Gratia Plena: Conciertos de la Fundación Sta María Temes, en Ourense

 Capela do Anxo do Couto, Ourense

 Los conciertos en conmemoración del Día da Muller que se ofrecen en la Capela do Anxo do Barrio de Couto en Ourense, construida por el  arquitecto Daniel Vázquez Gulías, en 1925 y que muestra atractivos vitrales de Jesús Soria . Una primera a cargo de la pianista María Mendoza,- día 3, a las 12´00.-,  artista que reserva piezas propicias para el evento: Limzug; A  miña burriña; Violent Shadow; La Bella; Variaciones sobre las 3 morillas; pequeño vals; Clon; Indian Summer; Cronos o Aire. Asentada en Galicia, ejerce profesionalmente en el Conservatorio Superior de Ourense y como intérprete comparte experiencias con agrupaciones como Krescla; Marylynn; Doble Morgan, Quelquechose o Mr Magoo, de músicas alternativas. Es autora de piezas para  cortos, series como Caracol y Caracola además de recibir encargos de la Banda Municipal de Santiago, el grupo de danza Traspediante; Up2down; Pentafonía; la Fundación Cuña- Casabellas; el grupo Siglo XX; el Festival de Música Antigua de Xunquiera de Ambías, siendo premiada en el Galician Folk Songs por su pieza Como quieres que te ronde. Destacan en su quehacer dos registros discográficos: Meu amigo Martim Códax y Paz XXV.

 Para el próximo día 10, a las 12 horas,  se reserva turno en la misma capilla para la poetisa y escritora Yolanda Castaño, junto al guitarrista J.Manuel Dapena que venía de participar el día anterior como artista invitado y embajador cultural en Sofía (Bulgaria), en un compromiso dedicado a La mujer en la guitarra- cinco siglos de historia-, en coparticipación con el Instituto Cervantes, destacando en programa obras como Condictor Alme, de Gracia Baptiste- en principio para vihuela-; Almanaque, de Gloria Villanueva, también de María de Mendoza, por 3 cantigas; María Esteban Valera (1910/82, con dos miniaturas; Mª Rosa Gil (1930), con Evocación romántica y Teresa Barrios (1923/2010), con las 5 danzas Op. 7.  En programa, recuperamos a María Mendoza en su tratamiento como compositora de tres de los textos de Martín Códax: Ondas do mar de Vigo; Manda´ei conmigo y Mia irmana fremosa, que ya suscitaron el interés de especialistas en trabajos con criterios historicistas con una amplia bibliografía pareja. Otra de las composiciones será la Fantasía Galaica Op. 79, de Juan Durán: Alborada, Muiñeira, Canto de berce, Foliada, Alalá y Pandeirada, estrenada  aquí por este guitarrista en el IV Festival Via Stellae, de 2009, junto a obras de Octavio Vázquez, Paulino Pereiro y Andrés Gaos. Para Dapena, su apreciación sobre la obra se expresa con claridad: Juan Durán escibiú a súa primeira obra para guitarra, sobre seis típicas formas do cancioneiro musical galego. O tratamento da composición é moi carácterístico, coidando as articulacións da gaita galega. Os rasgeados, que sempre soan a andaluces na guitarra, teñen golpes coa man esqquerda para imitar o pandeiro galego. A estrena en España e Galicia da obra de Juan Durán, además da versión guitarrística das Danzas de Octavio Vázquez, faise neste concertó- 12 de xullo de 2009, no CGAC-, a estrea mundial da Fantasía Galaica, fíxose no Festival de Guitarra de Bangkok. No verán do 2008, polo propio José Manuel  Dapena, a quien está dedicada a obra. Entre las páginas musicales se incorporarán lecturas del poemario Materia, de Yolanda Castaño, Premio Nacional de Poesía.

Ella y el guitarrista, había colaborado en el Museo das Belas Artes de A Coruña, en el XXIV Ciclo de Outono de 2022, con piezas musicales hispanas intercaladas con la lectura del modernismo hipersensible de Platero y yo de Juan Ramón Jiménez, experiencia en la que Dapena había tenido un precedente en el II Via Stellae, con los narradores Cándido Pazó y Ricardo Barreiro: A guitarra de Turina e Platero e eu: Danzas fantásticas de Turina; Platero y yo, de Mario Castelnuovo-Tedesco y otro Platero y yo, el de Eduardo Sainz de la Maza. La empatía entre la poetisa y el guitarrista dejará buenas impresiones en esta segunda actividad de Gratia Plena. Yolanda Castaño, había logrado un Primer Premio Fermín Bouza Brey, con 17 años, antes de editar Elevar as pálpebras (1995) y el Premio Johán Carballeira por Vivimos no ciclo das Erofonías y el de la Crítica Española. Fue Secretaria de la As. de Escritores en Lingoa Galega, pasando con Olga Novo, a la codirección de la publicación de artes Valdeleite. El año 2023, supuso la confirmación como creadora  por Materia, Premio Nacional de Poesía, aventurándose en labores intergenéricas como la compartida con el pintor Antón Sobral o el catálogo de pintura Venecia. O Vicio da Beleza (2000), y Edénica, antología de selección de poemas suyos, acompañados de un c.d. O Vicio da egoísta, fue recibido con notable aceptación. En colaboración con o Concello da Coruña, realizó el ciclo Poetas Di(n)versos y con el Concello de Santiago, el proyecto Curtocircuito (2004). Participó en iniciativas colectivas como el libro CD, Daquelas que cantan; Rosalía na palabra (Palabras no aire); Diálogos na casa de Rosalía; Camiño de Santiago. Luz e vida; Mulher a facer vento o Poesías e debuxos.

Ramón García Balado 

El guitarrista Alí Arango, concierto y curso en el Conservatorio Profesional de Música

 Conservatorio Profesional de Música, Santiago de Compostela

 Actividad doble en el Conservatorio Profesional de Música a cargo de Alí Arango, entre el concierto del día 8- 20´00h.-, y el curso que impartirá en el mismo centro los dos días consecutivos. El guitarrista que nos ofrece su sesión con entrada libre, es un destacado intérprete del instrumento cuyos dominios y técnica son reconocidos por la crítica, tras haberse especializado en el Conservatorio Amadeo Roldán (La Habana), en 2001, y ampliar en el Conservatori del Liceu del Barcelona (2017), habiendo obtenido el Premio Extraordinario, asistiendo a clases magistrales de Antonio Alberto Rodríguez, Joaquín Clerch y Leo Brouwer, lo que le permitió participar en proyectos ambiciosos con prestigiados compositores. Obtuvo galardones como el Concurso Andrés Segovia, el Internacional de La Alhambra, el Francesc  Tárrega y otros similares, como el Trujamán (2019), en su calidad de intérprete latino de mayor proyección internacional. Realizó varios registros, uno  para el sello NAXOS (Laureates Serie) y un segundo para Contrastes Record, con obras de Tárrega y otro con el Dúo Pyrophorus, para JSM Guitar Records. Entre los compositores que le dedicaron obras, están Leo Brouwer- Paisaje cubano con tristeza- y Joaquín Clerch- Estudio nº 4, para el dedo anular-, figurando en su catálogo piezas para instrumento a solo, dúos y otros instrumentos, además de fundar Pyrophorus Guitar Dúo, integrado en el grupo de fusión Barcelona Guitar Trío.  El programa de la tarde, ofrecerá una selección de piezas que van desde Nico Rojas, a A. Barrios Mangoré, Tárrega, Paco de Lucía, una pieza propia y arreglos de obras de Frederic Chopin.

 Ángel Barrios Mangoré, apunta a páginas primordiales como el Vals nº 4, Op. 8; Último trémolo o La Catedral y Preludio de saudade; Andante religioso (Allegro Solemne), muestrario de composiciones relevantes del paraguayo, que en sus años de comienzo y por sugerencia de asesores artísticos, había decidido cambiar su nombre por el de Nitsuga Mangoré . Leo Brouwer, estudioso de su legado dejaría escrito: Barrios es el primer guitarrista- compositor del Nuevo Mundo, reconocido por su universal importancia. Su música sólidamente basada en principios clásicos, abarca todas las áreas del modernismo clásico en la técnica de la  guitarra, escalas, arpegios, trémolo, uso melódico dUel bajo con acompañamiento de clave de Sol; efectos de campanella y tambor, etc…etc…  Una opinión que se constatará en obras como La Catedral o Las abejas, genuinas piezas maestras, esta última de matices impresionistas en su alarde motu perpetuo que podrá recordarnos a piezas vertiginosas como El vuelo del moscardón, de Rimsky Korsakov. En tal lid, destaca la Romanza o El zapateado del Caribe. Tres estilos confirman la evolución de su trabajo, entre el clásico, el romántico y el nacionalista, que en ningún momento podría entenderse como un encasillamiento ya que el resultado final será una amalgama enriquecedora en beneficio de los géneros. Como aliciente y por lo que pueda interesarnos, destacaremos su Divagación chopiniana o Armonías de América, modelo de sincretismo musical. La serie de sus valses, ajenos a las dependencias chopinianas, descubren al compositor en plena desenvoltura de ingenio y personalidad.

Del cubano Ñico Rojas, nacido en La Habana, tendremos la Guajira a mi madre (en tiempo de montuno), músico forjado en la admiración por los grandes clásicos, entre los que también  aparecen Tárrega, Llovet, Segovia o Blas Matamoros, espacio que ampliará a músicos populares como Arsenio Rodríguez, siendo artífice de la promoción del movimiento filin. Compositor y  guitarrista apreciado, fue bien recibido por el aficionado medio y por colegas como Vicente González Rubiera y por Frank Emilio Flyn, sobresaliendo en la sutil confluencia  entre la canción y la guitarra- lo popular y lo culto-, ya desde muestras como su trabajo Suite cubana para guitarra (1964), que ayudará a divulgar la obra de Gonzalo Roig. Maestro en el dominio de la tradición popular, dejará obras como la elegida;  Homenaje a Bebo (mambo-capricho); Elegía  a Benny Moré;  Retrato de un médico violinista (fantasía rítmica); Suite homenaje al filin. Un notable innovador en la guitarra, como reconoce Leo Brouwer. Un ideario artístico que llegará a Alí Arango, que nos interpretará su pieza Opfergabe. 

Francesc Tárrega, con su Gran jota, capricho de concertistas con un modelo de típica pieza de salón y dotada inspiración, obra recurrente a la que volverá con irresistible frecuencia en distintos tratamientos, sobre una estela que le lleva al imaginario de Julián Arcas, muy cercano igualmente a su Capricho árabe, o a Recuerdos de La Alhambra. Gran Jota (Fantasía española), aquel Tárrega afortunadamente universalizado, en obras que a la postre son reflejo de una personalidad manifiesta desde los años de formación, siempre auspiciados entre la propia composición y los arreglos. Paco de Lucía, al que en estas fechas se rememora tras el décimo aniversario de su fallecimiento, con otra de sus piezas de juventud, Guajiras de Lucía, que nos ubica en el período de la Fantasía flamenca, música en los fundamentos de los modelos de ida y vuelta, con estilos como el Punto cubano.

 El propio Alí Arango, no renuncia a su propio tratamiento en arreglo de piezas para piano de Frederic Chopin, con dos de sus piezas. Del Op. 9, el Nocturno nº 2, en Mi b M (Andante), 12/8, página que nos embriaga por su fascinación y que en cierta manera, se acerca al melodismo del belcanto, ya desde la exposición de los acordes a tres tiempos de la mano izquierda que se repiten sobre una melodía sencilla y expresiva, que se retoma en tres ocasiones con variadas ornamentaciones.  El Vals nº 2, en Do sost. m, del Op. 64, obra estrenado en la Salle Pleyel parisina el 16 de febrero de 1848, por el autor, fue obra dedicada a la baronesa Nathaniel de Rothchield, logrando con la obra una irresistible atracción por ese temperamento en el uso del rubato que define la obra en el  desarrollo de poco más de tres minutos, que se condensan entre acentos de mazurka, un detalle de vals, un nocturno central più mosso que se asemeja a un rondó, para ceder a un più lento, que modula a la tonalidad enarmónica de Re b M. Uno de los valses más perfectos y mejor resueltos de la colección.

Ramón García Balado

Mythos: Abraham Cupeiro con la Orquesta Gaos, en el Auditorio de Galicia

Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela 

  Concierto con presentación de la obra Mythos de Abraham Cupeiro acompañado por la Orquesta Gaos en el Auditorio de Galicia- día 2 , a las 20´30-, con un programa que ofrece su reciente trabajo en disco con la histórica Royal Philharmonic Orchestra, y que supone una continuación de lo que fue su auténtica tarjeta de visita Pangea, apreciada y valorada en su justa dimensión artística. Larga travesía por un mundo mítico e imaginario que nos lleva a través de siete espacios de profundo sentido descriptivo y sonoro. Requiem  for Marsias- el  sátiro-, personaje que se expresa con el aulos, frente a la cítara de Apolo, velados por el ojo atento de las Musas, preparando el segundo tiempo Pregaria de Minerva, en la que el instrumento de reclamo es el cornu, para recrear un mundo bélico.  Simurgh e a  la pluma de Oro nos sitúa .en los confines de Persia con el monarca Saam  y su hijo Zal, al que abandona en la montaña de Alborz, que desencadenará una truculenta escena.  O Océano Cósmico. O Señor da Danza, tiene como destino la civilización hindú, en el que Veruna reclama la ayuda de Shiva, a través de una danza que vencerá al detestable Apasmara.  A lenda de Sadgh, ya en la Isla de Esmeralda y  con otro de los personajes, Fiann el Blanco- supersticiones que le obligarán a su encuentro con un ciervo que se convertirá en la bella Sabgh- de la tendrá un hijo, Oisin, al que veremos como protagonista en Viaxe a Tir na NÓS, tierra de hadas, en donde hallará a Niamh quien le impondrá un duro desafío que no podrá superar. Atlantis, punto de encuentro final, nos sumerge en la ciudad de las  aguas entre visiones fantasmagóricas.  Leyenda de conclusión:  Vin creaturas extintas nas profundidades de Atlantis, luces brillando coma estrelas ocultas; escuridade do océano. Todos estes elementos vanse esvaecer nas mareas de tempo como ondas que levan os soños . E hora de mergullerse na eternidade.

La Royal Philharmonic Orchestre, la formación que hizo posible Mythos y que repite en sus confianzas, fue fundada por Sir Thomas Beecham (1946), una institución que contará con insignes directores  desde Rudolf Kempe, a Antal Dorati, Walter Weller, André Previn, Vladimir Ashkenazy, Yuri Temirkanov, Danielle Gattí y Charles Dutoit, destacando con proyectos variados destinados al gran público como The Red Shoes o sesiones em festivales de primera línea. Sir Thomas Beecham, su artífice (1879/1961), se hizo cargo en su juventud del Covent  Garden antes de fundar una primera Orquesta Filarmónica de Londres, con la que realizó grandes giras antes de romper con ella por otras ambiciones temporales preparando la refundación de la misma a partir del año citado, esta Royal Philharmonic O., con la que se mantendrá hasta el final de su vida. Beecham, fue adalid de la música inglesa, poniendo en atriles obras de de Delius, Sibelius, R. Strauss y hasta los oratorios de Händel, con arreglos personales. Los que le trataban, comentaban que era un artista de un sentido del humor poco común.

El concierto de Abraham Cupeiro con la Orquesta Gaos, fundada en 2009 y que participó en el Concurso de Piano Cidade de Ferrol, grabando un cd con obras de Juan Durán; el Coro Gaos como parte de sus proyectos, grabó el Requiem de Mozart con Borja Quiza, Carmen Subrido, Nuria Lorenzo y Francisco Corujo. Colaboraron en el LXI Festival de Amigos de la Ópera de A Coruña, acompañando al tenor Gregory Kunze,  toma los temas musicales plasmados en el registro con  la Royal Philharmonic Orchestra, en la que la dirección artística fue responsabilidad  de  Dimas Ruíz, con la participación del multi-instrumentista  y de María Ruíz, la asistencia técnica de John Barret y Matt Jones, contando como músicos invitados con los percusionistas Sergey Saprychev y Carlos Vázquez y la arpista Rosa María Rodríguez, completando los arreglos de Carlos Vázquez (temas 2,3 y 4); Hugo Paradela (1, 6 y 7); Adrián Saavedra (8) y María Ruiz además del propio Cupeiro. Grabación realizada en los Abbey Road Studios , en 2023. La panoplia instrumental siempre sorprendente ya que nos entra tanto por los ojos como por los oídos, brinda curiosidades que para muchos resultarán auténtica novedad. El aulós, instrumento de viento procedente de la Grecia Antigua, está provisto de lengüeta  similar a la tibia romana. Su aproximación a la flauta es gratuita ya que con suerte se encuadra en la familia de los clarinetes  (caña sencilla y sección tubular)  o bien el oboe (doble caña y sección cónica) . Destaca por su sonido potente y penetrante y en la mitología, por sus cualidades, se le recuerda como partícipe en el cortejo de Dioniso y en la música que requería una sonoridad penetrante. El cornu, trompeta curva de bronce, casi circular  que podía alcanzar hasta 340 cm de longitud. Su cuerpo describía casi una G y en Roma se adjudicó a diversos instrumentos de metal por lo que tuvo un carácter genérico y que le acercaría al cornu, la buccini y la tuba. Contaba con un pabellón delgado y un tubo estrecho y cónico. Un travesaño de manera, formado por el diámetro de esa G, descansaba sobre el hombro izquierdo del músico y se sujetaba con la mano izquierda, en tanto que la derecha apretaba la embocadura contra los labios.

La algozá  es una flauta recta del norte de la India de pequeño tamaño y de sonido suave e íntimo que ayuda a imaginar un mundo pastoril ya dentro de la música culta. Se la asocia a la meditación y su cuerpo de bambú, dispone de siete orificios para la digitación, uno de ellos situado en la parte inferior. El este de la India y Pakistán, conocieron un tipo de variante del instrumento.  El ney, instrumento de viento árabe que se ha conservado, fue propio en los ritos musulmanes dejando al resto para la dedicación a los estilos profanos. Su nombre es persa y su origen es desconocido, siendo común en el Próximo Oriente y en el Magreb, formando parte de las orquestas takht. También la zurna, procedente de Bagdag durante el reinado de Harum-al- Rashid, es un predecesor del clarinete siendo su origen persa un tanto dudoso. En realidad un tipo de clarinete doble zummâra que nos lleva a Egipto que sin duda influyó en su desarrollo. El kornyx, su imagen iconográfica tiene fiel reflejo en el caldero con relieves de plata hallado al norte de Jutlandia, en 1891 instrumento de bronce, común en los grandes ritos célticos proclama su distinción por la emisión de toques bélicos y - caldero de Gundestrup- que muestra a unos militares ejecutando esos instrumentos de llamativos pabellones.

La uillean pipe, quizás el más familiar, una gaita irlandesa conocida como gaita irlandesa, es Patrimonio de la Humanidad de la UNESCO, y es una de las más complejas de las cornamusas- recordemos a sus maestros como Lian O´Flynn, Paddy Moloney (que tantas veladas con hizo disfrutar con The Chieftains), o Willie Chaney-, sus raíces se encuentran en el pib uillean (plural piobai uillean), que significa gaita (s), o flauta (s) por su método de inflado .Uillean es forma genitiva de la palabra irlandesa para codo, uillinn. Un instrumento complejo y difícil que demanda gran coordinación del gaiteiro que debe manejar un fuelle para alimentar el odre, o depósito de aire, digitar el puntero y accionar con la muñeca derecha las llaves de tres reguladores que le permitan formar acordes de acompañamiento mientras está tocando, esta gaita dispone también de tres bordones. Guarda similitudes con el whistle o flauta irlandesa. 

Ramón García Balado

 

Dende as estrelas con la Banda Municipal y la Sinfónica del CMUS, en el Auditorio de Galicia

 Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

Concierto de la Banda Municipal y la Banda Sinfónica del CMUS, dirigidas respectivamente por David Fiuza Souto y Alejandro Valcárcel, en el Auditorio de Galicia-día 18 a las 12´00 h.-, para ofrecernos una sesión  en el que la mayoría de los compositores resultarán una novedad con respecto a los aficionados- Howard Hanson, Wong Kah Chu y David Maslanka- y un detalle para otro próximo a nosotros como es Juan Lois Diéguez, del que tendremos Da Capo. El músico de A Golada, realizó sus primeros estudios en el ambiente familiar repartiéndose también entre los Conservatorios de Lalín, Santiago y Vigo, colaborando desde los comienzos con formaciones como la Agrupación Harmonía,  la Banda Filarmónica de Galicia, la Banda Sinfónica de Galicia, la O.C. de Lalín, la de Prácticas de la OSG, la del Principado de Asturias, la O.C. Galega, de Rogelio Groba, la Clásica de Vigo, la English Chamber O., la RFG, ampliando experiencias en la  EAEM. Fue subdirector de la Banda de Silleda (1996/2002), y director de su Escuela Municipal. En ese ámbito docente, tuvo actividades en las Escuelas de Viana do Castelo y en la Escola Municipal compostelana. En la dirección, siguió el magisterio de músicos como Marcel van Bree, Henrie Adams, James Ross o Lorenzo Ramos y acompañó a artistas como Sergei Krylov, Ewa Poblocka, Xabier de Maistre y Joaquín Achúcarro

Wong Kah Chu (1986)- Vox Stellarum Symphony-, es un joven compositor que probó en las actividades directoriales en Singapur, para ejercer posteriormente con la Banda Militar de la SFA, tras realizar sus estudios en la Hochschule für Musik Hans Eisler, de Berlín, lo que le facilitó ampliar horizontes en la confluencia de culturas distantes, experiencia lograda gracias a la beca concedida por Lee Kuan Yew. En 2015, fue nombrado director de la O. Sinfónica de Singapur, poco antes de recibir en reconocimiento el Premio de Dirección del Conservatorio Gustav Mahler. Dirigió igualmente a la China Philharmonic O (Beijing); la Shangai Symphony O. ; la Guanzhov S. Orchestra y en el salto europeo, se encontrará al frente de la  O.S. de Nuremberg (2018/22) y la O. Hallé o la Dresden Philharmonie. Entre sus galardones: un segundo del  V Concurso Young Lovro Matacis; un primero del IV Jeunesse Musical de Bucarest y um primero del V Concurso Gustav Mahler.

David Maslanka (1943/2017), dejará Give Us this Day, compositor especializado durante su vida en obras para banda, entremezcladas con la serie de sinfonías, la mayoría inspiradas en los paisajes de la naturaleza y en concreto en los de Montana que se reflejarán especialmente en la Sexta Sinfonía- Living Earth-. Es común el trasvase de muchos de sus argumentos musicales de ese sinfonismo, a las obras que se transcribirán para banda, que en cierta manera observamos en su Octava Sinfonía, de la que obtendrá buenos argumentos el Connecticut Wind Ensemble. En este apartado de sus obras selectas, destacaron una mención reseñable A Child´s Garden of Dreams; dos de las Sinfonías- segunda y cuarta, precisamente en sus transcripciones para banda; My Lady White; Montana Music: Three Dances for Percussion Ensemble; Variations of Lost Love; Rollo takes a Walk; Arkadia II, para marimba y Ensemble.   Maslanka fue un compositor con estudios en el Mozarteum de Salzburgo y en la Michigan State Universty (1971), en donde tuvo como principal maestro a Owen Reed. Sus trabajos discográficos se repartieron entre los sellos Albany Records y Cambria Records.

Howard Hanson (1896/1981)- Chorale and Alleluia-, compositor de Nebraska y que fue director durante 40 años de la Eastman School of Music, consiguiendo convertirla en una de las más prestigiosas.  En 1944, había logrado el Pulitzer Prize por su Cuarta Sinfonía. Sus primeros estudios los realizó en el Luther College (Wahoo), para cimentar su formación en la Juilliard School neoyorquina, con el teórico y especialista Percy Goetschius, prosiguiendo en otros centros con Peter C. Lutkin y Arne Oldberg. Presentó su Primera sinfonía en 1924, que suscitaría la atención de George Eastman, filántropo y mecenas, quien le animó a organizar la promoción de la Eastman School of Music, de la Rochester University, creando escuelas que todavía se mantienen  vigentes con ejemplos como la American Clomposers Orchestal Concerts, que convoca todos los años un concurso de promoción. En el capítulo de presentaciones de compromiso, destaca esta Chorale and Alleluia, de 1954,  que acabó convirtiéndose en pieza obligatoria para interpretación en los concursos de bandas de viento. Un detalle a tener en cuenta en trabajos de Howard Hanson, es su fidelidad a la  poética de Walt Whitman, que inspirará una de sus obras sinfónicas de mayor celebridad, ofrecida en interpretación de la Orquesta Sinfónica Nacional, en Washington y en una actividad que se convertiría en auténticamente testimonial.

Ramón García Balado
    

XV Premio Andrés Gaos de Composición Musical, en el Museo A Domus, de A Coruña

 Museo A Domus, A Coruña

 Premio convocado por la Deputación de A Coruña y comisionado por el compositor Hugo Gómez Gómez –Chao Porta, y que reconoce la figura de Andrés Gaos, pretendiendo destacar la creación musical contemporánea. El Museo A Domus- día 15, jueves, que  invita a una primera convocatoria- 19´00 h.- que ofrece un encuentro abierto presidido por el director José Trigueros; el compositor y promotor Hugo Gómez-Chao Porta, quien recientemente estrenó con la RFG, dirigida por su titular Baldur Brönnimann, su obra Schattenhaft, entre el  Idilio de Sigfrido de Richard Wagner  y la Tercera Sinfonía nº 3 Singulière, de Franz Berwald, en un programa ofrecido en tres ciudades gallegas: Vigo (Teatro Afundación); Santiago (Auditorio de Galicia) y el Auditorio de El Ferrol, completando Andrés Lacasa, en su condición de  Gerente de la Orquesta Sinfónica de Galicia. El Arxis Ensemble, dirigido por Aitor Vázquez, cubrirá el concierto que incluye composiciones de seis autores y que se ofrecerá a partir de las 19´30 h., compositores como Clara Iannotta, Jacobo Gaspar, Raquel García-Tomás, Wladimir Rosinskij, Miguel Matamoro y Salvatore Sciarrino.

Clara Iannotta- Colore dell´ ombra (2010), para violín y piano-., con formación en el Conservatorio Sta Cecilia de Roma, en donde estudió flauta preparando su salto a la composición que haría a partir de 2003, realizando encuentros personales con maestros como Alessandro Solbiati, en Milán; Yan Maresz, en el IRCAM, parisino; con Franck Bedrossian, Chaya Czernowin y Steven Takasugi. En el ámbito de la creación cada trabajo resultará una aventura de riesgo por su experimentación necesaria. Trabajos como Al di là dei bianco, para clarinete bajo y trío de cuerdas (2009); Il colore dell´ombra, para trío con piano; Limun, para violín, viola y dos pasapaginas; Àphones, para 17 intérpretes (2011); Clangs, para chelo y 15 músicos (2012); Glockengiesserei, para chelo y electrónica; D´après, para siete interpretes, como un evidente resultado de que las obras no aluden a un marco orientativo posible, a pesar de ciertas  connotaciones. Señala si cabe,  etapas de esa vida creativa de la que no es ajena algún aspecto de teatralidad asumida. El sonido no se percibe ajeno al texto, valorando la importancia de los silencios y el uso de curiosos objetos empleados para redundar en la ampliación de la paleta sonora o detalles como la preparación de los propios instrumentos para lograr distintas configuraciones dentro de una hipersensibilidad de ínfimas gradaciones. Quedan al margen las dicotomías entre tono y ruido, entre electroacústica y acústica.

Jacobo Gaspar, que en breve estrenará por encargo de la RFG, dirigida poe Joanna Malangré si obra De Mar a Mar, completando con las Danzas concertantes de Igor Stravisky y la Sinfonía nº 2, en Do M. Op. 61, de R.Schumann, colabora con Rumor líquido, para ensemble. Compositor ya con trayectoria reconocida por otras aventuras como Vía Láctea. Haiku Spiral, estrenada en la misma fecha con otra de su compañero Antón Alcalde…That pale blue dot Op. 22. Se había hecho merecedor del Premio Jóvenes Compositores en su XX edición, gracias a su composición Ambar, en una final celebrada en el Auditorio del Museo Reina Sofía, con un jurado integrado por Carlos Cruz de Castro, Zuriñe Fernández Guerenabarrena, Agustín Charles, Iñaki Alberdi y Sofía Ramírez. Las obras concitadas, fueron puestas en atriles por el Grupo Sax Ensemble. Jacobo Gaspar Grandal, fue alumno en Aragón de José Manuel López  López, doctorándose en Musicología en Oviedo, recibiendo galardones como el Premio Xavier Monsalvatge, en la cita de la XX Convocatoria de la Fundación Autor CDCM o el Primero del VI International Jurgenson Competition for Young Composers, y el de Honor Valentino Bucchi-Parco della Musica (Roma). Sus especialidades abarcan la totalidad del espacio sonoro disponible que se materializa a través de modelos extraídos mimética y simbólicamente del medio natural.

Raquel García-Tomás, compositora muy en boga por óperas contemporáneas de notable sentido de la provocación, hablamos de Je suis narcissiste, estrenada en el Teatro Español o Alexia B., no menos provocadora, que seguía la misma estela y que sería Premio Nacional de Música (2020), a partir de un libreto de Irène Gayraud, para una puesta escénica de Marta Pazos, en el Teatre del Liceu, de Barcelona, con dirección de Ernest Martínez Izquierdo. Musicalmente, un entrelazamiento del romanticismo de Ferenz Liszt y los ancestrales sonidos de Hildegard von Bingen. Carrera la suya con una trayectoria desde la ESMUC, al London College of Music; la Royal Accademy of Arts y el Dresdener Musikfespiel, mientras realizaba aportaciones con el Ballet College of Music (Londres), el English National Ballet . Participó como video instaladora con el berlinés Matthias Rebstock en Büro für postidentisches Leben, destinado al Grec y en la Neutkölner Oper Berlin. Obras suyas son productos de encargos directos, desde la Casa Encendida al Teatro Español, los Coliseos de nuestro país  como los Teatros del Canal, con proyección al mundo desde El Cairo a Buenos Aires. Destaca su ópera de cámara Dido reloaded, junto a Xavier Bonfill, Joan Magrané y Octavi Rumbau.. También su obra Go, Aeneas,Go!, para la Russisches Haus der Wissenschaft und Kultur (Berlín); disPLace, junto a Magrané, para el Festival Musik Theater Tage Wien; Balena blava, con texto de Victoria Szpunberg, una colaboración con el Teatre Lliure. Suite of Myself (2022), partiendo de La Pasión según San Juan o la citada Je suis narcissiste, del período que ejercía como Residente de la Fundació Catalunya- la Pedrera, gozando del estreno en el Liceu de Alexina B., al tiempo que recibía la Beca Leonardo, de la Fundación BBVA.

Wladimir Rosinskij- Momento absurdo, para violín y chelo-, músico ruso con nacionalidad austriaca , graduado en la Ac. Krasnojarks (1996), para seguir en la Wien Hochschule für Musik, logrando un Primer Premio en Kompositions-Wettbewerb im Ramen des 10  Wiener Sommer- Seminars, de Nuevas Músicas. También el Forderungspreis (Bundeskanzleramt), para  compositores. En fecha señalada estrenó una obra de connotaciones significativas con la OSG,  PangoliNN, con motivo de la pandemia y su obra Concierto misterio, para chelo, contrabajo, orquesta sinfónica y electrónica, un compromiso con la Fundación SGAE, teniendo como solistas a Rouslana Prokopenko (piano); y Uxía Martínez Botana, con la participación de David Villa y al multi-instrumentista Abraham Cupeiro, tercera obra de gran dimensión que componía tras el estreno de la Sinfonía para  dos violas y grupo de rock, o el Concierto para violonchelo (2007). Cinco obras suyas habían sido motivo de una dedicación ofrecida en el Teatro Rosalía Castro, a iniciativa de la Sociedad Filarmónica de la ciudad, en las que participaron compañeros de la OSG.

Miguel Matamoro-Sottogrido, para ensemble- joven compositor que comenzó su andadura con trabajos como el confiado por el Consello da Cultura Galega, en fecha señalada con motivo das Letras Galegas, sobre la figura de la nominada Mª Victoria Moreno, con un concierto ofrecido en Pontevedra con la RFG, dirigida por Maximino Zumalave, y con una obra de encargo para un programa que ofrecía su obra Dous folios que foron brancos. Otras composiciones elegidas entonces, habían sido la Alborada de Pascual Veiga, en tratamiento de Juan Durán; algunas de las Canciones Xacobeas, de A. García Abril; la Dolora Sinfónica, de Gregorio Baudot y las tres estampas galegas, de Mauricio Farto. Una cita en la que participarían  la soprano Anais G. Fernández, el Collegium Compostellanum y el Coro Rías Baixas. Obras suyas fueron también Onde a espuma non chega ; Bretema; Dous Vidros inmensos, destinada a la Cátedra Manuel de Falla granadina, un ejemplo de su evolución con su maestro G. Erkoreka en Muaikene, . maestro primordial en su formación, que también se extiende a J.María Sánchez- Verdú, Anton García Abril, Horacio Vaggione o Martín Matalón.

Puestos entre maestro de la vanguardia, Salvatore Sciarrino-Lo Spazio inverso (1985), para ensemble. Compositor de credenciales seguras en las convocatorias de los ciclos de formas contemporáneas, con reclamos como Il silenzio degli  oracoli, para quinteto de vientos; Omaggio a Burri, para  flauta, clarinete bajo y violín ; Un´immagine di Arpocrate, para piano, orquesta  y coro según la poética de Goethe y Ludwig Wittgenstein; L´Invenzione della trasparenza; Allegoria della Note, para  violín y orquesta; el singspiel Aspern; Studi per intonazione del mare, para  contralto , 4 flautas, 4 saxofones, percusión y orquesta; la ópera Amore e Psiche (1971/2), con libreto de Aurelio Pes; un Lohengrin titulado como Action invisible, ya que la voz no se ve y que está dedicada a soprano/actriz, tres voces masculinas e instrumentos. Otra ópera como Perseo e Andromeda, para voces, banda y electroacústica, partiendo de Persée et Andromède ou le plus hereux des trois. Inmenso resulta el catálogo de este compositor italiano, en la élite de las vanguardias junto a Riccardo Malipiero, Camillo Togni, Luigi Nono, Luciano Berio o Franco Donatoni.  

Arxis Ensemble, grupo respetable en estas propuestas, integrado esta vez por Clara Giner (flauta), Sergi Bayarri (clarinete), Noé Rodrígo (percusión), Magdalena Cerezo (piano y celesta), Alfredo Ancilo (violín), Anna Grenzner (chelo), bajo la dirección de Aitor Vázquez, con presentación de Chus Álvarez. Nació el grupo precisamente como un punto de encuentro de las músicas actuales, apostando por las mismas en toda su dimensión y en especial centrándose en los últimos cincuenta años, a través de concietos, conferencias y talleres de colaboración, vinculándose igualmente hacia otras disciplinas. Aitor Vázquez Torres, estudió dirección de orquesta con Marc Piollet y Wolfgang Dörner, en la Graz  Universität, centrándose en el género camerístico de los siglos XX  y XXI. Dirigió grupos como el Ensemble für Neue Musik  KUG; el PPCM, de la  Kunsuiniversität Graz; el Klangforum Wien, tras recibir asesoramientos de Roland Kluttig, Gunde Jäch- Micko, Johannes Kern y Edo Micic. Participó en certámenes de vanguardia en nuestro país, colaborando con Sánchez-Verdú, Alberto Posadas, Cristóbal Halffter.

Ramón García Balado