La fabbrica Illuminata, de Luigi Nono en el VII Festival Resis de A Coruña

 Fábrica de Tabacos, Praza das Cigarreiras, A Coruña

Un espacio propicio para el programa del VII Festival Resis de A Coruña, la Fábrica de tabacos-día 11, a las 20´00 h-, para un programa que incluye La fabbrica illuminata, de Luigi Nono y el estreno  de Oda Ludita/ Sereas, de Xoán Xil, obra en la que colabora Alba Cid, para la elaboración del texto. Como intérpretes, tendremos a la soprano  Adriana Aranda; Eva Vieites- relatora-; Nikola Tenaskovich-acordeón-; Noè Rodrigo- percusión-; y el chelista Millán Abeledo.   Sereas (Oda Ludita), encargo del festival, se inspira en el levantamiento que tuvo lugar en la Fábrica de Tabacos de A Coruña en 1857, por parte de los trabajadores soliviantados que arrojaron al mar las máquinas recientemente adquiridas en paradójica respuesta a la tecnología y los medios de producción. Obra escrita para voz de soprano, relatora, acordeón, chelo, percusión y medios electrónicos, cuyo resultado sonoro es el diálogo entre seis sirenas mecánicas de la propia fábrica, hecho que permanece en la memoria imaginaria de muchas personas, representado por set de sirenas mecánicas que pueden controlarse manualmente para generar diferentes armonías complejas, entre glissandi y batimentos, manteniéndose en forma de instalación sonora activada tras el concierto.

Luigi Nono-La fabbrica illuminata-, obra clave de la sesión, nos traslada al período de compromiso social y tecnológico, con los medios electroacústicos, previos a los años sesenta, en medio de su asistencia a las clases de Mayer  Eppler, en Darmstadt sobre física acústica, frecuentadas por Bruno Maderna y Stockhausen, que continuaban la etapa de estudios con Schaeffe, en París.  Una primera experiencia había sido Omaggio a Emilio Vedova, con la ayuda de Marino Zuccheri, retransmitida por la RAI, pero el verdadero ingreso de Nono en este espacio de la electrónica, dará el salto con La fabbrica illuminata, resultado de la profundización dentro de estos recursos expresivos y el  planteamiento de su actitud intelectual y ética. Obra ésta plenamente significada por los materiales que la integran: sonidos concretos (ruidos de fábricas, más o menos transformados electrónicamente), la voz humana (a distintos niveles, pues nos encontramos con esa voz de soprano que canta-grita, los versos de Giuliano Scabia y de Pavese, así como con un coro mixto y con las intervenciones de los trabajadores de Italsider, de Génova  (Cornigliano)- en el original-, pero sobre todo, es la contaminación e interacción de los materiales hasta entonces inmiscibles, en aras de una pureza electrónica, la que torna revulsivo el resultado. Esa pretendida pureza se convierte respecto a la música electrónica, en la última avanzadilla de las teorías de la música pura.

La fabbrica illuminata observa una lectura añadida en esa relación del músico con la tecnología electrónica, superadas ciertas reticencias puramente éticas propias de los cincuenta, en lo relativo a los medios de producción musical, presume quizás con más nitidez, como el obrero, el intelectual, el músico, deben sin cortapisas apropiarse y servirse de las más avanzadas tecnologías- la electrónica en este caso-, con los que Nono define su propia postura, predicando con el ejemplo. Por sus convicciones personales, la obra fue pensada para interpretarse en fábricas como parte de sus protestas y manifestaciones. La parte de cinta magnética incluye como es sabido sonidos de maquinas manipuladas y gritos de manifestantes. Obra definida como diario sonoro de la  lucha de los trabajadores, usando los sonidos del entorno auditivo en esa búsqueda precisa del punto de vista semántico con respecto al hombre actual situado en el lugar de su liberación del sometimiento.

Dentro del contexto expresivo e ideológico, podremos hallarnos en las cercanías de Hymen (Himnos, 1967), de Stockhausen, en ese recurso de manipular grabaciones de himnos; Joji Yuasa, en Voices coming  (Voces que vienen, 1969, sobre Martin Luther King Jr.) o de forma similar,  Olly Wilson, en Sometimes (A veces, 1976, para tenor y cinta magnética), una transformación del spiritual Sommetimes a Feel Like a Motherless Child, con acompañamiento de sonidos electrónicos y la voz manipulada del tenor William Brown. Obras coincidentes con Nono, en el momento, podría ser el drama Die Ermittlung (El sumario), de Peter Weiss,   y de su propia firma, A floresta è jovem e cheja de vida, dedicada al Frente Nacional de Liberación de Vietnam, para el Living Theatre.

Xoán Xil-Oda Ludita/Sereas-, artista e investigador, está especializado en el campo de la investigación fonográfica con resultados como su tesis de doctorado en Bellas Artes, Señal/Ruido. Algunos usos del paisaje sonoro en el contexto del arte, centrada en la utilización de sonidos ambientales de creación contemporánea, Entre sus proyectos: Mediateletipos (Arte sonoro); Ulobit (improvisación); Voltage Opposite (danza), ampliando colaboraciones con Vertixe Sonora, la Compañía Gigacurcus, y las propuestas electrónicas Haarvöl, Trabajos de interés, merecen mención Air, sound and power (ZKM, Karlsruhe); El Ángel (ARTeSONoro, la Casa Encendida de Madrid); Continent Rouge (Mai Numérique, Carcassone),en colaboración con Gigacircus;  White Walk (para KUMU Art Museum, Tallin); Organscope, galardonado con la Mención Honorífica de los Prix Ars Electrónica (2021) y de las fecundas en nuestro país, recordar a mayores sus colaboraciones con el CGAC o la participación en De Lugares e Órganos, que promueven Belén Bermejo y Andrés Díaz. Fue artista en Residencia artística en Medialab-Prado, para abordar Krystallos, una instalación audivisual multicanal, presentada con otras dos instalaciones sonoras, Flautas olvidadas y Ceniza, en el Festival de arte sonoro IN-SONORA. Participó en la muestra ECHO, con la instalación Organismo, dentro del Festival Internacional Schlossmediale 2022, en Werdenberg, en Suiza.

Ramón García Balado

Oiseaux Exotiques por la Banda Municipal de A Coruña en el VII Festival Resis

 Teatro Colón. A Coruña

Juan Miguel Romero Llopis

La Banda Municipal de A Coruña se presenta en el VII Festival Resis de la ciudad dirigida por su titular Juan Miguel Romero Llopis, contando con la colaboración del pianista Julio Mourenza para Oiseaux Exotiques, de Olivier Messiaen en el Teatro Colón- día 9, a las 19´30 h-, en un programa que incluye obras de Johan De Meij-Cloud Factory-, Eduardo Soutullo- Rapsodós,  en estreno español-, e Ida Gotkovsky con Poème du feu.  Johan De Meij, en una obra dentro de sus parámetros, Cloud Factory (2011), composición descriptiva por su recreación de ambientes urbanos, en situación agónica ubicada en la Costa del Mar del Norte y que para efectos reales los instrumentos de viento se encargan de agudizar una situación de enfrentamientos descritos en lo sonoro por su recurrencia a uso de recursos estridentes auspiciados por una plantilla orquestal ampliada. De Meij (1953), compositor apreciado por las bandas en sus programaciones, es también un respetado director formado en el Royal Conservatory of Music (La Haya), en donde estudió trombón antes de entregarse a la composición y que irá dejando una serie de títulos que actualmente se escuchan con frecuencia: The Lord of the Rings; ganadora del prestigioso Sudler Composition Prize y que se incorporará al elenco de las más importantes formaciones, tanto orquestales como de bandas; La Segunda Sinfonía The Big Apple, mantendrá esa línea que tendrá continuidad en Planet Earth; Sinfonie der Lieder, además de otros conciertos para solista. Una carrera cimentada igualmente como arreglista, a partir de obras de Shostakovich, o musicales en el estilo de Chess, capítulo en el que sobresalen los trabajos para banda sinfónica. Para el autor, siempre vivió entre esos dos mundos, y en su enfoque, la orquesta para vientos es tratada como una orquesta sinfónica. En esa larga trayectoria hubo un momento en el que no abundaban las obras de estas características, marcando precisamente un punto de inflexión The Lord of the Rings. Siempre en atención en sus cuidados hacia los músicos de la plantilla, reflejado en obras como Aquarius; Loch Ness (A Scottish Phantasie); o el arreglo sobre la Jazz Suite nº 2, de Dmtri Shostakovich.

Olivier Messiaen en la adaptación de Oiseaux Exotiques, de la que Julio Mourenza será solista, obra de 1955 a través de un encargo de Pierre Boulez, y que redunda en esa pasión ornitológica9, preparando el estreno parisino en el pequeño Teatro Marigny, en el contexto de los celebrados conciertos de los Domaine Musicales, teniendo como solista a su compañera Ivone Loriod, bajo la dirección de Rudolf  Albert. En resumen, un sencillo efectivo orquestal menor que el de otras obras de planteamientos sinfónicos y orquestales, y que en esa presencia del medio ornitológico abunda en menor grado, entremezclando modos griegos e indúes. Nos quedan distantes igualmente el trino de pájaros- su gran devoción- de países muy lejanos, desde China a Latinoamérica, quedando como resultado combinaciones sonoras de lo más sorprendente- tema que nos hace irresistible esa pasión en el juego de tímbricas insospechadas. En el resultado de la obra orquestal, siempre quedaremos impactados por la recurrencia a instrumentos con importante protagonismo como el piccolo, el woodblock, la serie de gongs, tam- tam; el piano en libre vuelo de imaginación, con una reseñable exclusión de cuerdas; cuatro clarinetes; fagot, trompa y trompetas; glokenspiel, xilófono o la serie de curiosos solistas destacados en el escenario. Un cuarto de hora sin reposo para esta obra que se articula sobre un tutti central, destacando precisamente las figuras rítmicas cargadas sobre las percusiones. Para el solista de piano, serán primordiales las cinco cadenzas, en pugna permanente con el resto de la orquesta. Messiaen en su dimensión más absoluta sin concesiones al reposo.

Eduardo Soutullo, valor fijo de nuestra vanguardia entrega una obra recientemente galardomada, Rapsodós (2023), merecedora del III Premio del Concurso de Composición de Harelbecke, obra de la que dio razones la Banda Sinfónica de Vientos de Veervuit Harelbecke. Otra de las obras con galardón había sido la cantata El lamento de los girasoles, con la mente puesta en el conflicto de Ucrania, logrando el Premio Nacional de Composición. Soutullo había sido seleccionado en los Encotros Ateliers de Composition Acanthers (Metz), tras la etapa de estudios con J. Manuel  López- López, Jesús Rueda y David del Puerto. En la Universidad de Alcalá de Henares, realizó su tesina  dedicada a La obra musical de David del Puerto, en el contexto de la  creación española contemporánea. Obras suyas fueron estrenadas por nuestras orquestas, la O. Sinfónica i Nacional de Cataluñya; la ONE; el Taller Sonoro o el Ensemble Siglo XXI, entre otros. Abundan las obras comprometidas con certámenes como las Xornadas de Música Contemporánea (Santiago) y para centrarnos  bastará con que recordemos obras como But in vain; Jobs and gates at dawn (and others uchronians), encargo de la Fundación Autor AEOS; All the echoes listen, sobre la poética de Oliver Wendell; Erfahrung und sonst nichts, obra en la que precisamente se aprecian  aspectos de Olivier Messiaen y del postespectralismo o la Ouverture (From an unfinished opera) y Alén, ganadora del X Premio de Composición AEOS, interpretada por todas las orquestas de la AEOS.

Ida Gotkovisky- Poeme du feu-, compositora francesa nacida en un ambiente musical por su propia familia, comenzando por su padre el violinista Jacques Gotkovitsky y que llegó a estudiar con Olivier Messiaen y Lili Boulanger. Recibió primeros premios en su país, desde el Blumenthal  (1958), al Pasdeloup del año siguiente; la Medaille Ville de Paris (1963); el Prix Lili Boulanger  (1989), como los más prestigiados. Un amplio catálogo de obras de todos los géneros y dentro de las orquestales, la serie de conciertos para instrumentos solistas: trombón; saxofón; trompeta, clarinete o fagot, el destinado a la tuba y orquesta (1959), algunos con más de una composición. Obras para orquesta de éxito, fueron la Symphonie para cordes et percussion; Brillante Symphonie (1973); Funámbulos (1960); Jonglers; Poème Symphonie  (1973); Symphonie à la Jeunese (1993); Le cirque ballet o Le songe d´une nuite d´hiver y Or et Lumiere.

Ramón García Balado

La guitarra de Ricardo Freire, por Isabel Rei Samartim, en el Conservatorio Profesional

 CMUS Profesional, Santiago de Compostela

Concierto de la profesora Isabel Rei Samartim en el Conservatorio Profesional de Música, dedicado a la figura de Ricardo Freire Blanco- día 7 a las 20´15 h-, en un programa que recupera y homenajea su figura, como artista tras sus largas vivencias en Uruguay, país en el que cimentó su carrera antes de trasladarse a Cedeira, huyendo de la amarga situación impuesta a partir de 1973, por la dictadura de Bordaberry y su tropa de milicos infames, años tristes para Latinoamérica, en un período en el que la sombra de Henry Kissinger era alargada. Desde joven, se había formado con Eduardo Lourido Pardela, destacando su talento innato en la Banda de Música de Cedeira a la que también pertenecía su padre, aprendiendo a tocar el bombardino con su amigo Manolo Vergara y preparando ese interés que marcará su vida con la guitarra. La emigración llegará en 1952, incorporándose al Conservatorio Ravel de Montevideo, como alumno de Oyanguren, dando pronto conciertos e impartiendo la docencia en el Conservatorio América, que le permitirá realizar al tiempo trabajos alimenticios.  Añadió sus oficios como entusiasta luthier, que dejaría ejemplos como el tipo de guitarra conocida como Cedeira.

Las obras de su legado se reparten en distintos grupos, repartidos por editoriales y para muestra, los patrones que aparecerán la UEM, Schott, y otros. Obras entre arreglos y originales, a partir de Francesc Tárrega, Emili Pujol, Graciano Tarragó, Venancio García Velasco, Andrés Segovia, Nicolás Alonso o Heinz Teucher, a los que se añaden obras del XVII y el XVIII- J.S. Bach-, y los últimos arreglos: Julián Arcas, Moreno Torroba, Sánchez Granada, Jaume Bosch, Bizet, Boccherini, Beethoven, Brahms, Narváez, Oudrid, Paganini, Valderrábano, Vivaldi, Turina, Debussy, Diabelli, Aguado, Sors, Leo Brouwer y menos conocidos como Antonio Cano, Francesc de Paula Soler, Tomás Damas, Francisco Cimadevilla, en un amplísima panorámica de épocas y estilos estéticos. Caben sin duda, las obras de procedencia latinoamericana, a las que tuvo fácil acceso, por esa etapa entre 1952 y 1973, año de ese obligado exilio. Hablaremos de compositores como Agustín Barrios, António Lauro, Gaspar Sagreras, Martínez Oyanguren, J. Aguilar, António Sinopoli, Julián Aguirre, Bianqui Piñero, Isaías Sabio, León Block, Justo T. Morales, José Pierri Sapere o Pedro A. Iparraguirre.

Piezas que ampliarán su catálogo con aires de procedencia latina, desde tangos a milongas, canciones y  guajiras, zamacuecas, que se engarzan con esas otras tradiciones europeas y que divulgará por todo el mundo, incluyendo a compositoras reconocidas como María Luisa Anido, Margarita Romeu, Celia Gaggero Robledo, Elsa Bertin, Lupe de Azpiazu, Susana Gallucci o Vahdad Olcott- Blackford. Un catálogo que conserva curiosidades como Lejanía, de Abel Fleury o el Estudio popular argentino, dedicado a Consuelo Mallo López, joven prodigio gallego-argentina a quien Eduardo Blanco Amor dedicó el poema Una lagrima, de Tárrega.

Guitarra Galega (Breve História da viola (violâo na Galiza- Isabel Rei Samartím-, estudio publicado por la guitarrista, reserva un capitulo Adianto do século XX, al tema que nos interesa: Numa pesquisa inicial temo sachado noticia de concertos e atraçôes variadas, a solo, em grupos de cámara ou em orquestras de guitarra e cordófones, que constituem atraçôes duns 120 guitarristas, homens e mulheres , por todo o territorio galego actual até às décadas de 1970/80. As localidades onde se acham documentos guitarristicos históricos, mais as novas localidades que agora aparecem como recetoras ou organizadoras de música para guitarra: Návia, Ponte Caldelas, Porto  Novo, Sâo Gens, Porto do Som, Vila Joâo, Cambados, Padrâo, Ribereira, Cangas, Aldâo…A vida musical destes guitarristas, fornece fundos de partituras emcv arquivos particulares como a parte moderna do fundo de Jesús Insua Yanes, o do ceense Xosé Chas García, o do naviego Amador Campos, o de Alfredo López Fernández, de Vigo, o de Eugenio Santos Siqueiros, de Cangas, o de Manuel Fernández Deza, de Porto Novo, o de o cambadês Benito Silva o de cedeirês Ricardo Freire. Também os antigos armazéns de música conservam valiosas partituras para guitarra neste século, como as de Canuto Berea. E resultam imprescindíveis as informaçâos que se acham polos fundos de coros galegos. Este período contém um conjunto de compositores galegos para guitarra superior aos períodos anteriores. Compuxeran para guitarra, música de cámara ou conxunto de cordofones: Felipe Paz Carbajal, Jesús Bal y Gay, José Fernández Vide, Mantecón Molins e Santos Rodríguez Gómez, na primeira mitade do século.

Isabel Rei Samartim, estudió con Antonio Rocha Álvarez  para seguir con David Russell, Thomas Müller- Pering, en la Hochschule für Musik Franz Liszt (Weimar, Alemania), ganando importantes concursos y festivales y con una serie de estrenos de interés, editando trabajos como el Cancionero de Marcial Suite Rianjeira; del Valladares, Ayres de mi país, con J.L. do Pico Orjais (Dos Acordes); la Proel e do Galo; Poesía e Prosa Galega Completa, de Luis G.Amado Carvalho (Ediçôes da Galiza, 2012) ; y el registro A viola no século XIX        (Música do Sâlao na Madeira. Desde 2020, es Doctora en Historia del Arte, por la USC. Presentando la tesis A guitarra na Galiza, que trata sobre la historia de la guitarra galega, desde el siglo XII. Otros trabajos son el cd, Guitarra galega Vol I (Air Classical) y dos cuadernos de partituras de guitarra Galega, con la editorial Viso y tres con Dos Acordes.

Su programa en líneas generales, incluirá un variado repertorio desde J.S. Bach- preludio BWV 999, un barroco de entrante para continuar con piezas populares como Lágrima o Adelita; Recuerdos de La Alhambra, de Francesc Tárrega, un irrenunciable de repertorio de la guitarra romántica; la pieza dedicada a Consuelo Mallo López, ya presentada en el cometario y que se trata de Lejanía, de A. Fleury; Mar, de María Luisa Anido, interprete que comienza a recibir el respeto merecido; El viejo castillo, de Cuadros en una exposición de     Modesto Moussorgski, página apreciada por su tratamiento orquestal; el arreglo de Ricardo Freire a partir de la suite Spartakus, de Aram Katchaturian, además de dos obras del homenajeado, Preludio a Mabelita y Mabelita (vals).

Ramón García Balado                              

Concierto de cámara de la Cao, en la Sala Mozart del Auditorio de Galicia

 Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela

Nuevo concierto de la Cao esta vez en la Sala Mozart del Auditorio de Galicia- día 7, a las 20´00 h-, con una selección de obras de Robert Gerhard, Fran Danzi y el norteamericano James Stephenson. Roberto Gerhard, está teniendo esta temporada una especial atención por parte de la RFG, curso en el que pudimos escuchar obras como la Suite del Ballet Alegrías y la Sinfonía nº 1, bajo la dirección de Sebastian Zinka, una verdadera prueba de fuego tras recibir un apunte previo de la musicóloga Rosa Fernández. Ya en octubre, con la batuta de Pablo González, un programa que traía de la mano a este compositor con su maestro Arnold Schönberg para escuchar Albada, interludi i dansa, composición que recurría a la herencia de su propia cultura con las influencias de esa vanguardia en la que estaba inmerso y que había dado a conocer en el Palau de la Música Catalana en el otoño de 1937.

Dos serán las obras suyas en agenda, comenzando por el Cuarteto de cuerdas  nº1, del que serán intérpretes David Poghorosyan y Teresa Barcelona, violines; la viola Gema Gallardo y el chelista Emilio Ubaxhi. Alumnos del aula de Carlos Méndez. Esta obra camerística es una obra de plena  madurez sobre la que trabajó entre los años 1950 y 1955, período en el que los trabajos más importantes se dedicarán a las experiencias puramente dodecafónicas. Así aparecerán obras menos conocidas como el Concierto para piano y  cuerdas, estrenado en uno de los certámenes de mayor consideración en el ámbito europeo, el Festival de Aldebourgh, precisamente en la convocatoria de 1951,  siempre con la mente puesta en Benjamin Britten, quizás el músico más respetado en la Inglaterra de aquellos años. Aquel concierto citado, había sido interpretado por el pianista Mewton-Wood, y la colaboración del director Norman del Mar. De entonces, también la Sinfonía nº 1 (1952/3), que se puso en atriles por primera vez en 1955, en el célebre Festival de Baden-Baden, por la Orquesta de la Radio del Sureste de Alemania, dirigida por Hans Rosbaud. El cuarteto que tendremos, comienza con un Primer movimiento Allegro Assai, que se mantiene en el ideario de la forma sonata, con un arranque dentro de una tonalidad tradicional y que desemboca en una forma serial. Los otros tres movimientos están dotados de una vivacidad y un dramatismo que para algunos estudiosos, descubrirá detalles bartokianos. Un Allegro final, muestra una visible huella de las experiencias llevadas a cabo con la música electrónica, prueba entonces de nuevas aventuras creativas. Una obra que cae de lleno dentro de lo estudiosos como Susan Bradshaw, autora del apartado incluido en el Groves, se aceptará como música atemática, atendiendo a la apreciación del autor.  Una obra difícil que se resuelve entre el pensamiento musical y la realización sonora.

El Quinteto de vientos de Roberto Gerhard, se distribuye entre los tiempos Moderato; Andante cantábile sostenuto; Allegro giocoso ma non troppo mosso y Vivace scherzando. Para su interpretación, tendremos a Marta Zlatkovich (flauta); Sergio Rodríguez (oboe); Víctor Lardies (clarinete); Belén Carril (fagot)  y Pablo de Miguel (trompa). Profesor del grupo, Juan Ferrer, al que no hace tanto disfrutamos con la OSG del estreno de Áurea. Rapsodia concertante para clarinete y orquesta de Pacho Flores, en buen entendimiento con Christian Vásques. El Quinteto de vientos, es la primera obra de Gerhard en la que emplea la técnica serial, aunque no dodecafónica. Fue presentado como obra de fin de curso y en él se percibe la influencia de su maestro Arnold Schönberg. Para David Drew, la obra es al mismo tiempo un homenaje a su maestro y una declaración característica de independencia. Es serial, pero no dodecafónica, polifónica, pero con fuertes inclinaciones homofónicas, no tonal, en la estructura general, pero casi tonal en muchos pequeños detalles.

Franz Danzi con el Quinteto de vientos, en Sol M. Op. 56, obra en sus tiempos Allegretto; Andante; Menuetto Allegretto y Allegro. Danzi, chelista y compositor, es ese músico elegido con frecuencia en programaciones camerísticas, como vivo modelo de aquella escuela de Mannheim, de la que sería uno de sus mayores promotores. Su padre Innocenzo Danzi, había sido su principal maestro de juventud junto al abad G.J. Vogler, pero pronto encontrará un futuro profesional por su virtuosismo y su capacidad como compositor que dejará precisamente sus mejores resultados en la escuela de Mannheim (1778/81). Acaparó todos los géneros musicales y en particular en las obras cameristicas que soportaron con garantías los distintos períodos históricos, llegando a mantener una relación estrecha con Karl Maria von Weber, del que estrenaría algunas óperas.

James Stephenson tendrá su pieza Vignettes, dúo de trompeta y percusión que interpretarán respectivamente Pablo Martínez e Iñaki Iriondo. Compositor que compuso esta pieza en 2005, como solicitud del trompetista Eric Berlin, para recibir su estreno acompañado por el percusionista Eduardo Leandro . El autor y el trompetista, había sido compañeros de estudio en el Conservatorio de Nueva Inglaterra y esta pieza curiosa, se reparte en breves tiempos: Running with Lionel; Chasing Igor; Chuk´s March; Dinner with Andre; Waltz with Berlin; Leandro Perpetuo y Mox.   Stephenson es un compositor que atiende con regularidad a ciclos de masters además de compromisos como artista en residencia por Universidades. Una idea de esas actitudes son sus iniciativas mantenidas con formaciones como la Boston Pops y la respuesta a propuestas de músicos de jazz, como el saxofonista Brandfort Marsalis y el trompetista Rex Richardson. Otra curiosidad sería las obras The Devil´s Tale y el Concerts Brass, estrenado por la Orquesta de Minnesota, por Osmo Vänskä.

Ramón García Balado