Puccini en el ánima de Ewa Plonka

  A Coruña - 08/12/2024

Despedida del LXXII Festival de Amigos de la Ópera de A Coruña con la soprano Ewa Plonka y la Orquesta Sinfónica de Galicia, para un programa especialmente pucciniano, y algunas páginas instrumentales del propio compositor, una sustitución anunciada ya hace tiempo, desde la renuncia por razones personales de Hui He.

Ewa Plonka, realizó parte de su formación en la Juilliard School neoyorquina, tras estudiar en la Ac. Pozna y ampliar en los Estados Unidos en centros que la llevaron desde Utah a Oklahoma o Salt Lake, y recibir galardones de importancia como el Deborah Voigt, del Concurso Marcello Giordani o el Gorde Lissner. Sus roles de relevancia más recientes, la llevaron a asumir papeles como Tosca, en distintos coliseos; Lady Mcbeth de Msensk (Shostakovich), Ópera de Zurich; Azucena (Il trovatore, de Verdi), en la Ópera de Frankfurt, en donde también tendrá un papel de Der Fliegede  Holländer; Giovanna Seymur; Maddelene (Rigoletto), Abigail (Nabucco), en La Arena di Verona; Turandot (Deutsche Oper Berlin); Venus (Tannhauser), en el Royal Opera House Covent Garden, y que se enlazarán con géneros como el oratorio, el lied o el sinfonismo desde Gustav Mahler (tercera sinfonía); Mendelssohn (Eliah); Stabat Mather (K. Szymanowski); Wagner (Wessendock- lieder) o Las campanas (S. Rachmaninov).

Gianluca Martinenghi, previsto para la gala, cedió la plaza a Fernando Briones, director de la Orquesta Gaos y su coro, ya con amplia experiencia de colaboraciones en proyectos como L´elisir d´amore; Oca, de Juan Durán; La verbena de La Paloma; o I Pagliacci y Cavalleria Rusticana, en el Festival de Fuenteventura y un Rigoletto, en Lanzarote. Estudió en la ESMUC, con Lutz Köhler y también con Salvador y el insigne Alberto Zedda. Su labor con el Coro y Orquesta Gaos, viene dejando excelentes resultados desde 2009, y tuvo el beneficio de dirigir a artistas de gran prestigio: Sondra Radvanosky, Ainoha Arteta, Vanessa Goikoetxea, Ruth Iniesta, Carlos Álvarez, Celso Albelo, Borja Quiza o Rocío Pérez, además de acompañar al barítono Borja Quiza, en recitales camerísticos.

Un monográfico pues, pucciniano, comenzando con el Intermezzo de Manon Lescaut, para Ernst Krause: ¿gracioso rococó francés? ¿Opera con intensa pasione? ¿Ansia de vida, locura, de amor, lúgubres y ardientes lamentaciones de muerte, con fuertes pinceladas? ¿Un Puccini apasionado en impetuoso? A sus treinta y un años, el maestro era todavía un músico local, sabía ya muy bien lo que necesitaba para elaborar un drama histórico y meridional: situaciones llenas de emoción que le arrancar aquellas melodías sentimentales, dependientes de impulsos exteriores y de una óptica palpable. La manifestación de la italianità pucciniana, su ardiente forma apassionata. La forma della de la sua inspirazione, como afirmará Gino Romaglia: Puccini quiso escribir una Manon italiana. No le importaba que existiera ya una de Massenet, del mismo modo que la Manon de Massenet, estrenada diez años antes, es una ópera francesa, la suya  iba a sentirse en cambio una ópera alla italiana, con passione disperata. De esta ópera, escuchamos Sola, perduta, abbandonata, Manon en su desgarro final, aria descarnada ante la situación de desamparo en medio del desierto compartiendo amarguras con De Grieux, mientras éste la deja en búsqueda de agua.

La Bohème, una vez seguida la producción de esta temporada dirigida por José Miguel Pérez Sierra, en la que disfrutamos de las voces de Celso Albelo, Miren Urbieta-Vega, Massimo Cavalletti, Helena Abad, Manuel Mas, Simon Orfila o el Coro Gaos, de Fernando Briones, nos permitió escuchar dos arias de la misma, fácilmente reconocibles entre los aficionados: D´onde lieta usci, lamento de Mimi y el vals- aria, de Musseta, Quand men vo soletta per la via, estilo de canción ligera, a la que responderá Marcello. Amor de jóvenes  bajo les toits de Paris, poesía de la vida cotidiana de aquellos artistas que han encantado al mundo. Una hojeada a la buhardilla cochambrosa de Montmartre, en medio de un trajín navideño de la Rue Saint Germain L´ Auxerrois, para que seamos testigos de sus pobrezas. El hambre, el frio, el humor o el amor que aparentan llevar una vida mejor. El ambiente que ya aparecía en el relato de Murger y que el músico reformuló gracias a su intuición sensitiva. Situación que corresponde a la época del Rey ciudadano, Luís Felipe, después de la Revolución de  1830 y de un proletariado artístico que está creciendo a la sombra de ella, apartada de la realidad social. No cabía duda que Giacosa e Illica, se ceñían al relato de Murger. La Bohème, servirá de ejemplo, por su dramaturgia, para otra serie de óperas, por su inclinación de fuertes contrastes tanto sentimentales como dramáticos, entre aquellos tiempos intensos y pausados.

Ewa Plonka, se creció en el conjunto de las arias por su presencia en escena, su impregnación de los personajes gracias a una voz de registro equilibrado, entregada efusividad, cuidada expresividad y su squillo intenso y penetrante.

Le Villi, un Puccini quizás de menor fortuna y del que se ofreció el segundo intermezzo La tregenda (El espectro), ópera asentada en la mitología de Les Willis, capricho de otras creaciones como el ballet Giselle o la opereta Die Lustige Witwe, de Franz Lehar. La ópera en concreto, estuvo destinada al Teatro dal Verme, de Milán, contando con la dirección de Achille Panizza y los roles de importancia de Caponelli y Antonio d´Andrade, en su estreno en 1884, antes de probar con una revisión a finales de aquel año, que añadía dos intermezzos, siendo el otro L´Abbandono. Ópera de menor relieve en el catálogo de este compositor que realizará Le Villi, como un compromiso para un concurso de la editorial Sonzongo, para ópera en un acto y que presentó en condiciones precarias, aunque sería defendida por el maestro Arrigo Boito.

Crisantemi, para cuarteto de cuerdas, es pieza camerística de frecuente incorporación en programas que no dudan en incluirlo, obra que nacería como dedicatoria a Amadeo de Saboya Duque de Aosta, al que tenía en gran consideración, tras su fallecimiento. Pieza breve-siete minutos- e intensamente emocional por el talante de su actitud, posiblemente elaborado mientras escribía la ópera Manon Lescaut. Fue estrenado en Milán y Brescia por el Cuarteto Campari, con notable aceptación, y que se escuchó en versión orquestal. Reconocimiento para Fernando Briones por parte de los aficionados en estas páginas instrumentales así como por su compromiso para la gala en el acompañamiento a la soprano, por la urgencia de surgida de imprevistos.

El Tríptico nos aportaba dos de las páginas más estimables: Oh mio babbino caro, de Gianni Schichi y Senza mamma, de Suor Angelica, esas breves operitas en un acto a las que se añadía Il tabarro, que para René Leibowitz, es imposible dar una idea, aunque sea meramente aproximada, de la riqueza de inspiración, la maestría de su composición y aún muchas otras cualidades contenidas en estas tres pequeñas obras maestras y que no podemos menos que lamentar que no se representasen más a menudo. Esto es tanto más inexplicable por cuanto se trata de una nueva concepción muy renovada de la música dramática. Gianni Schichi, la mejor de las tres, sorprende por el hecho de que casi todos los personajes de la obra (quince en total), están todo el tiempo en escena, por decirlo de alguna manera, la ópera es como un inmenso número de conjunto, la música consigue de un modo magistral crear un movimiento del drama y de la acción, basado en motivos muy cortos.

Mme Butterfly- intermezzo y Un bel di vedremo, del segundo acto y un aria en la voz de la enamoradiza e ingenua Butterfly, personaje tomado de  Madame Chrysantème de Pierre Loty, para conocer su estreno en el Teatro alla Scala milanés el 17 de febrero de 1904. La protagonista es el verdadero eje radial de la ópera, merced a su ambiente de insinuación intimista y psicológico,     que atraería irresistiblemente al compositor, al que sabría conceder una sobrecarga realista frente a los presumibles orientalismos muy en boga en aquellos tiempos, en particular en lo que respecta al tratamiento del lenguaje musical. Por lo que fuese, la ópera recibió un reconocimiento  general por parte de los aficionados. 

Para completar, Vissi d´arte de Tosca Floria Tosca, diva de gran relieve, prendada de Mario Cavaradossi, pintor de tendencias liberales quien responde a sus requerimientos, un drama anclado en el dramatismo de Victorien Sardou y destinada al Teatro Costazi de Roma. Vissi d´arte, vissi d´amore, esplendor y magnificencia de la diva, en el segundo acto, mientras se escucha un redoble de tambores y el barone Scarpia, pérfido jefe de la policía vaticana, en plena desmesura contrarrevolucionaria, le recuerda a Tosca que le quedan pocas horas de vida a
Mario para consumar el suplicio, rendida pleitesía a favor de Ewa Plonka, para ese segundo acto que se desarrollaba en el despacho de Scarpia, en el Palazzo Farnese, en donde está detenido el pintor, mientras sufre tortura, ante la sospecha de que conoce el refugio en el que se encuentra Angelotti.

Ramón García Balado

 

Ewa Plonka

Orquesta Sinfónica de Galicia / Fernando Briones

LXXII de Ámigos de la Ópera, de A Coruña

Obras de Giacomo Puccini

Teatro Colón, A Coruña

 

Foto © Alfonso Rego
 

 

How can I help you: Vertixe Sonora, en Contemporáneas

 Auditorio de Galicia, Sala Mozart. Santiago de Compostela

 

Tercer concierto en el ciclo de Contemporáneas que podremos seguir en el Auditorio de  Galicia-día 11, a las 20´30 h.-, con la participación de Vertixe Sonora que ofrecen su programa bajo el título de How can I help you, cuyo trabajo responde a la labor creativa de José de Avellanal y Bernat Pont, una investigación para ensemble controlado por mediante software de Inteligencia Artificial. Vertixe Sonora harán posible sus resultados para este grupo de plantilla variable según los programas elegidos en las propuestas de vanguardia y que para la cita estará integrado por Pablo Coello-saxofón-; Iago Ríos- trombón-; Rubén Barrios-guitarra eléctrica-; Roberto Alonso-violín-, Carlos Méndez-contrabajo-; David Durán- teclados-; Diego Ventoso- percusión- y la presencia de los propios interesados en electrónica, video e iluminación Bernat Pont y José del Avellanal.

José del Avellanal, con sede en Suiza, se especializó desde joven en los géneros multimedia y las artes escénicas, indagando en las narrativas sonoras y sus distintas posibilidades en su proximidad a la gestualidad, sus obras, suscitaron el interés de especialistas como Les Percussion de Strasbourg; Ex Esentia Ensemble; Arxis Ensemble; Philipp Lamprecht (Meltar Ensemble); Oliver Janes (BCMG) o Weston Olencki, atendiendo a certámenes como el Festival Resis (A Coruña); Foresty (Montaldeo, Italia), siendo galardonado como primer premio del Festival WE-NOW. Su formación se completó en la Hochshule  der Künste Bern, con Simon Steen-Andersen,  Franciska Baumann y Daniel Glorer, y en composición en el Royal Northern College of Music, con Emily Howard y Steven Daverson.

Bernat Pont, centra su especialización en tendencias multidisciplinares y performativas probando dentro de los estados de ánimo más distanciado, confirmación que se confirma en sus colaboraciones con agrupaciones como Ensemble Shockwave; Ensemble Vortex; Kebyart Ensemble y en proyectos musicales en tentativas de investigación como Arda Yurdusev, Corentin-Barro, Ludmilla Mercier o Violeta García. Es miembro de BMC3io, grupo de improvisación libre y del grupo Cocaine Hippos. Recibió el KÖSTER- PREIS, del Festival de Bremen, por su producción SWANGATE, un trabajo dedicado al canto de los pájaros y la animatrónica. Es graduado en Práctica Creativa de Composición por la Hochschule der Künste-Bern , tras seguir cursos en el IRCAM parisino y en la Escuela Superior de Música de Catalunya.

Vertixe Sonora, es una formación nacida en 2011 con la idea de promover iniciativas de vanguardia que les ha permitido presentarse en los certámenes europeos e internacionales de primera línea. Han sido merecedores del Premio Martín-Códax (2016) y su labor fue recogida en los documentales Sonutopías, de la USC (2014), siendo de especial interés el último trabajo dedicado al 60 aniversario del añorado Enrique X. Macías, cuya obra se conserva en la propia USC, por cesión de la familia del compositor. Su cd con obras de los finalistas del XXVI Premio de Jóvenes Compositores SGAE-CNDM, se realizó gracias al sello WERGO o el ciclo Die Wanderung, de la compositora Lula Romero, para NEOS y The Dimension of the Fragile, un monográfico sobre el compositor Víctor Ibarra, que se añade al dedicado al colombiano Camilo Méndez (2023). Recordaremos los años como formación estable del CGAC,  compartiendo proyectos de temporada en ciclos con el TAC, de Diego García.

 En el reciente ciclo Vertixe 12, un proyecto del propio grupo, les tuvo como artífices de distintos conciertos repartidos entre el Nemonon (Pontevedra), el Auditorio Martín Codax (Vigo), el MARCO (Vigo), Sirvent (Vigo) y el Museo das Belas Artes (A Coruña), en colaboración con el ISCM (International Society for Contemporary Music), fundada en 1922, durante el Salzburger Festspiel, por iniciativa de miembros de la Segunda Escuela Vienesa. Vertixe 12, ofreció sesiones como la ofrecida el 27 de noviembre por Vertixe Sonora, en el Auditorio Martín Códax (Vigo), bajo el reclamo Desprazamentos da Codia, una visión telúrica que el grupo realizaría tomando obras de Camilo Méndez- Cartography of Music Spaces-, para ensemble de 9 intérpetes; Rubén Soto Kemp- Créatrures-, para voz, guitarra eléctrica y piano; Ji Won Seo-The Wonderfull Johnny- para guitarra eléctrica, fagot, cuarteto de cuerdas y multimedia; Mateu Malondra- Withing Modular Objets-, para ensemble; Leonardo Idobro- Crust shifting-para ensemble de 12 músicos y Christian Winther Cristensen-Song from the beach-, para voz y ensemble de 15  músicos.

How can I help you resulta un espectáculo multimedia en estreno en el entorno de Inteligencia Artificial Eliza, un diseño de Joseph Weizenbaum, en el MIT en los años sesenta, repartido en cinco partes, una reflexión sobre la I.A. y la comunicación, en esta reflexión concedida a Vertixe Sonora por los creadores  José del Avellanal Carreño y Bernat Pont, que aportan la indagación de resultados entre el hombre y la maquina, conectada por Chat GPT, desde las primeras experiencias con la I.A. La fascinación por Eliza creada por Weizenbaum ya en los sesenta, sobre sus objetivos clave, permite una versión de programa que llegó a calar profundamente en aquellos años en la amplitud de dimensiones que se observarán en ámbitos distintos, que forjará el interés de otros profesionales de la comunicación. Joseph Weizenbaum (1923, Berlín /2008, Ludwigsfelde), fue un investigador en el campo de la Inteligencia Artificial, profunda y controvertida, ratificada en el Instituto Tecnólogico de Massachusetts, resolutivo centro avanzado en la investigación y amplificación del tratamiento de estas tendencias. El mismo Joseph Weizenbaum, acabarían siendo en un breve espacio de años, uno de los renombrados críticos del desarrollo de la Inteligencia artificial, en la manera en cómo se utilizaba en las tecnologías y en las posibilidades propuestas por sus colegas igualmente avanzados, merced a sus promesas ciertamente exageradas. How can I help you añadirá argumentos para seguir ciertos itinerarios.

Ramón García Balado 

Mariana Martínez recuperada por Noelia Rodiles

 Días 5 y 6, de diciembre

 Nil Venditti dirigió a la RFG teniendo como solista a la pianista Noelia Rodiles  para ofrecernos en programa el Concierto para piano en La M. K. 414, de Mozart, el concierto en la misma tonalidad de Mariana Martínez; la Obertura Las criaturas de Prometeo Op. 43, de Ludwig van Beethoven y la Sinfonía nº 2, en Si b M. D. 125, de Franz Schubert. Noelia Rodiles, estudió en el Conservatorio Julián Orbón (Avilés), para ampliar en la Hochschule für Music Hanns Eisler (Berlín), y en la Escuela Superior Reina Sofía (Madrid), teniendo como maestros a Ana Serrano, Lidia Stratulat, Ana Guijarro o Galina Iwanzowa, mientras recibía asesoramientos de Daniel Barenboim, Menahem Pressler, A. Ciccolini, Ferenz Rados, Josep Colom o Salomon Minkowski y Elisso Virsaladze. Recibió la beca Leonardo de BBVA y es frecuente se presencia en certámenes de prestigio como la Quincena Donostiarra; las propuestas del Teatro del Canal, Fundación Juan March- en la que colaboró recientemente en el ciclo Reinas de la Música, la Schubertiada de Vilabertrán y otras de similar talante, manteniendo una vida intensa como protagonista de orquestas de primer nivel. Entre sus registros en cd, The Butterfly Effect, fue su tarjeta de visita (Eudora Records), o el dedicado a Martín Sánchez Allú, con los Moments Musicaux, de Schubert. Volvimos a  tenerla con su talante exuberante y sobrado de recursos tras haberla escuchado en el mes de abril de 2023, en su programa de decía bastante de ella: Flores italianas, con obras de Louis Farrenc, el Mendelssohn de la Cuarta Sinfonía (Italiana) y un arreglo del cuarteto Crissantami, de G. Puccini. Su desbordante entusiasmo, vivificaría las obras que tuvo en cartel.

Beethoven- la Obertura de Las criaturas de Prometeo Op. 43 (Die Geschöpfe des Prometheus)- obra para un ballet, basada en la fuente de la fábula clásica del héroe griego y destinada a un ballet heroico del conocido coreógrafo Salvatore Viganò, cuyo título final sería el conocido en la actualidad, pesando en gran medida la relación entre ambos, pendientes de la presumible primacía del coreógrafo en sus exigencias para el ballet, en su audacia ciertamente anticonvencional. No renunciará el compositor a dar lo mejor de sí mismo en respuesta a las exigencias teatrales, para los 16 episodios  desde el Allegro molto con brio, al Finale Allegretto, con pasajes como el Maestoso (A solo de Giogia) o el Andante (A solo della Cassentini). Obra que tendrá una reducción para piano, dedicada a la  Princesa Lichnowski o la reforma en las Variaciones Op. 35 y las dos contradanzas WoO14. Tras su estreno en el Burgtheater vienés el 28 de marzo de 1801, el ballet supondrá un gran éxito que repetirá en citas consecutivas, Carli Ballola, comentará: Así como el coreógrafo se había limitado a plasmar un noble bajorelieve neoclásico a lo Canova, evitando penetrar en esas profundidades míticas a las que neoclásico de otra fuerza, como Cherubini se había enfrentado en Medea, y lo hará en Anacreonte,  así lo secundó Beethoven con una de sus partituras más tersas y elegantes. Un Beethoven quizás más clásico y con un tratamiento orquestal que pudimos reconocer como más recatado de lo acostumbrado por el destino al que se dedicaba esta obra. Un breve pasaje, que confirmará como el resto de las obras, que la sombra de Papá Haydn, será lo suficientemente alargada.

El Concierto para piano en La M. K. 414, de W. A. Mozart, sería definido por Hönig como perfecta música de elegancia y poesía, un modelo de invención temática especialmente en la expresión favorecida por su tonalidad desde la variedad mostrada en el Allegro y la melodía sentimental del segundo tiempo, ofreciendo un Rondó que reafirmaba sus virtudes que en cierto modo, se descubrirán en Le nozze di Figaro. Inauguraba el salzburgués los estilismos vieneses que tratará en los seis conciertos para piano de mediados de la década de 1800. Obra multifórmica  por la agógica y la serie de recursos en cuanto a los problemas técnicos, que extasiarán a los aficionados vieneses, que recibirán con entusiasmo la serie de conciertos compuestos en estos años.  Conciertos recibidos dentro del estilo de suscripción con vistas a esos públicos. Como precedente, se recordaría que el Rondó K. 386, como pieza autónoma, estaba destinado a este concierto. Para Minardi: Si bien el tono general refleja de la misma medida entre tensión sentimental y gracia declamatoria del K. 413, la fisonomía expresiva encuentra aquí una identidad inconfundible en la calidad melódica y la riqueza en la invención, que alimentan el discurso, sin que tal riqueza se desborde nunca, estropeando los desequilibrios de la página sonora. En carta a Leopold, el carácter popular de esta serie de obras, constituía sin duda la crítica más lúcida, más autorizada y humilde, como vía intermedia entre lo fácil  y lo más exigente. Consideración de aliento que supo transmitirnos Noelía Rodiles, en preparación de lo que para la mayoría de los asistentes, sería el descubrimiento de Marianita Martínez

Marianne von Martínez con su Concierto para piano en La M., de ascendencia hispana e hija de un exiliado de la Guerra de Sucesión española y de quien  el inglés Charles  Burney, de paso por Viena, no podrá encontrar palabras para expresar el placer que le produjo Mme Martines. Desde el momento en que la vio, descubrió en ella su ideal de mujer dedicada a la música, recibida por todos con enorme respeto: bien vestida, elegante, complaciente. Burney le pedirá que toque algo y ella le obedece: de la más graciosa de las maneras, sin el menor rastro de falta de aplomo o el agobio de la inoportunidad. Su actuación superó en verdad todas sus previsiones: Cantó dos arias compuestas por ella misma, sobre poemas de Metastasio, acompañándose al clave de manera juiciosa y magistral. En el ritornelli, pudo observar su técnica magistral. Su vida aparentemente  tranquila, tenía como centro de experiencias su casa en la Michaelhaus, situada en el alegre barrio de Kohlmarkt, frente a la Michaelplatz, contigua a la iglesia imperial, núcleo frecuentado por la élite de la ciudad. Un lugar que, en la actualidad, impone por su presencia del Hofburg y la Spanische-Hofreitschule, la Escuela Española de Equitación. Su reputación artística, acabará extendiéndose más allá de Viena, llegando a convertirse en la más prolífica de aquel entorno, entre compositores como Adolf Hasse o el poeta Saverio Mattei, quien era dotado clavecinista, quien la introdujo en los dominios del salterio. En 1773, los miembros de la Ac. Filarmonica de Bolonia, le concederán por unanimidad el título de la Filarmónica Onorata, que hasta entonces no había logrado ninguna mujer.

Franz Schubert – Sinfonía nº 2, en Si b M. D. 125-, obra que le ocupará cuatro meses, mientras aborda piezas para el teclado y algunos lieder, una tonalidad que no había utilizado hasta entonces y cuyo efectivo orquestal será el mismo que el de la Sinfonía en Re, a excepción de la flauta doblada. Para Nil Venditti, la posibilidad de encontrarse ante un Schubert preciso a sus condiciones como directora. El Allegro vivace, se preparaba sobre  un tema brioso y jadeante en carrera de corcheas staccato confiadas a los violines, una exposición inusual de ciento vente compases, que anunció la entrada del segundo tema, lírico, como contraste, permitiéndose ciertas libertades que alteraron su arquitectura tonal, procedimiento muy apreciado por el compositor. El Andante, en Mi b M., ofreció el juego de variaciones a partir de un tema próximo a la herencia de Haydn e incluso de Mozart y que volverá  a tratar en otras obras, concediendo solidez al tiempo, ya desde la primera variación elaborada que pasa a la sección de vientos, hasta llegar a la quinta variación con los vientos en conclusión de los que saldría  el Menuetto vigoroso y esencialmente rítmicos, con un breve trío sencillo. El Presto vivace, supuso el  retorno a esa intención que anima el primer movimiento. Schubert pretendía un impulso épico propuesto por cuerdas, flautas y oboes asociados, completando el desarrollo, que permite componendas con un posible humorismo, la época en la que Schubert, se empapaba de la lectura de los poemas guerreros  de Körner, que usaría en algunos de sus lieder.

Ramón García Balado

Noelia Rodiles. Real Filharmonia de Galicia/ Nil Venditti

Obras de L. v. Beethoven, W. A. Mozart, Marianne von Martinez y F. Schubert

Auditorio de Galicia, Santiago

Círculo das Artes, Lugo

Galardones de VII Concurso de Canto Compostela Lírica

 Auditorio de Galicia, Sala Mozart. Santiago de Compostela

Yeraldín León, Milan Perisic, Andrés Sánchez- Joglar y Gabriel Alonso

Prueba de fuego para la final del VII Concurso de Canto Composta Lírica, auspiciado por Amigos de la Ópera de Santiago, el Concello de Cultura, el Consello da Cultura Galega, la Xunta de Galicia y la Fundación José Otero- Carmela Martínez,  en especial para el jurado a la hora de jugarse esa decisión definitiva que siempre deja una impresión agridulce en particular para los aspirantes y el común de los asistentes.  Dejaremos como resultado, la garantía que ofrecían los miembros que integraban los miembros de ese jurado, que curso a curso, aseguran la solvencia que los ganadores sí responden a las exigencias  requeridas, por la importancia del certamen en cuanto a la concesión de sus beneficios. Un jurado que sin grandes variaciones con respecto a otras convocatorias, estaba integrado por Arturo Reverter como Presidente; Patrick Canac, Presidente de Les Musiciens de Luberon; Aquiles Machado, director artístico del Festival de Ópera, de A Coruña, atento a buscar talentos a los que incorporar a los compromisos de la próxima convocatoria; Elisabete Matos, directora artística del Teatro Sâo Carlos de Lisboa; Graziela Valceva Fierro, mezzosoprano y profesora de canto; Celestino Varela, director artístico de la Ópera de Oviedo; Maciej Pikulski, apreciado repertorista, del que guardamos excelentes impresiones y José María Miranda, Secretario de Amigos de la Ópera de Santiago, sin derecho a voz ni voto. Tras la maratón del viernes, la sesión no menos agotadora del sábado, con las dudas para esta final en cuanto a los beneficiados de esos tres primeros Premios, el tercero concedido a Yeraldin León por el Presidente de Jurado Arturo Reverter, y 1000  euros; el segundo obtenido por Andrés Sanchez- Joglar, entregado  por Antonio Linares, en  representación de la Fundación José Otero- Carmela Martínez, que recibió 2000  euros y un recital remunerado en nuestra ciudad  y el Primero para Milan Perisͮic, por la Alcaldesa de Santiago Goretti Sanmartín,  4000 euros, tres actuaciones  repartidas entre la Real Filharmonía de Galicia, Festival Musicales de Luberon y la temporada de Ópera de Oviedo; el Diploma Andrés Gaos, con un recital dentro de las actividades del Consello da Cultura Galega entregado por Alejo Amoedo, en representación para el mejor cantante gallego reservado para Gabriel Alonso. Grado de consideración para los pianistas acompañantes en este compromiso sin reposo, José Alberto Sancho y Duncan Gifford.

Milan Perisͮic, barítono serbio, es una voz con experiencias profesionales en nuestro país, tras recibir galardones como el Concurso de Canto Josep Palet, después de su formación en el Conservatorio Giuseppe Tartini de Trieste, en su trayectoria, destaca el estreno de Antony & Cleopatra, de John Adams, y en el Teatro Real de Madrid, fue parte del elenco de La nariz, de Dmtri Shostakovich, mostrando igualmente preferencia con roles de personajes complejos como  Iago o el Conde de Luna, de Verdi, a los que se añaden Athanaël, de Thaïs  de Jules Massenet, ópera de recurre a un relato de Anatole France; para mantener ciertas distancias, el Marcello de La Bohème o el Ravel de L´enfant et les sortilèges. Dos fueron las arias elegidas por él, y que poco tenían el común. P.I. Tchaikovski, con Ya vas luyblu, de Pikovaia Dama (La Dama de Picas) y de George Bizet, L´orage s´est calmé, de Les pêcheurs de perles.

Andrés Sánchez- Joglar, tenor, con estudios en el Conservatorio Amadeo Roldán de La Habana, debutó en el Teatro Nacional Lírico de Cuba, recibiendo asesoramientos en masters con  Mietha Siglher, Fiorenza Cedolins, J. de León, Nancy Fabiola Herrera, probando en roles como Alfredo (La traviata); Mario Cavaradosi (Tosca); Florestan (Fidelio) de Beethoven; el Duque de Mantua (Rigoletto), además de participar en estrenos de óperas como El canto de amor triunfante (Febo), por obvias razones y trayectoria, la zarzuela se muestra entre sus preferencias con títulos como Cecilia Valdés; María de la O; Molinos de viento Pablo Luna); Los gavilanes o Luisa Fernanda. En su programa, había abordado precisamente Tente, detén tu paso, de Don Gil de Alcalá ( M. Penella) y E lucevan le stelle, de Tosca (Puccini), un tenor de registro amplio y proyección de gran solvencia.

Yeraldín León, mezzo, procedente de Colombia, y con formación en España, en el Escuela Reina Sofía, en el Departamento Alfredo Kraus, Fundación Areces, con Susan Bullock, venía de estudiar en la Universidad Central  de Colombia, con A. Roca y Camila Toro, además de recibir asesoramientos de Teresa Berganza, Sarah Connolly, Francisco Araiza o Iris Vermillion. Recibió la beca de la As. Wagneriana, para asistir al Festival de Bayreuth y entre sus actividades, la serie de roles interpretados de óperas como los barroquismos de Los elementos, de Literes; El gato con botas, de Xavier Montsalvatge, en el Teatro Colón de Bogotá; La nariz  (D. Sosttakovich) y la opereta Orfeo en Los infiernos , de Jacques Offenbach. Un par de arias como era preceptivo, comenzando por Cruda sorte-delicia para voces de contralto-, de L´Italiana in Algeri, de Gioacchino Rossini, y en el fiel de la balanza, Acerba voluntà (Adriana Lecouvreur), de Francesco Cilea.

Gabriel Alonso, barítono, Diploma Andrés Gaos, con un recital remunerado del Consello da Cultural Galega, recibido de manos de su compañero en lides Alejo Amoedo, por los compromisos con las atenciones a repertorios de tradición propia, en colaboración con compositores y otros profesionales, grabó recientemente so trabajo No  camiño, con Aurelio Viribay, cantante con estudios en la Escuela Reina Sofía, en la Cátedra Alfredo Kraus, Fundación Ramón Areces, con Susan Bullock, ampliando con maestros como Dylan Davis, J.J. Rodríguez, Francisco Araiza y el siempre añorado Alberto Zedda-años gloriosos del mejor Festival Mozart, de A Coruña-, que tendrían continuidad en proyectos de relevancia necesaria. Su renuncia en sus apetencias al mundo de la zarzuela, con títulos como La Gran Via; La verbena de La Paloma (Tomás Bretón), en la temporada Amigos de la Ópera de A Coruña (2020), dirigida por Fernando Briones, con dirección escénica de Emilio López, compartiendo cartel con Vanessa Goikoetxea; Borja Quiza; Laura Vila; Luís Cansino; Pablo Carballido o Nuria Lorenzo. Las dos arias de su sesión, fueron la impulsiva Vision Fugitive, escuchada la tarde anterior a Milan Perisic, duelo en las alturas y prueba de resistencia, en esta Hèrodiade, de Jules Massenet, y para ahondar en profundidades, un Wagner que no podía ser menos, por Wie Todesashnung…Oh! Du mein holder Abenstern, del Tannhäuser.

Ramón García Balado

  Foto Alberto Ramos