La pianista Rosalía Gómez Lasheras, en el XXV Ciclo de Concertos de Outono

 Museo das Belas Artes, A Coruña

Rosalía Gómez Lasheras

Concierto en el Museo de Belas Artes en su XXV Ciclo de Outono que seguimos en su sede con entrada libre- domingo día 12  a las 12´30 h.-, y que en esta ocasión tendrá como protagonista a la pianista compostelana Rosalía Gómez Lasheras, cuyos orígenes la llevan a la Escola Berenguela con Mª José Cerviño y Alexander Gold, antes de trasladarse a Holanda en donde realizó el Bachelor Degree, con Alan Weiss en el Conservatorio de  Utrecht, y ampliar con Claudio Martínez Mehner en la Hochschule für Musik Basel, confirmando sus primeros galardones en la Young Pianist Foundation- con  el Segundo concierto para piano y orquesta, de Chopin- y un Laureates Award (2013), y anteriormente un Primer Premio del VII Concurso Int.Chopin de Minho, disfrutando del privilegio de haber asistido a masters de ilustres maestros: Mennahem Pressler, Elisabeth Leonskaia, Kennedy Moretti, Clive Brown, Rita Wagner, Ferenc Rados, Dmtri Bashkirov, Andràs Schiff Eldar Nebolsin o Lilya Zilbertein. Pianista con carrera entre Holanda y suiza, muestra interés por las formas antiguas y las tendencias  contemporáneas, asistiendo a la docencia de Edoardo Torbianelli quien paso a paso le ayudó a descubrir los recursos expresivos del fortepiano.

Tan apreciada y tan nuestra, recordamos citas como las propuestas en el Paraninfo da Universidade con obras de J. S. Bach, W.A.Mozart, A. Scriabin, D. Shostakovich, I. Albéniz y J. Brahms y con el chelista de la Real Filharmonia Thomas Piel, con obras de L.v. Beethoven, Leos Janacek, R. Schumann y J.Brahms o la más reciente dentro del V Festival de Música Antigua y Barroca, que organiza el Ateneo de Santiago, precisamente en esa dimensión en la que parece asentarse con interés, y que, como clavecinista, compartía experiencias con Massimo Spadano- concertino de la OSG-, el violinista Andrés Linares y el chelista Fernando Santiago, anunciados como Camerata Boccherini, y con el protagonismo de la soprano Jone Martínez, en el Salón Teatro compostelano. Barrocos son la clave de ese certamen que se consolida en su quinta convocatoria en la que no faltaron las ponencias de Andrés Alberto Gómez- Jean-Philippe Rameau, retrato íntimo-; el documental del mismo director del grupo La Reverencia; el arpista Manuel Vilas, indagando en un espacio de sus dominios A tradición oculta y el filme de Gérard Corbiau, retrato de una época, Farinelli, il castrato. Rosalía, con la Camerata Boccherini, dedicaron su velada a obras de G.F.Händel, Michele Mascitti, Arcangello Corelli y muy especialmente a dos cantatas händelianas: Armida Abbandonata, HWV 105 para soprano y cuerdas y Agrippina  condotta a moriré.

Aspectos en Rosalía Gómez Lasheras, en sus primeros años, recordados por ella misma, habían sido entonces el Premio del XVI Certamen del Concurso Infanta Cristina (2012), en el que para mayor satisfacción, había tenido el privilegio de contar en el jurado con maestros de rango, Manuel Carra y Albert Atenelle, una convocatoria que tenía carácter bienal, todo un reto para alguien que a esas alturas, había comprendido que el piano iba realmente en serio. Maestros consejeros no le faltaron, pero el futuro resultaba ya una perspectiva asegurada. Su participación en el curso de Peregrinos Musicales que promueve la pianista Ilona Timchenko, le había supuesto otro eslabón ambicioso, permitiéndole en plena adolescencia colaborar con la Real Filharmonía de Galicia, dirigida por Maximino Zumalave, un período en el que igualmente, había sido invitada para tocar con el ilustre Philippe Herreweghe, interpretando el Concierto en Mi b. K. 271 (Jeunnehomme), de W. A. Mozart. El espacio camerístico en el que siempre se sintió muy a gusto, tuvo un primer intento con la violinista Rebecca Maseda Longadera y el chelista Iván  Siso Calvo  

Programa el de esta matinal entre obras de L. v. Beethoven, Ferenz Liszt, F. Mendelssohn y una pianista- compositora a descubrir por los aficionados, Hèléne de Montgeroult, una figura que representará el período de la Revolución Francesa y de la que tendremos una Fantasía en Sol M. Nacida como condesa  de Charnay, padeció en propias carnes los años más amargos, llegando a ser condenada a la guillotina  por un Tribunal Revolucionario. Había recibido una excelente educación gracias a Nicolás Hüllmandel- quien posteriormente sería asesinado y llegó a tener una relación intensa en lo profesional con el insigne Battista Viotti. A mayor abundamiento, su primera pareja, el Marqués André Marie Gautier, también sería asesinado en 1784 por los austríacos, pero vayamos a otros aspectos puramente musicales ya que su figura comienza a recuperarse, dejando para el  recuerdo la exaltada actitud de resistencia, interpretando La Marsellesa con el clavecín con un estilo que arrastraría a los oyentes. Bernard Sarette, fundador del Conservatorio de París, la ayudaría en sus años de formación. Renegaría del estatus de nobleza al tiempo que editaba parte de sus fundamentales composiciones, mientras su vida transcurría entre Francia y Alemania, y entre su legado destacarán las obras para teclado y el trabajo didáctico Curso completo para la enseñanza del Forté-piano. Siempre con la idea de abordar un gran proyecto, consiguió abrir cinco clases para clavecín, de las que tres se convertirían en materia destinada al pianoforte- modelo del clasicismo- y con la presencia instructora de Muzio Clementi, también Sébastien Érard, le ayudaría en implementar con pedales sus instrumentos en la búsqueda de una mayor expresividad.

L. v. Beethoven con la Sonata nº 1 Op. 27 (Sonata quasi una fantasía), en sus cuatro tiempos: Andante, Allegro molto vivace; Adagio con espressione  y Allegro Vivace, composición que para Tranchefort encierra en tal cantidad de ideas melódicas, hallazgos rítmicos, matices y colores, y una semejante variedad de fraseo, que justifica plenamente su título y sitúa al ondulante ejecutante delante de considerables dificultades interpretativas. Carli Ballola  ampliará: Tamaña libertad formal no está justificada por una invención musical ni por un compromiso expresivo igualmente convincentes; pero pese a algunos momentos de notable elocuencia patética, el rostro de esta sonata resulta desenfocado y engañoso su fatigado y veleidoso experimentalismo, demostrando una vez más que las innovaciones formales y de lenguaje, si no vienen sufragadas por una necesidad interior, no valen  por sí solas para convalidar estéticamente una obra de arte. En resumen y ante opiniones encontradas, esta Sonata quasi una fantasía, en su sesgo revolucionario, manifiesta la arquitectura general de la heterodoxia. Las dos obras integradas en el Op. 27, expresan dos aspectos distintos de un mismo estado de ánimo.

Felix Mendelssohn con la Fantasía en Fa sost. M. Op. 28, completada en 1833 pero presentada tres años antes ante Goethe en Weimar, precisamente con ese título de Sonata escocesa, en recuerdo de un plácido retiro en Escocia en 1829, quedando a la sombra en lo posible la Op. 27, de Beethoven, que ayuda a resolver posibles dudas y divagaciones, tratándose con libertad como si fuese una improvisación. Un primer tiempo en el que alternan dos ideas: preludio vaporoso que nos acercan a una melodía popular con aire nórdico que se entrega a un movimiento continuo, típico en el autor  para ceder a otros dos más elocuentes y animados marcados por una aguda aspereza. La obra, está dedicada al ilustre Ignaz Moscheles, amigo y compañero.

Ferenz Liszt con una obra de sus Cuadernos de Años de peregrinación, en concreto del Segundo Italia, a través de la séptima pieza Après une lectura du Dante (Fantasía quasi sonata), última del grupo llamada también Sonata Dante, la más intensa de la serie  y cuyo título está tomado de un poema de Víctor Hugo, una idea que ayuda a comprender la sed lectora del compositor quien tocó una primera versión en Viena en 1839. Tres temas o grupos de temas partiendo de un Andante maestoso, construido sobre inérvalo de tritono para seguir con un Presto agitato, con dos temas, uno ascendente sobre semicorcheas febriles y que en resumen el tiempo estará saturado por abundancia de indicaciones. El Tempo rubato e molto ritenuto alcanza una coda de un apogeo teatral.

Ramón García Balado     

 

Museo das Peregrinacións, un día con música

 Museo das Peregrinacións, Santiago de Compostela

 Concierto conmemorativo del octavo aniversario del Museo das Peregrinacións- día 11 del mes en curso-, en una concierto de invitación abierta, del que serán protagonistas la chelista Macarena Montesinos en una primera actuación, entre las 12´30 y las  13´30 h., el zanfonista Ariel Ninas- 16´30 y 17´30 h-; la arpista Alba Barreiro-17´30 h., para  completar Miguel Fraile como intérprete de sitar entre las 18´30 h y las  19´30 h. Macarena Montesinos, destaca por sus trabajos como improvisadora e investigadora y el resultado fecha de especiales connotaciones y nunca mejor servida que con música. A la chelista la tendremos con piezas elegidas para esta matinal,  con la  que ella abrirá sesión. Su oficio como investigadora nos lleva a la Facultade de Belas Artes de Pontevedra y a la Universidade de Vigo en donde trabaja sobre partituras gráficas e improvisación sonora. Colabora con diversas propuestas siendo integrante de formaciones de tendencias experimentales como el cuarteto de cuerdas Suelen Estar Quartet, Napal o Fotogenia. Está integrada en la orquesta dedicada a la improvisación Orquesta Galega de Liberación tras pasar por la OMEGa y Metamovida. Cuenta con importantes registros fonográficos editados con los sellos europeos y americanos CreativeSources; Bread and Roses (USA) o Setola Maiale (Italia), y en el ámbito de las artes escénicas, participó como creadora e intérprete, además de compositora, destacando como artista en residencia, centradas en la investigación, que la llevaron desde Tanhaus a Zürich, la Casa Dimitri, Verscio Suiza o Azala Espazio de Creación y el Colectivo RPM o el Espazo de Intevención Cultural da Universidade de A Coruña, Normal. Se añaden sus aportaciones para bandas sonoras en Produccions  audiovisuais galegas como 9Fugas, dirigida por Fon Cortizo, galardonada con el Premio Mestre Mateo, a la mejor banda sonora.  

Ariel Ninas, zanfonista tiene turno entre las  16´30 y las 17´30 h.-, músico que se siente como  un activista cultural y que destinada sus preferencias a las formas tradicionales en confluencia con las vanguardias experimentales y como ideario, los trabajos compartidos con OMEGA-Orquesta de Música Espontánea de Galicia, en variados proyectos pluridisciplinares que llegan al trío Ulobit (Vikingland, Audio Atalaia, 2016, a la par con la Compañía de Danza Traspédiante. Amplia proyectos en gestión cultural y producción con Central Folque, Centro Galego de Música Popular, de Santiago de Compostela, con proyectos de intensas perspectivas que comprometen el legado tradicional por antonomasia y esa ambición de confluencia bien tramada con las vertientes contemporáneas. De ello, resultarán trabajos de meditada solvencia como los llevados a cabo con Fred Frith, Michael Fisher, Marcos Suzano o Germán Coppini (Semper Audax), para LemuriaMusic de 2015. Con la Compañía de Danza mentada, Traspédiante, de marcado signo contemporáneo, formó parte del elenco con motivo del registro de la banda sonora Habelas, premiada en el Injuve, de  2020. A medias con César Prata, indagó en la tradición de los cantares de cego de Galicia e Portugal, llevados a registro fonográfico, piezas que toman modelos de los romances, los parrafeos de enamorados, feitos históricos , relatos heredados de los romanceiros y feirantes. Con Catarina Moure, habían probado una experiencia similar  sobre piezas recuperadas de lugares como Mesía, Pinhel, Viseu, A Guarda o A Fonsagrada, y otras tonadas que recurrían a la poética de Fernando Pessoa. Piezas en conjunto, para ser acompañadas por voz, zanfona, guitarra, concertina, armónica, adufes y percusiones

Alba Barreiro, arpa, estará entre las 17´30 y las 18´30 h., intérprete formada en la ETRAD, en la especialidad de arpa celta con Rodrigo Romaní, siempre apreciado como miembro fundador de Milladoiro y que posteriormente se dedicará a la investigación musicológica. Pasó después a la Orquesta Folk Sondeseu, formación de larga trayectoria en ese ámbito cultural, manteniendo su presencia en giras por los más prestigiados lugares dedicados a las músicas con raíces, con resultados de interesantes registros discográficos. Estuvo también en la Orquesta Joven de la Sinfónica de Galicia, como arpista colaboradora principal y también en la Real Filharmonía de Galicia, con la que fue protagonista el curso anterior del programa presentado como Desde Gales, en el mes de febrero y bajo la dirección de Sian Edward. Un programa en el que pudimos escucharla en la obra de Catrin Finch, el Concierto para arpa y cuerdas, sesión que añadía además la Introducción y Alegro Op. 47, de E.Elgar; las Welsh dances (suite nº 1, op. 15), de Alun Hoddinot y la Primera Sinfonía en Mi m. Op. 32 (Gaélica), de Amy Marcy Cheney Beach. También colaboró con el TAC; la Orquesta 430 y artistas como Abrahán Cupeiro, Carlos Núñez, Xabier Díaz o Anxo Lorenzo, participando en Festivales como Músicas no Claustro (Tui); Achil Int. Harp Fest o el Internacional de Música y Danza, de Granada. Realizó un trabajo dedicado a obras de Andrés Gaos  y Jesús Bal y Gay, en transcripción para arpa sola o en trío. Compagina su trabajo con la dirección de Noia Harp Fest.

Miguel Fraile (sitar), cerrará la jornada entre las 18´30 y las 19´30 h-, músico que comenzó a interesarse por el sitar hace una década mientras se especializaba como dotado guitarrista, investigando en calidad de musicólogo el legado de Agapito Marazuela. Completó sus estudios en el Conservatorio Profesional Superior de Vigo y demostró ostensibles preferencias por el flamenco y las formas tradicionales, pero para la ocasión le tendremos como intérprete de sitar, que le acompañó en importantes festivales y certámenes. El sitar, ese instrumento divulgado a partir de los setenta en otros contextos culturales, es un instrumento de cuerda pulsada perteneciente a la tradición hindú, y que puede asimilarse a una especie de laúd, con un presumible arraigo cortesano que con fortuna en su origen, pudo ser inspirado por el músico y poeta persa Yamin ud Kh Usrow (1253/1325), también conocido como Amir Usrow (Amir Khusto), artífice de la música devocional sufí qawwali. Su nombre procede del persa setâr, es decir, de tres cuerdas, por más que algunos le consideraran derivado del griego citara, probablemente a través de textos bizantinos. La alusión al número de cuerdas,  explica que entre sus primeras denominaciones se contara también tritantri-vinâ, que en sanscrito significa vinâ de tres cuerdas. Denominaciones tardías suelen ponerle en manos de Sarasvati, sin embargo es elemento que carece de iconografía mítica como nos trasmite Ramón Andrés en su Diccionario de Música, mitología, magia y religión.

Ramón García Balado

Aaron Zapico dirige a la RFG entre obras de Charles Avison y F.J.Haydn

 Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela 

Aarón Zapico

Programa de amplio espectro en el que se concede Aarón Zapico en el Auditorio de Galicia con la RFG-día 9 a las 20´30-, y la preceptiva sesión Conversando con…19´45 h., en la Sala Mozart, que nos pondrá al día sobre este programa elegido, desde el barroco al clasicismo, bajo el aliciente de Le Grand tour. Aarón Zapico, respetado intérprete y director asturiano es especialmente apreciado por sus aportaciones musicológicas con sus colegas Forma Antiqua, que nos dejó registros modélicos: Bizarro!!; Rara Avis, con el contratenor Xavier Sabata; Opera Zapico: Ópera de Monteverdi a Mozart; Vivaldi (Quattro Staggioni); Sopra Scarlatti: Cantate à voce sola-con la soprano María Espada-, o Crudo Amor, duetos de amor, con el contratenor Carlos Mena y  la soprano Eugenia Boix. Es artista de los sellos Arsis; Winter & Winter y Columna Musica. Estudió en el Koninklijk Cons, Den Haag (La Haya), con Jacques Ogg, y colaboró con formaciones de élite: Accademia del Piacere; Orpheon Consort Wien; La Caravagglia; La Real Cámara; La Ritirata o El Concierto Español, con quien tuvimos ocasiones de escucharles, mientras reparte compromisos con su colegas Emilio Moreno, Fahmi Alqai o Franz Brüggen.

Un repaso por nombres como Charles Avison- Concerto grosso nº 5, en Re m., sobre las sonatas de Domenico Scarlatti, obras que conocieron divulgación reciente gracias a la labor de Café Zimmermann, con Pablo Valenti-concertino-, tratamiento realizado con idoneidad y criterios idiomáticos. Otra idea la aportaría la lectura de Roy Goodman con el Brandenburgh Consort. Un compositor, Avison, que dejará argumentos por sus Concerti Grossi Op. 9 y los Op. 6, que prepararán espacio hacia estos 12 Concerti Grossi sobre las obras de Scarlatti, que posteriormente conocerán transcripciones para clave, un aspecto que será constante en el conjunto de sus obras, recreando sutiles ambientaciones que remiten al mundo sonoro de Scarlatti. Avison había seguido la escuela de Geminiani, forjándose como organista en la iglesia de St. John y de St. Nicholas, de Londres.

José Castel-Sinfonía nº 3-, destacó como músico para el teatro en Madrid (1769/81), compartiendo tablas con Aranaz, Blas de Laserna, Esteve o Mariano Bustos, siempre en el contexto de aquel estilo de zarzuelas entretenidas y jaraneras. La hermosa gitanilla en El Coliseo o Los negros y los moros, tienen su valor por su estilo como sainete, en especial para solos y coro- un detalle por el coro de moros y moras Viva Majoma y el de negros Que todos los negros bailan el cumbé-, exotismos que no empañan el aire de seguidilla a solo: Atención señoritas y caballeros, que con gran aceptación propalaba Lorenza Santisteban. Uno más entre las mojigangas y las tonadillas, que dedicará con dominio estas formas de obras concertantes y sinfónicas, acertado ensamblaje para esas obras escénicas de asegurada aceptación entre los madriles del XVIII, mientras colaboraba con Ramón de la Cruz, en las aventuras de mayores vuelos.

G.F. Telemann, con la obertura de La Bizarre, en Solo M.,  El galante Telemann a caballo de épocas y estilos, fundador del Collegium Musicum de Leipzig además de director de la Ópera, que le granjeó más de un problema, fue innovador por la vía de urgencia tanto para él como para la posteridad, a pesar de infortunados desencuentros con Kuhnau y sobrellevar responsabilidades como Kantor, en esa  ciudad. Pudo conocer a J.S. Bach en Eisenach, compaginando labores poco después en Franckfurt der Maine, ya respetado por su entusiasmo en trabajos escénicos, bastantes recuperados desde decenios recientes. Prolífico por naturaleza, se relajará con seguridad en el estilo de estas formas de obertura que solían manejarse dentro de modismos alla francesa, un peculiar y acido sentido del humor, para lucimiento de las orquestas destacando la plantilla orquestal disponible y que le convertirán en compositor de éxito asegurado por sus acentuaciones pintorescas. Ases bajo la  mano para mostrarnos su sentido del humor.

Johann Sebastian Bach  con la Sinfonía de la Cantata  Am Abend aber desselbigen Sabbaths BWV 42, para el Domingo Primero después de Pascua (1725) sobre texto de autor desconocido al igual  que la BWV 6. La Sinfonía inicial, muestra un carácter arrollador e impositivo, con acentos brillantes que en ocasiones comunes, se confían al coro de entrada. Con seguridad parece un movimiento de concierto para obra de talante distinto como vemos en obras anteriores, una orquesta dentro del estilo de Concerto grosso, dividido en dos grupos, un trío de instrumentos de viento (dos oboes y fagot), y la cuerda en apoyo del continuo. Estos grupos presentan un material muy parecido que intercambian de acuerdo a la técnica concertante.

Franz Xaber Richter y la Gran Sinfonía  nº 4, conocido en Francia con ese nombre aunque con seguridad, procedente de Moravia y genuino representante de la Escuela de Mannheim, destacando en sus quehaceres por su sapiencia contrapuntística. Los Mozart llegaron a tratarle en París, aunque la consideración mutua no dejase opiniones positivas. También tuvo tratos con Marie Antoinette, un músico pues, cosmopolita que fue un dotado maestro en todos los frentes, siempre bien recibido en el entorno de la familia real de los Habsburgo, llegando a ser Vize-Kapellmeister en Kempten, con el Prínicipe Abbot Anselm von Reichlin-Meldeg. Compositor de música sacra, se aseguró el cargo de Cammercompositeur a partir de 1768, que le facilitará dedicarse intensamente a estas músicas camerísticas, que le ubicarán como un creador casi pasado de época, permaneciendo con todo sus oficios como maestro por su tratado Harmonische Belehrungen oder gründliche Anweisung zu der musikalischen Ton- Kunst oder regulärem Komposition, basado en el Gradus ad Parnassum, de Fux.

F.J.Haydn-Sinfonía nº 30, en Do M. Alleluia, de la serie de Sinfonías Eisenstadt I (1761/5), el nombre atribuido responde precisamente al Allegro, en el que figura el alleluia gregoriano de la Víspera de Pascua, con el sencillo cambio de una nota y que Haydn adaptará para el trío para baryton, en Re M. Hob, XI. 64 (1767/8), un instrumento que caerá en desuso, a excepción de pequeñas agrupaciones que llevando su nombre le rescaten del anonimato. El propio Mozart, su alumno, retomará el tema en el Alleluia K. 553, esa resolución por temas gregorianos, será un acercamiento tímido dentro de una intención de tratarlo de forma discreta y pudorosa, oculta entre las voces internas- segundos y viento, al tiempo que lo primeros observan una nutrida ornamentación. El Andante goza de resueltos adornos en la flauta mientras las trompas permanece silenciosas, y el Tempo di menuetto, se remarca en su alegría desbordante resaltando dos tríos de la sección principal, quedando el primero como un ländler, entre flauta y cuerdas.

Ramón García Balado  

 

Toni Cantal: O Neno de Pau, con la Banda Municipal y la narradora Cristina Collazo

 Teatro Principal, Santiago de Compostela

Dende a imaxinación, espacio de los conciertos matinales de la Banda Municipal, en el Teatro Principal-día 5 a las 12´00 h-, reserva su velada a la serie de conciertos en familia, que para el evento, tendrá como aliciente principal a Toni Cantal, por su poema musical-fantástico O Neno de Pau, bajo la dirección de David Fiuza Souto, quien ya le tuvo en agenda en otra convocatoria, a lo largo de varias fechas y en distintos pases con pretensiones divulgativas.

O neno de pau se había ofrecido con la O.F. de Pontevedra dirigida por Xabier  Viceiro también para los conciertos en familia y con la Banda Municipal en 2012, con Juan Lois Diéguez, repitiendo en el Conservatorio Superior de Vigo y en el Auditorio Martín Códax. Para el autor: Este traballo pretende en primeiro lugar explorar o interese que suscitan e analizan as características mais importantes das investigación que se levaron a cabo estudiando de preto estas experiencias co fin de obter o perfil do alumnado que asiste as mesmas e conocer a opinión que esperta neles este tipo de actividades de fins educativos. En segundo lugar, existe unha vinculación directa, dentro da súa labor compositiva, o interés na creación da música integrada nun espectáculo que leve a agrupar a todas as artes e que encerre en sí mesmo obxetivos de carácter didáctico para que poida ser empregado como ferramenta fundamental dun proceso de apredizaxe rico, artístico e creativo e enmarcado dentro dunha educación global. O neno de pau, se resume  nun país habitado por fadas, trasnos e  outros encantos, entre xogos e risas. O trasno Rosmón; Paula e o seo avó, entre feitizos e adivinanzas, que pode semallar a mundo de Carlo Collodi.

Cristina Collazo Gómez, la narradora, realizó un máster sobre literatura española en la U. Complutense de Madrid, y realizó su licenciatura centrada sobre Teoría y literatura  comparada, además de su tesis dedicada a El teatro cervantino. De sus trabajos frecuentes a través de distintos medios, merecen mención los dedicados al teatro: María Pita,conversas cunha heroína; el musical Animalia; Procúrase Pepa a Loba (Agadic); A gata con zocos, comedia para banda; A Divina Comedia , con la Banda de Vilatuxe; A fotógrafa; Carmiña a Meiga (contacontos). También como instrumentista de trompa, colaboró con Bandas entre las que destacan las de Ordes y Bandeira o la Artística de Merza, con J. Ortega.  

Para completar cartel, otra obra acorde y ciertamente universal, lo que sería el ballet Ma mèr l´oye (Mamá oca), de Maurice Ravel, el francés ciertamente seducido por el mundo de la infancia, y que para efectos, recurriría a un relato de Colette, con una sentida dedicatoria para los hijos de sus amigos los Godesbki, en un conjunto de breves piezas para el piano a cuatro manos, que ayudarían a evocar aquella infancia cercana a las fantasía de los relatos de Charles Perrault. En consecuencia, un trabajo ingenioso que se dará a conocer en la Salle Gaveau parisina (1910), con interpretación de Germainini Durony y Jeanne Leleu, para aquella obra en forma de suite. Poco tardaría en realizar su orquestación, extrayendo de ella una suite de ballet, en una dedicatoria a Gabriel Grovlez, añadiendo como complemento un Preludio.

Las tentadoras adaptaciones para otros recursos interpretativos, no tardarán en aceptarse por la singularidad de la obra, a partir de ese Preludio, que se anuncia como pasaje de recreación atmosférica, para adentrarnos en la Danza de la rueca, en la que nos encontramos con la princesa Florinda que desvanece tras pincharse con la rueca de una vieja y la figura de un infante que salta a la comba. La Pavana de la Bella durmiente del bosque, nos descubre a la vieja transformada en el hada Benigna acunando cuentos de ensueño dedicados a la princesa, revivida por el sonido de una flauta y por un clarinete, con acompañamientos de cuerda en pizzicato de cuerda- en la versión orquestal-, el encuentro entre la Bella y la Bestia, dio juego a recreación de importantes matices entre las distintas versiones, destacando precisamente la presencia del arpa. Pulgarcito, nos traslada al bosque para descubrirnos a los hijos del leñador, entre pájaros que se escuchan en medio de un jolgorio festivo, cuidadosamente descritos por la plantilla instrumental, y así hasta el quinto cuadro, Laideronette, emperatriz de las pagodas, curioso tema seductor magnífica muestra del genio impresionista del francés, merced el uso de un humorismo cargado de colorido y que se traduce en forma de marcha. El jardín mágico, reluce de nuevo por el canto de pájaros, mientras el Príncipe Encantador, despierta a la Princesa de su letargo. Media hora de música encantadora, en un perfecto equilibro con el relato musical de Toni Cantal. 

Ramón García Balado