El Círculo de Bellas Artes de Madrid, acoge al VII Festival Resis

 Círculo de Bellas Artes, Madrid

La colaboración con motivo del centenario de Luigi Nono y el VII Festival Resis de A Coruña, nos traslada al Círculo de Bellas Artes de Madrid -día 19, a las 19´00 h.-, en lo que supone su Séptima edición en un proyecto que se ajusta al proyecto compartido y que para la cita, nos reserva dos obras de compositor italiano a las que se añade Cold Trip II, de Bernhard Lang, teniendo como intérpretes a la soprano Johanna Vargas, a la pianista Magdalena Cerezo y contando con la asistencia de Álvaro Martín, para cubrir las exigencias electroacústicas. LAB 51, son un dúo interdisciplinar nacido en 2016, en calidad de soprano coloratura y pianista- performer, que procura en sus pretensiones ampliar repertorios en este espacio de la música contemporánea, desarrollando el nuevo concepto de Liedduo, en el que ambas artistas trabajan sobre el fundamento de entrelazar el arte vocal  y los recursos multimedia y performativos a medias con el canto clásico, incorporando al piano dentro de esos proyectos.

…Sofferte onde serene…-Luigi Nono-, será la primera pieza elegida, obra para el autor que supuso un salto cualitativo en los años setenta y una indagación para piano y cinta magnética, fruto de esa nueva etapa comprometida con el pianista Mauricio Pollini, primer vis a vis, entre ambos, con la mente puesta en la épica en forma de lamento, dedicada a Luciano Cruz: Como una ola de fuerza y luz. Obra desarrollada en el plano de la cinta a través de las grabaciones efectuadas por Pollini en los Estudios de Fonología de la RAI y con la asistencia de su técnico de sonido Marino Zuccheri- última obra de Nono dedicada a ese estudio, tan decisivo en su carrera; en lo primordial, ataques de sonidos, un teclear enormemente articulado por Pollini, el ruido incluso de los pedales del piano, todo es empleado y parciamente transformado en la cinta que se superpone a la interpretación en vivo. En apreciación de Nono: Con Maurizio Pollini, habíamos trabajado tres días en el estudio. Maurizio fue el primero en sorprenderse de los resultados obtenidos con las tomas de sonido efectuadas por ese gran maestro que es Marino Zeccheri.

Pollini fue artista comprometido junto a su compañero Claudio Abbado, en este ámbito  de los temas sociales, participando en experiencias como  Musica-Realità, en los barrios fuera de los circuitos oficiales de la música clásica, en lugares como Reggio nell´Emilia, mientras se posicionaban contra conflictos cotidianos como la Guerra de Vietnam. En estas labores didácticas compartidas sobre los compositores clásicos, se añadirían las tendencias contemporáneas, con músicos como Pierre Boulez, Karl H. Stockhausen y en buena medida el propio Nono, como se comprueba en obras incluidas en estos ciclos. Pollini, por su ascesis e integridad artística, no cejaba de ubicarse dentro de estas propuestas establecidas.  Luigi Nono, a la altura de los setenta en adelante, mostró un cambio en el orden de su pensamiento creativo y estético, colaborando con pensadores como Massimo Cacciari, uno de sus veladores que ayudarán a profundizar en el descubrimiento del llamado pensamiento débil, y aproximarse al mundo poético de Hölderling, Ludwig Wittgenstein, R.Musil  o Hugo von Hoffmansthal. Período ajeno a todo dogmatismo condicionante que traerá de la mano obras como …Sofferte onde serene…(1976); música claramente personalista a modo de un fresco visual de destellos sonoros; Fragmente-Stille an Diotima (1978/80), en la que el silencio por valor en sí mismo, resulta de una resolutiva identidad; Das Atmende Klarstein, obra naturalizada por la importancia de los recursos electrónicos en mayor grado, gracias a las aportaciones del equipo del estudio experimental de Heinrich-Strobel. La despedida de su compromiso con los Estudios milaneses de la RAI, un trabajo al que precedería la labor de entidad y perfiles elegíacos, elaborados para cinta sola en dedicatoria a Paul Dessau, asociado con Bertold Brecht y destinada para el mundo escénico Für Paul Dessau, estrenada  en Parma.

Djamila Boupacha (1962)- J.López Pacheco-, segunda pieza de Canti di vita e d´amore Sui ponte di Hiroshima sobre textos de Günther Anders, Jesús López Pacheco y Cesare Pavese, en esta ocasión para voz de soprano asistida por recursos electrónicos, obra que podrá tener elementos de complicidad con las Canciones a Guiomar, sobre Machado. Para Luigi Nono, en Canti di vita e d´amore, los tres textos empleados pertenecen a esos poetas citados, resultando una obra tripartita, especialmente encomendada a los solistas  vocales (soprano y tenor), con acompañamiento orquestal. Tendremos la interpretación acorde a lo previsto y atendiendo a resaltar la importancia debida en este previsible emparejamiento que hermana las piezas con Canciones a Guiomar, de Antonio Machado, aureoladas por el mar como tema. Estamos en los años sesenta, en los que igualmente, descubrimos la obra para el teatro de Peter Weiss Die Ermittlung, basada en documentos del proceso contra los nazis de la masacre de Auschwitz. Erwin Piscator, había facilitado el encuentro entre ambos, en los Estudios de Fonología de la RAI, que darían pie a la banda sonora.

Bernhardt Lang- Cold Trip II (2015)-, una obra encuadrable en el apartado de sus prolíficas Monadologies, iniciativas en proceso evolutivo permanente que remiten al pensamiento de Leibniz, en su contexto e ideario. Obras en las que usa recursos libérrimos siempre a  partir de clásicos precedentes sin sujeción a razones obligadas.  Lang, desarrolla originales estructuras articulatorias fundamentadas en las posibilidades que ofrecen las técnicas más avanzadas. De tal experiencia, llegarán obras como Cold Tripp II, Monadologie XXXII, para un grupo de clarinete, flauta, chelo, doble bajo y medios electroacústicos. Compositores que servirán para estas especulaciones, serán Beethoven- Sonata Hammerklavier; A. Bruckner- Sinfonia Linz-; Richard Strauss- Don Quixote-; Chopin- 12 Études- ; A. Schönberg- Kammersinfonie- o Peter Kotik, en Many Many Women.  Lang estudió en el Brucknerconservatorium Linz (Austria); en Graz, en especial para recursos electrónicos, indagando en la microtonalidad y en los recursos de jazz. Entre 1977/81, colaboró con jazz ensambles, mientras mantenía sus estudios con George F. Haas y Gösta Newirth. El espacio de los recursos electrónicos ganará consideración en el Institute of Electronic Music (IEM). Fundó en 1987, con otros músicos la asociación Die Andere Sait. Imparte regularmente cursos desde Darmstadt a la Wien Universität, y colabora con grupos de danza, fue artista en Residencia en el Theater Basel y docente en la Sächische Staatskapelle Dresden. Su primer trabajo destacado en las formas electrónicas, había sido el ciclo Differenz/ Wiederholung, inspirado en el pensamiento filosófico de Gilles Deleuze.

Ramón García Balado

Juanjo Ocón, director invitado de la Banda Municipal

 Teatro Principal, Santiago de Compostela

Dende a morriña galega, encabezamiento para el programa de la Banda Municipal en el Teatro Principal-día 19, a las 12´00 h-, y que contará como director invitado con Juanjo Ocón, para ofrecernos obras de Reveriano Soutullo, Xoán Montes y Claude T. Smith. Juanjo Ocón, ejerció como titular en la Joven Orquesta de Euskal-Herría en sus primeros años de experiencia, un forja de preparación para una carrera consolidada merced a sus precedentes en el Conservatorio de San Sebastián en las especialidades de composición y dirección con el maestro Tomás Aragués preparando ampliaciones para proseguir en los centros de educación de la República Checa. Profesores suyos de importancia fueron Kalmar, Yvasa, Svaaronwsky, Vronsky o Thrdlink. En nuestro país pudo dirigir formaciones como la O. Sinfónica de Gran Canaria, la OSG, la O. Sinfónica de Euskadi, la O.S. de Bilbao compaginando sus oficios con otras del ámbito europeo como la Orquesta Nacional de Letonia o la Orquesta Filarmónica de Bratislava. Desde 2017, ocupa plaza también en la Banda Municipal de A Coruña. Aspecto a tener en cuenta, es su interés por los repertorios corales, presentando en el Teatro Real los Carmina Burana, de Carl Orff, probando igualmente en algunas ediciones de la Quincena Musical Donostiarra.   

Dende a morriña- Soutullo y Xoán Montes-, con el añadido de un compositor norteamericano especializado en obras para banda, se trata de Claude Thomas Smith (1932/87), nacido en Missouri y con profundas raíces en esos estilos dedicados a esas formaciones de banda, de la que es ejemplo la obra Festival Variations, dedicada a conmemorar el cincuentenario de la MENC, en San Antonio, destinado a las Fuerzas Aéreas, en 1982 y que estrenaría Arnold Gabriel. Una carrera repartida preferentemente entre Missouri y Nebraska, con una absoluta dedicación a este estilo de composiciones en las que utilizará las métricas más sorprendentes para conseguir atraer la atención del oyente. Habrá quien encuentre ciertas afinidades con maestros como Igor Stravinski y Aaron Copland, influencias perceptibles en los compositores de su generación. La pieza en concreto, sorprende pues por su variedad y atención a las secciones de metal, aspecto que se descubre en muchas piezas de su amplio legado. Obras como Avondale Overture; Declaration Overture; American Song Trilogy, Black Wacht March, Stone Mountain Overture o el arreglo sobre The Battle Hymn of the Republic

Reveriano Soutullo (1880/1932), compositor inevitablemente asociado con su compañero Juan Vert por tantas impagables zarzuelas como La leyenda del beso que llegó a compartir escena en temporadas de éxito con Doña Francisquita, de Amadeus Vives, o La montería y el sainete en tres actos Encarna la Misterio y piezas jugosas en esas componendas como La Bejarena, Así se pierden los hombres y Don Quintín y Radiomanía, ampliará gran respuesta escénica con La del soto del parral.  Superando períodos de caída de interés de este género lírico, sabrán su obras mantenerse en cartel a pesar de las modas cambiantes. Para esta ocasión, lo que los buenos aficionados consideran un posible himno oficioso de Galicia, que bien merecido se lo tiene. No es otro que el pasodoble Ponteareas, que ha llegado a escucharse en interpretaciones de bandas de prestigio por el mundo adelante. Soutullo se había beneficiado de la docencia de su propio padre, entonces director de la Banda de Redondela poco antes de que comenzasen sus lides de prueba en el Orfeón Tui, de Pontevedra. De sus años de estudio madrileño, nacerán trabajos como El cofrade Matías- 1914-, curiosamente con un éxito inesperado, que preparará otros inmediatos como La paloma del barrio; Amores de aldea- que subiría a escena en el Teatro de La Zarzuela-,o El capricho de una reina, destinada al Teatro Apolo y La Garduña, para otro histórico como el Cómico. Autor inasequible al desaliento, dejará un importante ramillete de piezas para banda, bien apreciadas por los aficionados, entre las que podremos elegir la suite incluida en esta matinal la Suite Vigo, y orquestaciones a capricho procedentes del sainete de gran prestancia, La Corte del faraón, tan resultona en su ingenioso tratamiento cinematográfico o la entretenida marcha de Dolora. Otro curioso pasodoble producto de una amalgama de apuntes de opereta, desde La viuda alegre, por apuntar un preciso añadido. La originalidad de su inspiración, que se ceñirá en tomar prestados de forma obligada motivos de aires  tradicionales, aportando un ingenio propio fuera de toda duda.

Xoán Montes, la guinda del concierto por Negra sombra, para reafirmar la impronta nacionalista, el Montes de la Alborada para banda, ganadora de un Primer Premio de los Juegos Florales de Vigo de 1888, y que un año antes había recibido el reconocimiento como presidente del Certamen Musical de A Coruña, maestro que no dejará de recibir galardones en este contexto de un nacionalismo de innegable arraigo ya  desde trabajos como la Romanza para piano y canto, con mención honorífica. En 1890, con la convocatoria en A Coruña, en el Teatro San Jorge, una iniciativa del Orfeón nº 4, que dirigía Pascual Veiga, se dará a conocer Que din os rumorosos, sobre el poema de Eduardo Pondal. Cuba le esperará para dar a conocer su Fantasía, para gran orquesta y en 1893, las baladas Doce son y Negra sombra, sobre la poética de Rosalía Castro, en Follas Novas, logrará el Primer Premio del Certamen de Pontevedra, organizado por la Sociedad Económica de Amigos del País.

Ramón García Balado

Amandine Beyer Y Gli Incogniti/ Dianto Reed Quintet, en la LI Semana de Corpus de Lugo

 Círculo das Artes, Lugo

Actividades para la LI Semana do Corpus de Lugo, comenzando por Amandine Beyer y su grupo Gli Incogniti- Círculo das Artes, de Lugo-día 18, a las 20´30 h-, con un concierto anunciado como Concerti per il Principe, dedicado a J.S. Bach. Amandine Beyer, notable especialista en repertorio barroco, grabó las sonatas y partitas de J.S. Bach y sus Conciertos de Brandemburgo con Gli Incongiti, que presentará en importantes giras y ciclos, También Las Cuatro Estaciones vivaldianas, colaborando con artistas como Pierre Hantaï, Andreas Staier o K. Bezuidenhout. Chiara Banchini fue fundamental en la evolución de su carrera, en la Schola Cantorum Basillinesis. El curso pasado, la tuvimos con la RFG, en calidad de directora y concertino, para un programa dedicado a J.D. Heinichen, K.P.E. Bach y F. J. Haydn. Integrantes de Gli Incogniti serán: Pedro Sousa Silva-flauta de pico-; Manuel Granatiero- traverso-; Emmanuel Laporte-oboe-; Alba Roca y Vladimir Makarenko-violines-; Marta Páramo-viola-; Marco Ceccato-chelo-; Baldomero Barciela-violone- y la clavecinista Anna Fontana. Grupo galardonado con premios como Choc de la Musique; Diapason D´Or; Prix Charles Cros o Editor´s Choice. Trabajos que comparten con espectáculos coreográficos- Partita 2-, para Anne Teresa de Keersmaeker y Boris Charmatz, en la Wien Konzerhaus y registros desde Vivaldi, Corelli y demás barroco. Beyer formó el grupo en 2006, tomando el nombre de la Academia degli Incogniti, círculo literario/liberal veneciano.

Programa bachiano en su integridad, destacando dos de los Conciertos de Brandemburgo- el nº 4, en Sol M. BWV  1049 y el nº 5, en Re M. BWV 1050, en una dedicatoria a Christian Ludwig, margrave de Brandemburgo cuyo manuscrito se refiere a Six Concerts avec plusieurs instruments, como piezas que identifican al magnate y aficionado. Bach había hecho un viaje a Berlín para la adquisición de un teclado construido por Michael Miecke y en el transcurso de la trayectoria, conoció al margrave, tío del rey de Prusia Federico Guillermo I. Bach no desaprovecho la ocasión de dirigirse al aristócrata y auto-complacerse a gusto. Se duda de que los conciertos fuesen compuesto ex novo o por el contrario se adaptarían en ellos pasajes de obras compuestas entre Weimar y Köthen. En cualquier caso, representan la despedida del estilo de Concierto italiano. El margrave en cualquier caso, para estas obras, carecía de los instrumentos necesarios para su debida ejecución en su propio palacio. La primera edición habría de esperar hasta 1850, a cargo de Peters, en Leipzig, tras años de duda claramente adversos. Los Conciertos de Brandemburgo, tuvieron copias manuscritas que se conocían e interpretaban en distintos ambientes musicales.

El Concierto para clave en La M. BWV 1055, mantiene la duda de que su original fuese un concierto para violín o bien uno para oboe d´amore desconocidos, en resumen, la versión para clave se caracteriza por una aceptable sencillez y estamos ante uno de esos casos en el que es imprescindible la comparecencia de un segundo clave para realizar el continuo. Hay un detalle en la escritura para las cuerdas al comienzo del primer Allegro, donde el autor especifica spiccato lo que produce problemas de lectura, pues modernamente el término señala el efecto de rebote de arco. La mayor dificultad en tratar la obra como Concierto para oboe d´amore, es la idea central de que Bach se mantuvo fiel al original en la transformación para instrumento de clave.    El Concierto para violín en La m. BWV 1041, es uno de  los dos compuestos en Köthen y se acepta que de su firma, hubiesen salido muchos más para el instrumento. El modelo para estos conciertos se encuentra en los estilos italianos de Vivaldi y se piensa que su dedicatario pudo haber sido Joseph Spiess, primer violinista de la corte de la ciudad aunque el propio autor, era un consumado intérprete de violín.   El Concierto  para violín y oboe, en Do m-  BWV 1060, partiendo del Conciertos para dos claves, en esa tonalidad, mantiene la idea de ejecutarse con dos instrumentos melódicos, en concreto violín y oboe, aunque también se ha tratado con oboe d´amore, siendo modélicas las versiones de Gidon Kremer  (violín) y Heinz Kolliger (oboe) o Catherine Mackintosh y Paul Goodwin.

El Dianto Reed Quintet estará también en el Círculo das Artes mañana-20´30 h-, para un programa sugerente por su planteamiento a partir de adaptaciones para esa formación integrada por la oboísta María González Bullón; el saxo Ovidi Marí Garasa; la fagotista María Losada Burgo; el clarinete bajo Erick Steven y la clarinetista María Luisa Olmo, en un programa bajo el título genérico de La magia del duende.  El grupo fue formación residente  en Amsterdam  tras pasar por agrupaciones como la JONDE, EUYO; NJO y JongNBE. Ganó el Concurso de Juventudes Musicales, el de XVI  de Cámara  Villa de Cox ( Grachtenfestival Conservatorium Concours) o el Dutcb Classical Talent. Su nombre parte de una inspiración de la palabra que en esperanto significa clavel. Su proyecto identidades, la magia del duende combina música con la poética de García Lorca, un espectáculo que llevan de gira por distintos países de Europa. Para García Lorca, en sus escritos, existe una distinción entre cante jondo y flamenco. Distinción que se refiere a la antigüedad, a la estructura y al espíritu de las canciones. Se da el nombre de cante jondo a un grupo de canciones andaluzas cuyo tipo genuino y perfecto es la seguiriya gitana, de laque derivan otras canciones aún conservadas por el pueblo como los polos, martinetes, deblas y soleares. Las canciones llamadas malagueñas, granainas, rondeñas, peteneras, tarantas, cartageneras y fandangos, no pueden considerarse más que como consecuencia de las citadas y tanto por su construcción como por su ritmo, difieren de ellas.       

El programa incorpora a un compositor, Primo Ish- Hurwitz, que colabora como autor y arreglista en algunas de las obras, comenzando con  realizados sobre El Amor Brujo de Manuel de Falla, la gitanería estrenada en el Teatro Lara madrileño y que para el momento el libreto pertenecía a G. Martínez Sierra (María Lejárraga para la posteridad), y que estaría destinada para el lucimiento de Pastora Imperio  y su compañía con la Orquesta de Moreno Ballesteros, añadiendo traje y decorados de Néstor. En principio, una orquestación integrada por oboe, trompa, corneta, piano y quinteto de cuerda. Una versión original que esperará a la definitiva estrenada en el Trianon- Lyrique parisino, el 22 de mayo de 1925, con La Argentina, Escudero y George Wague, bajo la dirección del propio compositor y distinta orquestación. Dos años antes, el Teatro Châtelet, con la Orchestre Colonne, dio una primera audición formando parte de un programa doble, dirigido por Gabriel Pierné, dedicado al centenario  de nacimiento de E.Lalo.

Falla también por otro arreglo de El Amor Brujo, esta vez bajo la óptica de Hugo Bouma,  que seguirá a tres de sus Preludios, tratados por Primo Ish-Hurwitz,  cerrando el concierto en el que tendrá cabida un arreglo de Arjan Linker, procedente de La vida breve, drama escénico con libreto de Carlos Fernández Shaw, con estreno en el Casino Municipal de Niza, y que tendrá revisiones posteriores para presentarse en la Opera Comique, dirigida por Franz Rhulmann, las piezas próximas a lo popular, contribuyen poco al estilo dramático del espectáculo, primando soleares y danzas,  en lo que fue una dedicatoria a Ada Adiny – Millet.    Detalle de atención, será la incorporación de uno de los himnos oficiosos de Galicia, Negra sombra, de Xoán Montes Capón, en arreglo de Max Knigge.   La canción tradicional asociada al nombre del chelista Pau Casals, El cant del ocells, y paradigma de valores reivindicativos, recibirá la lectura de Arjan Linker. El Dianto Reed Quintet, se acercan al polifonismo renacentista español de Tomás Luís de Victoria en Jesus dulcis memoria, en contraste con el fandango de la zarzuela Doña Francisquita de Amadeu Vives,  una de sus comedias líricas por excelencia para su glorioso estreno  en el coliseo de El Teatro Apolo de Madrid, verdadero epicentro de la zarzuela, con estreno el 17 de octubre de 1923. Isaac Albéniz, en la Suite española Op. 47, también con el tratamiento de Hugo Bouma, para cuatro de sus páginas: Asturias, Granada, Sevilla y Castilla, dejando para Arjan Linker, Oriental  de las 12 danzas españolas, de Enric Granados, recuerdo de orientalismo en consideración para D. Julián Martí, un estilo de enorme sencillez con una bella y sentimental melodía.

Ramón García Balado

La Camerata de la OSG, dirigida por Wladimir Rosinskij, en el VII Festival Resis

 Palacio de la Ópera, A Coruña

Wladimir Rosinskij

Concierto del VII Festival Resis de A Coruña en el Palacio de la Ópera- día 18, a las 20´00 h.- con la Camerata de la OSG, dirigida por Wladimir Rosinskij, quien también presenta la versión para orquesta de cuerdas  de Animal Insomne, en un programa en el que de obligado cumplido tendremos una obra del homenajeado Luigi Nono, en su centenario, Post/praeludium per Donau (1987); el encargo confiado a Leticia Goás, por En concreto y  The Bridge of Souls (2016), de Richard Cameron Wolfe.   Luigi Nono, con Post/ praelidium per Donau, nos tienta con una composición surgida a partir del estudio de las posibilidades para la tuba y los recursos electroacústicos, ámbito de indagación que ocuparía buena parte de su trayectoria y en particular en los años clave. Para este trabajo, se verá asistido por Giancarlo Schiaffini para lograr compendiar las posibilidades de la tuba y la tecnología electrónica, en un período de cambios acelerados en estas perspectivas sonoras, lo que le facilitará una permanente revisión de las posibilidades pretendidas. La tuba electroacústica supondrá el verdadero eje radial para una obra en permanente confrontación, siempre a tenor de las demandas del intérprete solista en ese diálogo de desafío. El trabajo en la electrónica de Luigi Nono, dejará resultados ostensibles a partir de los ochenta, con el desarrollo en el Experimentalstudio de Friburgo del Sur de Alemania, perteneciente desde su creación en 1969 a la SWR (entonces SWF), uno de los reconocibles centros punteros en los trabajos de los recursos electrónicos, compartiendo labores con Hans Peter Haller, Peter Lawo, para proseguir con André Richard, camino precisamente del uso y expansión de medios expresivos y estratégicos en el movimiento de las fuentes sonoras. Habríamos de hablar de obras como Quando stanno morrendo. Diario Polacco nº 2 (1982); Das atmende Klarsein- en colaboración con el equipo instrumental de Heinrich- Strobel-, del año siguiente, en el  que también abordaría Guai ai gelidi mostri, pero mayor y definitivo impacto, supondrá Prometeo. Tragedia dell´ascolto, un verdadero aldabonazo para un híbrido operístico espectáculo, que provocará las iniciativas de los más osados directores de escena. Un espacio polimórfico sobre textos y montajes que no deja de impactar. Ejemplo será su trabajo Halaphon, aprovechando un instrumento a través de distintos altavoces en el espacio utilizado. Igualmente el intimismo subido de grado en La lontananza Nostalgica-Futura, aceptada en lo conceptual como el enmudecimiento hecho música.

 Wladimir Rosinkij- Animal  Insomne-, obra dedicada a la poética y a las fotografías de Manuel Vilariño, compañero y amigo, nos trae de nuevo a Rosinkij, músico de origen ruso y nacionalidad austríaca, graduado en viola y composición el la Hochschule für Musik (Viena), tras diplomarse en la Academia Musical de Krasnojarsk, en 1986. Fue Primer Premio del Kompoition-Wettebewerk in Rahmen des 10 Wiener-Sommer-Seminars, para las Nuevas Músicas, recibiendo el Fonderungspreis de Bundeskanzleramt, para compositores. Seguir sus labores creativas en nuestra tierra y en espacial con oa OSG, nos fue dejando trabajos de primer orden, como el Concierto Misterio para violonchelo, contrabajo  , orquesta sinfónica y electrónica, encargo de la Asociación Española de Orquestas Sinfónicas de la Fundación SGAE, obra que tuvo como solistas a  Rouslana Prokopenko y Uxía Martínez Botana, en colaboración con David Villa y el multi-instrumentista de ancestrales artilugios Abraham Cupeiro, obra ambiciosa en su pretensiones sonoras y tercera de una serie en esa forma. Ya en 2001, había ofrecido la Sinfonía para dos violas y grupo de rock, un espacio de riesgos asumidos. De más reciente memoria, resulta PangoliNN, nacida en medio del enclaustramiento de la temible pandemia del Covid-19. Otra curiosidad se recibiría por Taymir, para dos violas y orquesta, estrenada por Natalia Tchitch y David Quiggle, de menores dimensiones en lo formal. Obras de encargo para certámenes contemporáneos, no faltan en sus compromisos y para idea Fluvius Conscentia II, para violín, viola eléctrica, guitarra eléctrica, batería y camerata.

Leticia  Goás- En concreto, obra encargo y en estreno-, es trabajo de una compositora asentada en Zurich, donde comenzó sus estudios desde joven para volver a su tierra en A Coruña, continuando estudios con Nicolás Cadarso, Tatiana Prjevalskaia, logrando entonces el graduado de composición en el Conservatorio Superior de Castilla y León y en la Folkwang Universität der Kunste, con Iñaki Estrada y Günter Steinke, desarrollando masters de ampliación en la Zürcher Universität der Kunste con Niki Reiser  y André Bellmont. Asistió a masters de maestros como Tristan Murail, Stefan Prims, Grégori Lorieux, I. Diaguileva, Josep Planells, Germán Alonso, Antonio D´Anto, Hara Alonso, Sergio Moure, Ajntone Csabam Michael Obst y Stefano Gervasoni. Destaca en el espacio de la creación por su interés de las músicas programáticas para diversos espacios o el cine.

Richard Cameron –Wolfe con The Bridge  of Souls  (2016), pieza con entresijos y recovecos desde la propuesta de su propio título, un puente que recibe la entrega amorosa y confidencial a través de los anillos que se arrojan al río. Compositor de Cliveland, formado en el Oberlin College (Indiana University)  , tuvo excelentes maestros como Joseph Baustista y Menahem Pressler, en materia de composición, y que ampliaría con Iannis Xenakis, Juan Orrego-Salas y John Eaton. Se trasladó a Nueva York, en esa ambición de cimentar su carrera especialmente en la danza contemporánea y el ballet, con trabajos para el Jeffrey Ballet y la Compañía de José Limón. Una de sus especialidades será el género de las micro-óperas, breves piezas condensadas y elaboradas, elaboradas a partir de textos poéticos meditados. Sus trabajos se estrenaron en lugares como el Cosmonautics Museum, el Zhytomyr Music College, la Ivon Franko University o el Siberian Festival of Contemporary Music- Dmtry Hvorostovski   

Ramón García  Balado