Dende a lembranza: La Banda Municipal In memoriam Dani Portas

 Catedral de Santiago de Compostela

Concierto en la Catedral de Santiago- día 30, a las 21´00 h., bajo la dirección de su titular David Fiuza Souto, contando con el protagonismo de nuevo de la Escolanía da Catedral, de José Luís Vázquez y las voces de Gabriel Alonso y de Juana Suárez Llanos de Mera, con un programa propicio que nos dejará una breve pieza de un habitual en otras obras habituales de repertorio, Alfred Reed; el pasaje del tercer acto de Gotterdämmerung (La caída de los dioses), de la tetralogía wagneriana; Regersam, de E. Bell y como obra de mayor calado, el Requiem Op. 48, de Gabriel Fauré. Dani Portas (1976), trombonista y director de distintas bandas, realizó una etapa fundamental en la de Caldas de Rei, tras sus estudios de formación en la Escola Unión Musical; seguiría en la Banda Municipal de Pontevedra realizando una etapa de prestigiosa trayectoria en nuestra Banda Municipal de Santiago. Le perdimos hace poco tiempo a consecuencia  de un infarto fulminante, mal que le venía aquejando con un primer aviso desde hacía dos años.   

Alfred Reed (1921/ 2005), ese compositor al que nos hemos acostumbrado por sus obras orquestales y en especial para banda, vendrá por Alleluia! Laudamus te, maestro versado en distintas escuelas forjándose en sus comienzos como dotado arreglista para la 529th. Army Force Band, especialidad que le permitirá granjearse un futuro asegurado en este ámbito de las llamadas músicas alimenticias, en el período crudo de la Segunda Guerra Mundial. Los años de bonanza traerán mejores perspectivas en general, convirtiéndole en uno de los grandes autores de referencia. Otro Alfred Reed será el que descubramos en compromisos de este estilo, colaborando también con otros países europeos y para ejemplo la responsabilidad obligada entre Estados Unidos y Rusia, con motivo de un evento que suponía participar junto a Sergei Prokofiev, en una mutua participación aportando el ruso la Marcha Op. 99, y Alfred Reed su detalle como arreglista en la Sinfonía Sexta de Abraham Lincoln Symphony, de Roy Harris. El joven Reed, había encontrado en la biblioteca de consulta, la partitura de una canción navideña del siglo XVI, que combinaría con investigaciones previas sobre música litúrgica ortodoxa, configurando una curiosa pieza para banda: Russian Christmas Music, que se estrenaría a finales de 1944, en una transmisión en directo por la NBC. Eran prometedores comienzo que abrirán camino a un compositor que no temerá probar con estilos a los que todavía no estaba acostumbrado.

Richard Wagner nos traslada al tercer acto de Gotterdämmerung (La caída de Los Dioses de su Tetralogía) con el  pasaje Siegfried Traeumermarch (La marcha fúnebre), el final del primer cuadro en una página intensamente patética y doliente. Ópera que en cierto modo, vuelve a recuperar procedimientos musicales que se observan en Tannhauser y en Lohengrin. Un acto tercero que sobrevuela los anteriores culminando a lo grande en recursos sonoros, gracias a la escenas profundamente sentidas en La muerte de amor, de Tristan und Isolde. La obra, en su conjunto, impresiona gracias al poderío de los 66 motivos conductores, de los que 14 resultan nuevos. La obra tuvo su estreno el 17 de agosto de 1876, desarrollada en un preludio y tres actos, partiendo con un prólogo que retoma el mismo espacio del cuadro final de Siegfried, en medio de la noche y las Nornas tejiendo los hechos que cuenta Wotan.

El Requiem Op. 48, de Gabriel Fauré, obra en un principio sometida al ojo crítico de ciertas opiniones, a las que respondería: Dicen que no expresa el temor ante la muerte. Alguien lo llamó una pieza en forma de berceuse (nana), de la muerte. Pero así lo veo y la concibo: una dichosa liberación, una aspiración a la felicidad del otro mundo, más que una experiencia dolorosa. De acuerdo que con el Requiem Op. 48, escrito para solistas, coro y órgano, suprime la secuencia del Dies Irae, e incluye pasajes como el Pie Jesu, o la antífona In Paradisum, que acentúa la visión de la muerte como descanso. Originalmente compuso el Requiem en cinco movimientos para el apreciado Coro de la Madelaine parisina, del que además, era su director, para recibir un acompañamiento de pequeña orquesta, integrada por violas, chelos, contrabajos, arpa, timbal y órgano, con vista al estreno el 16 de enero de 1888. Más tarde, y para conseguir un mayor énfasis, añadirá el Ofertorium y el Liberame, y al año siguiente, ampliaría con una orquestación más numerosa, recibiendo entonces una aceptación definitiva, ofrecida el 12 de julio de 1900, en el famoso Trocadero de París. En la evolución de los acontecimientos de toda esta generación de compositores, mucho tuvo que ver a partir de 1917, la consolidación del llamado Grupo de Les Six, que lograrían una escuela que todavía mantiene su vigencia. El Requiem Op, 48, de Gabriel Fauré, será recibido en homenaje a Dani Portas, en conveniente arreglo para banda.

Ramón García Balado

  

Il merito delle donne: obras renacentistas/François Dumont, para la LI Semana de Música do Corpus en Lugo

 Círculo das Artes, Lugo

Francesca Caccini

Concierto de la LI Semana de Música do Corpus en Lugo en el Círculo das Artes- 20´30 h-, en los dos próximos conciertos comenzando por las obras renacentistas con firma femenina, para el día 26, y que estará protagonizado por Son de Corda: Esperanza Iglesias- soprano-; Carmen Prendes-contralto-; Fernando G.Jácome- tenor-; Antón Castro- bajo-, Sara Ruiz- viola da gamba-; Rafael Muñoz-archilaúd- Nicolás Varela García- órgano-, y la  actriz María Garat. Una leyenda arropa el concierto que nos traslada a la Venecia del XVI, período en el que se publicó un trabajo controvertido por su claro antifeminismo Difetti delle done, de un tal Giuseppe Passi, que tendrá inmediata respuesta en el editado poco después por Moderata Fonte, escritora y pensadora que firmaría con el pseudónimo de Modesta Pozzo (1555/92), precisamente con el título que da motivos al programa Il merito delle donne (El mérito de las mujeres), evidente respuesta de rechazo con respecto al anterior y un primer documento escrito por mujeres en defensa de su propia apología. El de Passi había visto la luz en 1599 y el de nuestra dama habría de esperar un año, contando en este momento con  una traducción al gallego de Sonia Fernández, preparando el trabajo para la escena de María Garat, a la que tendremos en este espectáculo de época, enmarcado con todas sus virtudes piezas de compositoras del tiempo, con un hilo conductor a tenor de lo propuesto.

Piezas de compositoras que permiten espacio a dos compositores masculinos de entonces como Riccardo Roggnoni (c. 1550/1629-Ancol  che col partire- y Giovanni Girolamo Kapsberger (c. 1580/1651)- toccata sesta per liuto-; entrando de lleno en ellas con Vittoria y Rafaella Aleotti. Piezas  como Ghirlanda de Madrigli a 4 voci (1593): Dicesti anima mia; O dolc´eterno amore; Io dal sofferto foco. Piezas como Mentre l´ardite labbia; Ah che per altro ; Amor mio, perchè piangi?; Ch´io non tami cor mio; O dolc´anima mia. Vittoria y Rafaella Aleotti, hermanas, fueron hijas de un arquitecto de Ferrara, Giovanni Battista Aleotti, sobre las que existe cierta confusión de si en realidad fueron la misma persona, según se piensa por sus editores Carruthers-Clement. Vittoria no será citada en el testamento de su padre y pudiera ser que tomara el nombre de Rafaella, al tomar los votos en el Convento de San Vito de Ferrara. Entre dudas, nos queda Vittoria que ya de niña tocaba el clave llegando a publicar la serie de estos Ghirlanda de madrigali a quatro voci, en 1593. Muestra un estilo de escritura típica del XVI, que va desde simples canzonettes hasta obras que exploran todas las disonancias para impresionarnos con detalles de aspectos amorosos, entre la soledad y la angustia.

Maddalena Casulana (c.1544/c. 1590), abundará en piezas características de Il secondo libro de madrigali a 4 voci: O notte O ciel O mar; la canzona Cinta di fiori un giorno; Gli occhi lucenti; La de che nel mar Nacque;C Io felice pastori. Compositora y laudista, además de organista y cantante, autora en Venecia de dos antologías en 1567: Il terzo libro del Desiderio, madrigali a quattro voci e Il Giardino primo libro d´madrigali a tres voci, logrando en ellos una profunda recreación de ambientes que la acercaban a la Commedia dell´ Arte, llegando a relacionarse con Orlando di Lasso. En su cercanía,  Claudia Sessa (c. 1570/c. 1617), ofreciendo Canoro pianto di Maria Vergine sopra faccia di Christo. Francesca Caccini (1587/1641), dobla presencia por Il primo libro delle musiche-Chi desia di saper che cosa è amore-, o Jesu corona Virginum. Florencia y la corte de los Medici acogerán a esta importante figura dotada de condiciones excepcionales para el canto y la composición, beneficiada por su pertenecía a una saga de estirpe. Siendo joven, apareció junto a su padre Giulio en el espectáculo cortesano Il rappimento de Cefalo (El rapto de Céfalo), en el Palacio de los Uffici  de Florencia, junto a varios miembros de su familia.

François Dumont

El pianista François Dumont- para el día 28 en el mismo espacio- es un profesional ganador de certámenes como los Internacionales Chopin, el Queen Elisabeth, el Clara Haskill o el Monte Carlo, triunfó en lugares como el Musikverein, incluyendo en sus programas la Totentanz (Liszt) con la Nacional de Francia, con François Xavier Roth y un especial Chopin, en Les Champs Elysées. Leonard Slatkin, le tuvo para grabar los Conciertos de Ravel, con la Nacional de Lyon. Notable es su discografía y para ejemplo, el programa que ofrece en esta ocasión, tras los ciclos completos de sonatas mozartianas; los tríos de Beethoven y Schubert y otras labores compartidas con músicos como Sayaka Shoji; Marc Coppey; Augustin Dumay o los Cuartetos Prazak y Voce. También en los repertorios de lied aparecen trabajos con su compañera Helen Kearns. Participa en proyectos con compositores actuales como Dusapin; Bacri; Finzi; Lacaze; T. Murail o Tanguy. Para el programa, predomino de obras de F.Chopin, aunque comenzaremos con tres movimientos del Concierto Italiano BWV 971, de J. Sebastian Bach, que forma pareja con la Obertura en estilo francés BWV 831, obra escrita en Leipzig en 1735 y que ambiciona sinterizar la claridad melódica italiana con cierto rigor procedente de la tradición. El autor ansiaba un concierto para clave en una composición que carece de la indicación de tempo, ya desde el Primer movimiento.

W.A. Mozart en la célebre Sonata nº 10, en Do M. K. 330 (Parisina), obra que para estudiosos como Wyzewa y Saint-Foix, a pesar de su sencillez es de una riqueza y expresividad admirables. Manteniendo un aire muy francés, destacando la elección de sus ideas. El grupo de sonatas destinadas a intérpretes de menores exigencias. Ligereza y candor, lo que la convirtió en una de las favoritas para aficionados. Franz Liszt, en uno de esos ejercicios de entretenimiento y desafío, una de las transcripciones del Preludio y fuga  en La m., BWV 543, dejando lugar a las obras de F. Chopin.

Chopin con el Largo (Variación  sobre La marcha de I Puritani (Bellini), última de la serie de estas Variaciones, comenzadas con el lied alemán Der Schweizerbub. En este caso fue un trabajo colectivo asumido colectivamente por Thalbaerg, Pixis, Herz y Czerny. Pieza que carga con el sobreañadido de Hexameron, pieza de concierto. Grandes variaciones de bravura para piano, editadas en 1839. El conjunto de las piezas, habían sido un encargo de la pianista Christine de Belgiogioso.  La Fantaisie- Impromtu  Op. 66, una de sus perlas dedicada a Mme D´Este, siendo la pianista Marcelline Czartoryska, alumna suya, quien se encargaría de estrenarla en París en 1855. El Allegro agitato, con el tratamiento de semicorcheas ofrece un luminoso destello de seisillos de corcheas, hacia un descenso cromático y una breve cadenza virtuosística del mejor estilo.  La Barcarola  en Fa  sost. M. Op. 60, auténtica nana dada a conocer en Nohant en una dedicatoria a la estimada Elise Gavard.

 Una delicia de gracia y soltura marcada por el cuidado permanente de un rubato sutil.  El Impromtu nº 1, en La  b M Op 29, dedicatoria sin recato a la condesa de Lobau, descrito por Schumann como una pieza delicada de forma, con una cantinela desde el inicio y un final encantador.   El Nocturno  en Mi b. M. Op. 9, segundo  de los tres, obra siempre de gran aceptación por sus reconocidas dificultades con un añadido de personal intimismo.  La Balada nº  3, en La b M. Op. 47,  tan querida por el autor, quien la interpretó por primera vez en la Salle Pleyel, en febrero de 1841. No tiene el poderío de las otras pero está llena de encanto poético. Otra de las dedicatorias, en esta ocasión para Paulina de Noailles, también alumna suya e inspirada en Ondina una leyenda de Mickiewicz.

Ramón García Balado

Dúo Calabuig- Blasco, en el XXIII Ciclo de Músicas para unha década: Museo das Belas Artes, de A Coruña

 Museo das Belas Artes, A Coruña

 Concierto de la serie Músicas par a unha época que integra un total de tres sesiones, comenzadas el mes pasado con el Balder Dúo y que completará la pianista Sophía Hase, en la sede del Museo das Belas Artes, todas ellas acompañando a las exposiciones correspondientes. Alicia Calabuig (viola) y Jorge Blanco-día 26, a las 12´00 h., con sesión en streaming- serán parte de la exposición A Xeración Doente, que recibirá la provechosa visita guiada. El Dúo Calabuig- Blasco- con obras de Hans Sitt y Johannes Brahms- está integrado por la viola Alicia Calabuig, con estudios en el Conservatorio de Almansa, con Jerónimo Mesager  y el el Real Conservatorio Superior de Madrid, con Alan  Kovaks, para ampliar en la Anton Bruckner Universität Linz (Austria), siguiendo el magisterio de Predras Katanik. Colaboró con formaciones como la O. Nacional de España; la Union European Youth Orchestra; la Ac. Gustav Mahler, de Bolzano; la Orquesta Simón Bolivar, de Venezuela y otras del ámbito nacional, siguiendo masters de especialización con Jürgen Kussmeul; Antonello Farulli o Guus Jeukandrup. El pianista Jorge Blasco, siguió las docencias de Guadalupe L.Castelo, A. Nieto, ampliando conocimientos en la Escuela Superior Reina Sofía. Entre sus maestros, aparecen Vitali Margulis, Celine Eguiagarova; Zoltan Koscis, Lazar Berman y Eric Heidersiek. Recibió una consideración especial en la propia Escuela Reina Sofía.

Piezas elegidas del bohemio Hans Sitt (1850/1922), típicas y características de un centro-europeo, de aquella escuela genuinamente romántica y que se descubre en cada una de ellas, disfrutaremos de tres estilos de un planteamiento artístico claramente reconocible: Albumblatter Op. 39; Drei Phantasiestück Op. 58 y la Romanza Op. 102. Stitt, destacó indistintamente como violinista y director, llegando a ser un personaje de notoriedad pública, tras unos años beneficios de estudio de violín con A. Bennewitz y M. Krecij, en el Conservatorio de Praga, un largo período en el que permaneció hasta 1873,  en el que se trasladó como maestro a Chemintz, convirtiéndose desde entonces en una autoridad tanto en el espacio de la docencia como en el de la interpretación. Entre 1884 y 1921, tras su traslado a Lepizig, vivirá sus mejores años como profesional, incorporándose al Conservatorio de la capital alemana, tan asociada con la figura de Johann Sebastian Bach y para mayor gloria, asistiremos a los años de mayor prestigio como intérprete como miembro del Cuarteto Brodsky, motivo que le animó de forma especial a la promoción de conciertos populares de divulgación. A partir de 1885 y hasta 1904, se haría responsable de la Bachverein. Años antes, en otra de sus ambiciones promotoras- hablamos de 1899, mostró un profundo interés por la creación de coros. Amplísimo repertorio de composiciones, que junto al catálogo de la obras camerísticas, destaca por sus tres conciertos para violín, obras orquestales y corales, y la abundante cantidad de trabajos didácticos que conservan su vigencia.

Johannes Brahms, con la opción que eligen del Dúo para viola y piano, en Fa m., nº 1, OP. 120, en sus tiempos Allegro appassionato; Andante un poco Adagio; Allegretto grazioso y Vivace. Obra que suele repartir sus preferencias en su lectura posible para clarinete y piano, un Brahms de plena madurez que compone en la placidez de su retiro estival relajante, en el que se entrega con entusiasmo a dos de las obras camerísticas destinadas a su estimado clarinetista Mühlfeld, virtuoso miembro de la orquesta de Meiningen. Una aventura de entendimiento que les llevaría a 1891, con aportaciones como el Quinteto Op. 111. Analistas fiables, habrían de hallar en esta obra la sensibilidad que nos trasmiten los Vier  Ernste Gesäng, parte de lo más representativo que descubrimos en el conjunto de su lieder, especialmente en los de su etapa tardía. En cualquiera de las posibilidades en las que solemos escuchar esta sonata- viola y clarinete- no desdice lo más mínimo de su grandeza y talento.

Una sonata en perfecto equilibrio mantenido en esos cuatro tiempos y que ayudan a entender la pérdida a algunos íntimos irrenunciables. El Un Allegro appasionato que responde a ese equilibrio por su gran claridad expositiva con una extensa  exposición que propone seis temas  emparejados contrastados entre ellos y que revelan una invención rítmica para mayor beneficio de este primer tiempo, particularmente el segundo en Re b. Un desarrollo breve con todo que se engrandece en los aspectos de conclusión elevados en un sostenuto espressivo que engarzará con el comienzo.  El Andante, un poco Adagio, melódico como no podrá ser menos, queda expuesto a través de tres secciones enmarcadas por un desarrollo central libre de pocos compases. Una ensoñación concentrada de pinceladas melancólicas camino del Allegretto grazzioso, un scherzo de unos cuarenta compases que se convierte en un tipo de minuetto. El Finale Vivace, alla breve, concluye de forma incisiva. Su segundo tema alumbra por los destellos de sextas y tresillos de negras culminando un apunte de tonada popular con detalles de broma.

Ramón García Balado  

Arxis Ensemble, en el VII Festival Resis

 Paraninfo UDC, A Coruña

Arxis Ensemble se presenta en el Paraninfo del Rectorado de la UDC, de A Coruña-día 25, a las 20´00 h.- para ofrecernos su concierto integrado en las actividades del VII Festival Resis, bajo el  título de la pieza Guai ai Gelidi Mostri, que remite al homenajeado en esta convocatoria, el compositor Luigi Nono, entre obras de Rebecca Saunders, Alberto Posadas y un curioso tratamiento del Monteverdi de las Vespro della Beata Vergine, por su motete Duo Seraphim. Para el grupo se trata de ampliar fronteras en esta experiencia colectiva usando la vía de los sonidos para propiciar la comprensión más profunda del mundo y la humanidad.  Rebecca Saunder, a la que volveremos a escuchar y que ya estuvo en otras programaciones de certámenes similares, es una violinista y compositora nacida en Edimburgo y se doctoró en 1997, siendo becaria de la DAAD, siguiendo las docencias de Wolfgang Rihn (1991/4), en la Hochschule für Musik Karlsruhe, bajo la supervisión de Nigel Osborne. Recibió Premios del Busoni Kunst Arts Berlin; de la Competition Ernest von Siemens (1996) y del Hindemith Schleswig-Holstein  (2009). Realizó masters en los Cursos de Darmstadt, y fue compositora en Residencia del Konzerthaus Dortmund , en la Staatskapelle Dresden y en el certamen contemporáneo de Huddersfield. Su talante creativo se se centra especialmente en obras de riesgo notable por las exigencias demandadas en cuanto a las sutilezas que precisan y el tratamiento requerido a los propios instrumentistas para abarcar el límite expresivo, acompañando muchas de sus obras de comentarios precisos. Obras que tuvieron los primeros ejemplos en piezas como Behind the Velvet Courtain (1991); Mirror, Mirror on the Wall o Molly Song, para alcanzar trabajos recientes como Solo, para el Klangforum Wien, y Still/Aeter/Alba o Myriad, para Sound Instalation.

Alberto Posadas- Versa est luctum (2002)-, es un compositor formado en la escuela de Francisco Guerrero, al que consideró su verdadero maestro desde los años de juventud, tras estudiar en el Conservatorio de San Lorenzo de El Escorial. Obteniendo las máximas consideraciones en contrapunto y fuga. Realizó masters y cursillos con Emmanuel Nunes y Joan Guinjoan, llegando a ser Profesor de Armonía, mientras se interesó por la aplicación de procedimientos compositivos entre la física y la música, dentro de la construcción de los fenómenos sonoros. Durante una etapa fundamental se dedicó al uso de los movimientos  brownianos, que supondrán trabajos de investigación sobre las aplicaciones de proceso de DLA (Agregación por Difusión Limitada). Esa relación de música y matemáticas,  responde a un intento de trasladar los mecanismos de regulación de la naturaleza a procesos de construcción musical. Las obras a solo han suscitado su interés dentro de este ámbito creativo, indagando a fondo sobre renovadas alternativas en la composición, especialmente en atención a las  demandas de los instrumentos a los que estarán destinadas.  Obras suyas han merecido la demanda de formaciones como el Xenakis Ensemble; la Orchestre de Paris, tutelada por P. Rophé; el Arditti Quartet o el pianista Jean Pierre Dupuy.

Claudio Monteverdi- Duo Seraphim (Vespro della Beata Vergine)-, en principio un motete de gran relevancia melismática resultando por ello  muy diferente del vocalismo silábico del Nigra sum. Sobre el bajo continuo compiten aquí las cuales clamabant alter ad alterorum. Tras esa sección entre ellos en el campo de las efusiones virtuosísticas más sofisticadas obre el bajo continuo, compiten aquí ente ellos, en el campo de las efusiones virtuosísticas más sofisticadas, dos voces en un principio Duo Seraphim clamabant…. Evocaciones de sobrehumanas armonías y de angélicos belcantismos,  voces encarnan en su diálogo las dos seráficas entidades del texto. Tras esta sección dialogada no carente de su propia teatralidad, se añade una tercera voz Tres sunt..lo que marca el paso a una sección doctrinaria en la que esas voces cooperan globalmente en una sonora epifanía del dogma trinitario: el nuevo trío se descompone analíticamente en diferentes imitaciones  disminuidas coincidiendo al unísono de inmediato en et hi tres unum sunt. El tiempo siguiente de la Vespro della Beata Vergine, aparecería el salmo Nisi Dominus.

Luigi Nono, con obra obligada en este centenario conmemorativo, tendrá una obra tardía  Guai  ai Gelidi Mostri (1983), elaborada sobre textos de su compañero y amigo Massimo Caciari, quien se hizo responsable de esa selección que será destinada para dos contraltos, flauta,  clarinete, tuba, oboe, cuerdas, y contrabajo, con aplicación de recurso electrónicos en directo. Obra destinada al Funckhaus Köln, y la Westdeutscher Rundfunk. Ha pasado el vendaval de Prometeo, tragedia dell´ ascolto, también con recopilación de textos del apreciado Massimo Casiari, en un largo proceso de gestación y entre otras composiciones en las que el autor no rechaza el pasado, integrándose en nuevos marcos de conocimiento desde piezas como Das atmende Klarsein, una duda que resume la experiencia musical  y los evidentes compromisos políticos, siempre sobre la puesta en duda de las ideologías agotadas, viviendo a flor de piel esa realidad cultural enmarcada por los analistas del llamado Pensiero debole.

Arxis Ensemble estará integrado por Noa Frenkel y Elisa Toffol- alto solistas-; el contrabajista Zacharias  Fasshauer; la flautista Clara Giner; el clarinetista Sergi Bayarri; el saxonista Iñigo Setuaín; el tubista Isaac Rodríguez; el acordeonista Nikola Tanaskovic; Noè Rodrigo, para las percusiones; la pianista Magdalena Cerezo; el viola Jacobo Díaz; la chelista Anna Grenzner, completando grupo el contrabajista citado, Zacharias Fasshauer, en el reparto de las obras elegidas. En cuanto al espacio de los recursos electrónicos, se contará con Álvaro Martín, siguiendo las direcciones artísticas de Hugo Gómez-Chao y del Noè Rodrigo, preparando la jornada del domingo 26 con  Proxección Sonora, en los didácticos inclusivos, en el Museo Muncyt -12´00 h- dedicada a la proyección sonora de La Fabbrica Illuminata, la obra ofrecida en la Fábrica de Tabacos, con una agrupación instrumental a la que se añadía voz de soprano y narradora, junto al encargo de Sereas (Oda Ludita) de Xoán Xil y Alba Cid, en condición de Residencia Artística do Gaiás. Esta matinal, tendrá como protagonistas a la actriz Chus Álvarez y al músico Wilson Ortega, a partir de arreglos de números elegidos, compartiendo labores con alumnos del centro, que aportarán labores interpretativas, descubriendo las vidas conflictivas de los trabajadores en sus ambiciones reivindicativas.

Ramón García Balado

 fotografía Copyright: xxogomezchao@gmail.com
 

Il film di famiglia de Serena Nono en el VII Festival Resis

 Domus, A Coruña

Luigi Nono y Nuria

Documento sobre la figura de Luigi Nono para la  Domus en A Coruña- día 24, a las 20´00-, un trabajo de Serena Nono, quien  estará presente en la cita  moderada por el crítico Paco Yáñez y las valoraciones del filósofo Francisco Jarrauta.  Actividad que servirá para acercarnos a la personalidad del músico profundamente comprometido con nuestra época y  los conflictos cotidianos, preparando el concierto del día siguiente en el Paraninfo del Rectorado da UDC, que nos anuncia obras de Rebecca Sounders, Alberto Posadas, un Monteverdi por el Dúo Seraphim, para homenajear a Nono en una obra tardía, Guai ai Gelidi Mostri. Programa con el Arsis Ensemble, dirigido por Bas Wieger, un grupo de siete solistas, contando con la dirección artística de Hugo Gómez- Chao y Noè Rodrigo. Il film di famiglia, resulta un trabajo documental en el que destacan años de claro compromiso centrándonos en momentos de esa vida entregada a través de una serie de cuadros y la relación con artistas que mantuvieron una relación muy próxima. Arnold Schönberg, en Los Ángeles, el padre de Nuria, quien sería la compañera del compositor. Nono, sin renuncia posible, en ese fundamental contexto veneciano, acompañado de amigos y colegas de travesía artística, en lo relativo a lo musical y lo político-social. Nombres a tener en cuenta como Luigi Zuccheri, Giuliano Scabia, Luigi Pestallozza- ya citado en otro comentario anterior-; Yevgeni Yevtuscenko, entre miembros del teatro rompedor y vanguardia, señeros en los setenta y que dejaron huella de imitadores, se trata de The Living Theatre, punta de lanza en las convulsiones de finales de los sesenta. Años de preocupación por la situación en Latinoamérica, desde Cuba a Chile, Argentina o Bolivia.

Nono, al que seguimos los pasos en este centenario conmemorativo, pudo entrar también en relación con artistas en Moscú, nombres como los de Yuri Liubimov, el pianista Sviatoslav Richter y Vladimir Vyosotsky, en un continuado cambio de posicionamientos surgidos en los setenta. Serena Nono, heredera y responsable de su legado, es precisamente una de las personas que mejor sabrá refrendar el trabajo que nos aporte el filme. Es la suya una mirada objetiva, aunque carente de forzadas distancias. Para ejemplo, la serie de entrevistas y conversaciones enriquecedoras evitando nostalgias ensombrecedoras. El propio Luigi Nono, presentado en su carácter que reconocemos precisamente en el conjunto de sus obras a lo largo de su trayectoria. El Nono de Il canto sospeso, Omaggio a Luigi Vedova; Intoleranza; La fabbrica Illuminata; Ricorda cosa di hanno fatto im Auswitz; Como una ola de forza e luz; …Soffere onde serene…. -escuchada hace poco en el Circulo de Bellas Artes de Madrid-, o compromisos de gran vuelo en exigencias como Io, frammento dal Prometeo, sobre texto de Massimo Casiari.

El filme culmina con la Festa Nacionale dell´Unittà, en un lugar tan familiar a Luigi Nono como es La Giudeca, impregnado de vivencias personales ya desde su años juveniles y para completar el evento, la colaboración del grupo chileno Inti Illimani, que evocará la imagen de Victor Jara, brutalmente asesinado por Jorge Videla y sus golpistas en 1973, a ellos se añadiría un grupo cubano.  Serena Nono, testigo y memoria en el entorno de la familia Nono, nació también en Venecia, trasladándose a Londres para ampliar estudios en la Kingston University, en donde se licenciará en Bellas Artes. Volverá a su querida Venecia en 1989, exponiendo con regularidad desde 1991, en otras ciudades italianas y europeas. Entre sus exposiciones individuales destacan, las ofrecidas en Ancona, Palazzo Sarcinelli, Palacio Poggi, Pavillon d´Italia. También las obras sacras caben en la relación de trabajos suyos, mostradas en iglesias y museos, mientras colabora con dinamizadores culturales y pensadores, en la publicación de exposiciones. Espacios como la 54 edición Bienal de Venecia, de Artes Visuales; Chiesa della transfogurazione de Parma; la Capella Piccola Opera Veritas. Entre esos dinamizadores y filósofos, aparecen Hanif Kjureischi; Daniele Do Giudice; Bruno Forte, Mario Fortunato, Massimo Cacciari; Vincenzo Vitiello; Giovanni Montanaro; Chiara Valerio o Giancarlo Gaeta. A partir de 2006, comenzó a rodar documentales y filmes sobre arte, contando actualente con 10 trabajos, entre ellos Via della croce; Venezia salva- presentada en el Festival de Venecia-, y el filme que tendremos en el VII Festival Resis. Es responsable de la Fundación del Archivo Luigi Nono, de Venecia, además de asumir el cargo de Comisaria del Festival Anual Luigi Nono, desde el año 2017.

Ramón García Balado

Herencia africana: Hannah Kendall, Missy Mazzoli y Florence B. Price

 Teatro Afundación, Vigo

Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

Florence Price

Desde África en los orígenes para (EN)FOCO, con la RFG con directora asistenta y un primer concierto en la Teatro Afundación de Vigo- día 23, a las 20´00-, para continuar al día siguiente 24 en el Auditorio de Galicia- 20´30 h-, contando además con sesión previa de Conversando con…19´45 h., para tres compositoras dos de las cuales ya estuvieron en las actividades de las Xornadas de Música Contemporánea de 2022, en un programa anunciado como Cartografías do Plural, con moderación de la  musicóloga Rosa Fernández. LA JONDE Focus, dirigida por Fabián Panisello, había elegido obras de Hanna Kendall, Missy Mazzoli, Carlos G. Perales, Jesús Torres y Pierre Jodorowski.   Hanna Kendall, estará en esta ocasión con Tuxedo: Vasco da Gama, con raíces en Guyana y precedentes familiares en tercera generación por un abuelo músico de jazz, y estudios en la Exeter University, en canto y composición, siguiendo los dictados de Joe Duddell, preparando un master en el Royal College of Music, junto a Kenneth Hesketh, y gestión artística en el Royal Welsh College of Music and Drama. Sus primeras aportaciones las realizó en la BBC Radio 3´s Composer of the Week, compartiendo con otras cinco aspirantes ganando en 2015, el Future Womens Price. Su ópera de cámara The Knife of Dawn, sobre libreto de Tessa McWatt, está basada en la vida en presidio del activista Martin Carter, estrenada en 2016 en el Roundhouse.

Su obra The Spark Catcher fue estrenada en los BBC Proms, en 2017, inspirada en la poética de Lemn Sissay,  antes de ser registrada en cd (NMC), esos Proms a los que volverá en 2020, estrenando precisamente esta Tuxedo: Vasco da Gama, para orquesta, que remite al ideario artístico de Jean-Michel Basquiat y que resumen un total de 16 piezas destinadas a la BBC Symphony Orchesta, que dirigía Sakari Oramo, en el Royal Albert Hall, el 28 de agosto de aquel año, pieza densa y abrumadora con detalles acerados de potente energía sonora, dentro de una quietud expansiva. Kendall fue merecedora del Premio Hindemith (2022), de composición que concede el Schleswig-Holstein Music Fest., además de colaborar con el programa DMA (Doctor of Music Arts) de la Columbia University neoyorquina, al tiempo que recibía nominaciones a los Ivor Novello Price, en los The Ivors Classical Awards (2023). Recordamos de ella en las actividades citadas, su obra Vera (2008), en la que cada instrumento solista recreaba ambientaciones sonoras a través de series dodecafónicas.

Missy Mazzoli, quien nos había dejado noticia en un par de ocasiones, la citamos por aquella en las Xornadas Contemporáneas de 2022, incluyendo en programa  Set that on fire (2013), estreno en nuestro país y para no ser menos, en otro concierto de temporada, en enero de 2021, en el que también presentaba obra Sofía Oriana Infante- Gratulantes-, siendo su aportación de entonces Dark with excesive bright, inspirada en la poética de J.J. Milton (Lost Paradise), resulta con la colaboración del contrabajista de la RFG Carlos Méndez.  Con formación en las Universidades de  Boston y de Yale, ampliará en Europa en el Conservatorio de La Haya, siguiendo las docencias de L. Anderser, M. Padding, R. Ayres, D.Lang, M.Bresnick, A. J. Kernis, C. Fussell, R.Cornell, M. Amlin y J.Harbison, mientras preparaba responsabilidades en aventuras directoriales promoviendo la creación del Festival  MATA y participar en iniciativas profesionales en el Mannes College of Music-ambos en Nueva York-, preparando una nueva experiencia como compositora en residencia de la Gotham Chamber Opera; Music Theater-Group, la Ópera de Filadelfia y la Chicago S. O., y colaboraciones con el Kronos Quartet, el MET, el Whitney Museum of Art. La obra elegida en aquella ocasión, remitía curiosamente a la estética  de Basquiat- el neoexpresionismo nacido por aventureros como Julian Schnabel, quien muestra como obra emblemática El estudiante de Praga, por su gestualidad extravagante de grandes lienzos figurativos el arte urbano  de los grafitti, con un Basquiat, y su proyecto SAMO (Same Old Shirt), de 1977-,   un ejercicio de virtuosismo y desafío que requería una actitud de profunda concentración. Mazzoli, recibió cuatro nominaciones Price ASCAP; una beca Fullbright,  para ampliar en los Países Bajos. En su quehacer, busca la confluencia con las tendencias contemporáneas más dispares. Mazzoli, destacó por su participación en trabajos para el ballet como Orpheus Alife, sobre coreografía de Robert Binet y Rosamund Small, para el National Ballet de Canadá o The Listenerss, para solistas, coro y orquesta.

Florence Beatriz Price (1887/1953),- Sinfonía nº 1-, méritos adquiridos por ser la primera compositora negra aceptada como tal en repertorios sinfónicos, tras graduarse en el Conservatorio de Música de Nueva Inglaterra (Boston, Massachusetts), mientras mantenía una vida de equívocos con respecto a la sociedad de un entorno claramente conflictivo. En ese conservatorio, había tenido como maestros a los compositores George Chadwick y Fredercik Converse, probando a escribir su primer trío y una sinfonía, preparando su graduación en 1906.  En Arkansas (1910), recibirá el reconocimiento como responsable del Departamento de Música, período de crecientes conflictos sociales como las leyes segregacionistas Jim Crow.  Se trasladaría a Chicago en donde vivirá un mejor momento junto a Arthur Olaf Andersen, Carl Busch, Wesley La Violette y Leo Sowery, con los que compartirá estudios en el Musical College. Un período precario la obligará a probar en trabajos alimenticios como organista de sesiones de cine de filmes mudos, mientras componía songs de estilos comerciales de segura aceptación. Su encuentro con Margaret Bonds y la soprano Marian Anderson, le abrirá nuevas perspectivas de mayor ambición, presentado obras para los convocados por la Fundación Wanamaker.

La Sinfonía nº 1, será galardonada con un Primer Premio compartido con un tercero por la Sonata para piano, una sinfonía que tendrá su estreno por la Orquesta Sinfónica de Chicago, dirigida por Frederick Stock, el 15 de junio de 1933. Otras obras orquestales, también recibirán un trato de consideración, en interpretación de la WPA Symphony Orchestra (Detroit); la Chicago Women´s Symphony, manteniendo una actividad incesante de obras como himnos; conciertos para violín y piezas camerísticas o canciones. Entre esas obras de arraigo, destacan: Three Negro Dances; Songs to a Dark Virgin; My Soul´s Been Anchored in the Lord o Moon Bridge. La formación europea de sus obras, entronca con las raíces sureñas, ofreciendo un estilo reconocible  en cuanto al uso de ritmos y síncopas inspirados en la tradición de los blues.  Obras suyas fueron redescubiertas con posterioridad, gracias a los fondos de la Women´s Philharmonic (2001), que realizará un registro sobre compositoras de su entorno y el protagonismo de la pianista Karen Walwyn y The New Black Repertory Ensemble, en 2011, que se añadía a los de  2009, recuperados del olvido en una residencia abandonada en St. Anne Illinois, con docenas de partituras, entre dos conciertos para violín y su Cuarta Sinfonía.

 El siempre agudo Alex Ross, no dudó en poner en crítica su legado aludiendo precisamente a ese renacimiento nacido en Harlem y encabezado por Duke Ellington, bien definido por W.E, Du Bois y otros analistas de aquellas escuelas. Eco tendrá en el tratado de Paul Allen Anderson: Deep River (Río profundo) que contribuiría a abundar en el abismo entre los patrones de avanzadilla primeros y las jóvenes tendencias de los Langston Hughes y Zora Neale Hurston.  De Bois había pretendido junto a sus inseparables colegas, una fusión más híbrida de ideas afroamericanas, europeas o americanas sin menores reparos. Otro analista, Alain Locke, tensará la cuerda mostrándose receloso del jazz comercial, apostando abiertamente en sus simpatías por las obras de corte sinfónico que se propone en las obras de William Grant Still; William Dawson y nuestra Florenc Beatriz Price.

Ramón García Balado