Auditorio de Galicia, Santiago de Compostela 
Ensemble Modern
Las Xornadas
de Música Contemporánea vuelven a repetir la idea y el proyecto de
lo que había sido hace un par de convocatorias Poñer o foco, con JONDE
FOCUS, entonces bajo la dirección artística de Fabián Panisello, entonces con la colaboración del Plural Ensemble,
entre las actividades de los cinco primeros conciertos. Caleidoscopio, nos invita al Auditorio
de Galicia- día 5 a las 20´30 h-, en esta primera actividad en la que será
protagonista Ensemble Modern y la JONDE, bajo la dirección de Pablo Rus Broseta, con obras de Mauricio Sotelo, György Ligeti, Helga Arias y George
Benjamin. La JONDE, nacida por iniciativa del INAEM y con cuarenta años de trayectoria, fue dirigida por maestros
como K. Penderecki, López-Cobos, Gunther Schuller, Juanjo Mena, Arturo Tamayo,
Peter Rundel, A. Ros Marbà, C. Halffter, V. Petrenko, J. Pons o G. Noseda y V.
Pablo-Pérez. Mantiene una relación habitual con la Fundación Ferrer-Salat, asistiendo a certámenes de referencia como
los BBC Proms; el Festival Enescu; el World Expo Hannover, la Expo de Lisboa,
el Summer Music Fest. o el Festspiele Mackelburg- Vorpomern y el Scheswig-
Holstein. Fueron sus directores artísticos Edmon Colomer, Llorenç Caballero, J. Luís Turina y desde
2020, Ana Comesaña.
El Ensemble Modern, fue fundado en Frankfurt am Mein (1980), abarcando iniciativas que van desde el teatro musical a la danza, los géneros camerísticos y orquestales, siempre con la idea de colaborar con artistas avezados en las tendencias actuales como John Adams, Mark André, G. Benjamin, Peter Eötvös, Brian Ferneyhough, Heiner Goebbels, Hans Werner- Henze, György Ligeti, Cathy Millen, Helmut Lachenmann, Brigitta Muntendorf, Olga Neuwirth, Steve Reich, Rebecca Saunders. Wolfgang Rhim, Simon Steen- Anders, Karlheinz Stockhausen, Mark- Anthony Turnage, Hans Zender, Mauricio Kagel, Gyorgy Kurtag, además de compositores españoles que responden incorporarse a sus patrones de creación. Tiene su propio sello Ensemble Modern Media con el que grabó más de 150 registros, fundando en 2003 su Academia Internacional Ensemble Modern IEMA, y cuenta con la financiación de la Fundación Cultural Federal Alemana, del Municipio de Frankfurt, la Deutsche Ensemble Akademie.
Pablo Rus Broseta, fue nombrado director- asistente de la Seattle Symphony O., dirigiendo a artistas como Itzhak Perlman, René Fleming, Joshua Bell, Beatrice Rana, Yo-Yo-Ma, Edgar Moreau o Ingrid Fliter. Pasó por formaciones como la BBC S.O., Dedicando un monográfico a Pierre Boulez, para seguir con la Royal P. Liège; la Basel Sinfonietta, la O. y C. de la Nacional de España; el Ensemble Intercontemporain; la WDR Sinfonieorchester Köln; la SWR Symphonieorchester Stuttgart; A Casa da Música (Oporto; el Ensemble Modern Franckfurt; el Transart Fest. de Bolzano; la Donaueschinger Musitage o el ESEM, de Valencia, estrenado obras de Wolfgang Rihm, Hans Zender, Thomàs Ades, Magnus Lindberg, Francisco Coll y Pierre Boulez. Editó su primer c (2018) con la Seattle Symphony (Canteloupe Music), con música de Michael Gordon y en 2022, repetirá con obras de Marc García Vitoria, con la Joven de la Comunidad Valenciana. Estudió en Amsterdam recibiendo asesorías de David Zinman, Kurt Masur, Steven Sloane, François- Xavier Roth y Bernard Haitink. En 2011, había fundado en colectivo de artistas Grup Mixtour.
Mauricio Sotelo- De imaginarium, signarum et idearium II (2022)-, obra que remite a Giordano Bruno (1548/1600), en lo relativo a su tratado De imaginarium signorum et idearium compositione , centrado en las indagaciones sobre los sistemas mágico- nemotécnicos , basados en el espacio de un contenido espiritual de primera expresión que da entidad al protagonismo de los sistemas simbólicos. La arquitectura sonora resultante como teatro de imaginación, para esos lugares de materia universal, redunda en un sistema espacial que se detiene en cada punto para fusionar los elementos productores del sonido (velocidad, movimiento, presión de aproximación o cantidad de aire…) para llegar a un punto de explosión de un mundo ínfimo en infinidad de trozos, sobre una microtonalidad en la que los sonidos se resuelven en imperceptibles niveles de intensidad, peso y brillo. Una pieza dedicada a Peter Paul Kainrath y al Klangforum Wien.
Gyrgy Ligeti-Hamburgisches Konzert (1998/ 9)-, obra en sus tiempos Praeludium; Signale-Tanz - Choral; Aria-Aksak- Hoketus; Solo- Intermezzo- Mixtur- Kanon; Spectra; Capriccio e Hymnus. Para el autor, seguidor de Béla Bartók, se encuentran elementos de la tradición occidental en sus folklores o músicas africanas. Una obra de sus años postreros, inspirada en las posibilidades tonales de la trompa natural de afinación no temperada aprovechando con ello sus recursos expresivos y con la incorporación de cuatro trompas afinadas de forma distinta, en la orquesta. Un artificio en el que el uso de armónicos para combinaciones de acordes, Ligeti nos deja esta obra en su pleno desarrollo, en siete tiempos, un encargo de la ciudad de Hamburgo, en donde fue estrenada en 2001. Destacan los subyugantes efectos sonoros, como tonos sin temperar en las trompas naturales. El Praeludium apunta quintas paralelas entre la trompa solista en Si b, una trompa natural en Mi b o las campanas tubulares en el bajo para crear un efecto críptico y contemplativo. El segundo tiempo Signale-Tanz-Choral, las trompas tocan en diferentes afinaciones produciendo acordes que llevan a un Choral lento sobre ritmos precisos. El tercer tiempo Aria-Aksak- Hoketus, se acompaña del cromatismo de las cuerdas mientras sostiene un diálogo entre instrumentos de viento-madera y las trompas naturales ampliando una música convulsa, preparando el cierre del tiempo. El cuarto movimiento Solo- Intermezzo-Mixtur- Kanon, resulta un solo apacible al que siguen las cuerdas de manera rítmica y acentuada, con detalles de percusión y precisiones de vientos con un aire jazzístico. Spectra, mezcla sonidos de gesto pausado hasta un final orquestal intenso. Capriccio, tiempo intenso y sarcástico, muestra un vigor acorde preparando el Hymnus, en el que el instrumento solista queda en silencio mientras las cuerdas y vientos naturales se imponen con poderío.
Helga Arias- Traces of Blast (In Aftermach of Explosion) 2024-, estreno de la JONDE, ejemplo de esta compositora que estudió con Mario Garuti, Beat Furrer, Javier Torres Maldonado y Karlheinz Essl, especializada en relaciones entre la resonancia acústica y electrónica que indaga en las variaciones microscópicas de los fenómenos sonoros . Traces of Blast, es una de sus indagaciones que tientan trasmitir las secuelas de una explosión a través de medios de la orquesta en una metáfora sonora que capta modelos turbulentos implicando al oyente en esa serie de explosiones ínfimas en la que la orquesta se maneja en una forma de cacofonía de sonidos disonantes que representan al caos. Las cuerdas evocan una sensación de melancolía mediante enternecedoras armonías; las maderas y los metales, contribuyen por el tramado de sus texturas representando la dispersión y la desintegración con fuertes contrastes de repentinos crescendos que simbolizan imprevisibilidades y turbulencias emocionales inherentes, consecuencia de esa explosión.
George Bemjamin- Three inventions 1995)-, para 24 intérpretes- 7 vientos, 4 metales, arpa, piano, 2 percusionistas 9 curdas-, es un encargo de la fotógrafa Betty Freeman, para el Festival de Salzburgo de 1995, y para el autor, la discrepancia de duración y el resultado de los movimientos resulta intencionada. Una Primera invención que recrea una atmósfera esencialmente luminosa y apacible se muestra como una breve introducción que nos lleva a un sonido a cargo del fliscornio, cuya línea melódica nos conduce a un contraste en permanente transformación. La Segunda invención, ágil, rítmica e inquieta, viene marcada por el corno inglés que se encumbra más allá del virtuosismo, con figuraciones irregulares y entremezcladas hacia un enérgico tutti, que regulará la métrica final, confiada al clarinete. La Tercera Invención, remite a la primera en cuanto a su tramado técnico con un trazado distinto en el que gongs y bombos, en afinaciones antifonales rodean una red de materiales amalgamados a través de octavas de bajo lentas, armonías flotantes, escalas veloces dentro de una estructura de combinaciones siempre cambiantes con variedad de recursos melódicos, desde el piano al contrafagot o el bombardino y las propias cuerdas.
Ramón García Balado
