Crumb_Lorca Project IV, por el T.A.C., en el LII Festival de Granada

 

 

Granada

El “T.A.C.” (Taller Atlántico Contemporáneo)”, que dirige Diego García Rodríguez, goza del privilegio de responder la la invitación de las programaciones del “70 Festival de Granada”, en sus amplias ofertas y que en su caso, quedará incluido en el espacio de “Música de Cámara”, en el que ocupará tres jornadas, entre los días 6 y 8 de julio, en el Centro de Federico García Lorca-20´00 h.-, en esta dedicatoria a través del programa “Crumb-Lorca Project”, en el que también contribuyen el “Cuarteto Bretón”, el “United Instrument of Lucilin”, el “Ensemble NoArs Sonora”, además del “Cuarteto Quiroga/ Javier Perianes”, el “Trío Arbós/J.L. Estelles” y el “Jerusalem String Quartet”, aunque con distintos programas, sin relación con G.Crumb.

El “T.A.C.”, muy en su contexto, responden a esa línea en la que dieron a conocer obras como “It makes no Differe, nce?”, ópera de cámara de Simone Spagnolo, en el “Festival Têtê à Têtê” o “Die Traumende Knaben”, de T. Rasch, en Dartmoor y en coproducción con el “CDG”, “La ópera de tres reales”, de K.Weill. El grupo fue protagonista de la serie estival “Os Serán do TAC”, ofrecidos en la Cidade da Cultura, y del proyecto “Land of Oportunity” y recibió en 2013, el Premio de la Crítica Galega y el Galegos da Música. Diego García Rodríguez, dirigió óperas de repertorio y con esta agrupación, dedican su labor a la divulgación y estreno de obras de vanguardia.

Tres conciertos para esta colaboración con el “70 Festival de Granada”, que mantiene las labores didácticas en el “XXXII Curso Manuel de Falla”, promovido por la Universidad de Granada, en su docencia de alto nivel. Serán los títulos de cada concierto: “Cuando sale la luna”, “La noche canta desnuda” y “Empieza el llanto de la guitarra”. Siguiendo el plantel del ideario, se parte de que todo compositor elige un poeta con el quee le resulta fácil trasladar sus imágenes literarias y su propio mundo sonoro y esto es lo que a mí me sucedió con Lorca- palabras de Crumb-, es uno de los compositores vivos más importantes del panorama internacional actual, fundamental en la evolución de la música norteamericana de la segunda mitad del siglo XX. Lorca le llevó a poner música a una gran cantidad de textos del poeta granadino a lo largo de un período de medio siglo.

Por primera vez serán interpretadas juntas todas las obras de Crumb relacionadas con Lorca. Dentro del “Crumb-Lorca Project”, en esta edición del festival granadino. Federico García Lorca, ha ejercido una poderosa influencia sobre la música de George Crumb, a lo largo de toda su carrera. A partir de “Night Music I” (1963), compuso doce obras sobre textos lorquianos, incluso algunas de sus composiciones instrumentales, como “Black Angel” (1970), para cuarteto de cuerdas, están impregnadas por el embrujo lorquiano. Los primeros acercamientos del compositor norteamericano a la obra de Lorca datan de principios de los 60, década en la que compuso hasta cinco obras sobre textos suyos, procedentes del “Libro de los poemas” (1921), “Poema del Cante Jondo”, “Bodas de sangre” (1931) o “Yerma” (1934), pero sobre todo de “Canciones” (1927) y el “Diwan de Tamarit” (1931). Crumb confiesa que su pasión por el poeta granadino le viene de sus años de estudiante. A los 23 años, será un período fundamental, pero pasará tiempo hasta que componga sobre textos como los citados.

Tras quince años, Crumb volverá a Lorca, a mediados de los 80, para poner música a las “Canciones infantiles”, incluidas en el poemario “Canciones” y no será hasta dos décadas después, a una edad avanzada, que esa pasión le lleve a trabajar sobre los tres últimos ciclos de canciones, “Spanish Songbook”, compuestos entre 2008/10 y el corpus integral, será en motivo de estos conciertos del “T.A.C.”. Nos encontraremos en agenda, junto al “Cuarteto Bretón”, el “United Instrumental of Lucilin” y el “NeoArs Sonora”, obras inspiradas en Lorca: “Night of the Four Moons” (mezzo, flauta, banjo, chelo amplificado y percusión); “The Yellow Moon of Andalusian”, del “Spanish Songbook III” (mezzo y piano); “Ancient Voices of Children (dos sopranos, oboe, mandolina, arpa piano amplificado y percusión); “The Gost of Alhambra” (Spanish Songbook 1) (barítono, guitarra y percusión); “Federico´s Little Songs for Children” (soprano, flauta y arpa); “Madrigals, Books I-IV” (mezzo ,flauta, arpa, contrabajo y percusión); “Night Music 1” (soprano, piano/celesta y percusión); “Sun and Shadow” (Spanish Sonbook II), para soprano y piano, completando “Songs, Drones and Refrains of Death” (barítono, guitarra, contrabajo, piano y percusión)

Lorca y Crumb, imaginación y verbo lorquiano como apreciaba J.L. García del Busto, en su comentario que avanzaba un concierto celebrado en el Auditorio Nacional, allá por 2002. Dentro de un programa del “Proyecto Guerrero”, dirigido por J. de Eusebio, en el que se incluyó “Night of the Four Moons”, “Ancient Voices of the Children”, “Songs, Drones and Retrains of the Death”. Integraban el grupo del “Proyecto Guerrero”, Linda Mirabal, Carlos Lozano y Ángela Guerrero dentro de lo que había sido el ciclo “Música de Hoy”. Para Crumb, la mezzo destacaría por el canto basado en una vocalización fantasmal, asistida por un piano amplificado, produciendo un aura de brillantes resonancia. El pianista Fabio Álvarez, interpretó recientemente en la “Fundación Juan March”, en uno de los ciclos matinales, la integral de “Makrocosmos”, obra que a mayores, tuvo ocasión de trabajar con el autor directamente. Un ejercicio interpretativo que recurre a expandir los posibles efectos tímbricos del piano, en toda la dimensión de los dos cuadernos, estrenados por David Russel Bruge, en una confesada admiración por el “Mikorcosmos” de Béla Bartok y por los “24 Preludios”, de Claude Debussy. Grupo de doce piezas, vinculadas con cada uno de los signos del zodíaco y con títulos evocadores. Piezas agrupadas en tres bloques de cuatro piezas cada uno y cuya grafía musical adopta un carácter simbólico.

Ramón García Balado

06 jul 2021 / 01:00

David del Puerto: Cátedra de Composición en el Curso I. U. de Música en Compostela

 David del Puerto, un compositor para ocupar la Cátedra correspondiente para el “Curso I.U. de Música en Compostela”, viene para hacerse cargo de la plaza que durante años, fue con fortuna, responsabilidad de Antón García Abril, lo que supondrá un viraje en cuanto a los planteamientos docentes. Del Puerto pertenece en cierta manera a las escuelas de Luís de Pablo y Francisco Guerrero, y conoció de primera mano, las atenciones de Pierre Boulez, en su “Ensemble Intercontenporain”. Fue compañero de travesía de los que en su momento, apostaron por abrir perspectivas dentro de las vanguardias sin temor al riesgo, y con él nos encontramos a Jesús Rueda, Jorge Fernández Guerra o J. Luís Turina. Obras escénicas suyas, tuvieron buena acogida en el siempre arriesgado medio de difícilmente acomodable al gusto en general.  Un excelente ejemplo, será la ópera de cámara “Lilith, Luna Negra”, sobre libreto de  Mónica Maffía, que hace un par de meses pudimos seguir por distintas vías, en una propuesta de las actividades de la “Fundación Juan March”, de Madrid. Una situación la suya un tanto especial, por las limitaciones a las que obliga el curso actual.

Pregunta.-Te incorporas al curso tomando la plaza de Antón García Abril ¿Cuáles eran las confluencias con el maestro?

Respuesta.-  Se trata de sintonizar y ver ya que cuento con muchos años de sintonía. Fui el primer compositor que llamó para la Cátedra Manuel de Falla, la de “Ernesto Halffter”. Para este curso, el propio Agustín León Ara me llamó, porque me veía la persona adecuada. Entonces estaba montando mi ópera “Lilíth, Luna Negra”, en la “Fundación Juan March”, en Madrid y él la escuchó y no solo le gustó, sino que vio que era la persona apropiada. Se puso en contacto conmigo el día del ensayo general. Mi respuesta inmediata fue positiva , sin duda, aunque lo veía como un riesgo. El curso es un verdadero palacio de la pedagogía musical, por los nombres que han pasado. Riesgos que, a cierta edad, hay que asumirlos con alegría y lo hice con toda la conciencia.

P.- ¿Cuántos años llevas en la docencia?

R.- Estuve en el “Reina Sofía”, dieciséis años, como profesor de análisis y armonía, y como compositor de composición, seis. Esta Cátedra en un punto culminante. Está la figura de Francisco Guerrero, mi primer maestro formal, la persona a la que conocí a través de José Ramón Encinar, en mis primeros años adolescentes, pudiendo beneficiarme del profundo conocimiento que tenía del oficio, a pesar de su carácter complicado. Viajé con él, desde Granada a Las Palmas de Gran Canaria y le seguí un poco al estilo del antiguo discipulado dieciochesco. Otra cosa es que, como maestro, era muy generoso y se entregaba en esas labores pedagógicas.

P.- ¿Qué compañeros de travesía tuviste con él?

R.- Una persona fundamental, César Camarero, además de Jesús Torres, que al final acabamos saliendo de su dependencia. Rueda destacó como amigo, por la amistad que mantenemos, que no es tan frecuente entre compositores, y ahora colaboramos en obras a cuatro manos, y a seis, con otro compañero que es Javier Arias. Hicimos para José Luís Cuerda, la música para “La marrana”, la de Landa y Resines; también “Tocando fondo”, “Las canciones del capitán Estrada”, sobre el Concierto de Bacarisse y escenas con canciones. También una zarzuela, que los tres estrenamos en Madrid, en la “Fundación El Instante”,  que ha creado José Mª Sicilia, conocido como grandísimo pintor, videoartista y libretista.

P.- El asunto de la zarzuela se presenta como una curiosidad con expectativas, ¿no te parece?

P.- Pocas hay nuevas, hubo intentos esporádicos como “Policías y ladrones”, de Tomás Marco, que no llegó a buen puerto, pero el equipo con Rueda, Torres y Sicilia, hemos ido intentando hacer algo zarzuelesco, con elementos de música popular, como hizo Barbieri, desde que rehízo este  mundo, con los cánones de la ópera española; hay elementos hablados y cercanos al público socarrón, sobre la actualidad más inmediata, y fuera de los típicos de la ópera. La zarzuela debe rebajar exigencias, sin ser chabacana. También está el tema de la zarzuela barroca, con Literes, Nebra. Fundamentalmente hay un género de cercanía buscada adrede, para no incurrir en un género de zarzuela-ópera. Se trata de darle un matiz de cercanía propicio, con temas de actualidad, con el que podamos identificarnos.

P.- De las óperas contemporáneas españolas ¿Cuáles destacarías?

R.- Las de Luis de Pablo, son las más importantes: “Kiú”, especialmente, aunque luego se han escrito bastantes, contando con las de Luís de Pablo, “La madre invita a comer”, “Un parque”, la ópera de cámara, y otra que estrenará el año que viene. Esplá y Rodrigo, tuvieron intentos, y Luis apostó por una ópera española moderna. Llegaron muchos después y están vivos, por lo que prefiero casi no especificar. Una a la que le tengo gran afecto fue “Gaudí”, de Joan Guinjoan, que se estrenó en el “Liceu”, diez años después de su composición y otra el “D.Q.” de José Luís Turina, con un lenguaje críptico muy interesante. También de la ópera barroca, porque soy devoto de Nebra, Literes, siendo el primero uno de los grandes del XVIII. Agradecemos que se estén haciendo por Europa, en adelante, con lo que podremos librarnos de complejos. Hablo de “Acis y Galatea”, de Literes, obras que se graban y editan

P.- Los Festivales contemporáneos tienen definitivamente su importancia y de ello tuvimos ejemplo aquí

R.- Sí, tengo buen recuerdo de las”Xornadas”, cuando estaba Manel Rodeiro, donde tuve música programada y di conferencias; era una persona muy inteligente y trabajadora, con una absoluta honestidad en la programación, con conciertos muy plurales. Le conocí porque también estuvo con Paco Guerrero. En lo relativo a compositores gallegos, puedo citar a J.Arias, que fue alumno mío; Eduardo Soutullo, quien hizo su tesis doctoral sobre mi música y fue un compañero importante de viaje, a Fernando Buide, y un coruñés, Hugo Gómez Chao, que hizo la carrera conmigo y es promotor del “Festival Resis”. Se presentó al Concurso de la “SGAE” y lo ganó.

P.- Para cerrar, tu ópera “Lilith, Luna Negra”

R.- Vino de un encuentro con la libretista Mónica Maffia, y con encontramos en la “Fundación Juan March”, viendo

la “Mavra” de Stravinski, en versión con piano y así salió en firme propósito, con altibajos, lo reduje a tres personajes y con suerte estrenamos en Úbeda, obra semiescénica y con pocos ensayos, situación que aproveché para enviarla a la ”Fundación Juan March”, recibiendo la respuesta positiva de Miguel Ángel Marín. Se retrasó por el asunto de la pandemia y se hizo esta temporada, realizando una producción completa, con puesta escénica, iluminación, maquillaje y todos los medios, ahora disponible para los aficionados. También la llevamos a Zamora, y es una obra un poco talismán   

  Ramón García Balado Agosto 2021

Consello da Cultura Galega: Concierto Arriola

Actividad en el “Consello da Cultura Galega” en su salón de actos-mañana, a las 19´00 h-, dedicado a resaltar la figura de Pepito Arriola, en una serie de inéditos apuntándonos a la edición crítica del investigador y musicólogo Joám Trillo, con una selección de páginas escogidas de las que serán intérpretes la soprano Lucia Iglesias y el pianista Brais González, contando con la presentación del propio Trillo, de Dolores Villavedra y de Maximino Zuamalave. Las páginas elegidas, serán dos piezas pianísticas “Kleine Fantasía über den Namen Astrid” y de las “Impresiones Arxentinas”, “Una mañana de agosto soleada”, de las canciones con acompañamiento de piano: “Die Tote Stadt”, “Lamento”; “How do I love thee” y “Song”.

La soprano obtuvo el Premio Andrés Gaos en la segunda convocatoria de “Concurso Compostela Lírica”, compartiendo méritos con Olga Syniakova s Beatriz de Sousa, acompañada al piano por Teresa Cantalejo. Fue alumna de Diana Somkhieva quien la apoyó en galas de la “As. Lírica Encantados”. El Premio Gaos, destinado a cantantes gallegos, venía auspiciado por el patrocinio del “Consello da Cultura Galega”. Las piezas elegidas por ella para el evento, habían sido “Giusto ciel”, de L´Assedio di Corinto”, de G. Rossini, antes de optar en la final por “Se Romeo t´uccise un figlio”, de “I Capuleti e I Montecchi”, de Vincenzo Bellini y la mozartiana “Smanie implacabili”, de “Cosí fan tutte”. El reto propuesto por Amigos de la Ópera de Santiago, ponía en alto grado el certamen, por el jurado que lo presidía, encabezado por Arturo Reverter y que tuvo afortunada continuidad en este curso.

Brais González, apreciado repertorista por las veces que le tuvimos en ciclos propuestos como “Peregrinos Musicais” o “Novos Talentos Musicais”, se formó en el Mozarteum de Salzburgo con Rolf Plague, además de asistir a masterclasses de Oxhana Yablonskaia-Juilliard School of New York-; Vitaly Margulis-UCLA-; Galina Egiazarova- Escuela Superior Reina Sofía-; Luiz de Moura Castro-Hartford School- y otros maestros como Rina Dokshtsky, Leonel Morales, Vlad Dumilescu, Luís Fernando Pérez, Jun Kanno, Niklas Sivelov, Julius Adrejevas o Carles Marqués. “Obtuvo el XXVI Premio Gregorio Baudot”, de El Ferrol y el “X Internacional Ricard Viñes”, además de otros en Portugal, país con el que tiene una regular relación. También y en 1999, el IV Concurso Int. de Piano “Nikolai Rubinstein”, de París. Una faceta a destacar es la puramente concertística, que reparte entre las principales capitales europeas. Dedica igualmente un espacio a la composición, con obras que fueron estrenadas por la”O.de Conservatorio Mayeusis”, bajo la dirección de los maestros Iminas Kucinsakas y Christofer Bochmann. Es fundador del “Trío Caspevek”, centrado en trabajos para bandas de cine mudo.

José Arriola (1895- 1954), tuvo un acto conmemorativo en el “Consello da Cultura Galega, en 2006, en una conferencia-concierto en la que Luis Mera Naveiras, puso las notas introductorias al concierto ofrecido por el pianista Julio Mourenza y el chelista Carlos García Amigo, quienes interpretaron la suite de “Impresiones Argentinas”, el “Hommage à Manuel de Falla” y la “Pequeña sonata para chelo y piano”. Luis Mera descubría entonces aspectos de un músico ciertamente postergado, aunque la “RFG” le puso en atriles en más de una ocasión, una de ellas mediando el propio Consello da Cultura Galega y bajo la dirección de Maximino Zumalave, con motivo de la grabación del disco con piezas recientemente recuperadas, como el “Divertimento concertante” y el “Concertino para piano y orquesta”, contando con la colaboración de los pianistas Víctor y Luis del Valle, y el maestro Joaquín Soriano.

Según el profesor Luis Mera, destacando detalles de su estudio, comentaría: Arriola estuda no Conservatorio de Berlín e obtén o Premio Extraordinario. Recibe aulas de Richard Strauss e técnica e interpretación e expresión pianística do español Alberto Jonás, discípulo de Anton Rubinstein. O mítico director de orquesta Nikish, escóitao, protéxeo e ofrecelle un concertó coa “Orquestra Filharmónica de Berlín”, sendo considerado pola crítica alemá como ”o mito musical dos primeiros anos do século XX”. Realiza unha xira musical por Alemaña en 1908, e posteriormente é convidado para ofrecer un recital na corte do emperador Guillerme II. A calidade interpretativa e o entusiasmo do emperador alíase e é nomeado pianista do palacio. A partir de ese momento o seu nome, ligado a música de concertó, soa en toda Europa e dá recitais en Holanda, Inglaterra, na corte do tsar Nicolás de Rusia e, en maio de 1912, a Scala de Milán.

Unha das referencias culminantes da súa vida pianística foi en EE.UU. en 1909, coas actuacións no Carnegie Hall e no Metropolitan. En California ofreceu un concertó ante vintemil espectadores. Continúa as actuacións en Canadá, Arxentina e México. A súa vida compositiva comenza coa habaneira “Aurora”, cando tina tres anos, e as “Impresiones Arxentinas”, con vinte e ún. Estas son as únicas obras que se acharon da súa primeira etapa como compositor. Posteriormente descubríronse doce obras manuscritas de José Arriola, en Ferrol, documentadas en “Ferrol/Análisis”, escritas en Barcelona a partir de 1946. Sobre el acto comentado entonces, se añadía: Hoxe descóbrense unha nova música, “moderna en su contexto, música lírica que explota el calor y la delicadez del sonido”- afirmaban nun amplo artigo Julia María Dopico y José Luís Mera Castro- que sigue las pautas de la línea compositiva de la época, no dejando por ello de ser unha obra de altura, de interés artístico y de gran belleza”

Joam Trillo, realizó un profundo estudio de obras suyas como el “Concertino para piano e orquesta”, el “Quarteto en Do Mayor para cordas”, el “Divertimento concertante para dous piano e orquestra de cordas con fraute obrigada”; el “Concerto para corno e orquesta”; “Tres textos cervantinos” y “Seis poesías de Antonio Machado”. Avanzaba el musicólogo: Como se pode ver, tamén o achado e a perda das obras de Arriola, son dignas da súa biografía, alén de indicativas de inmenso problema que supón a recuperación da nosa historia musical. Ao ir a falando da edición de cada unha das obras, iremos tamén facendo referencia a este problema. Adiantarnos xa que a edición foi preparada foi preparada sobre fotocopias dos orixinais coa intención de logo consultar estes para as necesarias correccions. Como logo veremos, o cotexo cos orixinas non foi case nunca posible, polo que antes nos contou Luís Mera. É de esperar que un día eses orixinais aparezcan e se poidan conservar nun lugar seguro.

Ramón García Balado

15 dic 2020 / 18:55

 

Curso Airas Nunes en la Escola de Altos Estudos Musicais

 Cita a lo largo de la semana entre los días 3  y 8, en una nueva convocatoria  de actividades docentes y concertistas integradas en el Curso Airas Nunes, que promueven los hermanos Manuel y Javier López Jorge, que en esta ocasión llevarán a cabo su proyecto en la Escola de Altos Estudos Musicais (EAEM), centro del que surgen alumnos todas las temporadas, gracias a la colaboración de maestros de élite y músicos de nuestra RFG. Un ideario a seguir que desde su primera convocatoria conserva planteamiento de indiscutible solvencia y al que también se añade el chelista Millán Abeledo Malheiro. Un grupo de 54 alumnos, procedentes de los países más distanciados, desde Hungría, Polonia, Francia, Israel, Turquía, hasta completar Holanda, Croacia, Japón, Chipre, China, Suiza y España. Observamos a lo largo de tan dilatada trayectoria, la generosa colaboración en el cuadro del profesorado, con alguno de los maestros que la probaron las primeras experiencias, quizás un tanto arriesgadas, ofrecidas en el primer año. Optando a la serie de conciertos compartidos que nos llevaron desde el Paraninfo da Universidade, al Mosteiro de San Paio, el CGAC y el propio Casino compostelano.

El cuadro del profesorado, nos trae las docencias de los pianistas Claudio Martínez-Mehner, András Kemenes y Kennedy Moretti, cada uno de ellos con su procedencia reconocible. Martínez Mehner, en representación de la Hochschule für Musik Basel & Hochschule für Musik und Tanz Köln. András Kemenes, veterano y cabeza visible del curso desde el comienzo, es maestro de la Academie Ferenz Liszt, de Budapest y Kennedy Moretti, lo hace en nombre de la Escuela Superior de Música de Catalunya. Martínez Mehner, con raíces en Bremen, estudió en el Real Conservatorio de Música de Madrid, con Amparo Fuster, Pedro Lema y Joaquín Soriano, ampliando en el Conservatorio Tchaikovski, de Moscú, en la Escuela Reina Sofía y en la Hochschule für Musik, de Freiburg, en el Baltimore Peabody Conservatoire, y en la Fondazione per il pianoforte, realizando masters con Murray Perahia, Fou Ts-Ong y Dietrich Fischer Dieskau, Mstislav Rostropovich. Ganó importantes concursos internacionales y es un activo colaborador en las impagables programaciones de la Fundación Juan March. Kennedy Moretti, es pianista del que tenemos buena impresión desde su participación en el Certamen Todo Lírica, acompañando al bajo Simón Orfila. Nacido en Brasil, es pianista con fundamentos en la Academia Ferenc Liszt, de Budapest y en las Hochschule Wien, convirtiéndose en un excelente repertorista, de maestros como Alfredo Kraus, Marina Pardo, Aquiles Machado o Mariola Cantarero, compartiendo labores en la Escuela Superior Reina Sofía.

El chelista Xavier Gagnepain, tuvo la fortuna de asistir a las docencias de Maurice Gendron, músico que estrenó el Concierto para chelo de  Prokofiev; el segundo de Paul Hindemith, la Serenata de F.Poulenc o las Variaciones de Concierto de Pau Casals, quien le acogería en Prades. Ganó Premios en Sâo Paulo y Munich, y colaboró con formaciones como la London Symphony Orchestra o Los Solistas de Moscú. Es profesor en el Conservatorio Boulogne-Billancourt, al tiempo que se interesa por la dirección orquestal. Uno de sus registros recientes está dedicado a Gabriel Fauré.   El flautista André Cebrián, valor añadido del Curso Airas Nunes, es recibido como representante de la Scottish Chamber Orchestra; del Azahar Ensemble y de la Ac. de la Fundación filantrópica Baremboin-Said. Cebrián pasó por la Gustav Mahler Jugendorchester, por la JONDE, y es profesor en el Conservatorio Superior de Aragón. Fue dinamizador del Natalia Ensemble, grupo al que seguimos más de una vez en sus visitas por nuestra tierra.

Yuval Gotlibovich, profesor de viola, en representación también de la Escuela  Superior de Música de Catalunya, es músico al que tuvimos con nuestra RFG como solista a comienzos de 2017, bajo la dirección de Pierre Dumossaud, para interpretar Harold in Italia Op. 16, de Héctor Berlioz, en una sesión que completaba la Sinfonía Italiana de F.Mendelssohn. Obtuvo galardones como los certámenes Lionel Tertis (GB), Fischoff (USA) o Aviv (Israel).Realizó arreglos como las Variaciones Goldberg, registradas por Sony, con el Trío Garnaty. Cuida en especial la combinación de la creación y la improvisación, cuyo producto se ve reflejado en sus  trabajos para el cine o las sesiones en directo de notables resultados artísticos. El sello Naxos, especializado en proyectos innovadores, hizo posible la publicación de la obra para viola de Ramón Paus.  Gotlibovich, es profesor en Suiza y en nuestro país, un maestro que se incorpora a las actividades del Curso Airas Nunes. También es profesor en la Universidad de Indiana y en el Conservatorio Dalla Svizzera (Italia) . Entre sus maestros, aparecen Anna Rosnovsky, Atar Arad y Lilach Levannon. Su Sonata para viola y piano, fue grabada por Nakubo Imai e Izumi Tatero, para el sello Da Vinci. Queda a la espera su publicación del Concierto para viola, de nuestro añorado Antón García Abril, con la RFG dirigida por Paul Daniel, uno de sus detalles de profundo agradecimiento.

Ramón García Balado12/VII/2023

   

 

Concerto do día das Letras Galegas 2023 (Martín Códax) , en el Coliseo Noela de Noia

La Real Academia Galega de Belas  Artes se traslada al Coliseo Noela de Noia- 20´00 h.-, para invitarnos al concierto que ofrecen la soprano Clara Jelihovschi Panas, acompañada por la pianista Margarita Viso Soto, para interpretar  la serie de piezas que integran las Cantigas de Martín Codax, en versión para canto y piano de Margarita Soto; Soedades, de Marcial del Adalid, a partir de un texto popular; As lixeiras anduriñas, de Juan Montes, siguiendo la poética de Salvador Golpe; Cantiga, de José Castro Chané- texto de Curros Enríquez-, para completar con Mayo longo, de José Baldomir, atendiendo a la sensibilidad poética de Rosalía de Castro. La soprano rumana con residencia en nuestra tierra estudió en el Conservatorio Estatal Stefan Neaga, de Chisináu, en Bucarest, y se graduó como profesional en la Escuela George Enescu, integrándose como miembro del Coro de la Filarmónica de esa escuela. Fue también solista entre los años 2000/4, llegando a formar parte de la Oppereten Bühne vienesa, con la que realizó importantes giras. Su llegada a nuestro país, coincidió con estudios de ampliación del apreciado Alberto Zedda y con Renata Scotto, en años boyantes del Festival Mozart. Compagina labores docentes y concertísticas de excelentes resultados.

Margarita Soto Viso, una de nuestras más dotadas especialistas en el campo de la musicología, realizó sus estudios en el Conservatorio Superior de A Coruña, donde tuvo como maestros a Jeanette Romero (piano, armonía y contrapunto), para ampliar al mismo tiempo con Rogelio Groba, Mª Luisa Nache (canto), José Ferrer (trompa), Carlos López-García Picos (composición), Eva Alcázar, Edith Picht-Axenfeld y Noemí Novara (piano). Es autora de imprescindibles obras de indagación, además de trabajos camerísticos y repertorio vocal. Un espacio de investigación que se centró con profundidad en nuestros clásicos, desde Marcial del Adalid a José Baldomir. Pertenece a la Sociedad Española de Musicología y es dinamizadora de la editorial VISO (1997), dedicada a compositores gallegos. Es profesora de Solfeo y Teoría de la Música en Madrid, (1985) y pianista acompañante, desarrollando una actividad docente entre los Conservatorios de Zaragoza, Ponferrada y A Coruña. Recibió el Premio de la Crítica de Galicia, en la sección de música.

Un concierto que contará con una disertación del maestro y compositor Juan Durán, Académico de número de la  Real Academia de Belas Artes, dedicada a Martín Codax, a identidade da música galega, que acompaña a la exposición que se celebra en el Casino de Noia, hasta el día 14 de este mes, junto con la publicación de un cd, que integra las siete Cantigas de Martín Codax: Eno sagrado, en Vigo; Aí ondas, que eu vin ver; Quantas sabedes amar amigo; Ai Deus, se sab´ora meu amigo; Mia  irmana fremosa; Ondas do mar de Vigo y Mandad´ei conmigo, en interpretación de Speranza Cerullo.

Las Cantigas d´amigo de Martín Codax, merecieron la apreciación de Ismael Fernández de la Cuesta, aparecieron inopinadamente a principios del siglo XX, en la encuadernación de un De Officiis, de Ciceron. La presentación de las mismas en un pergamino o rótulo escrito por una sola cara a cuatro columnas ha confirmado para algunos la tesis de Gröber, según la cual los poemas trovadorescos eran entregados por los propios trovadores a sus destinatarios en unas hojas volantes, Liederblätter. Durante muchos años, se dio por desaparecido en España el manuscrito de Martin Codax. En realidad, el documento estaba bien conservado en la biblioteca de R.Mitjana,  fue vendida por sus herederos, y el rótulo de las Cantigas de amigo, después de varias vicisitudes, fue comprado por la Pierpoint Morgan Library de Nueva York, en 1977, con una leyenda a cuestas de fecha reciente. The Morgan Library neoyorquina, tuvo a bien prestar estas Cantigas de Martin Codax, a la Universidad de Vigo, para una exposición temporal en el Museo del Mar.

Conjunto de piezas que vienen escritas en notación cuadrada, con ligaduras que se asemejan a las de las Cantigas de Alfonso X, El Sabio, de los Códices de El Escorial. El especialista largamente prestigiado Higinio Anglés, cuya herencia de criterios recogerán especialistas como el Padre José López Calo, pensó que este tipo de notación era tan perfecto que bastaba para deducir con precisión el ritmo musical de las cantigas, pero los resultados de su transcripción no parecen todavía hoy satisfactorios. Siete cantigas, en esta recopilación, que a excepción de una de ellas, poseen la forma clásica del refrán con paralelismo o leixaprén. El tema del amor y  del mar, está, como ya comprobamos, situado en Vigo y  hasta alguna de ellas, especialmente la primera tiene puntos de contacto con la canción amorosa de Raimbaut de Vaqueiras.

Marcial del Adalid con la pieza Soedades, a partir de un texto musical popular, perteneciente a la serie de sus Cantares viejos y  nuevos de Galicia, un acercamiento al espíritu de la mélodie francesa, que fueron publicándose por la editorial de Canuto Berea, piezas que conseguirán una gran acogida, parecida a la concedida a José Castro Chané, siempre bien recibidas como es el caso de su Cantiga, sobre textos de Curros Enríquez. Cuatro cuadernos colmarán estos Cantares viejos y nuevos de Galicia, en los que se plantean nuevos problemas tratados en otras recopilaciones, en esa búsqueda de una identidad propia con resabios de terruño.

Juan Montes y As lixeiras anduriñas- Salvador Golpe-, compositor del que también Canuto Berea dejará constancia en su catálogo, con un total de 13 obras, repartidas entre piezas para piano, las seis famosas baladas gallegas, de su mejor producción y así nos encontramos junto a la que tendremos, Doce sono; Negra sombra; Lonxe da terriña; Unha noite na eira do trigo y O pensar do labrego, a las que se añaden las piezas para piano solo y otros estilos de formas diversas.  José Baldomir, cierra con Mayo longo- Rosalía de Castro-, cuyas melodías en su conjunto, merecieron un detallado análisis de Margarita Soto Viso, divulgado por el Consello da Cultura Galega, en un cuidado tratamiento: Melodías galegas de José Baldomir Rodríguez. De la serie para canto y piano, destacan O último adiós; Ay! Como foy?; Meus amores; ¿Porqué?; Carmela (Era unha tardiña meiga; N´o ceo azul, azul crarísimo; Mais vé o A un batido.

Ramón García Balado 13/VII/2023     

 

Andrés Gaos. Isidro Maiztegui y Juan Durán, en el Museo das Belas Artes, de A Coruña

 Sesión perteneciente al “XXIV Ciclo de Concertos de Outono”, que se ofrece en el Museo das Belas Artes de A Coruña- mañana a las 12´30 h.,con Patrocinio Consello da Dirección da Xunta de Galicia y que tendrá como protagonista al pianista Iván Fernández, para obras de Andrés Gaos, Isidro Maiztegui y Juan Durán. El pianista estudió con Rita Ivaskeviciute, para seguir en la Escuela Superior de Catalunya, presentado su proyecto “Recursos expresivos de las últimas sonatas de Beethoven”. A partir de 2015, realizó un master en la Akademia Gnessin de Moscú, recibiendo la consideración “CUM LAUDE”, asistiendo a clases de Vera B. Nosina, Previamente, en 2009, había sido finalista del Concurso Internacional de Jóvenes de Lliria. Recientemente, publicó un registro discográfico con obras de Andrés Gaos y Robert Schumann y añade a su trayectoria los asesoramientos de maestros como Pavel Dombrovsky, Tatyana Tarnavskaia, Arcadi Volodos, Yuri Bogdanov, Josep Colom o C. Zacharias, entre otros.

En programa, Andrés Gaos, con una par de sus obras, estudiadas por Julio Andrade Malde en su monografía “Andrés  Gaos. El gallego errante”. La primera, “Aires gallegos para piano AGB 28” (1905), y que tiene atribuida el número 22 de opus, dada la época de su composición, aunque se le asigne el número de diferente referencia. En sus características generales, la obra está dedicada a Julián Aguirre. Recuérdese que Gaos realizó una versión para violín y piano de ls “Aires criollos” para piano de Aguirre. Los Aires gallegos”, tuvieron una extraordinaria acogida y la única edición que se hizo, se agotó rápidamente, La sucesión de los aires es la siguiente: “Moderato”, “Tempo de berceuse”, “Allegro”, “Lento”, “Allegreto”, “Andante”, “Moderato”, “Presto”, “Andante”. Como puede comprobarse, Gaos combina sabiamente aires lentos y  rápidos. Nueve piezas de diversa inspiración y contenido; la estructura de cada una  de ellas es muy variable y en general son muy  breves. Las hay que constan de una sola sección.

Los “Nuevos aires gallegos AGB 30” (1913), cuenta con edición de Ramiro Cartelle y conoció el honor de tres ediciones: la primera en la revista “Música”, de Madrid (1917); la segunda por Gurina y Cía, de Buenos Aires (1920); la tercera por la revista musical “El Bufón”, de Valencia (hacia 1929. Una copia de la bonita edición de Gurina, es la que obra en nuestro poder. La obra  está dedicada a la Excma Sra Condesa Vda de Morphy, que fue mecenas de muchos músicos  españoles. Los aires en este caso, se reparten de la manera siguiente: “Andante”, “Tempo di berceuse”, “Allegro molto”, “Allegretto”, “Allegro”, y la duración de cada uno de los cinco números tiene su propia previsión de desarrollo. Según Ramiro Cartelle, existen en A Coruña (se supone que en el archivo dedicado a Canuto Berea, da Deputación Provincial) una copia de la edición de Gurina, que lleva una dedicatoria autógrafa de Gaos a su tío, Canuto Berea , fechada el 8 de junio de 1924. La ilustración de la cubierta es un paisaje de la costa, que muy bien pudiera ser gallego: es más, los árboles y una construcción que se ve parciamente sobre el cantil que cae a plomo sobre el mar, me recuerdan inevitablemente la parte derecha de la playa de Santa Cristina.

Juan Durán con tres fantasías: la primera sobre una cantiga, la segunda sobre un tema popular y la tercera sobre el tema “O Galopín”. Juan Durán, compartió protagonismo con Andrés Gaos en el concierto dedicado al universo musical del mismo, ofrecido con la “OSG” bajo la dirección de Víctor Pablo Pérez, en el que se escuchó del maestro la “Impresión nocturna” y la “Sinfonía nº 2 (Nas montanas de Galicia”, junto a la suite sinfónica de Durán “Cervantina”, a partir de temas españoles, desde “Folías de España” que abría y cerraba la serie, hasta “Ay triste que vengo”. Andrade Malde, en sus notas, diría que podía sorprender que en un concierto en homenaje a Gaos, se programe una obra de Juan Durán. Sin embargo, hay algunas coincidencias que conviene hacer constar. Gaos nació en A Coruña, donde se supone que recibió las primeras enseñanzas musicales de sus tíos maternos, Manuel y Canuto Berea; a la edad de seis años, hubo de trasladarse a Vigo, puesto que su padre se había hecho cargo de la sucursal de su cuñado Canuto. Juan Durán, nació en Vigo y también a muy temprana edad, tuvo que desplazarse, junto al resto de su familia, a A Coruña, donde ha permanecido hasta la actualidad. Pero acaso esa coincidencia no sobrepase el nivel anecdótico; y lo más importante sea el hecho de que Juan Durán haya compuesto un autentico homenaje a Andrés Gaos, tomando como base la preciosa canción “Rosa de Abril AGB 61”, construye unas notables variaciones. La variación es una técnica muy utilizada por Juan Durán; dentro de su catálogo, tiene al menos  siete obras en que emplea  técnicas variativas.

El argentino Isidro Buenaventura  Maiztegui Pereiro, apunta a una selección de sus “Preludios gallegos”, un músico que también destacará en sus composiciones para bandas sonoras de notable acierto y que a la altura de los años cuarenta, se hará cargo de corales gallegas como “Ultreya”, “Os Rumorosos” o el “Centro Orensano Terra Nova”, formando parte de la Asociación Juan B.Justo. Se estableció en Madrid durante una etapa de su vida, a  partir de 1952, hasta su regreso a La Argentina, en 1969. Siempre cuidó las labores pedagógicas y en 1981, asumió la dirección del archivo del Teatro Colón. En el Teatro Libertador San Martín, de la ciudad argentina de Córdoba, estrenó la cantata “Macías o Enamorado”, en la que evocaba la figura de ese juglar gallego del siglo XIV, obra que repetirá en su ciudad natal, en Mar del Plata. Su obra condensa una gran facilidad y espontaneidad, acrecentada por la vivacidad de su tratamiento rítmico. En esencia, resulta agradable al oyente, gracias al cuidado de su buen gusto. Un resultado amplio de creaciones en los estilos más diversos, en los que no faltan una aproximación a las raíces folklóricas y la tendencia nacionalista criolla. En este espacio que no afecta, merecen mención la serie de”sonatinas” para el piano, de talante sonoro sencillo, gracias a un lenguaje claro.       

Ramón García Balado 14/VII/2023