Herencia africana: Hannah Kendall, Missy Mazzoli y Florence B. Price

 Teatro Afundación, Vigo

Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

Florence Price

Desde África en los orígenes para (EN)FOCO, con la RFG con directora asistenta y un primer concierto en la Teatro Afundación de Vigo- día 23, a las 20´00-, para continuar al día siguiente 24 en el Auditorio de Galicia- 20´30 h-, contando además con sesión previa de Conversando con…19´45 h., para tres compositoras dos de las cuales ya estuvieron en las actividades de las Xornadas de Música Contemporánea de 2022, en un programa anunciado como Cartografías do Plural, con moderación de la  musicóloga Rosa Fernández. LA JONDE Focus, dirigida por Fabián Panisello, había elegido obras de Hanna Kendall, Missy Mazzoli, Carlos G. Perales, Jesús Torres y Pierre Jodorowski.   Hanna Kendall, estará en esta ocasión con Tuxedo: Vasco da Gama, con raíces en Guyana y precedentes familiares en tercera generación por un abuelo músico de jazz, y estudios en la Exeter University, en canto y composición, siguiendo los dictados de Joe Duddell, preparando un master en el Royal College of Music, junto a Kenneth Hesketh, y gestión artística en el Royal Welsh College of Music and Drama. Sus primeras aportaciones las realizó en la BBC Radio 3´s Composer of the Week, compartiendo con otras cinco aspirantes ganando en 2015, el Future Womens Price. Su ópera de cámara The Knife of Dawn, sobre libreto de Tessa McWatt, está basada en la vida en presidio del activista Martin Carter, estrenada en 2016 en el Roundhouse.

Su obra The Spark Catcher fue estrenada en los BBC Proms, en 2017, inspirada en la poética de Lemn Sissay,  antes de ser registrada en cd (NMC), esos Proms a los que volverá en 2020, estrenando precisamente esta Tuxedo: Vasco da Gama, para orquesta, que remite al ideario artístico de Jean-Michel Basquiat y que resumen un total de 16 piezas destinadas a la BBC Symphony Orchesta, que dirigía Sakari Oramo, en el Royal Albert Hall, el 28 de agosto de aquel año, pieza densa y abrumadora con detalles acerados de potente energía sonora, dentro de una quietud expansiva. Kendall fue merecedora del Premio Hindemith (2022), de composición que concede el Schleswig-Holstein Music Fest., además de colaborar con el programa DMA (Doctor of Music Arts) de la Columbia University neoyorquina, al tiempo que recibía nominaciones a los Ivor Novello Price, en los The Ivors Classical Awards (2023). Recordamos de ella en las actividades citadas, su obra Vera (2008), en la que cada instrumento solista recreaba ambientaciones sonoras a través de series dodecafónicas.

Missy Mazzoli, quien nos había dejado noticia en un par de ocasiones, la citamos por aquella en las Xornadas Contemporáneas de 2022, incluyendo en programa  Set that on fire (2013), estreno en nuestro país y para no ser menos, en otro concierto de temporada, en enero de 2021, en el que también presentaba obra Sofía Oriana Infante- Gratulantes-, siendo su aportación de entonces Dark with excesive bright, inspirada en la poética de J.J. Milton (Lost Paradise), resulta con la colaboración del contrabajista de la RFG Carlos Méndez.  Con formación en las Universidades de  Boston y de Yale, ampliará en Europa en el Conservatorio de La Haya, siguiendo las docencias de L. Anderser, M. Padding, R. Ayres, D.Lang, M.Bresnick, A. J. Kernis, C. Fussell, R.Cornell, M. Amlin y J.Harbison, mientras preparaba responsabilidades en aventuras directoriales promoviendo la creación del Festival  MATA y participar en iniciativas profesionales en el Mannes College of Music-ambos en Nueva York-, preparando una nueva experiencia como compositora en residencia de la Gotham Chamber Opera; Music Theater-Group, la Ópera de Filadelfia y la Chicago S. O., y colaboraciones con el Kronos Quartet, el MET, el Whitney Museum of Art. La obra elegida en aquella ocasión, remitía curiosamente a la estética  de Basquiat- el neoexpresionismo nacido por aventureros como Julian Schnabel, quien muestra como obra emblemática El estudiante de Praga, por su gestualidad extravagante de grandes lienzos figurativos el arte urbano  de los grafitti, con un Basquiat, y su proyecto SAMO (Same Old Shirt), de 1977-,   un ejercicio de virtuosismo y desafío que requería una actitud de profunda concentración. Mazzoli, recibió cuatro nominaciones Price ASCAP; una beca Fullbright,  para ampliar en los Países Bajos. En su quehacer, busca la confluencia con las tendencias contemporáneas más dispares. Mazzoli, destacó por su participación en trabajos para el ballet como Orpheus Alife, sobre coreografía de Robert Binet y Rosamund Small, para el National Ballet de Canadá o The Listenerss, para solistas, coro y orquesta.

Florence Beatriz Price (1887/1953),- Sinfonía nº 1-, méritos adquiridos por ser la primera compositora negra aceptada como tal en repertorios sinfónicos, tras graduarse en el Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra (Boston, Massachusetts), mientras mantenía una vida de equívocos con respecto a la sociedad de un entorno claramente conflictivo. En ese conservatorio, había tenido como maestros a los compositores George Chadwick y Fredercik Converse, probando a escribir su primer trío y una sinfonía, preparando su graduación en 1906.  En Arkansas (1910), recibirá el reconocimiento como responsable del Departamento de Música, período de crecientes conflictos sociales como las leyes segregacionistas Jim Crow.  Se trasladaría a Chicago en donde vivirá un mejor momento junto a Arthur Olaf Andersen, Carl Busch, Wesley La Violette y Leo Sowery, con los que compartirá estudios en el Musical College. Un período precario la obligará a probar en trabajos alimenticios como organista de sesiones de cine de filmes mudos, mientras componía songs de estilos comerciales de segura aceptación. Su encuentro con Margaret Bonds y la soprano Marian Anderson, le abrirá nuevas perspectivas de mayor ambición, presentado obras para los convocados por la Fundación Wanamaker.

La Sinfonía nº 1, será galardonada con un Primer Premio compartido con un tercero por la Sonata para piano, una sinfonía que tendrá su estreno por la Orquesta Sinfónica de Chicago, dirigida por Frederick Stock, el 15 de junio de 1933. Otras obras orquestales, también recibirán un trato de consideración, en interpretación de la WPA Symphony Orchestra (Detroit); la Chicago Women´s Symphony, manteniendo una actividad incesante de obras como himnos; conciertos para violín y piezas camerísticas o canciones. Entre esas obras de arraigo, destacan: Three Negro Dances; Songs to a Dark Virgin; My Soul´s Been Anchored in the Lord o Moon Bridge. La formación europea de sus obras, entronca con las raíces sureñas, ofreciendo un estilo reconocible  en cuanto al uso de ritmos y síncopas inspirados en la tradición de los blues.  Obras suyas fueron redescubiertas con posterioridad, gracias a los fondos de la Women´s Philharmonic (2001), que realizará un registro sobre compositoras de su entorno y el protagonismo de la pianista Karen Walwyn y The New Black Repertory Ensemble, en 2011, que se añadía a los de  2009, recuperados del olvido en una residencia abandonada en St. Anne Illinois, con docenas de partituras, entre dos conciertos para violín y su Cuarta Sinfonía.

 El siempre agudo Alex Ross, no dudó en poner en crítica su legado aludiendo precisamente a ese renacimiento nacido en Harlem y encabezado por Duke Ellington, bien definido por W.E, Du Bois y otros analistas de aquellas escuelas. Eco tendrá en el tratado de Paul Allen Anderson: Deep River (Río profundo) que contribuiría a abundar en el abismo entre los patrones de avanzadilla primeros y las jóvenes tendencias de los Langston Hughes y Zora Neale Hurston.  De Bois había pretendido junto a sus inseparables colegas, una fusión más híbrida de ideas afroamericanas, europeas o americanas sin menores reparos. Otro analista, Alain Locke, tensará la cuerda mostrándose receloso del jazz comercial, apostando abiertamente en sus simpatías por las obras de corte sinfónico que se propone en las obras de William Grant Still; William Dawson y nuestra Florenc Beatriz Price.

Ramón García Balado                                                          

Elisabeth Hetherington & Pérgamo Ensemble/ Notos Quartet, en la LI Semana do Corpus de Lugo

 Círculo das Artes, Lugo

Elisabeth Hetherington

Mater Misericordiae, concierto para el Círculo das Artes de Lugo-día 23 a las 20´30 h-, a cargo de Elisabeth Hetherington y el grupo Pérgamo Ensemble, integrado por Kinga Ujszásvi- violín barroco-, Daniel Ramírez- oboe barroco-, Guillermo Turina-chelo barroco- y la organista Eva del Campo, para un programa de obras de G. F.Telemann y el checo Jan Dimas Zelenka.   Elisabeth Hetherington, especializada en canto barroco, amplia labores en danza con la Compañía Leineroeabana, con el espectáculo Soas, en fusión de músicas y poesía.  Trabajó roles operísticos para la Holland Opera o la Opera Zuid- Senta, The Woman, Susanna, Cordelia o Belinda. Fundó el dúo La Serenissima y goza de un extenso recorrido por Festivales holandeses. Se especializó en trabajos dedicados e la fonética y pronunciación del inglés isabelino, impartiendo cursos y master.  Pérgamo Ensemble, comenzó sus actividades en 2019, ofreciendo conciertos en certámenes como el Arte Sacro (Madrid), colaborando con agrupaciones como The Accademy of Ancient Music; la O. Barroca Catalana, publicando al mismo tiempo el documental Stradivarius, sobre los instrumentos del Palacio Real de Madrid. Solistas de prestigio contaron con ellos: Gilles Colliard, Eugenia Boix, Christopher Coin, Manfred Kraemer o María de Hinojosa, dentro de esa búsqueda de la fertilidad de repertorios.

Mater Misericordae- Jan Dimas Zelenka-, es obra que nos remite a la figura de su compañero Johann G. Pisendel, virtuoso violinista de la corte de Dresde, quien asistido por G.F. Telemann, intentó la edición de los 27 responsorios del compositor checo, aunque tales pretensiones se quedaron en la buena voluntad. La obra que se ofrece en programa, es el  Salve Regina  ZWV 135, a la que se añade la Sonata  ZWV 181. Jan Dimas Zelenka (1679/1745), natural de Bohemia, fue un músico entregado a la corte de Dresde, en donde siguió la docencia de J.A. Hasse, como compositor de música sacra, sin rechazar la música instrumental por su virtuosismo como contrabajista. Estudió también en el Clementinum Conservarorium, llegando a ser director de orquesta. Los años en Dresde, se supeditaron a sus obligaciones en Viena, que ampliará en Venecia con J.J. Fux y con Antonio Lotti, antes del regreso a Viena y a Praga, en donde será protagonista de los actos de coronación de Carlos VI, con el melodrama de San Wescelao, que le supondrá el nombramiento de Vicemaestro. Compuso 3 oratorios y unas 20 misas, algunas decenas de cantatas, 18 motetes a cappella y otros salmos, entre oficios de Vísperas en estilo antiguo y arias sueltas. Muchas de sus obras se perdieron, pero se conservan también composiciones instrumentales, como la Sonata ZWV 181, perteneciente a la colección de los tríos para dos oboes, de comienzos de la década de 1720, y otras para oboe y continuo. Una música personal por su pujante manera de expresarse.

G. Friedrich Telemann (1681/1767), creador de un nuevo concepto del goût y del tratamiento de los affetti, representaba la nueva sensibilidad burguesa, de su obra, la Trio sonata nº 3 TWV 42, y la Cantata Zeug, ohn Verzug, in deinem Nöten, destinada al Quinto Domingo después de Pascua. La pieza instrumental pertenece al género de los Essercizzi musici, compuestos para una imaginativa selección de instrumentos. Obras que en bastantes casos destacan por las oberturas a la francesa, resaltando con gracia la escritura galante, al lado de ritmos y cuidados dibujos de ostensibura, de los que no están ausentes las influencias italianizantes, de moda en la época, la impregnación francesa, alemana o polaca. Brillo especial nos la legará en la serie de las llamadas Tafelmusik, que hallamos en las combinaciones más ingeniosas. Las formas religiosas, como la cantata que se ofrece, quedan a la par que sus oratorios, que lograron una gran celebridad. Entre las cantatas profanas destaca Die Tageszeiten, que influirá en el oratorio Las Estaciones, de F. Joseph Haydn.

El Notos Quartett estará  en el Círculo das Artes-día 25, a las 20´30 h.-, para un programa entre obras de Mozart y Brahms y el contemporáneo Bryce Dressner. Un grupo formado por Sindri Lederer-violín-; Andrea Burger-viola-; Philip Graham-chelo- y la pianista Andrea Köster. Se presentaron en prestigiosas salas como el Konzerthaus (Berlin), la Tonnhalle Zurich; el Wigmore Hall; BOZAR  (Bruselas); el Mecklenburg-Vorpommer o el Concertgebouw de Amsterdam. Grabó registros sobre obras de músicos actuales con los que colaboran,  Bear Furrer, Bernhard Gander, Garth Knox o Bryce Dessner: Hungarian Treasures o Paris Bar para el sello Sony Classical, eligiendo obras de Béla Bartók, Laszló Lajtha, Jean Français y una transcripción de la Tercera Sinfonía de Brahms, realizada por Andreas N. Tarkman. Tres obras en programa comenzando por el Cuarteto para piano nº 2, en Mi b M. K. 493, de W.A. Mozart, obra de 1786, y editada en Viena, segunda y última obra destinada al cuarteto de cuerda con piano, un estilo excepcional en el conjunto de sus obras. Composición en tres movimientos impregnada de una atmósfera claramente expresiva y distante de las tensiones dramáticas de la obra anterior. El larghetto se acepta como el genuino centro de gravedad, confirmando el equilibrio de la obra. Hildesheimer, recordaría que volvía a un trabajo de los llamados alimenticios, quizás para complacer a la demanda cotidiana a amigos y protectores. La publicación por Artaria, llegaría  después de la primera realizda por voluntad de Hoffmeister en el período estival de 1785, quien generosamente le había encargado una serie de tres cuartetos con piano, aunque con poca aceptación en el primero de ellos, que traería como consecuencia la ruptura del compromiso, que obligaría al salzburgués a cambiar el planteamiento comercial previsto, probando con ese nuevo editor al parecer más audaz y predispuesto.

Bryce Dressner (1976), estará por su obra El Chan, músico prolífico que desde distintos frentes, responde a trabajos de las más distintas procedencias. Trabajó con las hermanas Labeque, en dos de sus conciertos para piano ; la Britten Sinfonía Cambridge; el Kronos Quartett, en lo que fueron los 40 canons. Músico difícil de ubicar teniendo en cuenta su procedencia y evolución, pero que con el paso del tiempo consiguió ampliar perspectivas, recibiendo encargos de la Orchestra Los Ángeles Philarmonic; el Ensemble Intercontemporain; el Metropòlitan Museum; el Barbican Center, un beneficio logrado por sus frecuentes colaboraciones de compositores de élite como Philip Glass, Steve Reich y Ruichi Satamoko. Recibió encargos de la Fundación Louis Vuitton, de Gautier Capuçon, que se añaden a compromisos como el ballet No Tomorrow, para R. Kjartensson. El autor de la obra escénica Cyrano, que se refrendará en otros oficios para los media como el cine y las bandas sonoras: The Two Popes, realizado con su hermano. Obras de interés fueron  Quilting- estrenada por la  Philharmonic Los Angeles  O; Blackmontain Song, para e l Broolyn Youth Choir o Aheym, para el Kronos Quartett.

Johannes Brahms- Cuarteto con piano, nº 2, en La M. Op. 26-, dedicado a su estimada Elisabeth Rösing, obra pareja a la anterior aunque con ostensibles diferencias. Composición que se enmarca dentro de un estilo más académico en el que no destaca la fantasía del precedente. Atisbos de estampa vienesa con cierto clasicismo y detalles populares que se reparten entre los cuatro tiempos: Allegro non troppo; Poco Adagio; Scherzo (Poco Allegro) y Allegro alla breve. Para Mila, buena parte de la obra camerística del autor nacida en este período antes de su definitivo traslado a Viena, valdría considerarse como trabajos de aprendizaje necesario. Esos dos primeros cuartetos conocieron su estreno en una sesión ofrecida el 29 de noviembre de 1862, precisamente en Viena, contando con el acompañamiento del autor y miembros del Cuarteto Hellmesber. Tal cual en otras citas, sería inevitable el enfrentamiento entre sectores de opinión divididos.

Ramón García Balado

Concierto de la chelista Marta Souto Paz, en la Escola Berenguela

 Escola de Música Berenguela, Santiago de Compostela

Concierto en invitación abierta en la Escola Berenguela- día 22, a las 20´00 h-, a cargo de la chelista Marta   Souto Paz, que prepara su ingreso en la SMUC y que con el programa de esta tarde, nos dará un avance de su actual nivel como intérprete del instrumento, labor de divulgación a la que nos viene acostumbrando su directora Mª Xosé Cerviño. Cinco obras de compositores de distintos períodos desde el barroco al romanticismo en plenitud. Franz Joseph Haydn, aportará el Concierto nº 1, para chelo y orquesta, en Do M. Hob.VIIb, del que se elige el primer movimiento y que estará acompañada por la profesora Eriko Ishimoto, obra que aproximadamente puede datarse entre 1762/5, o quizás un poco más tarde, teniendo como dedicatario a uno de los más señeros virtuosos instrumentistas de su orquesta que él mismo dirigía, el chelista Joseph Weigl senior, quien al parecer, también le instruyó sobre las posibilidades expresivas del instrumento, en cuanto a los avances técnicos, la posición del arco y detalles como la utilización del pulgar, que permitía abarcar más de dos octavas sobre las cuatro cuerdas, además de agilidades hasta entonces insospechadas, tema que sugiere la cascada de juegos de artificio que se desplegarán en gran medida en el movimiento final, dentro de un estado de animado virtuosismo que redundará en trabajos como las posteriores sinfonías. El padre del cuarteto de cuerda, lo seguirá siendo también en la sinfonía, y dentro de este estilo concertante, nos queda mentar un Segundo concierto Hob. VIIb.2, en Re Mayor, obra que no dejará de ser objeto de dudas.

Robert Shumann, músico genial y de vida conflictiva, es autor de una impagable serie de lieder, cinco sinfonías y otras composiciones camerísticas. Para la ocasión, nos reservan el Adagio y Allegro para chelo y piano Op. 70 (1849), una relación del compositor con el chelo que había arraigado en sus años juveniles, al igual que sucedería con el piano, recibiendo para el instrumento de cuerda el asesoramiento de un maestro de confianza Meissner, y que dejará óptimos resultados aunque en definitiva no será una de sus especialidades. Curiosamente estamos ante una obra que permite el tratamiento con trompa, violín o chelo, para reparto de gustos y preferencias aunque lo más común es hacerlo con chelo. Schumann, en ese tiempo había descubierto la estimulante novedad de la trompa de tres pistones que gozará de aceptación en su Tercera sinfonía, explorando sin temor en sus reales posibilidades. Un Adagio marcado Lento y con íntimo sentimiento, que resulta un estilo de canción sin palabras de medida línea melódica, completando un Rondó que se explaya dentro de un talante fogoso y temperamental, con un episodio central decidido por su tonalidad en Si M, en un permanente diálogo. Schumann en un posible autorretrato musical por sus devaneos emocionales y que completó en un breve espacio de tiempo.

Johann Sebastian Bach-Suite nº III, en Do M. BWV 1009: Preludio, Sarabande y Gigue-, de la serie de las seis suites para el instrumento de las que se desconoce la fecha exacta de su composición por lo que no hay manuscrito autógrafo aunque sí nos quedan las que legó su segunda compañera Anna Magdalena Bach, quien las cedería a Johann Peters Kellner, organista y amigo del compositor. Hay una primera edición impresa de las suites, aparecidas en 1825, en la casa Probst de Viena. El Preludio resulta una maravilla de construcción  sobre un movimiento continuo de escalas, marchas armónicas y arpegios. Cuenta con un centro largo soberbio en fragmentos  y una coda que se inicia con una referencia a la escala del tono; después de grandes acordes y un corto motivo en semicorcheas, se reestablece el tema.  La Sarabande, es un contraste expresivo con respecto al tiempo precedente, la Courante, en el que pesan grandes acordes que avanzan una melodía simple de este tipo de danza.  La Gigue, es la conclusión de la suite, pieza precisamente vigorosa e impulsiva, para redondear su cometido.

David Popper (1843/ 1913), compositor nacido en Praga pero considerado como un artista germano-bohemio, tema común en los músicos de aquel período histórico. Tendremos dos estudios suyos- número 16  y 22-, su formación la realizó en el Conservatorio de Praga siendo Goltermann su maestro, dando pruebas inmediatas de su considerable talento. En 1863, realizó su primera gira por Alemania donde conoció al ilustre von Bülow, con el que llegó a colaborar como intérprete. Europa le acogió en largas giras que mantuvieron su prestigio ascendente. En 1867 se trasladó a Viena donde fue solista en la Orquesta de la Ópera de la Corte, acabaría renunciando a sus giras para dedicarse a su propia proyección, actuando en lugares como el Crystal Palace, St. James Hall- Requiem para tres chelos-, donde su obras para su instrumento se convirtieron en referencia. Tiene también un Concierto para chelo en Do m.

Gaspar Cassadó (1897/1966), con el Preludio de la Suite para chelo solo,  maestro apreciado por su impronta dejada en los Cursos U. I. de Música en Compostela, y que había sido hijo de un director de orquesta  Joaquim  Cassadó, recibiendo sus primeras lecciones con su preceptor, ingresando de niño en el Conservatorio de Barcelona. En 1908, obtendría una beca para ampliar estudios en París, en donde tendría relación con su apreciado Pau Casals, comenzando su carrera profesional una década después, una confirmación que supondrá la categoría de su valía artística, con preferencia en colaboraciones con agrupaciones camerísticas, entre las que destacarán maestros como Harold Bauer; Rubinstein; J. Iturbi; Szigueti; Hubbermann, entre otros. Citamos esa entrega a la docencia y para mayor afirmación destacan los cursos impartidos en Siena o Florencia (Italia); Colonia (Alemania) y otros centros de atención al chelo. No menor importancia,  tienen las obras que nos dejó y las dedicadas a instrumentistas en particular.

Ramón García Balado        

El Círculo de Bellas Artes de Madrid, acoge al VII Festival Resis

 Círculo de Bellas Artes, Madrid

La colaboración con motivo del centenario de Luigi Nono y el VII Festival Resis de A Coruña, nos traslada al Círculo de Bellas Artes de Madrid -día 19, a las 19´00 h.-, en lo que supone su Séptima edición en un proyecto que se ajusta al proyecto compartido y que para la cita, nos reserva dos obras de compositor italiano a las que se añade Cold Trip II, de Bernhard Lang, teniendo como intérpretes a la soprano Johanna Vargas, a la pianista Magdalena Cerezo y contando con la asistencia de Álvaro Martín, para cubrir las exigencias electroacústicas. LAB 51, son un dúo interdisciplinar nacido en 2016, en calidad de soprano coloratura y pianista- performer, que procura en sus pretensiones ampliar repertorios en este espacio de la música contemporánea, desarrollando el nuevo concepto de Liedduo, en el que ambas artistas trabajan sobre el fundamento de entrelazar el arte vocal  y los recursos multimedia y performativos a medias con el canto clásico, incorporando al piano dentro de esos proyectos.

…Sofferte onde serene…-Luigi Nono-, será la primera pieza elegida, obra para el autor que supuso un salto cualitativo en los años setenta y una indagación para piano y cinta magnética, fruto de esa nueva etapa comprometida con el pianista Mauricio Pollini, primer vis a vis, entre ambos, con la mente puesta en la épica en forma de lamento, dedicada a Luciano Cruz: Como una ola de fuerza y luz. Obra desarrollada en el plano de la cinta a través de las grabaciones efectuadas por Pollini en los Estudios de Fonología de la RAI y con la asistencia de su técnico de sonido Marino Zuccheri- última obra de Nono dedicada a ese estudio, tan decisivo en su carrera; en lo primordial, ataques de sonidos, un teclear enormemente articulado por Pollini, el ruido incluso de los pedales del piano, todo es empleado y parciamente transformado en la cinta que se superpone a la interpretación en vivo. En apreciación de Nono: Con Maurizio Pollini, habíamos trabajado tres días en el estudio. Maurizio fue el primero en sorprenderse de los resultados obtenidos con las tomas de sonido efectuadas por ese gran maestro que es Marino Zeccheri.

Pollini fue artista comprometido junto a su compañero Claudio Abbado, en este ámbito  de los temas sociales, participando en experiencias como  Musica-Realità, en los barrios fuera de los circuitos oficiales de la música clásica, en lugares como Reggio nell´Emilia, mientras se posicionaban contra conflictos cotidianos como la Guerra de Vietnam. En estas labores didácticas compartidas sobre los compositores clásicos, se añadirían las tendencias contemporáneas, con músicos como Pierre Boulez, Karl H. Stockhausen y en buena medida el propio Nono, como se comprueba en obras incluidas en estos ciclos. Pollini, por su ascesis e integridad artística, no cejaba de ubicarse dentro de estas propuestas establecidas.  Luigi Nono, a la altura de los setenta en adelante, mostró un cambio en el orden de su pensamiento creativo y estético, colaborando con pensadores como Massimo Cacciari, uno de sus veladores que ayudarán a profundizar en el descubrimiento del llamado pensamiento débil, y aproximarse al mundo poético de Hölderling, Ludwig Wittgenstein, R.Musil  o Hugo von Hoffmansthal. Período ajeno a todo dogmatismo condicionante que traerá de la mano obras como …Sofferte onde serene…(1976); música claramente personalista a modo de un fresco visual de destellos sonoros; Fragmente-Stille an Diotima (1978/80), en la que el silencio por valor en sí mismo, resulta de una resolutiva identidad; Das Atmende Klarstein, obra naturalizada por la importancia de los recursos electrónicos en mayor grado, gracias a las aportaciones del equipo del estudio experimental de Heinrich-Strobel. La despedida de su compromiso con los Estudios milaneses de la RAI, un trabajo al que precedería la labor de entidad y perfiles elegíacos, elaborados para cinta sola en dedicatoria a Paul Dessau, asociado con Bertold Brecht y destinada para el mundo escénico Für Paul Dessau, estrenada  en Parma.

Djamila Boupacha (1962)- J.López Pacheco-, segunda pieza de Canti di vita e d´amore Sui ponte di Hiroshima sobre textos de Günther Anders, Jesús López Pacheco y Cesare Pavese, en esta ocasión para voz de soprano asistida por recursos electrónicos, obra que podrá tener elementos de complicidad con las Canciones a Guiomar, sobre Machado. Para Luigi Nono, en Canti di vita e d´amore, los tres textos empleados pertenecen a esos poetas citados, resultando una obra tripartita, especialmente encomendada a los solistas  vocales (soprano y tenor), con acompañamiento orquestal. Tendremos la interpretación acorde a lo previsto y atendiendo a resaltar la importancia debida en este previsible emparejamiento que hermana las piezas con Canciones a Guiomar, de Antonio Machado, aureoladas por el mar como tema. Estamos en los años sesenta, en los que igualmente, descubrimos la obra para el teatro de Peter Weiss Die Ermittlung, basada en documentos del proceso contra los nazis de la masacre de Auschwitz. Erwin Piscator, había facilitado el encuentro entre ambos, en los Estudios de Fonología de la RAI, que darían pie a la banda sonora.

Bernhardt Lang- Cold Trip II (2015)-, una obra encuadrable en el apartado de sus prolíficas Monadologies, iniciativas en proceso evolutivo permanente que remiten al pensamiento de Leibniz, en su contexto e ideario. Obras en las que usa recursos libérrimos siempre a  partir de clásicos precedentes sin sujeción a razones obligadas.  Lang, desarrolla originales estructuras articulatorias fundamentadas en las posibilidades que ofrecen las técnicas más avanzadas. De tal experiencia, llegarán obras como Cold Tripp II, Monadologie XXXII, para un grupo de clarinete, flauta, chelo, doble bajo y medios electroacústicos. Compositores que servirán para estas especulaciones, serán Beethoven- Sonata Hammerklavier; A. Bruckner- Sinfonia Linz-; Richard Strauss- Don Quixote-; Chopin- 12 Études- ; A. Schönberg- Kammersinfonie- o Peter Kotik, en Many Many Women.  Lang estudió en el Brucknerconservatorium Linz (Austria); en Graz, en especial para recursos electrónicos, indagando en la microtonalidad y en los recursos de jazz. Entre 1977/81, colaboró con jazz ensambles, mientras mantenía sus estudios con George F. Haas y Gösta Newirth. El espacio de los recursos electrónicos ganará consideración en el Institute of Electronic Music (IEM). Fundó en 1987, con otros músicos la asociación Die Andere Sait. Imparte regularmente cursos desde Darmstadt a la Wien Universität, y colabora con grupos de danza, fue artista en Residencia en el Theater Basel y docente en la Sächische Staatskapelle Dresden. Su primer trabajo destacado en las formas electrónicas, había sido el ciclo Differenz/ Wiederholung, inspirado en el pensamiento filosófico de Gilles Deleuze.

Ramón García Balado

Juanjo Ocón, director invitado de la Banda Municipal

 Teatro Principal, Santiago de Compostela

Dende a morriña galega, encabezamiento para el programa de la Banda Municipal en el Teatro Principal-día 19, a las 12´00 h-, y que contará como director invitado con Juanjo Ocón, para ofrecernos obras de Reveriano Soutullo, Xoán Montes y Claude T. Smith. Juanjo Ocón, ejerció como titular en la Joven Orquesta de Euskal-Herría en sus primeros años de experiencia, un forja de preparación para una carrera consolidada merced a sus precedentes en el Conservatorio de San Sebastián en las especialidades de composición y dirección con el maestro Tomás Aragués preparando ampliaciones para proseguir en los centros de educación de la República Checa. Profesores suyos de importancia fueron Kalmar, Yvasa, Svaaronwsky, Vronsky o Thrdlink. En nuestro país pudo dirigir formaciones como la O. Sinfónica de Gran Canaria, la OSG, la O. Sinfónica de Euskadi, la O.S. de Bilbao compaginando sus oficios con otras del ámbito europeo como la Orquesta Nacional de Letonia o la Orquesta Filarmónica de Bratislava. Desde 2017, ocupa plaza también en la Banda Municipal de A Coruña. Aspecto a tener en cuenta, es su interés por los repertorios corales, presentando en el Teatro Real los Carmina Burana, de Carl Orff, probando igualmente en algunas ediciones de la Quincena Musical Donostiarra.   

Dende a morriña- Soutullo y Xoán Montes-, con el añadido de un compositor norteamericano especializado en obras para banda, se trata de Claude Thomas Smith (1932/87), nacido en Missouri y con profundas raíces en esos estilos dedicados a esas formaciones de banda, de la que es ejemplo la obra Festival Variations, dedicada a conmemorar el cincuentenario de la MENC, en San Antonio, destinado a las Fuerzas Aéreas, en 1982 y que estrenaría Arnold Gabriel. Una carrera repartida preferentemente entre Missouri y Nebraska, con una absoluta dedicación a este estilo de composiciones en las que utilizará las métricas más sorprendentes para conseguir atraer la atención del oyente. Habrá quien encuentre ciertas afinidades con maestros como Igor Stravinski y Aaron Copland, influencias perceptibles en los compositores de su generación. La pieza en concreto, sorprende pues por su variedad y atención a las secciones de metal, aspecto que se descubre en muchas piezas de su amplio legado. Obras como Avondale Overture; Declaration Overture; American Song Trilogy, Black Wacht March, Stone Mountain Overture o el arreglo sobre The Battle Hymn of the Republic

Reveriano Soutullo (1880/1932), compositor inevitablemente asociado con su compañero Juan Vert por tantas impagables zarzuelas como La leyenda del beso que llegó a compartir escena en temporadas de éxito con Doña Francisquita, de Amadeus Vives, o La montería y el sainete en tres actos Encarna la Misterio y piezas jugosas en esas componendas como La Bejarena, Así se pierden los hombres y Don Quintín y Radiomanía, ampliará gran respuesta escénica con La del soto del parral.  Superando períodos de caída de interés de este género lírico, sabrán su obras mantenerse en cartel a pesar de las modas cambiantes. Para esta ocasión, lo que los buenos aficionados consideran un posible himno oficioso de Galicia, que bien merecido se lo tiene. No es otro que el pasodoble Ponteareas, que ha llegado a escucharse en interpretaciones de bandas de prestigio por el mundo adelante. Soutullo se había beneficiado de la docencia de su propio padre, entonces director de la Banda de Redondela poco antes de que comenzasen sus lides de prueba en el Orfeón Tui, de Pontevedra. De sus años de estudio madrileño, nacerán trabajos como El cofrade Matías- 1914-, curiosamente con un éxito inesperado, que preparará otros inmediatos como La paloma del barrio; Amores de aldea- que subiría a escena en el Teatro de La Zarzuela-,o El capricho de una reina, destinada al Teatro Apolo y La Garduña, para otro histórico como el Cómico. Autor inasequible al desaliento, dejará un importante ramillete de piezas para banda, bien apreciadas por los aficionados, entre las que podremos elegir la suite incluida en esta matinal la Suite Vigo, y orquestaciones a capricho procedentes del sainete de gran prestancia, La Corte del faraón, tan resultona en su ingenioso tratamiento cinematográfico o la entretenida marcha de Dolora. Otro curioso pasodoble producto de una amalgama de apuntes de opereta, desde La viuda alegre, por apuntar un preciso añadido. La originalidad de su inspiración, que se ceñirá en tomar prestados de forma obligada motivos de aires  tradicionales, aportando un ingenio propio fuera de toda duda.

Xoán Montes, la guinda del concierto por Negra sombra, para reafirmar la impronta nacionalista, el Montes de la Alborada para banda, ganadora de un Primer Premio de los Juegos Florales de Vigo de 1888, y que un año antes había recibido el reconocimiento como presidente del Certamen Musical de A Coruña, maestro que no dejará de recibir galardones en este contexto de un nacionalismo de innegable arraigo ya  desde trabajos como la Romanza para piano y canto, con mención honorífica. En 1890, con la convocatoria en A Coruña, en el Teatro San Jorge, una iniciativa del Orfeón nº 4, que dirigía Pascual Veiga, se dará a conocer Que din os rumorosos, sobre el poema de Eduardo Pondal. Cuba le esperará para dar a conocer su Fantasía, para gran orquesta y en 1893, las baladas Doce son y Negra sombra, sobre la poética de Rosalía Castro, en Follas Novas, logrará el Primer Premio del Certamen de Pontevedra, organizado por la Sociedad Económica de Amigos del País.

Ramón García Balado