las 19´00 h-, en las actividades de Espazos Sonoros,  para un programa monográfico dedicado a Salvatore Sciarrino, en su obra para cuarteto de saxos altos integrado por Alberto Matarredona Donat, Helena Otero Correa, Irene Rodríguez Ordiales y Silvia Sanagustín Samitier. El propio grupo se expresa en cuanto a la obra de Sciarrino, La bocca, I piedi, Il suono, como un trabajo compuesta en 1997, convertida definitivamente en obra primordial para el instrumento, como resultado de un compendio de ideas de uno de los creadores fundamentales del siglo XX. El silencio, la frontera entre lo audible y lo inaudible, la interacción con el movimiento son algunos de los conceptos donde Sciarrino pone el foco en el desarrollo de la propia música. Los saxos confluyen para formar una masa sonora, masas sonoras que actúan como una llamada, una revelación no solo para la propia escucha, sino también la ubicación en el espacio. Los solistas se sitúan en torno a los oyentes, recreando una sensación envolvente, creando diversos flujos de sonido entre lo visible y lo sonoro.

asLan EnsembLe, se formó en 2014, en el contexto de las masters del maestro Jean- Denis Michat, en el Conservatoire à Rayonement Regional (Lyon), cimentando un prestigio de una asentada proyección tras asistir a certámenes como Tempo Vivace (Palais Saint Jean de Lyon (2015); Músicas als Parcs i Jardins (Barcelona)- en dos ediciones-, y MUSAE- Música, en los Museos Estatales madrileños, como el del Traje (2018) o el Museo Sefardi de Toledo y el ARQUA (Cartagena). Cultivan en preferencia repertorios de la tradición occidental, en adaptaciones en coordinación con nuevos repertorios para ese estilo de cuarteto, respondiendo a encargos e invitaciones como la compositora Itziar Viloria, o el Festival Mixtur (2022) y el ciclo Out-Side.

Salvatore Sciarrino (1947), recurre al pasado con ecos tomados de la tradición de la que no excluye el gusto por el hedonismo sonoro, encontrando las posibilidades de la inspiración íntima del discurso desde sus propias entrañas. Un vanguardismo en el que sobresalen sonoridades aisladas, técnicas ampliadas, silencios frecuentes y el uso de citas irónicas, en una perceptible confrontación con los legados precedentes, destacando en buena medida una formación autodidáctica. Sus primeros trabajos se dieron a conocer en la Semana de Música Nueva (Palermo), tras asumir el rechazo de obras precedentes que quedarían como laboratorio de pruebas y así irán llegando la Sonata per  due pianoforte; la Berceuse per orquestra (1967/8), obras anteriores a su traslado a Roma, en donde se aventurará en las especialidades electroacústicas, en el Conservatorio Cherubini (Firenza).

La propia tradición sobre la que trabajaba, recibiría un trato casi de reliquia, siendo su escritura el resultado de trazos velados, como rechazo al sobrepeso de una presión agobiante, el tono decidido por el virtuosismo instrumental resultará un parámetro a  tener en cuenta. El compositor es el maestro por antonomasia de la fragilidad sonora, que se manifiesta de forma ostensible en el encaramiento de las grandes formas orquestales y el drama convencional- obras como Amore e Psiche; Aspern; Lohengrin- estrenada con aceptación en la Cité (Paris)-; Perseo ed Andromeda o Macbeth. En este aspecto que no interesa, en el que presta mayor atención al repertorio camerístico, resulta el suyo un discurso construido a base de sombras, de imágenes furtivas y de una tímbrica muy elaborada. Lo spazio inverso (flauta, clarinete, celesta, violín y chelo); Introduzzione all´oscurso- marcada por su trabajo de orfebrería sonora-; Vanitas, obra magna de su impulso creativo cuyo subtítulo: Natura morta in un atto per voce, chelo e pianoforte, ya prefigura un fuerte contenido dramático, cuasi operístico. La antigua forma del lied, está aquí al servicio de una idea ancestral de la cultura. Sciarrino no opta por la estética expresionista ni por la recreación en los valores fonéticos del texto.   De la levedad y fragilidad con que organiza sus materiales, nacen justamente obras con peso, el que desprende el magma sonoro que circula entre los finos hilos que vertebran el caso de Vanitas, y prácticamente todas las creaciones instrumentales de este gran autor, Del aligeramiento del material puesto en juego, se obtiene luego, en la escucha, la fuerte carga de profundidad que lleva dentro toda esa música. La despreocupación por la gran orquesta, y los gestos redundantes, obra en beneficio de un discurso no retórico, forjado a partir de una entidad tímbrica que configura el ideario de su paleta sonora. Obras como Perseo y Luci mie traditrici, la música se obtiene a partir de los sonidos que los personajes escuchan.

La bocca, I piedi, I suono, es esta pieza protagonizada por cuatro saxofonistas, resaltando la importancia protagonística de cada uno de ellos, en su motivación como invitación para el oyente. Composición llevada a registro sonoro en mayo de 2006, y que destaca en el conjunto de esas obras camerísticas como Minifuga su tre righe (composta con alcune lizenze) (1965); Un fruse o lungo tren´t anni- cuarteto de percusionistas-; …da un divertimento- para diez instrumentistas-; Arabesque- para 2 órganos de iglesia- o De la nuit, para piano. En este caso coincidimos con la composición de su ópera Da gelo a gelo (De un invierno a otro). Un concepto común en trabajos de interés sobrepasa la idea de transcripción prefiriendo recurrir al término elaboración.  Para el autor, esta obra puede considerarse como una iniciación al naturalismo contemporáneo, de la que el oyente cobra igualmente un destacado protagonismo. La bocca, I Piedi, il suono, compuesta en 1997, supone la composición casi de despedida mientras vivía una situación límite, obra que estará destinada a la reapertura del Teatro Chiaravalle, siendo solistas Leonardo Sbaffi, Marco Bontempo, Gianluca Pugnaloni y Daniele Berdini, formación que ostentaba el nombre de Lost  Cloud Quartett, de la que serían dedicatarios.

Ramón García Balado

L´elisir d´amore, de Gaetano Donizetti, en el LXXII Festival de Amigos de la Ópera, de A Coruña

 Palacio de la Ópera. A Coruña


Un Donizetti entre lo bufo y lo agridulce por L´elisir d´amore, que podrá seguirse en el Palacio de la Ópera de A Coruña- días 27 y 29, a las 19´00 h-, dentro de las programaciones de Amigos de la Ópera de A Coruña, para un espectáculo en el que serán solistas la soprano Ruth Iniesta- Amina, tierna y enamoradiza-; el tenor Ramón Vargas- el inseguro y burlado Nemorino-; el barítono Damián del Castillo- pendiente en sus exigencias como Belcore-;  el barítono Luis Cansino el -Dulcamara dispensador de efectivas pócimas sin efectos reales, un bufo en grado sumo- y Susana  García- Giannetta- compañera fiel y cumplidora de Amina-, para secundar en roles irrelevantes, el papel mudo del Notario y el servil asistente de Dulcamara Moretto. Para completar la parte propiamente musical, la OSG, y el Coro Gaos, dirigidos  por Guillermo García Calvo, arropados en lo escénico por Víctor García Sierra.    L´elisir d´amore es ópera bufa, en dos actos, tramados en lo sustancia por Felice Romani, quien recurría a Le philtre, de Eugène Scriabin, con estreno el 12 de mayo de 1832, en el Teatro la Cannobbiana milanés, una ambientación que nos traslada a un pretendido origen bucólico, para mostrarnos al cuadro de personajes que burla- burlando, no deja de entretenernos y sorprendernos. El caso del menospreciado Nemorino, con el peso a cuestas para soportar esa trama ligeramente gratuita.


Donizetti
sabrá aprovechar los detalles bufos de Il Barbieri di siviglia rossininano, siendo esta ópera un derivado de ella, al igual que lo que realizará en Don Pasquale posteriormente, combinando con astucia los elementos cómicos y los sutilmente serios. El filtro de amor: elisir di si perfetta, di si rara qualità…, es la exclamación colectiva expresada por Amina, Nemorino y los paisanos al recibir el anuncio de tan milagroso bebedizo. Una respuesta precisamente en clave bufa del que unirá a los desesperados Tristán e Isolda wagnerianos. El filtro de Dulcamara, no pasará de ser un buen burdeos para endilgar a los incautos crédulos engañados. Un truco pues, de lo más trivial y que funciona de perlas para esta comedia agridulce remarcada por ribetes fuera de lugar. Es Nemorino un Don Nadie crédulo e ingenuo y que nos deja traspuestos en su embaucadora romanza Una furtiva lacrima- curiosamente no aparece en la versión de Scribe y que fue añadida por el autor y Romani. Un devaneo asumible entre lo solemne y lo necesariamente cómico. Adina es contrapunto de esa sensibilidad sencilla que responde a la par al pretendiente Nemorino y a los piropeos de Belcore, aunque estará en el momento propicio para responder a su demandante con el aria Prendi, per mer siei libero- también un añadido de compositor y libretista, con respecto al original y que para  entusiastas está cercano al belcantismo de Bellini. Agridulce, por condición casual, es Dulcamara- una evocación del brebaje con el que camela a los incautos de paso-, especie de dottore astuto procedente de la ancestral commedia dell´arte y que sirve de perlas a dotadas voces de bajo, igualmente con precedente en otro Donizetti, la efímera operita I pazzi per proggetto (1830) 

El bueno de Nemorino sorprendido y ajeno asiste casi impasible a la especie de parada militar mientras la adorada Amina se entrega a una lectura apartada precisamente del relato mítico de Tristán e Isolda, entre un gesto de sonrisa esquiva. De bruces, salta la cavatina de nuestro incauto Quanto è bella, quanto è cara…preparando el encuentro entre ambos en el recitativo dúo y cabaletta: Una parola, oh, Adina…Chiedi all´ aura…Per guarir di tal pazzia. Será Dulcamara quien rompa el embelesamiento con su súbita aparición con el recitativo,  aria y lustrosa cabaletta Udite, udite, o rustici…BenefattorCosì é chiaro, signo de identidad de las claves de esta comedia- bufa, un pregonero de vieja estirpe con todas sus artimañas en el magín quien capta de inmediato la fragilidad de talante de Nemorino, vendiéndole la pócima mágica por excelencia- una botella de vino Burdeos sin mayores secretos, cuyas exigencias se limitan al plazo de un día sin más para conseguir el efecto prometido-, Nemorino y Dulcamara se enredan en el dúo cabaletta Dottore, perdónate..Voglio dire…Obligatto, ah sí, obligato. Un alarde verdaderamente superfluo e inútil de autoestima por parte de Nemorino para suscitar la atención de su ansiada Adina, quien no duda en mostrar su sorpresa ante tan insólita actitud. Será Giannetta quien rompa la situación con el anuncio de la llegada de la tropa de un escuadrón de visita, mientras Belcore se pregunta por la fecha del desposorio anunciado, cerrando el acto el trío de Nemorino, Adina y Belcore  Adina  credimi

El Segundo acto, se adorna con la barcarola y el dúo de Dulcamara y Adina  Io son rico e tu sei bella…en una cena de confraternización en el salón de la casa sin límites ni condicionamientos, mientas Nemorino hace su aparición, participando en la escena, dúo y cabaletta cara a cara con Belcore  Veinti scudi…Qua la mano, giovinotto, preludio de la escena con dúo y cabaletta Come se´n va…Quanto amore…Una tenera occhiattina…entre Adina y Dulcamara, en medio de la desesperación de Nemorino. No dejan de surgir situaciones necesariamente chocantes para otorgar gracejo a los aspectos bufos de ingenioso acicate, situación que romperá los aspectos más chocantes con la romanza de Nemorino  Una furtiva lacrima…la guinda para la complacencia de los aficionados. Vendrá de inmediato el recitativo y dúo de nuestro Nemorino y Adina: Nemorino! Ebbene? …Rendi, per me sei libero, mientras Belcore hace mutis por el foro y se corre el telón.

Ramón García Balado 

22/09/2024

Presentación del fondo Fernández Vide, en el Paraninfo da Universidade

 Paraninfo da Universidade, Santiago de Compostela

El Paraninfo da Universidade- día 24, las 12´00 h-, acoge la presentación del fondo de José Fernández Vide, donado por la familia del músico orensano a la Universidade de Santiago al que se añadirá un pequeño recital para piano, así como la inauguración de la exposición José Fernández Vide: O trasfegardunourensán, en la Facultade de Xeografía e Historia. Presidirá el acto el Rector da Universidade, Dr. Antonio López. José Fernández Vide (1893-1981) pertenece a la Xeración Nós, del entorno orensano de los años 30, formándose en la capilla de la catedral como niño de coro, para más tarde incorporarse a la vida pública como docente y activista musical, director de coros y prestigioso compositor.  En 1924 recibe el encargo del Centro Gallego de la Habana de ocuparse de la docencia del centro musical de la institución, tarea que le retendrá hasta 1932, fecha en la que regresa a Ourense, habiendo cosechado en su época habanera notables éxitos como director de rondalla, compositor y pianista, llegando a ser nombrado director del Conservatorio del Centro Gallego. Ya de regreso se ocuparía hasta su jubilación de la dirección del Orfeón Unión Ourensana, y de la docencia musical de la escuela de Magisterio y del Instituto As Lagoas de Ourense.
En el acto, presidido por el Magnífico Señor Rector, Antonio López, participarán también María Isabel Casal Reyes, directora de la Biblioteca de la USC, Sara Fernández, nieta del compositor, Carlos Villanueva, catedrático emérito y Montserrat Capelán, profesora de la USC y coordinadora de Organistrum, grupo que, junto con iHUS y la USC, medió en la donación  que generosamente realizó la familia. Sigue un pequeño recital para piano, a cargo de Noemí Salomón, quien interpretará A Montañesa, Zaera y el Danzón, del compositor orensano. Finalmente, se concluirá con la inauguración de la exposición José Fernández Vide: o trasfegar dun ourensén, comisariada por Teresa Bellido. Aitana Catalá y David de la Torre y que podrá ser visitada hasta el 24 de octubre en el primer piso de la Facultade de Xeografía e Historia.
José Fernández Vide, durante su infancia en la capilla de la catedral orensana, tuvo como maestros a Julián Ortiz y Antonio Pérez, al organista Antonio Sacristán, con quien estudió armonía, órgano y piano, y a José Fernández Xesta en violín. No es el único músico destacado que ha dado la catedral de Ourense, ahí quedan Pascual Enciso o Julio Bello. Más tarde, Vide trabajó profesionalmente en el Orfeón Unión Orensana, llegando a ser su director, y en la Escuela Normal de su ciudad, impartiendo clases de música a los futuros docentes. Ya a partir de  esa segunda década del siglo XX obtiene premios de composición: en Santiago por una Suite para piano y orquesta (1918) y, de nuevo en Santiago, en 1924, por la muiñeira-concierto A Montañesa. En ese mismo año se traslada con su esposa a La Habana, por petición expresa del Centro Gallego para trabajar en su prestigiosa Academia de Bellas Artes. Allá se encarga de la dirección de la Rondalla y del Orfeón, dando también clase de instrumentos de pulso y púa y alcanzando el puesto de Director del Conservatorio de la Academia, merced a los numerosos premios que obtienen sus distintas formaciones. Inexplicablemente, en este momento álgido de su carrera decide regresar a Ourense (1932). Del período habanero son algunas de sus composiciones más ambiciosas, las zarzuelas Proba d´amor,  con libreto de Francisco Álvarez de Novoa, y Miñatos de vran, sobre textos de Enrique Zas; además de numerosas obras para voz y piano, con letras preferentemente en gallego. Miñatos de vran se estrenó años más tarde en Ourense (1953), en el desaparecido Coliseo Xesteira, con arreglos en el libreto de Ramón Otero Pedrayo, y la temporada pasada la Banda Municipal de Santiago trató de sacarle brillo y esplendor con ayuda del Coro Liceo de Vilagarcía y la Agrupación Troyanos de Compostela, destacando como solistas Patricia Rodríguez, Diego Neira y Gabriel Alonso, dirigidos por David Fiuza, en el Auditorio de Galicia, el 12 de enero de 2024, una producción de Amigos da Ópera de Santiago.
Es precisamente a los orfeones a donde regresa Vide en su tierra natal. Se hace cargo de nuevo del Orfeón Unión Orensana, el contexto en el que Vide desempeña su trabajo es, por lo que vemos en su producción, cuando regresa a Ourense, bien diferente al background ideal que Jesús Bal y Gay, y otros escritores diseñan  para la Galicia del futuro. El galleguismo en Cuba, vive en los años anteriores a la Guerra Civil española, un fortalecimiento en todo el entorno de la enseñanza: la gran  crisis del orfeonismo, que se denuncia en Galicia, ya desde principios del Siglo XX, y cuya raíz se achaca a la falta de formación de los coralista, no se traslada a América, en donde los propios orfeones y las sociedades que los acogen, irán generando conservatorios de gran formato.
El maestro Vide, pasados  más de cincuenta años desde su regreso a Ourense, y poseyendo todas las características exigibles para entrar con pleno derecho, en el discurso galleguista de su época, no llegó nunca a participar en el activismo político o cultural del galleguismo, tampoco su figura estuvo sujeta a crecimientos de valor especulativo una vez muerto. Por el contrario, la  globalidad de su obra permaneció totalmente escondida. Así, en el homenaje que en 1987, le rindió el Instituto de Ourense As Lagoas, y con el que Vide había colaborado desde su regreso de Cuba, se pusieron frente a su biografía los cuatro hechos fundamentales que, supuestamente, explicarían la trayectoria del maestro Vide: As Irmandades da Fala, como esfuerzo cultural, la revista Nós, el Seminario de Estudos Galegos y la fundación del Partido Galeguista. En realidad, el único carnet de socio que tuvo José Fernández Vide, fue el del C. D. Orense, y el del Centro Gallego de La Habana, a parte de su carnet de pianista  profesional.


Ramón García Balado


Da Praza da Música a Rosalía de Castro con la Banda Municipal, en el Teatro Principal

  Teatro Principal, Santiago de Compostela Concierto de la Banda Municipal dirigida por Casiano Mouriño Maquieira en colaboración con Cant...